28/10/08

Banderas de nuestros padres

*Crítica realizada el 10 de Enero de 2007 por Mr.Memory.

Banderas de nuestros padres dirigida por Clint EastwoodTÍTULO ORIGINAL: Flags of Our Fathers
AÑO: 2006
DURACIÓN: 132 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Clint Eastwood
GUIÓN: William Broyles Jr, Paul Haggis (Libro: James Bradley, Ron Powers)
MÚSICA: Clint Eastwood
FOTOGRAFÍA: Tom Stern
REPARTO: Ryan Phillippe, Jesse Bradford, Adam Beach, Paul Walker, Jamie Bell, Neal McDonough, Barry Pepper, Robert Patrick, John Benjamin Hickey, John Slattery, David Patrick Kelly, Jon Polito
PRODUCTORA: DreamWorks / Warner Bros. Pictures / Malpaso / Amblin Entertainment

Relato de la batalla de Iwo Jima, un sangriento episodio de la Segunda Guerra Mundial en el Pacífico ocurrido en marzo de 1945, y que quedó inmortalizado por una foto de unos soldados colocando una bandera norteamericana que hizo historia.

Clint Eastwood es, según mi modesta opinión, el más grande de los realizadores vivos en activo, un abanderado de la narrativa cinematográfica clásica y un humanista que da sentido universal a las historias que cuenta, independientemente del tiempo y el espacio donde se ubiquen.

Es por ello que uno espera siempre lo mejor de sus películas, situando el nivel de exigencia por encima de lo que acostumbra. Con todo esto, quiero contextualizar mi opinión sobre Banderas de nuestros padres, ya que me parece una buena película (mucho mejor que la gran mayoría de películas estrenadas este año), pero no es la obra maestra que yo presumía a priori.



Las principales virtudes del film son su maravillosa fotografía en tonos azulados, las vigorosas escenas bélicas rodadas en Islandia y, sobre todo, su apabullante tramo final, en el que Eastwood coge el testigo de John Ford para contarnos, de la mejor manera posible, como el Estado que decidió encumbrar a la categoría de héroes a unos muchachos que intentaban sobrevivir con armas y camaradería al infierno de la guerra, abandona a esos otrora héroes nacionales en el más absoluto de los olvidos, en un vacío existencial en el que ya no queda nada de los niños que fueron.


Por contra, hay que decir que la mayoría de los defectos que minan el resultado final de la película radican en su guión. Resulta ser reiterativo y los flashbacks subjetivos que hay dentro del flashback principal hacen que haya una pérdida de continuidad, así como que al espectador le resulte complicado identificar a determinados personajes. Cabe decir también que lo que nos es narrado en tiempo presente, como ya sucedía en Los puentes de Madison, no aporta nada positivo a la historia, sino que más bien lastra el resultado final.

Y, después de estas disquisiciones, ya sólo nos queda esperar, con ansia infantil por mi parte, el estreno de Cartas desde Iwo Jima y así poder pasar otro buen rato con ese amigo americano que se llama Clint Eastwood.

Puntuación

27/10/08

Pink Flamingos

Pink Flamingos dirigida por John WatersTÍTULO ORIGINAL: Pink Flamingos
AÑO: 1972
DURACIÓN: 95 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: John Waters
GUIÓN: John Waters
MÚSICA:-
FOTOGRAFÍA: John Waters
REPARTO: Divine, Danny Mills, David Lochary, Mary Vivian Pearce, Mink Stole, Edith Massey
PRODUCTORA:-

Babs Johnson (Divine), una guarra que vive con su gorda madre y su hijo en una caravana, acaba de ser nombrada la persona más inmunda del mundo por un periódico local. Pero los Marble, un matrimonio que, entre otras cosas, vende heroína en los colegios y venden bebés a lesbianas, no pueden consentir que Divine les supere en suciedad y depravacion, así que deciden tomar cartas en el asunto... Un filme no apto para mentes sensibles que contiene pornografía, canibalismo, escatología y zoofilia, entre otras cosas.

Pink Flamingos, es un titulo que me recuerda a los títulos de crédito de la serie Corrupción en Miami, psicopatías qué tiene uno…
Pero no nos engañemos, aquí el único flamingo que encontraran es una morcilla transexual ultra maquillado y embutido en un traje de mujer.

El film se encuentra calificado como comedia negra, y relata los quehaceres de Divine, un transexual que vive en una caravana con su compañera de viaje, su madre mentalmente enferma y su hijo delincuente.

Según ella, posee el titulo de la persona mas inmunda del mundo, título honorifico que le intentaran arrebatar, Raymond y Connie, una peculiar y extraña pareja, casi o más que la propia Divine. La desquiciada pareja está aliada con su criado, con el que mantienen un negocio de venta de bebes, pero la malvada Divine no dejará perder su titulo tan fácilmente.

Durante años había escuchado hablar mucho de esta película, aunque su portada hacía peligrar mi integridad física, así que siempre había evitado visionarla. Finalmente, armado de valor y coraje, el otro día me dispuse a verla.
El film escrito, producido y dirigido por John Waters, es un ejercicio dantesco y tremendamente bizarro, hasta el punto de rozar el mal gusto. Waters es un director del que desconozco su filmografía, sé de oídas que es un director tremendamente peculiar, pero espero que el resto de sus trabajos sean más normales.

Se nota que la película ha sido rodada con la única finalidad de causar daño en la retina y neuronas del espectador, menester que consigue sobradamente. La estética del film está basada en la misma época en que fue rodada, los años 70. Una década donde el contraste de colores chillones, no hacía sentir vergüenza de ningún tipo.

Plan 9 del espacio exterior, dirigida por Ed Wood está considerada la peor película de la historia, pero bien se merece un Oscar al lado de esta infamia. A ver, qué como provocación la película funciona y cumple perfectamente, pero en otros ámbitos resulta horrenda.

Rodada toda cámara en mano, y no, no es porque se trate de un found footage o un mockumentary. Es que directamente no hay planos con un mínimo de pulso cinematográfico, el cámara debía tener el mal de Parkinson. Sus constantes escenas con los actores fuera de plano son imperdonables, aun me extraña que no se vea el micro sostenido por el sonidista.


La grosería del film, nos muestra el lado más sucio del sexo, como felaciones entre madre e hijo, inseminación artificial casera y la escatológica escena final, todo ello con un toque muy amateur, haciéndolo mucho más grotesco. Todo un despropósito ideado por el propio Waters, con la única finalidad de llamar la atención, actualmente habría pasado más desapercibida, pero en aquella época tuvo que causar el escándalo padre.

La banda sonora pasa por temas country, jazz-rock, pop-rock de los 70 y algún que otro tema tecno-pop digno de La Monja Enana.
El guión es de parvulario, sus diálogos son rematadamente absurdos, como por ejemplo, el de la madre de Divine con el huevero. Por otro lado, reconozco que algunas frases son magníficamente descacharrantes.


Como es de esperar, no tiene efectos especiales, ni los necesita. La única escena que los requiere, es la destrucción de la casa –caravana- de Divine, resuelto de la manera más real, barata y fácil posible, quemándola de verdad.

Me gusta el cine bizarro pero esto me supera. Hay gente que defiende esta película como una obra de culto, posiblemente en su estatus lo sea, pero no hay por donde cogerla. Eso sí, si tuviera que puntuar su grosería y el dantesco espectáculo que nos brinda, la tacharía de obra maestra sin duda alguna.

Una película técnicamente lamentable, que consigue su propósito, el de molestar al espectador. El cual debe prepararse psicológicamente antes de verla, dejarse llevar por lo absurdo de su argumento, solamente entonces, quizás sea capaz de soportarla. Totalmente apta para recomendar a tus peores enemigos.

Puntuación

25/10/08

Dance of the Dead

Dance of the Dead dirigida por Gregg BishopTÍTULO ORIGINAL: Dance of the Dead
AÑO: 2008
DURACIÓN: 95 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Gregg Bishop
GUIÓN: Joe Ballarini
MÚSICA: Kristopher Carter
FOTOGRAFÍA: George Feucht
REPARTO: Jared Kusnitz, Greyson Chadwick, Chandler Darby, Carissa Capobianco, Randy McDowell, Michael V. Mammoliti, Mark Lynch, Justin Welborn, Mark Oliver
PRODUCTORA: Bleiberg Entertainment

Durante la noche de graduación, los muertos vivientes se levantarán de sus tumbas, atraídos por la música y bullicio que forman lo jóvenes durante el baile de fin de curso, se dirigirán hacia el instituto para comérselos a todos. Los únicos que podrán detenerlos, serán los perdedores y frikis del instituto, que no consiguieron pareja para acudir al baile.

Dentro del marco del Festival de Sitges y con este argumento de auténtica comedia adolescente, nos intentaron colar Dance of the Dead como una película de zombis divertida en la maratón La nit + zombie. Lo peor de todo es que lo consiguieron. Aunque después de ver las otras tres películas que acompañaban a ésta, dentro de dicha maratón, la propuesta dirigida por Gregg Bishop, quedó en segundo puesto, o mejor dicho, la tercera menos mala.

La película mezcla dos géneros muy explotados, los zombis y el cine adolescente americano. De ese modo nos encontramos con una comedia de terror, de sencillos efectos especiales y una trama de lo más típica.


Joe Ballarini ha escrito el guión intentando dar una vuelta de tuerca a la clásica comedia de adolescentes. Su supuesta originalidad reside en intentar subvertir los estereotipos habituales de ambos géneros, fracasando en el intento.
Sus actores principales son todos adolescentes, y aunque sus personajes quedan rápidamente definidos y estereotipados, sus interpretaciones son suficientemente solventes. Sin embargo, el desarrollo está tan plagado de tópicos, resultando totalmente previsible. Además el film se encuentra adornado con constantes y típicas bromas adolescentes, que como mucho, consiguen dibujarte una ligera sonrisa en la cara.

Los efectos especiales son bastante caseros, los cubos llenos de sangre artificial y las caretas de plástico que muestran restos de sesos al explosionar, dan fe de ello. Todo, con un solo propósito, adornar una situación argumental que por absurda que parezca, ofrece muchas más posibilidades que las tópicas escenas de sexo entre adolescentes o las risas ante la masacre en el baile de graduación.


La película abusa de bromas demasiado refritas y termina siendo un poco aburrida. Su argumento se desinfla rápidamente, llevando al límite el talento necesario para reciclar ideas y reinventar un estilo muy gastado.
Dance of the Dead es una película sin grandes pretensiones, quizás solo busca divertir, pero no resulta efectiva como comedia y mucho menos como opción al terror, se queda a medio camino entre ambos géneros.

Puntuación

19/10/08

Reflejos

Reflejos dirigida por Alexandre AjaTÍTULO ORIGINAL: Mirrors
AÑO: 2008
DURACIÓN: 110 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Alexandre Aja
GUIÓN: Alexandre Aja, Grégory Levasseur (Remake: Sung-ho Kim)
MÚSICA: Javier Navarrete
FOTOGRAFÍA: Maxime Alexandre
REPARTO: Kiefer Sutherland, Paula Patton, Cameron Boyce, Erica Gluck, Amy Smart, Mary Beth Peil, Jason Flemyng
PRODUCTORA: 20th Century Fox

Un guardia de seguridad (Kiefer Sutherland) de un centro comercial se ve envuelto en un misterio alrededor de unos escaparates con espejos en el departamento de ropa que aparentemente hacen que saque lo peor de las personas que se reflejan en ellos...

Mención aparte del poco respeto que tiene la gente para y por el cine, incomodando a los demás espectadores de la sala con los "crish crosh crash" de las palomitas (habito que un servidor erradicaría de raíz), y las constantes interrupciones de la gente entrando una vez comenzada la proyección.

Después de todas las críticas negativas que he leído sobre Mirrors, aqui re-titulada, Reflejos. Ya se sabe, somos especialistas en pervertir, en mayor o menor medida, el título original. Bien, ayer me dispuse a quitarme esa espina clavada del nuevo remake de Alexandre Aja. En el que un guardia de seguridad (Kiefer Sutherland) de un centro comercial, se ve envuelto en un misterio alrededor de unos escaparates con espejos en el departamento de ropa, espejos que hacen que la gente saque su lado oscuro.

El director francés, ya nos deleito en el año 2003, con Alta tensión, un film que sin inventar nada nuevo, abrió una puerta a un fresco estilo de terror ultra violento. Tres años después realizo el remake de Las colinas tienen ojos de Wes Craven, consagrando a Aja como uno de los directores más violentos de esta década.


Mirrors, es el remake de una película surcoreana titulada Geoul Sokeuro (El otro lado del espejo), dirigida por Kim Seong-ho en 2003. Con éste film nos encontramos bastante por debajo de Las Colinas Tienen Ojos, no se puede negar que Aja dejó el listón demasiado alto, si encima, tenemos en cuenta que el cine asiático y derivados tienen un registro diferente, no se le puede pedir más.

El film se encuentra plagado de clichés del género de terror, tanto asiático; The Ring, Dark Water etc., como del americano; Poltergeist, La profecía etc.
El supuesto punto fuerte del film, los sustos, son totalmente predecibles, y en ningún momento me hicieron rebotar en mi butaca.

El director se aleja de la violencia explicita a la que nos tiene acostumbrado, excepto en 3 o 4 escenas, se acerca más a los efectos especiales del cine fantástico dentro del género de terror, recurriendo en algunos momentos a efectos digitales sobre todo en la última parte del film.

En los minutos finales parece más una película de superhéroes que de terror. Con resultados muy poco creíbles, aun teniendo en cuenta que nada lo es a lo largo del film. Su argumento ya de por sí, lo es. No olvidemos, que la película trata sobre fenómenos paranormales. Sin embargo, el predecible destino del personaje principal me gustó.

La banda sonora cumple bien su cometido, pero ya he comentado, que no logra sobresaltar. Las interpretaciones en general son bastante limitadas. Los momentos en que la ira y la rabia poseen a Ben Carson, interpretado por Kiefer Shuterland, al sentirse incomprendido por su familia que lo toma por un esquizofrénico paranoico, me recordó, en ocasiones, a su interpretación ofrecida en Línea mortal.


El papel de los hijos de Ben, interpretados por Cameron Boyce y Erica Glucky, respectivamente y la hermana de Ben, encarnada por Amy Smart, son simple relleno para completar la parte más dramática del film.
Respecto a la mujer de éste, a la que da vida Paula Patton, no lo hace mal, además está de muy buen ver. Pero por culpa del doblaje, tirando a torpe, resiente la interpretación de ésta, en los momentos dramáticos.

La fotografía resulta demasiado oscura en algunos momentos, aunque está resuelto de una manera bastante acertada con rápidos movimientos de cámara.

Una película entretenida en la que Alexandre Aja, después de sus anteriores trabajos, ha bajado un poco la guardia. Esperemos que con la famosa Piraña 3D suba el listón.

Puntuación

14/10/08

Idiots and Angels

Idiots and Angels dirigida por Bill PlymptonTÍTULO ORIGINAL: Idiots and Angels
AÑO: 2008
DURACIÓN: 80 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Bill Plympton
GUIÓN: Bill Plympton
MÚSICA: Tom Waits
FOTOGRAFÍA: Animation
REPARTO: Animation
PRODUCTORA: Bill Plympton Studio

Idiots and Angels nació de una idea sencilla, la de un ángel que no quiere sus alas, y pronto se convirtió en la historia de un hombre de vida rutinaria y algo de malicia que de la noche al día se convierte en un ser alado, capaz de volar.

Continuando con el repaso de lo que el Festival de Sitges nos dejó, voy a hablar de una propuesta algo diferente a lo habitual, y también una de las que más ilusión me hacía ver dentro del festival. Se trata del último largometraje de animación, del siempre genial e irreverente Bill Plympton. Ese peculiar director, que durante los últimos años, se ha convertido en un invitado habitual del festival. Es de agradecer, teniendo en cuenta lo difícil que resulta ver alguno de sus trabajos fuera de un festival especializado como es el de Sitges.


Como el propio Bill Plympton nos explicó durante la presentación de la película, Idiots and Angels es diferente a sus anteriores largometrajes y después de verla, puedo decir que esto es totalmente cierto por varios motivos. Los primeros cambios se aprecian en el apartado estilístico, aunque su forma de dibujar continua siendo inconfundible, en Idiots and Angels encontramos una ambientación mucho más oscura y con una mayor sencillez de elementos sin sobrecargar los escenarios, de esta forma los personajes se muestran de una forma más directa y desnuda.

Aquellos que hemos podido disfrutar de sus anteriores largometrajes como Me casé con un extraño, Mutant Aliens o Hair High, notaremos también a un Bill Plympton mucho más contenido de lo habitual. Y aunque su característico humor ácido sigue estando presente, se centra mucho más en la historia que nos cuenta, historia que fluye sin dialogo alguno, únicamente con la fuerza de sus imágenes acompañadas de geniales efectos sonoros. Sin olvidar la música de Tom Waits, que se integra a la perfección, consiguiendo la ambientación adecuada. No en vano, Plympton no paraba de escuchar a Waits mientras realizaba los dibujos para la película, y el músico después de ver la película, accedió a que utilizara sus canciones en el film, a cambio de un "pequeño" porcentaje.


Idiots and Angels es una historia sencilla que puede seguirse fácilmente solo con sus imágenes. El protagonista es un personaje solitario y malhumorado que lleva una vida rutinaria y suele frecuentar siempre el mismo bar.
Un día nuestro protagonista nota como unas pequeñas protuberancias empiezan a brotar en su espalda, al principio no le dará mucha importancia, hasta que estas pequeñas protuberancias se transformen en unas alas, como si de un ángel se tratase. Éstas alas le proporcionaran el poder de volar, pero también le empujarán a intentar hacer el bien y ser más amable con la gente que le rodea, algo que no le gustará, provocando una batalla interna e intentar aceptar sus alas, y así poder dar un giro a su vida.

Una historia tratada con mucho humor negro y con un claro mensaje que alude al amor como medio de salvación y a la parte buena, que supuestamente, todos llevamos dentro.


Aunque, el verdadero fuerte de la película no se encuentra tanto en su historia, como en la forma que ésta es explicada. Como resultado, es una experiencia original y visualmente estimulante, que además consigue tener ritmo y ser divertida. Y con el merito implícito de no utilizar diálogos.

Al tratarse de una historia más contenida, puede que haya echado algo de menos las típicas situaciones marca Plympton, cargadas de humor surrealista y detalles rozando el gore, que aquí aparecen de una forma más aislada sin interferir demasiado en la historia.

Quizá sea por la parte final, el enfrentamiento por las alas entre el protagonista y el dueño del bar, cuando la cosa se desmadra mas, llegando a recordar un poco a sus anteriores films, aunque como ya he dicho antes, las intenciones en Idiots and Angels son distintas.

Bill Plympton ha demostrado que puede contar otro tipo de historias, sin renunciar a su estilo de hacer animación. Personalmente puedo decir que disfruté mucho con el visionado de Idiots and Angels, y espero que el Sr. Plympton continúe sorprendiéndonos en un futuro próximo. Recomendada, no solo para seguidores de Plympton, también para todo aquel que le guste la animación más experimental o que simplemente le apetezca dejarse llevar y disfrutar con una propuesta diferente, que no es poco.

Puntuación

I Sell the Dead

I Sell the Dead dirigida por Glenn McQuaidTÍTULO ORIGINAL: I Sell The Dead
AÑO: 2007
DURACIÓN: 90 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Glenn McQuaid
GUIÓN: Glenn McQuaid
MÚSICA: Jeff Grace
FOTOGRAFÍA: Richard Lopez
REPARTO: Dominic Monaghan, Larry Fessenden, Ron Perlman, Angus Scrimm, Joel Garland
PRODUCTORA: Glass Eye Pix

Siglo XIX, han capturado a dos ladrones de tumbas, Arthur Blake y Willie Grimes. Tras la decapitación en la plaza publica de Willie Grimes, el cura Francis Duffy dispone de cinco horas para que Arthur confiese todos sus delitos. Arthur contará la historia de como se convirtió en un ladrón de tumbas poco convencional, pues no todos los cadáveres son iguales.

Durante el Festival de Sitges todos Los Criticonos, asistimos a la maratón La nit + Zombie. Tras la proyección de los cortos, comenzamos con la primera de las cuatro películas que formaban la maratón. Se trata de I Sell the Dead, un film de terror, con elementos cómicos y fantásticos. La película comienza con la decapitación de unos de sus protagonistas. Relata una historia de ambiente oscuro y gótico, al más puro estilo de los cómics Creepshow o Zona 84. El film arranca muy bien, los personajes están correctamente explicados, y la presencia de Ron Perlman siempre se agradece. Sentados en nuestras butacas abrimos la primera cerveza para aparentemente, disfrutar de una película entretenida y divertida.


La decepción comienza, cuando a lo largo del film, la historia va perdiendo fuelle. El ritmo se vuelve extremadamente lento, y muchas pausas durante su desarrollo. Este gran fallo de guión lo solucionan con bromas intermedias, sustos que conmemoran a Posesión infernal, y situaciones variopintas que en lugar de hacer reír, descolocan al espectador. Aunque la película tiene buenos momentos, carismáticos personajes presentados con mucha gracia, no es suficiente para sacar a flote la película.



La banda sonora está muy bien seleccionada. Y las interpretaciones de Dominic Monaghan (El Señor de los anillos, Lost) y Larry Fessenden (Actor, productor y director) son muy correctas, al igual que el resto del apartado técnico. Pero al final lo que queda es cierta sensación de aburrimiento, aunque esa sensación se disipó después de ver el resto de las películas de la maratón, que estaban bastante por debajo de I Sell the Dead.

Puntuación

13/10/08

Zombie Walk


Asistimos a la esperada Zombie Walk con la que Festival de Sitges conmemoró el 40 aniversario del estreno de La noche de los muertos vivientes de George A. Romero. Y, sí, vimos zombies, muchos zombies, incluso los zombies cinematográficos de la cinta homenajeada que debían consolarnos por la ausencia del director que debía abrir la marcha.

Una orda de zombies marchó gimiente por Sitges, aporreando las puertas de la iglesia, arremolinándose para alimentarse del cerebro de algún incauto... Al final de la marcha, los conciertos de los siempre convincentes Motorzombis, los energéticos Tiki Phantoms y su conga zombie, entre otros, mientras los más entregados seguían bebiendo sangre... Toda una experiencia.
Ya estoy pensando en una posible segunda edición el año que viene, en la que no faltará música que acompañe a la marcha, ni letrinas, ni recompensa para la gente que se trabaja tanto su personaje... Ya los veo, subidos en el escenario, recibiendo un cerebro como premio a la mejor comparsa o al zombie más original... Pero, ¿cuidará Sitges de sus zombies?

Hansel y Gretel

Hansel y Gretel dirigida por Yim Pil-SungTÍTULO ORIGINAL: Henjel gwa Geuretel
AÑO: 2007
DURACIÓN: 117 min.
PAÍS: Corea del Sur
DIRECTOR: Yim Pil-Sung
GUIÓN: Yim Pil-Sung, Min-sook Kim (Cuento: Hermanos Grimm)
MÚSICA: Byung-woo Lee
FOTOGRAFÍA: Ji-yong Kim
REPARTO: Jeong-myeong Cheon, Sim Eun-kyung, Jang Yeong-Nam, Jin Ji-hee, Kim Kyeong-ik, Park Hee-soon, Won-jae Eun
PRODUCTORA: Barunson Film Division

Eun es un joven que sufre un accidente de coche, tras salir desconcertado del automóvil se pierde en un bosque y lo único que encuentra es una casita de ensueño donde habitan tres niños. Entre muñecos y pastelitos, Eun encontrará unos libros de dibujos que cuentan el terrible destino que sufren todos los adultos que por algún motivo han terminado en la casa. Libre interpretación del cuento de los hermanos Grimm.

Otra película que pudimos visualizar durante el Festival de Sitges, es Hansel y Gretel. Una película difícil de catalogar, si bien, se acerca más al género fantástico que al terror, y ligeras pinceladas de comedia.

Visualmente la película es muy llamativa, altamente colorista, buena fotografía. Lo que más destaca, es que técnicamente está muy trabajada. Refleja claramente lo que es un cuento infantil, aunque sombreado con matices del género de terror. La interpretación de los actores es muy buena, también destaca la dirección y la ambientación que se consigue.



Es difícil resumir Hansel y Gretel, durante sus casi dos horas de duración ocurren muchos sucesos, pero la película es más contemplativa que otra cosa. Tiene muchos aciertos, pero un gran defecto que le hace perder puntos. Ese defecto reside en su narración, se alarga innecesariamente. Abusa de los flashbacks, haciendo que la intensidad de la historia caiga en picado.


Cuando no hay más que contar, intercala el pasado con el presente de forma tosca, alargando todo, hasta llegar a un desenlace que no hace justicia al tono general del film. Sin embargo, es una película que curiosamente, gusta. Lástima que la posible falta de experiencia narrativa no haya dotado del ritmo necesario a la película.

Puntuación

Rocknrolla

RocknRolla dirigida por Guy RitchieTÍTULO ORIGINAL: RocknRolla
AÑO: 2008
DURACIÓN: 114 min.
PAÍS: Reino Unido
DIRECTOR: Guy Ritchie
GUIÓN: Guy Ritchie
MÚSICA: Steve Isles
FOTOGRAFÍA: David Higgs
REPARTO: Gerard Butler, Thandie Newton, Tom Wilkinson, Jamie Campbell Bower, Gemma Arterton, Jeremy Piven, Mark Strong, Idris Elba
PRODUCTORA: Dark Castle Entertainment

La noticia de que Uri Omovich (Karel Roden), un rico mafioso ruso, está montando un negocio de compraventa ilegal de terrenos en Londres, en el que se van a manejar millones de euros, hará que todos los delincuentes de la ciudad quieran participar en la operación. Todo empieza cuando Uri pide a Lenny Cole (Tom Wilkinson), un pez gordo de la mafia de Londres, que se ocupe de todos los trámites burocráticos y compré a un concejal (Jimi Mistry). Lenny confía la operación a su lugarteniente Archy (Mark Strong). Por su parte, la contable de Uri, la bella Stella (Thandie Newton), decide llevarse su parte del botín y, para ello, contrata a dos mafiosos, que tienen cuentas pendientes con Lenny, para que roben el dinero.

Vamos con la crítica de Rocknrolla, el nuevo trabajo de Guy Ritchie, uno de los films más esperados. La fecha de estreno en nuestro país, se estima a principios del año que viene. Aunque algunos ya hemos podido disfrutar de ella en el Festival de Sitges.
Ritchie tiene buen pulso para las comedias negras, cargadas de intriga y acción, y aunque ésta no alcanza la genialidad de anteriores trabajos, no desmerece un visionado.

El director británico repite la misma fórmula que en sus primeros films Snatch y Lock & Stock. Encontrar ciertas similitudes con éstos, y empezar a realizar comparaciones, es inevitable. La trama es algo enrevesada desde el principio, y conforme avanza la historia se lía cada vez más, al principio el problema es del tamaño de una hormiga, alcanzando al final, el de un campo de futbol.


Como en sus anteriores films, todo el jaleo es por un simple objeto. En Snatch fue un diamante y en Lock & Stock, dos escopetas. En ésta, es un cuadro de arte. A diferencia de sus antecesoras, en las que dichos objetos se mostraban sin ningún tipo de misterio, aquí ronda un aura de misterio en torno al objeto, el cuadro. Cosa que me recordó bastante, al famoso maletín de Pulp Fiction. Deja al espectador con la incógnita, preguntándose a sí mismo, ¿qué hay en el cuadro qué resulta tan importante?, pero tal como hizo Tarantino con el maletín, lo que se supone esconde el lienzo, termina siendo un simple detalle irrelevante en la historia.

La cámara se mueve con el mismo estilo, congelando algunos planos. La presentación de los personajes se realiza según avanza la historia, de forma fluida y paulatina, tal y como requiere el propio guión que éstos, sean introducidos en la historia. De esa manera es mucho más fácil no acabar confundiendo a sus personajes, ya que, como en sus anteriores films, la cantidad de personajes resulta algo numerosa.


El reparto ha sido totalmente renovado, los que prometían ser los actores fetiches de Ritchie, como Jason Sthatham, Jason Flemyng o Vinnie Jones, se han quedado en el banquillo, sustituidos por unos correctos Gerard Butler, Geoff Bell o Toby Kebbell, éste ultimo me recordó bastante al rol del jefe gitano interpretado por Brad Pitt en Snatch.

La mayor diferencia la encontramos en su humor, mucho más directo y con algunos tópicos, pero sin perder ese toque que tanto caracteriza al director. El film, tiene una sólida trama, pero sin rodeos llega al desenlace de todo el asunto, con bastante rapidez, consiguiendo que sus 114 minutos se pasen volando.

La formula usada en el desenlace, se vuelve a repetir, dando un giro inesperado, algo precipitado, pero totalmente correcto. El guión mantiene la misma solidez que sus antecesoras, sirviéndose de voz en off, explica algunas partes de la trama.

Muchos puntos en común con sus anteriores films, aunque Ritchie ha sabido usar eso a favor suyo, y lleva la película a buen puerto. Si te gustaron Snatch y Lock & Stock, no te la puedes perder.

Puntuación

Martyrs

Martyrs dirigida por Pascal LaugierTÍTULO ORIGINAL: Martyrs
AÑO: 2008
DURACIÓN: 97 min.
PAÍS: Francia
DIRECTOR: Pascal Laugier
GUIÓN: Pascal Laugier
MÚSICA: Alex Cortés, Willie Cortés
REPARTO: Mylène Jampanoï, Morjana Alaoui, Catherine Bégin, Robert Toupin, Patricia Tulasne, Juliette Gosselin
PRODUCTORA: Coproducción Francia-Canadá; Canal Horizons

Una noche a comienzos de 1970 una niña perdida hace un año, es descubierta andando por una carretera. Está en un estado catatónico y es incapaz de decir nada de lo que le ha sucedido. Los policías no tardarán en encontrar el lugar donde ha estado presa, un antiguo matadero. 15 años después, Lucie sigue atormentada con el recuerdo de su cautiverio y las secuelas son imprevisibles.

Martyrs es la película que más expectación está creando por su, supuesta, violencia y crudeza. El guión escrito por el propio director, Pascal Laugier, que él mismo definió, en la presentación del festival de Sitges'08, como una incómoda experiencia con mucha negatividad. Con esas declaraciones, dejó claro que la película estaba hecha para no gustar, la vendía como una tortura visual que la mente humana no puede resistir. La sala estaba llena de espectadores dispuestos a ver lo más extremo, y creo que muchos salieron algo decepcionados, es lo que suele suceder cuando le crean altas expectativas al espectador.


El reclamo que han utilizado en Martyrs funciona, pero decepciona, a quienes esperan que realmente se cumpla lo prometido. Al salir de la proyección del L'Auditori de Sitges, las cámaras de televisión estaban expectantes para filmar la reacción del público.
Supuestamente tendríamos que haber salido con nauseas y mareos, pero creo que el público de Sitges tiene bastante más aguante. La propaganda que más rabia me dio, es la alerta de peligro, remarcando que en la salida del cine había una ambulancia. Cuando, en cualquier evento que supere un cierto número de asistentes, es obligatorio que haya ambulancias y personal sanitario.


Si la película llega a estrenarse en salas convencionales, posiblemente, el público no habituado a este tipo de películas puede escandalizarse en algunos momentos, pero solo por lo explícito de sus imágenes.
Sobre la película en cuestión, tampoco hay mucho que decir. Se utiliza una fórmula que funciona, es como fabricar un cóctel. Han utilizado elementos típicos de terror oriental, momentos de violencia gratuita en ambientes cotidianos, torturas en pequeños zulos y el concepto de sectas.


La película no incita a ningún tipo de reflexión, ni tiene ningún personaje con suficiente carisma. Usa la violencia como hilo conductor solo para provocar. Mostrando planos y situaciones supuestamente innovadores, nos conduce a una conclusión de presunta profundidad y trascendencia.
Lo bueno que tiene la película reside en su apartado técnico, las escenas de violencia están muy bien reproducidas, son impactantes, e intentan llegar al realismo interpretativo. La banda sonora es correcta, pero no destaca sobre nada, al igual que las interpretaciones de los actores. No se puede evitar comparar está película con sus paisanas Alta tensión o À l'intérieur, las cuales son más violentas y con más ritmo.


Martyrs es la apuesta extrema para este año, como si de una obligación se tratase, pero claro, no deja de ser un simple reclamo comercial. Sin ser una mala película, con tanta propaganda exagerada se consigue el efecto contrario. Es entretenida y dispone de buenos ingredientes. Recomendable para personas que disfrutan con este género, pero sin esperar nada espectacular.

Puntuación

7/10/08

Encarnação do Demônio

Encarnação do Demônio dirigida por José Mojica MarinsTÍTULO ORIGINAL: Encarnação do Demônio
AÑO: 2008
DURACIÓN: 90 min.
PAÍS: Brasil
DIRECTOR: José Mojica Marins
GUIÓN: José Mojica Marins, Denilson Ramalho
MÚSICA: André Abujamra, Marcio Nigro
FOTOGRAFÍA: José Roberto Eliezer
REPARTO: Cristina Aché, Raymond Castile, Eduardo Chagas, Milhem Cortaz, Cleo de Paris, Giulio Lopes, José Mojica Marins, José Celso Martinez Corrêa
PRODUCTORA: Olhos de Cão Produções Cinematográficas / Gullane Filmes

Mojica Marins el enterrador regresa de su encarcelamiento, con la idea de crear descendencia, para qué cuando él fallezca, su semilla continue con su legado de caos y destrucción. 

Mojica Marins escandalizó la vida social brasileña con su transfiguración en Zé do Caixão. Ahora 40 años después, regresa con su personaje convertido en un anciano, no por ello menos sádico. El enterrador de poblada barba, mirada demoníaca, oscuras vestimentas y larguísimas uñas, dejó inconclusa una trilogía de espanto, que comenzó en 1964 con À Meia-Noite Levarei Sua Alma, y ahora viene a cerrarse con una moderna reactualización del mito. El brasileño ha vuelto decidido a perpetuar su sangre, en la gran São Paulo, reafirmando el terror como forma de expresión.


Encarnaçao do Demonio ha sido uno de mis visionados bizarros dentro del festival. Y la verdad después del esfuerzo que me supuso poder verla, no me arrepiento en absoluto, ya que dudo mucho sea estrenada en las salas de cine convencionales.

El film no es apto para estómagos sensibles y público demasiado estándar. Pero el fan del género disfrutará bastante. Pues ofrece torturas y gore ultra bizarro en varias escenas, aunque algún momento roza lo cutre, en líneas generales mantiene una calidad que nada tiene que envidiar a películas de mayor presupuesto. El guión no resulta especialmente elaborado, pero sus diálogos en brasileño le dan un ambiente más satánico, quizás, de lo pretendido.

La estética de Jose Mojica Marins da mucho más miedo actualmente, que de joven, en sus anteriores films. En eso también juegan un papel importante la atmósfera oscura y opresiva en muchas de las escenas clave. Y junto a la siniestra banda sonora, su puesta en escena bastante teatral y los discursos del propio Mojica, le dan al filmun aire de locura sin precedentes.


La fotografía también juega un buen papel, en algunos momentos resulta demasiado oscura, sin embargo, es ideal para el tono que ofrece la película. Y ayuda a potenciar un ambiente todavía más siniestro. Del reparto cabe destacar la actuación del Padre Eugenio, interpretado por Milhem Cortaz, algo sobreactuada, pero correcta en cuanto al ambiente y puesta en escena del resto de actores.

No se me ocurre mucho más que decir, ni siquiera yo como seguidor del gore, el terror y el fantástico, me atrevo a compararla con nada que haya visto antes. Una película de moderado presupuesto, que solamente recomiendo a los amantes del gore y lo bizarro.

Puntuación

5/10/08

Repo! The Genetic Opera

Repo! The Genetic Opera dirigida por Darren Lynn BousmanTÍTULO ORIGINAL: Repo! The Genetic Opera
AÑO: 2008
DURACIÓN: 98 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Darren Lynn Bousman
GUIÓN: Terrance Zdunich, Darren Smith, Darren Lynn Bousman
MÚSICA: Darren Smith, Terrance Zdunich
FOTOGRAFÍA: Joseph White
REPARTO: Alexa Vega, Bill Moseley, Paul Sorvino, Paris Hilton, Nivek Ogre, Anthony Stewart, Terrance Zdunich, Sarah Brightman
PRODUCTORA: Twisted Pictures

En pleno siglo XXI, una epidemia que causa fallos orgánicos está devastando el planeta causando millones de muertos. Geneco, una empresa biotecnológica, ofrece financiación para las operaciones de cirugía más avanzadas con absoluta disponibilidad de órganos. Pero si los agraciados con esta medida no son capaces de hacer frente a los pagos, Geneco se reserva el derecho de recuperar los órganos a cualquier precio, aunque éste sea la muerte.

Debido a la falta de medidas de seguridad por parte del Festival de Sitges, y presiones ejercidas por la productora, por miedo a que la película fuese pirateada. La situación ha terminado con la cancelación de la proyección matutina del nuevo film de Darren Lynn Bousman, director de algunas secuelas de la saga Saw.

En el segundo pase, el de la noche, se montó un control de acceso, en el que se obligaba a depositar videocámaras y móviles bajo consigna. Así por fin conseguimos ver la película.

Aunque no soy un gran aficionado al género musical, sin embargo, los pocos que he visto hasta ahora todos me han gustado bastante. Y Repo! The Genetic Opera no es una excepción. Basada en un cortometraje dirigido por el propio Bousman en el año 2006.
Nos sitúa en pleno siglo XXI, donde una epidemia que causa fallos orgánicos está devastando el planeta, causando millones de muertos. GeneCo, una empresa biotecnológica, ofrece financiación para las operaciones de cirugía más avanzadas con absoluta disponibilidad de órganos. Pero si los agraciados con esta medida no son capaces de hacer frente a los pagos, GeneCo se reserva el derecho de recuperar los órganos a cualquier precio, aunque su precio signifique la muerte.


La historia arranca con unos créditos iníciales, en forma de viñetas de comic. Recurso ecónomico, que ofrece libertad para explicar breve y concisamente la línea principal del argumento, en apenas tres minutos. Aunque sigue siendo usado a lo largo del film, cada vez que se revelan datos de los personajes principales, Bousman ha sabido hacer buen uso, sin abusar excesivamente, enlazándolo con planos fluidos en las escenas que aparecen los actores de carne y hueso.

La estética retro futurista me parece genial, tiene un toque gótico y siniestro, con una iluminación y fotografía bastante correctas. Los efectos especiales son bastante simples en los momentos gore, pero muy bizarros recordándome al cine alemán de films como, Premutos, el ángel caído.


La historia está contada enteramente en forma de musical, en la que a diferencia de otros musicales que contienen diálogos sin "melodía", todos sus diálogos van al compás de la música, incluso tarareados en ocasiones .
El guión encaja perfectamente con las canciones, que explican la historia sin demasiados rodeos. Y como es habitual en los musicales, no le faltan temas principales con melodías bastante pegadizas. Pasando por varios géneros, predominando el pop-rock y el punk-rock. Un acierto es que no repite ninguna melodía/tema, como en la reciente Sweeney Tood de Tim Burton, que con cinco o seis melodías, realizó toda la película, con lo cual se repetía la música a lo largo de éste.

Una cosa que también me gustó mucho, a pesar de su trama bastante simple, fue la parte crítica, el abuso de poder en un mundo controlado por GeneCo donde no está permitido saltarse las normas, guardando ciertas similitudes con Brazil de Terry Gilliam. También arremete contra la sociedad actual, donde el canon de belleza se encuentra a la orden del día. GeneCo no solo realiza operaciones vitales, también realiza cirugía estética, y si no pagas ya sabes lo que te puede pasar.

Las interpretaciones del reparto son correctas en general. Destacando la actuación de los dos hermanos Largo, interpretados por Bill Moseley y Nivek Ogre, este último porta una estética ultra bizarra. Y Paris Hilton, aunque no me cae demasiado bien, en la parte mencionada sobre el canon de belleza tiene su momento de “gloria” interpretativo (juas, juas). Ya se marcó un momento estelar en La casa de cera de Jaume Collet-Serra.

Aunque probablemente a mucha gente no le gustara por su estética bizarra, yo la definiría como el Rocky Horror Picture Show del Siglo XXI. Film que con un número de fans limitado y los años se convertirá en una obra de culto dentro de este género.

Puntuación