26/11/08

Fargo

Fargo dirigida por Joel CoenTÍTULO ORIGINAL: Fargo
AÑO: 1996
DURACIÓN: 97 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Joel Coen
GUIÓN: Joel Coen, Ethan Coen
MÚSICA: Carter Burwell
FOTOGRAFÍA: Roger Deakins
REPARTO: Frances Mcdormand, William H. Macy, Steve Buscemi, Harve Presnell, Peter Stormare, John Carroll Lynch, Kristin Rudrud, Tony Denman
PRODUCTORA: Polygram Filmed Entertainment / Working Title Films

Un hombre apocado y tímido, casado con la hija de un millonario que le impide disfrutar de su fortuna, decide contratar a dos delincuentes para que secuestren a su mujer con el fin de montar un negocio propio con el dinero del rescate. Pero, por una serie de azarosas circunstancias, al secuestro se suman tres brutales asesinatos, lo que obliga a la policía a intervenir.

Los hermanos Coen debutaron en el cine con Sangre fácil y la mayor parte de su filmografía se ha movido entre el thriller y la comedia, intercalando ambos géneros a lo largo de su filmografía. Después de varios premios y nominaciones y cinco películas a sus espaldas, Fargo les proporcionó 2 Oscar a mejor actriz y mejor guión.

Basada en una historia real sucedida en Minnesota en 1987, desconozco hasta qué punto es fiel la adaptación a los hechos acontecidos en la realidad. Como cualquier otra adaptación, supongo que el film tendrá algunas licencias con el fin de otorgar más dramatismo e interés a la historia.

Se nota que ambos poseen una amplia experiencia como directores y guionistas y nos brindan un intenso thriller a la par que sobrio. Sitúan la cámara con presteza, los planos estáticos y grandes panorámicas del nevado paisaje, muy acorde con el tranquilo pueblo, en el que no es usual este tipo de sucesos ralentiza el ritmo, pero sin caer en el aburrimiento.
A pesar del tono cómico en algunos momentos, la iluminación y la sobreexpuesta fotografía en las panorámicas de los paisajes nevados nos sumergen en la triste historia.


Los roles de los personajes son bastante diferentes entre sí. La pareja de secuestradores formada por Gaear Grimsrud (Peter Stormare) y Carl Showalter (Steve Buscemi). El primero es un tipo con sangre fría, calculador y con cara de pocos amigos. Papel que Stormare borda con gran talento y del que desde un principio ves venir que el tipo traerá problemas. Mientras que Carl, es todo lo contrario, descuidado, torpe y pierde los nervios con extrema facilidad.


Pero el papel principal es para William H. Macy, que interpreta a Jerome Lundeegard, el vendedor de coches con cara de no haber roto un plato en su vida, pero es un cabrón de cuidado y también acaba perdiendo los nervios en algún momento de la película. Por último, en el bando de los buenos tenemos a Marge Gunderson (Francesc McDormand) en el papel de sheriff al cargo de la investigación del misterioso caso, exteriormente parece muy ingenua pero es lista como el mismísimo diablo.

Como viene siendo habitual el guión ha sido cuidadosamente escrito por ambos hermanos. Estamos ante una de sus películas más serias, aunque no pierden ese toque de humor negro al que nos tienen acostumbrados en todos sus films, esta vez lo introducen de una manera muy sutil, por ejemplo, la conversación del sheriff y el anciano que quita la nieve de la entrada a su casa o el encuentro Marge y un antiguo compañero de clase, situación metida con calzador que desvía el hilo argumental, pero además de risueña, es interesante puesto que desvela parte de la personalidad de Marge.

Los Coen son de los que piensan que si algo funciona no lo cambian con facilidad, Carter Burwell que ha orquestado la mayoría de trabajos de los Coen, repite su labor como compositor con buenos resultados. Una banda sonora minimalista, para un desarrollo de las mismas características.
Un intenso thriller con dosis individuales de humor negro, un ritmo pausado pero sin caer en el ostracismo. Su simple trama te mantiene atento de principio a fin.

Puntuación

17/11/08

JCVD

JCVD dirigida por Mabrouk El MechriTÍTULO ORIGINAL: J.C.V.D.
AÑO: 2008
DURACIÓN: 93 min.
PAÍS: Bélgica
DIRECTOR: Mabrouk El Mechri
GUIÓN: Frédéric Bénudis, Christophe Turpin
MÚSICA: Gast Waltzing
FOTOGRAFÍA: Pierre-Yves Bastard
REPARTO: Jean-Claude Van Damme, François Damiens, Zinedine Soualem, Karim Belkhadra
PRODUCTORA: Coproducción Bélgica-Luxemburgo-Francia; Samsa Film S.a.r.l.

El gran astro del cine de acción, JCVD, se encuentra disfrutando de un merecido descanso en Bruselas cuando sufre una repentina crisis existencial. De repente la gran estrella de cine que todos conocemos se convierte en un tipo corriente, aquejado de miedos, contradicciones y esperanzas. ¿Cómo puede mantener la leyenda que ha ayudado a construir a su alrededor? Jean-Claude se encuentra a sí mismo en la encrucijada del fin de su vida como héroe.

JCVD, la película que ha conmovido a los seguidores del actor: ¿Qué pasaría si Jean-Claude Van Damme desolado por un cumulo de problemas personales, visita Bélgica con la intención de descansar en compañía de sus padres y termina involucrado en el robo de un banco?

Los sentimientos de una estrella crepuscular estancada en su propia carrera cinematográfica a sus cuarenta y siete años. Solo trabaja en películas de acción pasto de videoclub, con una mala situación económica, una separación conyugal y la pérdida de la custodia paterna, el actor Belga atravesará una difícil situación en una historia a medio camino entre realidad y ficción. La humanidad de un mito.


JCVD podría ser dos películas en una, una historia de acción protagonizada por Jean-Claude Van Damme y su propia autobiografía. Todo unido en una combinación, que aunque parezca una broma, se transforma en thriller dramático mejor que sus algunos de sus recientes trabajos. Con forma de falso documental, la película está rodada de forma inteligente y con un ritmo ágil. El film nos muestra la reconquista personal, Van Damme se interpreta a la vez que se enfrena a sí mismo.


Es obvio que él es protagonista absoluto de la historia, pero es necesario destacar al resto del reparto, en especial los personajes involucrados en el atraco junto a Van Damme. Realizan unas interpretaciones limitadamente correctas, dándole fuerza y emotividad a los hechos. Sin olvidar la banda sonora, que cuenta con una buena selección de temas, combinando con el dinámico arranque de la película en una secuencia de falso plano, que nos servirá de introducción a una película diferente junto al actor Belga.

Tragicomedia que utiliza lo mejor de ambos géneros con momentos de suspense y acción. Una montaña rusa de emociones que consigue divertirte y emocionarte, mostrando una faceta cinematográfica menos explotada de Jean-Claude Van Damme.

Puntuación

La guerra de los mundos

La guerra de los mundos dirigida por Steven SpielbergTÍTULO ORIGINAL: War of the Worlds
AÑO: 2005
DURACIÓN: 116 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Steven Spielberg
GUIÓN: David Koepp, Josh Friedman (Novela: H.G. Wells)
MÚSICA: John Williams
FOTOGRAFÍA: Janusz Kaminski
REPARTO: Tom Cruise, Dakota Fanning, Tim Robbins, Miranda Otto, Justin Chatwin, David Harbour
PRODUCTORA: DreamWorks Pictures / Paramount Pictures / Amblin Entertainment / Cruise-Wagner Production

Ray Ferrier (Tom Cruise) es un estibador divorciado y un padre nada modélico. Estando sus hijos de visita en su casa, estalla una tremenda e inesperada tormenta eléctrica. Unos momentos después, Ray es testigo de un acontecimiento extraordinario que cambiará su vida y la de los suyos para siempre: una enorme máquina de tres patas emerge del suelo y lo arrasa todo.

Basada en la novela de ciencia ficción escrita por H.G. Wells en 1898 que describe una invasión alienígena, de la que se han realizado diferentes adaptaciones. La más reciente, llamaba poderosamente la atención: una historia potente en manos de un director con tanto oficio como Steven Spielberg, seguro que iba a sacarle todo el jugo a las posibilidades técnicas y ponerlas al servicio de su gran afición a los extraterrestres. Durante la primera parte de la película no nos defrauda, el ritmo inicial es contundente, con una parte sonora que hace toda la secuencia del principio muy convincente. Pero la historia no se sustenta sólo en los efectos especiales, está explicada desde el punto de vista de una familia desestructurada.



Se nos presenta a Tom Cruise como un padre desastroso, gandul, desaliñado e irresponsable. Sólo faltaba eso, teniendo en cuenta la antipatía que me suscita el propio actor. No es extraño que sintamos empatía con el personaje de su hija, bien interpretado por una pequeña Dakota Fanning. Por otro lado, tenemos a Justin Chatwin, el hijo rebelde pseudo republicano que como un poseído se deja arrastrar por el ansia de lucha. Y en una secuencia supuestamente emotiva, Tom Cruise, debe elegir entre sus dos hijos, desapareciendo el hijo de escena.

El espectador llega a tener ganas de que eso suceda, él mismo parece tan dispuesto a ofrecerse para un sacrificio, que se precipita hacia una muerte segura, dada la situación de exterminio en la que se encuentra el mundo. Sin embargo, a partir de ahí la película decae en varios aspectos, nos encontraremos ante un desenlace "Spielberizado", en el que no vemos morir a nadie que nos haya sido presentado.
Parece que Spielberg no quiere que suframos, sólo nos presenta a personajes que vayan a llegar hasta el final de la película como supervivientes, centrando todo el peso de la producción en unos efectos especiales poderosamente conseguidos.


Sin embargo, dichas escenas son mal gestionadas, algunas daban más juego o podrían ser más extensas, por ejemplo, la jaula en la que están presas decenas de personas en la nave alienígena, lamentablemente no se le saca todo el jugo. Otra escena sería la de Tim Robbins, demasiado larga o demasiado corta, según se mire.

En otros casos se trata de escenas innecesarias, un ejemplo; mostrar a los extraterrestres fuera de sus majestuosos vehículos es algo prescindible. Pese a estar planteadas como escenas estelares, no aportan nada a la trama y sólo parecen responder al gusto personal del director.
No era necesario ver a los extraterrestres, ni vivos, ni muertos, pero tampoco era necesario que sobreviviera el hijo. O sí, ¿cómo si no iba a rematar Spielberg una película sin escena lacrimógena? Otra decepción de la mano de un director que tiene facilidad para estropear grandes ideas. Aunque sobre gustos no hay nada escrito, la película está claramente dirigida a un público que no espera mucho más que grandes efectos en absurdas escenas de lágrima fácil.

Puntuación

15/11/08

Réquiem por un sueño

Réquiem por un sueño dirigida por Darren AronofskyTÍTULO ORIGINAL: Requiem for a Dream
AÑO: 2000
DURACIÓN: 102 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Darren Aronofsky
GUIÓN: Darren Aronofsky & Hubert Selby Jr. (Novela: Hubert Selby Jr.)
MÚSICA: Clint Mansell
FOTOGRAFÍA: Matthew Libatique
REPARTO: Ellen Burstyn, Jared Leto, Jennifer Connelly, Marlon Wayans, Christopher McDonald, Louise Lasser, Marcia Jean Kurtz, Janet Sarno, Suzanne Shepherd, Dylan Baker, Keith David, Peter Maloney
PRODUCTORA: Artisan Entertainment / Thousand Words

Harry (Jared Leto) y su madre (Ellen Burstyn) tienen sueños muy distintos: ella está permanentemente a dieta esperando el día en que pueda participar en su concurso televisivo preferido; la ambición de Harry y su novia Marion (Jennifer Connelly) es hacerse ricos vendiendo droga y utilizar las ganancias para abrir un negocio propio, pero nunca tienen el dinero suficiente para ello. A pesar de todo, Harry y Marion no se resignan y harán lo inimaginable para conseguir la vida que anhelan.

Darren Aronofsky se dio a conocer ampliamente con su paranoica opera prima, Pi, fe en el caos. Dos años después decidió ir a por todas con Réquiem por un sueño, una cinta que rezuma calidad visual y argumental, pero no hay que dejarse engañar por su precioso titulo. El director de Brooklyn consiguió la nominación a mejor actriz para Ellen Burstyn en la gala de los Oscar.
Basada en una novela de Hubert Selby Jr. relata una historia cruel, explicita y románticamente caótica. El guión escrito por Aronofsky junto al propio autor de la novela, es sólido como el hormigón.

Estamos ante un caso similar al de obras como Trainspotting, American Psycho o El club de la lucha, siendo diferentes entre sí, tienen un punto en común, son obras basadas en novelas transgresoras y polémicas.

Las vidas de cuatro personas Harry (Jared Leto), Sara (Ellen Burstyn), Marion (Jennifer Connelly) y Tyrone (Marlon Wayans), aparentemente normales. Vidas en las que todo parece ir perfecto, pero no es así. Cada uno en lo más profundo de su mente, sueña con su propio e inalcanzable destino. Una carrera que lleva a una meta final de autodestrucción.

 En aspectos técnicos, la cámara se desliza con precisión y sutileza en cada escena, incluso en los planos a cámara rápida. A simple vista parece un recurso fácil y barato, pero en realidad es muy costoso y laborioso, por ejemplo, la escena en la que Sara limpia el piso, tuvieron que rodar 40 minutos para una secuencia de 25 segundos.


Las formas que tiene Aronofsky de mover y usar la cámara, son numerosas y poco ortodoxas, como por ejemplo montar la cámara con un arnés en el pecho o espalda del actor, dividir la pantalla en dos para mostrar la relación entre dos personajes en una misma escena en puntos opuestos del escenario. Recursos poco usados habitualmente, algo que me encanta.
Aunque el merito de todos los experimentos de Aronofsky con la cámara, se la lleva el apartado de montaje en una ardua tarea que me parece excelente, cambios de escenas con fundidos a blanco o aprovechando las mencionadas imágenes explicitas sin tener que recurrir a grandes efectos, los pocos que encontraremos a lo largo del film son de la vieja escuela con látex, dando una buena lección a las superproducciones de Hollywood.

La fotografía es excelente en todo momento, incluso en las imágenes a cámara rápida con dilataciones de pupilas, reacciones de la piel al entrar la droga en la vena. Imágenes tan explicitas como bellas en el contexto que ofrece el cineasta.
El apartado de iluminación se complementa de una manera genial con la fotografía, la historia se desarrolla en diferentes épocas estacionales. Y los tonos cálidos para el verano y los fríos para el invierno le dan el realismo esperado.

La interpretación de los actores me parece excelente, destacando a Ellen Burstyn con una solemne y creíble interpretación. Ellen trabajó en el El exorcista, el clásico dirigido por William Friedkin. Después de realizar algunos productos televisivos, vuelve con una fuerza y energía envidiable.

Jennifer Connelly se encuentra posiblemente en su papel más underground. Después de verla en películas como Dentro del laberinto o Phenomena nada malo tengo que decir. Y aunque participa en alguna superproducción como Hulk, me gusta que no se haya vendido solamente a grandes papeles del mundo de Hollywood. Buen ejemplo de ello, es su interpretación en éste film, en el que intenta superarse como actriz.

Jared Leto deja a un lado su belleza y se pone en la piel de un consumido joven. Aunque el actor cuenta con alguna superproducción a sus espaldas, como El Señor de la guerra con Nicolas Cage, el líder del grupo 30 Seconds to Mars, ya ha demostrado anteriormente lo bien que se le dan los papeles controvertidos en El club de la lucha o American Psycho. Películas más próximas al cine independiente que no a las grandes producciones, a pesar de sus nominaciones y premios.
Por último, Marlon Wayans, conocido por la saga Scary Movie, realiza una interpretación que sorprende gratamente y se complementa muy bien con el resto de actores.


La banda sonora compuesta por Clint Mansell, que ha orquestado otros trabajos del cineasta, no cuenta con una gran variedad de temas, pero es absolutamente brillante. Cortes lentos y melancólicos, además de un tema principal que ha pasado a la posteridad, usado en trailers de películas e incluso anuncios de televisión.
Para los momentos acelerados, nos deleita con música industrial o con los efectos sonoros realiza un improvisado ritmo hip-hop. En cambio, para las alucinaciones de Sara recurren al tema de la conga, desentona con el resto de la banda sonora, pero encaja perfectamente en esos momentos tan surrealistas.
Si te gustan las películas moralmente explicitas no te la puedes perder, pero advierto que el final es visualmente destructivo.

Puntuación

9/11/08

Estan vivos

Estan vivos dirigida por John CarpenterTÍTULO ORIGINAL: They Live
AÑO: 1988
DURACIÓN: 95 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: John Carpenter
GUIÓN: John Carpenter
MÚSICA: Alan Howard, John Carpenter
FOTOGRAFÍA: Gary B. Kibbe
REPARTO: Roddy Piper, Keith David, Meg Foster, John Lawrence, Raymond St. Jacques, Peter Jason
PRODUCTORA: Alive Films

Un trabajador encuentra casualmente unas gafas que permiten ver a las personas tal y como son. Gracias a ellas descubrirá que importantes personajes de la vida política y social son en realidad extraterrestres. Durante su particular cruzada podrá observar cómo estos alienígenas han ido sembrando el mundo de mensajes subliminales con los que pretenden convertir a los hombres en una raza de esclavos.

Después de la polémica generada con la reciente critica de Asalto a la comisaría del distrito 13 de John Carpenter. Vengo dispuesto a remover el tema con Están vivos, otra de sus películas con defensores y detractores a partes iguales. Inspirada en un relato corto, titulado Las 8 de la mañana, el director neoyorquino adapta la historia escribiendo el guión en forma de largometraje, que temo, poco tendrá que ver con el relato original, sobre todo en su desenlace.

Con una secuencia muy parecida al inicio de Acorralado en la que Stallone entraba a la ciudad, se nos presenta a Nada, el personaje principal interpretado por Roddy Piper. Aunque las similitudes entre ambos personajes, únicamente las encontraremos en dicha secuencia y su objetivo principal, antes de descubrir la verdadera identidad de un gran porcentaje de la sociedad.

Al principio fracasa en su ardua tarea de labrarse un porvenir, pero al final encuentra ayuda, y entra a trabajar en la construcción. Aquí conoce a Frank (Keith David), quea la fuerza,  nunca mejor dicho, se unirá  a Nada en una peculiar y peligrosa misión, destapar dicha invasión alienígena. La formula de unión entre un caucásico y un afroamericano, ha sido utilizada a menudo en el cine de acción, por ejemplo en la Jungla de cristal 3 o Arma letal. Y aunque esta vez no son policías, es la misma fórmula con mismo resultado. Una pareja que funciona bien en el contexto del film, dando cabida a situaciones de tensión, amistad y envidias entre ambos personajes, algo de lo que Carpenter hace buen uso a lo largo de la película.


La banda sonora sigue demostrando, que Carpenter todavía tiene buena tinta en su pluma a la hora de componer. Aunque para mi gusto esta vez, se encuentra en baja forma si lo comparamos con otros de sus trabajos.

Carpenter homenajea a dos épocas diferentes. Las secuencias en blanco y negro se encuentran influenciadas por los clásicos de ciencia ficción de los años 50, mientras que las partes en color, hacen lo propio con el cine ochentero de aventuras y acción.

Los efectos especiales cumplen correctamente, aunque la cámara juega con algunos movimientos evitando un poco la percepción de algunas fallos en dichos efectos. La iluminación para las escenas de día es correcta, sin embargo los planos nocturnos son demasiado oscuros, creando confusión en la escena del asalto al poblado por parte de la policía. Escena que me recordó a la serie televisiva V, pero con balas en lugar de rayos láser.

A pesar de su flojo guión y diálogos que parecen improvisados por los propios actores, resulta interesante hasta bien pasada la mitad de la película. Pero sus últimos treinta minutos, todo va cuesta abajo, precipitándose rápidamente hacia un desenlace demasiado brusco y con un giro final demasiado previsible. Los románticos disfrutarán con la profunda mirada entre Nada y Holly, la chica de la película interpretada por Meg Foster. Aunque lo que debería haber desembocado en una tórrida escena de sexo, se ve truncada, al encontrarse ésta metida con calzador en la trama.


Técnicamente la película hay que cogerla con pinzas, porque si no se desmonta como un perchero de los chinos. Sin embargo la fuerza de ésta, no reside en el guión, los efectos especiales o la interpretación de los actores, lo hace en su crítico trasfondo a la manipulación mediática, política, consumista y a toda la publicidad subliminal que nos invade cada día de nuestras vidas, mediante diferentes vías de distribución; la televisión, prensa, vallas publicitarias, etc.

Reconozco que he sido demasiado duro con la película, aunque es una de esas obras de la que no hay que juzgar su aspecto técnico o artístico, mejor disfrutarla sin prejuicios. Recomiendo verla con amigos las risas están aseguradas.

Puntuación

4/11/08

Mil gritos tiene la noche

Mil gritos tiene la noche dirigida por Juan Piquer SimónTÍTULO ORIGINAL: Mil gritos tiene la noche
AÑO: 1982
DURACIÓN: 85 min
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Juan Piquer Simón
GUIÓN: Dick Randall, Joe D'Amato
MÚSICA: Librado Pastor
FOTOGRAFÍA: Juan Marino
REPARTO: Christopher George, Lynda Day George, Frank Braña, Edmund Purdom, Ian Sera, Gérard Tichy, Isabel Luque, Jack Taylor & Paul L. Smith
PRODUCTORA: Almena Films

En una Universidad de los Estados Unidos se están cometiendo brutales asesinatos. Las víctimas son hermosas chicas, cuyos cuerpos aparecen mutilados. La policía investigará distintos sospechosos en la Universidad, con la ayuda del decano, un alumno implicado y una voluntaria camuflada como profesora de tenis. Una carrera contrarreloj en la que el asesino no descansará hasta conseguir su objetivo.

Volvemos a hablar del gran Juan Piquer Simón para recuperar otra de sus grandes obras de los 80, Mil gritos tiene la noche. Editada en DVD por Filmax Home Video dentro de su colección DVD Bizarro, dedicada al cine de terror Español. Al igual que ocurría con Slugs, muerte viscosa, se trata de una coproducción entre España y EEUU, que a su manera, también podría interpretarse como un homenaje al cine de terror, concretamente al slasher.


Por esa época el slasher gozaba de una gran aceptación, gracias a títulos de gran éxito como Viernes 13 o Halloween que habían popularizado este sub-género.

El film tiene todos los ingredientes que se pueden esperar de una película slasher, incluso diríamos que elevados al cubo: Un asesino perturbado con un trauma infantil que utiliza una pequeña y eficaz motosierra para sus asesinatos. Una universidad llena de estudiantes que no dudan en desnudarse gratuitamente, y lo más importante, la mutilación de la mayor parte de dichas jovencitas sin ningún tipo de piedad por parte de nuestro asesino.


Utilizando el juego de la sospecha muestra varios personajes, que fácilmente podrían ser asesinos en potencia, intentando así confundir al espectador sobre la verdadera identidad del asesino. Pero no nos engañemos, lo único que en realidad importa y mejor que encontraremos, son todas sus muertes. Haciendo honor al título original Pieces, nos ofrecen todo un catalogo de como se debe mutilar motosierra en mano. Los efectos especiales, están bastante bien resueltos, y resultan bastante más explícitos que algunos títulos de mayor renombre en la misma época.


El propio Juan Piquer Simón reconocería que la película prácticamente carecía de un sólido guión. Las escenas de asesinatos eran ideadas por él, que luego hilvanaba con algunos diálogos medio improvisados. Aunque precisamente, esa carencia en la planificación del guión, dota a la película de un encanto especial con situaciones que rozan lo surrealista y la parodia, ¿intencionada?; como la, ya, mítica escena del profesor de Kung-Fu, que pasará a la historia de lo absurdo en el mundo del celuloide.


Su banda sonora compuesta principalmente por una sencilla pieza interpretada en piano, crea una atmósfera melancólica y enfermiza. Potenciando muchas de las escenas, haciendo ganar puntos al resultado final. Además, recuerda a las clásicas bandas sonoras creadas en la época de los Giallos, por grupos tan distinguidos como los propios Goblin.

Una película que algunos tuvimos la suerte de verla en una temprana edad, y en algún rincón de nuestra mente, se perpetúa el recuerdo de un gran mito. Para quienes no la hayan visto, descubrirán una nueva experiencia llena de simbolismo con un enfermizo final, que no te dejará indiferente.

Puntuación

Drácula

Drácula dirigida por Tod BrowningTÍTULO ORIGINAL: Dracula
AÑO: 1931
DURACIÓN: 75 min
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Tod Browning
GUIÓN: Garrett Fort, Dudley Murphy (Novela: Bram Stocker)
MÚSICA: Richard Wagner, Peter Tchaikovsky / Philip Glass, Kronos Quartet
FOTOGRAFÍA: Karl Freund (B/W)
REPARTO: Bela Lugosi, Helen Chandler, David Manners, Dwight Frye, Edward Van Sloan, Herbert Bunston
PRODUCTORA: Universal Pictures

El conde Drácula cambia su residencia desde los Cárpatos a Occidente. Para ello se procura al contable que le visita para acompañarle en su mudanza como servidor. Una vez instalado, conoce a una joven prometida, de quién se enamora. Comenzará a visitarla por las noches, para ir bebiendo su sangre poco a poco, y convertirla así en su esposa. Pero el malestar que sufre la joven alerta a su familia, que contacta con el doctor VanHelsing, quien investigara estos extraños sucesos.

Drácula es uno de los personajes con más versiones a lo largo de las décadas. Con más o menos acierto, se han realizado numerosas adaptaciones basadas en la novela de Bram Stocker.
Mientras que ahora, los clásicos del horror de la época dorada de la Universal, se compilan en la Colección de Monstruos, extraordinaria antología de las más memorables cintas del género.

La versión de Drácula dirigida por Tod Browning en 1931 e interpretada por el carismático Bela Lugosi, es la elegida para inaugurar dicha colección. Ésta adaptación es considerada como uno de los referentes del mitico conde de transilvania, pues la interpretación de Bela Lugosi ha pasado a la historia como mito y su personaje se ha convertido en un icono del vampiro clásico.


La duración del metraje está muy limitada, la planificación y dirección escénica es totalmente teatral, y los medios con los que contaban, más bien escasos.
En su versión original la banda sonora brilla por su ausencia, a excepción de algunos cortes de piezas de música clásica, entre las cuales hayamos a Wagner o Tchaikovsky, pero la mayoría de escenas las adorna un hueco sonoro, únicamente interrumpido por los diálogos de los personajes.

La película consta de dos partes, una se desarrolla en Transilvania y la otra en Londres, en la que destaca especialmente el principio de la película. La llegada de Renfield al castillo de Drácula, tiene un ambiente bien conseguido, es espeluznante y sobrecogedor.
La intensidad que transmite la recreación de los paisajes es siniestra y desoladora. La puesta de sol, la mano de Drácula asomando del ataúd, su presentación bajando por la escalera mientras los insectos y las ratas escapan de su maligna presencia, está llevado con una magnífica interpretación de los personajes.


Claro que, no es oro todo lo que reluce, el desarrollo de la película es brusco, hay varias escenas que quedan sin explicación, creando así algo de confusión al espectador. La llegada de Drácula a Londres se resume en pocos minutos, a partir de ese momento la película pierde cierta intensidad, aunque, de forma brusca y torpe, se mantiene el encanto hasta llegar a un final que deja un buen sabor de boca.



Quiero hacer hincapié en la edición perteneciente a la Colección de Monstruos. Recomiendo ver la película en versión original, y sobre todo, acceder al material extra, en el que se encuentra la opción de ver la película con una banda sonora compuesta por Philip Glass, encargo de los Estudios Universal. Dicha partitura interpretada por el Kronos Quartet, se adapta a la intensidad y dramatismo de las imágenes, haciendo mucho más interesante la película, una manera curiosa de poder disfrutar la película.

Puntuación

3/11/08

Me casé con un extraño

Me casé con un extraño dirigida por Bill PlymptonTÍTULO ORIGINAL: I Married a Strange Person!
AÑO: 1997
DURACIÓN: 74 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Bill Plympton
GUIÓN: Bill Plympton, P.C. Vey
MÚSICA: Maureen McElheron
FOTOGRAFÍA: John Donnelly
REPARTO: Animation
PRODUCTORA: Distribuida por Universal Pictures

Grant Boyer, un joven recién casado, es víctima de una descarga eléctrica como consecuencia de un fallo en la antena de televisión provocado por unos patos en celo. Este hecho le proporciona extraordinarios poderes, en los que podrá transformar personas y objetos a su voluntad y la facultad de materializar todo aquello que se cruce por su mente. Tan preciado don desencadenará una escalada de situaciones inesperadas que afectarán a su reciente esposa, a sus suegros, al gobierno, al ejército y a unas corporaciones que intentarán descubrir el secreto de Grant para adueñarse del mundo.

Vamos hoy con otra película de Bill Plympton, director de animación al que he descubierto recientemente en el Festival de Sitges gracias a Goblin, autor de éste blog, que escribió la crítica del último trabajo del animador, titulado Idiots and Angels.

Aun advertido por Goblin, que sus anteriores films son mas demenciales por su alto nivel de degeneración y surrealismo, eso es precisamente lo que más me ha gustado de este director.
He visionado recientemente dos de sus anteriores trabajos, Me case con un extraño y Mutant Aliens, ambos me han gustado, pero he decidido hacer la crítica del que más.

Me case con un extraño explica las desventuras de Grant Boyer, un joven recién casado es víctima de una descarga eléctrica, a consecuencia de un fallo en la antena de televisión provocado por unos patos en celo. Éste hecho le proporciona extraordinarios poderes, con los que podrá transformar personas y objetos a su voluntad, materializando todo aquello que se cruce por su mente. Tan preciado don desencadenará una maratón de situaciones inesperadas que afectarán a su reciente esposa, a sus suegros, al gobierno, al ejército y a una corporación que intentará descubrir el secreto de Grant para adueñarse del mundo.


Las diferencias con su último film se encuentran en unos fondos y escenarios más estáticos, los personajes también están menos remarcados en sus contornos, dando mucha más fluidez y libertad de movimiento para mostrarnos situaciones mucho más surrealistas.
La historia es menos profunda y poética, pero visualmente es una delicia para nuestra retina, las situaciones ultra delirantes fluyen por la pantalla a una velocidad de vértigo. Imágenes exclusivas para un público adulto, debido a su alto contenido sexual y grandes dosis de gore.

Para contar la historia se sirve de algunos cortos diálogos y voces en off, ayudando a entender los pensamientos del personaje por sentirse un bicho raro. Situaciones como la tensa relación entre yerno y suegros, y varias escenas mas, en las que sería difícil explicar lo que sucede solamente con imágenes, tal como hace el cineasta en su último film, Idiots and Angels.

La degeneración que sale por la pantalla directa a nuestra retina, es curioso ver como explica Plympton este efecto dentro de la película, como la formación de pelusa en el ombligo o la formación de las lágrimas. Aunque solo parezca degeneración sin más, el film guarda una fuerte carga de parte crítica a la sociedad, a los militares y a los poderes corporativos de las grandes empresas, que cogen lo que quieren cueste lo que cueste, en este caso, los poderes de una persona.


Plympton escucha mucha música mientras realiza sus animaciones, le sirve de inspiración. Respecto a la banda sonora de Maureen McElheron, que ha trabajado en otras ocasiones con el cineasta, conoce los gustos de éste por la música. Realizando un score adecuado a la historia, menos oscura. La mayoría de temas vienen influenciados directamente del jazz y el rock más estridente, que acompañan cada situación con maestría.

Un film que recomiendo a los amantes de lo surrealista, aconsejo abrir la mente y oxigenar los pulmones antes de su visionado, de esa manera es la única posibilidad de apreciar su maravillosa esencia.

Puntuación

2/11/08

Space Cowboys

Space Cowboys dirigida por Clint EastwoodTÍTULO ORIGINAL: Space Cowboys
AÑO: 2000
DURACIÓN: 123 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Clint Eastwood
GUIÓN: Ken Kaufman & Howard Klausner
MÚSICA: Lennie Niehaus
FOTOGRAFÍA: Jack N. Green
REPARTO: Clint Eastwood, Tommy Lee Jones, Donald Sutherland, James Garner, James Cromwell, Marcia Gay Harden, William Devane, Loren Dean, Courtney B. Vance
PRODUCTORA:Warner Bros. Pictures / Village Roadshow Pictures present a Malpaso / Mad Chance production.

Cuatro veteranos pilotos del ejército del aire de los EE.UU. ven cumplidos sus deseos de convertirse en astronautas y viajar al espacio aunque sea con cuarenta años de retraso. Su misión es reparar un gran satélite de comunicaciones ruso, que se ha salido de su órbita, para evitar que caiga sobre la Tierra. El satélite en cuestión había sido diseñado por Frank Corvin, el capitán de la expedición. Tras un severo y, a veces, hilarante entrenamiento, estos veteranos astronautas tropezarán en el espacio con problemas más difíciles de lo que esperaban.

Sólo hay un hombre que pueda evitar que un satélite ruso caiga sobre la Tierra, afortunadamente se trata de Clint Eastwood retirado, solo su cabezonería en reunir el mismo equipo de veteranos puede conseguir que se cumpla un sueño que se truncó 40 años atrás, ¡todo un grupo de elegidos!, Tommy Lee Jones, Donald Sutherland y James Garner le acompañaran en esa suicida misión. Claro está que pasarán penalidades, sufrirán las risitas de desprecio de los jóvenes astronautas ambiciosos que les miran por encima del hombro, sufrirán los tejemanejes de "los de arriba"... ¿Hay alguien que no piense que saldrán airosos?


La película es previsible, de acuerdo, pero, ¿no es reconfortante que de cuando en cuando las cosas salgan bien? Por eso es un magnífica película de sobremesa para un sábado por la tarde. Es amable, entretenida, está bien contada y nos hace pasar un buen rato con tipos de esos que siempre son fieles a sí mismos.

De las actuaciones, ¿qué decir?. Aunque el personaje de James Garner queda un poco desdibujado, los de sus tres compañeros de vuelo son golosinas en manos de estos actores de la talla de Clint Eastwood, Tommy Lee Jones y Donald Sutherland. Un placer.

Puntuación

1/11/08

Asalto a la comisaría del distrito 13

Asalto a la comisaría del distrito 13 dirigida por John CarpenterTÍTULO ORIGINAL: Assault on Precinct 13
AÑO: 1976
DURACIÓN: 90 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: John Carpenter
GUIÓN: John Carpenter
MÚSICA: John Carpenter
FOTOGRAFÍA: Douglas Knapp
REPARTO: Austin Stoker, Darwin Joston, Laurie Zimmer, Martin West, Nancy Loomis, Tony Burton, Charles Cyphers
PRODUCTORA: CKK Production

Un policía de Los Angeles recibe su primer destino en una comisaría que está siendo trasladada a un nuevo edificio. Nada parece que vaya a turbiar la paz del lugar, hasta la llegada de un furgón que custodia a un famoso criminal, que ha de pasar la noche en la comisaría... 

John Carpenter es uno de los directores mejor posicionado dentro de la serie B, aunque esto quizás viene propiciado por usar a modo de presentación su propio nombre unido al título. Si bien es cierto que tiene obras muy buenas, también cuenta con algunas muy malas.

Al inicio de su carrera como director nos encontramos con una de sus mejores obras, Asalto a la comisaría del distrito 13. Construida en base a tres historias, que terminan por unirse en el interior de la comisaria en una sola.
Primero tenemos al teniente Bishop enviado en su primera misión a supervisar el traslado de una comisaria en un barrio conflictivo a otro barrio más propicio. Por otro lado, el traslado de tres presos a una cárcel de mayor seguridad, que por motivos un tanto absurdos acaban en dicha comisaría. Y por último, un padre que huye de una banda de delincuentes.
Así de repente, todos se encuentran encerrados en el mismo sitio, la comisaría, en mitad de una guerra declarada por parte de una banda callejera, dispuestos a todo con tal de vengar la muerte de uno de los suyos.

La banda sonora compuesta por el propio Carpenter, como en la mayoría de sus films, cuenta con un minimalista tema principal que se acerca a las películas de zombis, más que a las películas policíacas, que es realmente de lo que trata el film.
El resto de temas no son demasiado amplios, resultan ambientales, dignos de película de terror. Pero también hay lugar para la melancolía en las partituras creadas por el cineasta, pequeños momentos de calma que dispondrán los personajes para reflexionar la comprometida situación en la que se encuentran. La historia se hace eco del instinto de supervivencia innato que posee el ser humano. Los protagonistas saben lo que les depara, así se que se defenderán con uñas y dientes ante el peligro externo que los amenaza.


El guión escrito por el propio Carpenter e inspirado en el famoso western Río Bravo, no es perfecto, tiene algunos fallos e incongruencias. Por ejemplo; si la otra comisaria se encuentra a solamente diez manzanas. ¿Porque Starker se niega a llevarlos allí con una escusa tan tonta como que el preso está enfermo?, pero este tipo de cine es para disfrutarlo y valorar otros aspectos, como su muy bien conseguida opresiva  atmósfera o las diferentes sensaciones que nos transmite a lo largo del film.

La relación entre personajes también está bastante lograda, algo que en muchas películas de hoy día ya no se aprecia, parece que por encima de todo cuenta la espectacularidad de los efectos especiales. Aquí sin ser unos efectos muy elocuentes y que resultan algo cutres vistos hoy día, fueron realizados con un presupuesto ajustado, pero cumplen en todo momento con la adrenalina que intenta transmitir el film.



Los actores en general cumplen bien con sus interpretaciones, aunque el protagonismo recaiga, casi exclusivamente, sobre Bishop (Austin Stoker) y Napoleon Wilson (Darwin Joston) el cual volvió a trabajar con John Carpenter en La niebla. O Tony Scoot que años después trabajó junto a Stallone en Rocky IV, tiene su rato de protagonismo. Como era de esperar, con tanto remake, ambos films mencionados, La Niebla y Asalto a la comisaría del distrito13, fueron objeto de innecesarios remakes en el año 2005. Pero si tuviera que elegir, me quedaría con el de Asalto al distrito 13, ya que el de La Niebla me pareció lamentable.

Carpenter mueve la cámara con buenos encuadres y junto a una fotografía e iluminación muy conseguida en los diferentes momentos. Con una estética general muy propia de la época en que se basa el film, finales de los 70 principio de los 80, nos deja un film de gran atmósfera y ambientación.

Una obra que recomiendo a los amantes de la serie B, que no tengan prejuicios ante la violencia, de aires cercano al cine trash.

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