29/12/08

Macabro

Macabro dirigida por Lamberto BavaTÍTULO ORIGINAL: Macabre
AÑO: 1980
DURACIÓN: 90 min
PAÍS: Italia
DIRECTOR: Lamberto Bava
GUIÓN: Antonio, Pupi Avati
MÚSICA: Ubaldo Continiello
REPARTO: Bernice Stegers, Stanko Molnar, Veronica Zinny, Roberto Posse, Ferdinando Orlandi, Fernando Pannullo, Elisa Kadigia Bove
PRODUCTOR: Antonio Avati, Gianni Minervini

Jane Baxter es una atractiva mujer casada con dos hijos, mantiene en secreto una relación en un apartamento alquilado. Durante uno de sus encuentros recibirá la noticia de la muerte de su hijo. Fred, su amante, la acompaña en coche al hospital, pero un fatídico accidente termina con la vida de Fred. Un año después de estar internada en un manicomio, Jane Baxter separada de su marido, se aloja en la casa donde se encontraba con su fallecido amante. Actualmente el casero es un joven ciego que convivirá con Jane y pronto descubrirá que su inquilina se comporta de forma extraña.

Lamberto Bava, dirige esta particular producción con un halo de misterio que mantiene al espectador con una intriga malsana. Una historia de corte clásico, mezcla el dramatismo y lo enfermizo. Con pocas muertes, y sin llegar a ser una película especialmente sangrienta, consigue un ambiente erótico y perturbador, al mismo tiempo que sobrecoge al espectador hasta un sorprendente final.


Efectivamente nos encontramos ante el mejor film de Lamberto Bava, si no tenemos en cuenta su gran clásico de los ochenta, Demons, que el tiempo ha convertido en su obra más recordada por todos los amantes del terror ochentero. Aunque es imposible hacer una comparación, ya que se tratan de películas muy distintas, que gustarán a los aficionados por motivos muy distintos.

Como ya hemos dicho al principio de esta crítica, Macabro es una película muy particular, aunque puede estar perfectamente enmarcada en el terror, lo que más miedo da es la propia enfermiza y malsana historia planteada por Lamberto. No puede dejar de recordar a otras producciones que continuaron por el mismo camino, como Demencia de Joe D'Amato o Nekromantik, considerada de culto. Obras muy distintas pero con ciertas similitudes que conducen a Macabro.


Tanto el estilo como el desarrollo de la historia, son muy Giallo, género muy popular en esa época, aunque de alguna forma, en la actualidad continua vivo en la memoria de los aficionados. Macabro mantiene el suspense durante toda la película, su lento desarrollo y alguna tosca presentación de los personajes que indican el motivo de algunas situaciones, concluyen en el momento preciso para mostrarnos un desenlace que aunque puede resultar previsible, no deja de impactar por su alto contenido enfermizo y por la inolvidable sorpresa final que nos regala su director.

Puntuación

28/12/08

The Spirit

The Spirit dirigida por Frank MillerTITULO ORIGINAL: The Spirit
AÑO: 2008
DURACIÓN: 103 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Frank Miller
GUIÓN: Frank Miller (Cómic: Will Eisner)
MÚSICA: David Newman
FOTOGRAFÍA: Bill Pope
REPARTO: Gabriel Macht, Samuel L. Jackson, Scarlett Johansson, Eva Mendes, Jaime King, Paz Vega, Sarah Paulson
PRODUCTORA: Lionsgate

Denny Colt (Gabriel Macht) es un detective enmascarado, un héroe sin superpoderes que protege del crimen a los habitantes de Central City. Colt persigue sin tregua al villano Octopus (Samuel L. Jackson), que asesina sin piedad a cualquiera que le vea la cara.

Uno de los estrenos más esperados de las navidades, era sin duda, The Spirit dirigida por Frank Miller, el autor de comics como 300, Sin City o Batman: Año uno.

Miller debutó junto a Robert Rodríguez como co-director en Sin City. El cineasta experimentado, ósea Rodríguez, se ponía al frente de aquella, adaptando a la gran pantalla una de las propias novelas gráficas de Miller, la unión de ambos dio muy buenos resultados y causo cierto admiración por su atractivo visual en la pantalla, era algo imposible de trasladar sin caer en el ridículo y la burla.

En ésta ocasión Miller adapta The Spirit, un comic que no es suyo, sino de Will Eisner. Miller ésta vez se encuentra en la dirección solo ante el peligro, y el asunto le queda dos tallas más grande.


Al igual que Sin City, si comparamos algunas viñetas, The Spirit traslada el aspecto visual de la novela de forma bastante notable, con la diferencia que es a todo color. Aprovechando esto, Miller juega con una paleta muy amplia de tonalidades, creando un contraste mucho mayor en colores neutros, como el blanco o el negro.
A priori la cosa pinta muy bien, pero no solo de pan vive el hombre. Pronto todo ese elaborado conjunto técnico, fotografía e iluminación, hacen atractivo lo visual. Pero el film se viene abajo, cuando examinamos de cerca el resto de aspectos, empezando por un guión zafio e inconexo y terminando por la ridícula estética glam retro futurista. Lo único que resulta coherente en todo esto, es cuando la voz en off del protagonista relata algunas partes de la historia, pero los diálogos entre los personajes son lo más tonto e irrisorio que he visto en mucho tiempo.


Lo que prometía ser una historia dedicada al público adulto, por momentos, acaba siendo para niños de cinco años. El humor de guardería resulta tan edulcorado, que es insultante a cualquier mínima inteligencia que se preste al visionado. La única escena que destacaría, es la de Octopus (Samuel L. Jackson) vestido de nazi dando un discurso sobre dominar el mundo, llega a ser tan auto paródico y estúpido que hasta tiene su estúpida gracia.

Las interpretaciones son bastante limitadas en el entorno que nos ha querido mostrar su director. Solo merece mención Samuel L. Jackson, como actor ya ha demostrado en multitud de ocasiones de lo que es capaz. Si bien el papel de Octopus será recordado, posiblemente, como el papel más ridículo y estúpido de toda su filmografía.


La banda sonora cumple su papel correctamente, pero a estas alturas de la cinta ni siquiera esto arregla el despropósito perpetrado por el guión.

Del reparto femenino ¿qué decir? Pues las han "vendido" con un protagonismo similar, siendo en realidad Eva Mendes la única que se lleva esa porción del pastel. Aunque lo único a lo que se dedica exclusivamente, es a lucir su escultural y macizo cuerpo, haciendo babear al público masculino. Pero lo que Miller parece no saber, es que aunque todas sus féminas están muy buenas, el desfile de tetas y culos no son suficientes artimañas para contentar al espectador con el resultado final de la cinta.

No puedo afirmar el grado de fidelidad que guarda con el comic, ya que no soy aficionado al mundo de la viñeta. Pero apostaría que el grado es bastante alto, ya que en los comics se recurre habitualmente a la exageración y el paroxismo de los personajes, que aquí encontramos en grandes cantidades.

Pero Miller debería saber bien, como dibujante y guionista de otros comics, que hay cosas que no se pueden llevar a la gran pantalla al pie de la letra. Espero que su próxima película esté a la altura de Sin City.

El listón quedó demasiado alto con Sin City, y encontrarse solo en este proyecto no le ha hecho bien a su inicio como director.


Puntuación

22/12/08

Promesas del Este

Promesas del Este dirigida por David CronenbergTITULO ORIGINAL: Eastern Promises
AÑO: 2007
DURACIÓN: 99 min.
PAÍS: Reino Unido
DIRECTOR: David Cronenberg
GUIÓN: Steven Knight
MÚSICA: Howard Shore
FOTOGRAFÍA: Peter Suschitzky
REPARTO: Viggo Mortensen, Naomi Watts, Vincent Cassel, Armin Mueller-Stahl, Sinéad Cusack, Donald Sumpter
PRODUCTORA: Coproducción GB-USA; Focus Features / BBC Films

El misterioso y atractivo Nikolai es el chófer de una importante familia mafiosa de Europa Oriental. Semyon, el jefe del clan, detrás de una sonrisa encantadora, esconde una naturaleza fría y cruel. La estabilidad familiar se tambalea por culpa de Kirill, su alocado hijo, que hace más caso a Nikolai que a su propio padre. La vida de Nikolai cambia de golpe cuando conoce a Anna, una comadrona que trabaja en un hospital de Londres. Anna, muy afectada por la muerte en el parto de una adolescente, decide buscar a la familia sirviéndose del diario que la chica dejó escrito en ruso. Lo malo es que sus indagaciones desencadenan la ira de los mafiosos.

En el año 2005, el director David Cronenberg decidió dar un giro bastante radical a su carrera cinematográfica, abandonando el género al que nos tenía acostumbrados. Donde a partes iguales mezclaba, la fantasía con lo bizarro, buenos ejemplos de ello son eXistenZ, El almuerzo desnudo o Crash. Aunque éste es especialmente (re)conocido por su grotesca adaptación de La mosca en 1986, remake del clásico de 1958 dirigido por Kurt Neumann. Si bien la versión dirigida por Cronenberg, nos mostraba una visión infinitamente más escabrosa.

La nueva etapa en la que se embarca Cronenberg, empieza a forjarse con Spider en 2002, sin embargo, es en 2005 con Una historia de violencia, cuando el auténtico cambio empieza a notarse. Seguida, por la aquí comentada, Promesas del Este, son films que no guardan una amplia relación, ni continuación argumental, pero se asemejan bastante en aspectos narrativos, técnicos y algunos pequeños detalles sistemáticos, como la presencia del mismo actor (Viggo Mortensen) o la relación con las mafias. De ésta manera se abre una nueva etapa en la trayectoria del realizador canadiense, un punto y coma que nos adentra en un género mucho más accesible al público mayoritario.


El reparto es la mejor mano de cartas de la que dispone el film. En los papeles principales tenemos a Viggo Mortenssen, Vincent Cassel y Naomi Watts. A diferencia de Una historia de violencia, la narrativa en Promesas del Este es más pausada, pudiendo resultar lenta en su primera media parte. Pero gracias a un buen y cuidado guión “lavado a mano y con suavizante” por Steven Knight, guionista de Negocios ocultos dirigida por Stephen Frears. La historia está explicada con decisión y firmeza, pero de manera paulatina. Con mucha sutileza y sin precipitarse o apresurar su desenlace, nos desvela una atractiva y enigmática trama, que deja libertad suficiente a los actores para interpretar sus personajes sin grandes esfuerzos ni contratiempos.

El peso de la historia lo lleva Viggo Mortensen, en el papel de Nikolai, un sicario que carece de emociones y sentimientos, al menos no los exterioriza hasta bien pasado medio film. El actor ya protagonizó Una historia de violencia, se pone ésta vez en la piel de sicario con asombrosa facilidad, haciendo el personaje totalmente creíble y carismático.

Vincent Cassel es Kirill, el alocado hijo de Semyon, una especie de Padrino de la mafia italiana pero en la mafia Rusa, interpretado por el actor alemás Armin Muelle-Stahl (The Game), su presencia es tan imponente como sus intenciones, que dejan ver claramente lo malvado que fue, es y llegará a ser con tal de cubrirse las espaldas.
Cassel realiza una interpretación nada envidiable a la de Viggo, algo sobreactuada en momentos violentos, pero que se complementa a la perfección con el personaje de Nikolai, son como el Yin y el Yan, han de coexistir juntos.

Naomi Watts es Anna una joven algo incauta y demasiado curiosa que se entromete en asuntos ajenos demasiado peligrosos. Watts se limita a interpretar las primeras apariciones de Anna, de una manera sencilla, es cuando llegan las escenas dramáticas, la actriz saca todas sus dotes interpretativas. Convirtiendo dichas escenas en algo excelente. Poco más hay que suscitar sobre ella, cuando sus dotes ya quedaron demostradas ampliamente en el reciente remake de Funny Games.


Cronenberg es un veterano en esto de dirigir películas, donde pone el ojo pone la cámara con gran profesionalidad. Aunque la mueve más bien poco en éste film, lentos travellings, planos estáticos y el uso del cierre o apertura del objetivo para alejarse del actor sin moverse, son sus mayores "efectos", que acompañan con acierto a la lentitud general, siendo ésta la mejor manera para arrastrar el ritmo que tiene el film.

La fotografía de vivos colores y apagados a la vez en una misma secuencia, le dan un toque inquietante y austero que advierten del peligro que supone mezclarse con los asuntos de la mafia. La banda sonora compuesta por Howard Shore, es triste y melancólica acorde con el propio argumento. Nos mantiene intrigados y atentos deseando saber que va a suceder con el diario, esquivando así la lentitud del film.
Shore se ha convertido en el compositor fetiche de Cronenberg, éste ha orquestado muchas de susanteriores películas.

Los efectos especiales solamente son requeridos en un par de ocasiones en todo el film, momentos que el cineasta aprovecha para dejar su carácteristico sello visto en otras de sus obras, aunque lo hace de forma muy sutil, revocan a films como eXistenZ o Videodrome.

Un thriller lento y pausado en su primera mitad, pero que te atrapa con la suculenta historia, aunque si eres amante de la adrenalina, pasa pagina, probablemente te acabes durmiendo.

Puntuación

18/12/08

La masacre del microondas

La masacre del microondas dirigida por Wayne BerwickTITULO ORIGINAL: Microwave Massacre
AÑO: 1983
DURACIÓN: 76 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Wayne Berwick
GUIÓN: Thomas Singer (Historia: Craig Muckler)
MÚSICA: Leif Horvath
FOTOGRAFÍA: Karen Grossman
REPARTO: Jackie Vernon, Loren Schein, Al Troupe, Marla Simon, Claire Ginsberg, Lou Ann Webber, Anna Marlowe, Cindy Gant, Sarah Alt
PRODUCTORA:-

Donald, un modesto albañil, hace tiempo que no come las cosas sencillas que a él le gustan, y todo porque su mujer ha decidido que sólo preparará platos de "alta cocina". Esto causa tal tensión entre la pareja que Donald termina matando a su mujer. Después de matarla, y dando rienda suelta a la rabia que lleva tiempo conteniendo, se le ocurre usar el microondas de una manera diferente, y así empezará a comer mucho mejor, experimentando con nuevas recetas y nuevos ingredientes.

En la década de los 80 se hacían películas con grandes portadas, en su inmensa mayoría éstas eran su mayor baza junto al prometedor titulo. Reclamo para atraer, mejor dicho, engañar a los incautos como un servidor que bajaban al videoclub en busca de suculento material. Dichas portadas prometían lo que nunca llegaba a cumplirse, salvo excepciones, ahí tenemos casos como Killer Klowns From Outer Space o Troll, al menos éstas se correspondían bastante con su atractiva portada. Cuando dabas con algo así, te divertías tanto que bajabas a por más caspa cinematográfica, como un yonqui baja a por heroína. Aunque la jugada no siempre salía bien, a veces te dabas de narices como con La masacre del microondas, en lugar de un microondas parece un horno de panadería industrial.


El guión es lamentable y sus diálogos no llevan a ninguna parte interesante, menos aún divertida. ¡Ojo! a la discusión entre el Donald y su mujer por experimentar platos selectos, cuando él solo quiere un bocadillo de queso, muy del estilo la serie Escenas de matrimonio, claro qué, aquella aún resultando extremadamente típica, al menos tenía un mínimo de gracia. Sin embargo lo único que consigue la película será irritarnos de tal manera, que nosotros mismos mataríamos a la mujer y de paso también a Donald.

Además añaden situaciones que no vienen a cuento, como las tetas de la rubia (aunque siempre se agradece ver unas) o el obrero cachas que tiene ginefobia. Ni siquiera podemos disfrutar debidamente de las hembras, pues se pasean cual pato mareado, quitándole así todo atractivo a la escena. De las interpretaciones mejor que ni hablamos, no espero nada bueno por parte de los actores, pero es peor. Además el doblaje no ayuda a mejorarlo, todo lo contrario.


La cámara pone el objetivo fuera de plano, no debiera importar demasiado si la película tuviera el gore que promete el título, pero no es el caso.
Los cambios de plano son bruscos, cortando la banda sonora compuesta de temas. De la iluminación no hace falta comentar nada, directamente no hay foco, no me extraña con su irrisorio presupuesto. Los efectos especiales realizados con muñecos de plástico no dan a la historia ni siquiera la chicha cutre que al menos se espera de la cinta.

Una cinta de serie z con atractiva portada y titulo prometedor, pero que no ofrece nada de lo esperado ni risas, ni casquería, y el poco gore es tan cutre que el conjunto resulta aburrido e irritante.

Puntuación

16/12/08

Rambo

Rambo dirigida por Sylvester StalloneTITULO ORIGINAL: Rambo (AKA Rambo IV)
AÑO: 2008
DURACIÓN: 93 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Sylvester Stallone
GUIÓN: Sylvester Stallone (Personajes: David Morrell)
MÚSICA: Brian Tyler
FOTOGRAFÍA: Glen MacPherson
REPARTO: Sylvester Stallone, Julie Benz, Matthew Marsden, Graham McTavish, Reynaldo Gallegos, Jake La Botz, Tim Kang, Maung Maung Khim, Ken Howard
PRODUCTORA: Lions Gate Films / Millennium Films / Equity Pictures / Nu Image

El ex boina verde John Rambo (Stallone) lleva una solitaria y apacible vida en la jungla del norte de Tailandia, pescando y cazando cobras para venderlas. Todo cambia cuando un grupo de misioneros católicos le proponen que les sirva de guía hasta la frontera con Birmania para suministrar medicinas y alimentos a los refugiados asediados por el ejército birmano, que ha hecho de la tortura y el asesinato una práctica habitual. En estas circunstancias, Rambo no tendrá más remedio que volver a tomar partido.

Dentro del cine de acción, Rambo es uno de mis ídolos indiscutibles desde la infancia. Cuando ya parecía imposible superar la trilogía, Stallone regresa a sus 61 años y con esta cuarta entrega nos suelta una patada directa al pecho, de la que el mismo ha escrito, dirigido y como no protagonizado, además de participar en el montaje de la misma.

La historia a nivel argumental no es demasiado distinta a sus antecesoras. Con una voz en off y explicitas imágenes ¿reales? del conflicto en Birmania, el actor nos sitúa en plena guerra civil sufrida en aquellas tierras. Tras el prologo la secuencia desemboca en una panorámica de la selva y un primer plano de Stallone, que a base de asteroides está embutido como una morcilla, como es lógico éste no se quita la camiseta en toda la película, y es que la edad no perdona. Aunque más de uno querría tener su forma física a esa edad, menudas carreras se pega por la selva.

Las diferencias respecto a las anteriores entregas, son la ausencia del Coronel Thruman pidiendo ayuda a nuestro héroe y que la acción es algo más pausada en la primera mitad del film, respirando un ambiente de calma bastante inusual. Pero esto solo es la calma que precede a la tempestad, a medida que avanza la historia esta se torna cada vez más violenta, llegando a superar a las anteriores. En cuanto a violencia, salvajismo y crueldad -asesinatos de niños en primer plano incluidos- es la mejor de las cuatro entregas.


Su personaje aunque pierde fuerza visual, está más definido y gana en fuerza espiritual. Un personaje igual o más atormentado que en aquella primera parte, pero como antaño le sucedió, las circunstancias le obligan a enfrentarse a sus propios miedos. Asumiendo lo que es y para lo que ha nacido, una máquina de matar.

También podemos ver las secuelas físicas y morales que le han infligido la guerra en su lucha interior por intentar cambiar las cosas sin demasiado éxito. En la primera mitad del film, vemos por primera vez a un Rambo con total abandono y desinterés por salvar vidas ajenas o la suya propia.
Otra diferencia notable es que esta vez parece relegado a un segundo plano, quedando eclipsado por los mercenarios hasta que se desata la furia interior que lleva dentro. La escena de la barca está pensada especialmente para los fans de la saga, que la verán desde un punto bastante cómico al conocer su personaje, Rambo se verá vacilado por parte de uno de los mercenarios, pero avanzada la historia les callara sus bocas.


La mayor similitud la encontramos con la segunda entrega, puesto que también se desarrolla en un campamento con unos cuantos “amarillos” de por medio. La iluminación en las escenas nocturnas es algo oscura, se encuentra en un término medio, colores fríos que representan la crueldad de la guerra.

Los efectos especiales están increíblemente logrados, amputaciones, desmembramientos, explosiones y balas de 50mm, literalmente, reventando cuerpos.
La banda sonora compuesta por Brian Tyler sigue las pautas creadas por Jerry Goldsmith en las anteriores partes. Aunque en algunos momentos el score de Tyler se vuelve más dramático y crepuscular, adecuado al personaje atormentado y venido a menos que nos muestra Stallone.

Brutal, violenta y cruel. Imprescindible para los fans de la saga e imperdonable omitir su visionado para el resto.

Puntuación

15/12/08

Razas de noche

Razas de noche dirigida por Clive BarkerTITULO ORIGINAL: Nightbreed
AÑO: 1990
DURACIÓN: 102 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Clive Barker
GUIÓN: Clive Barker (Novela: Clive Barker)
MÚSICA: Danny Elfman
FOTOGRAFÍA: Robin Vigdeon
REPARTO: Craig Sheffer, Anne Bobby, David Cronenberg, Charles Haid, Hugh Quarshie, Hugh Ross, Dough Bradley, Catherine Chevalier
PRODUCTORA: 20th Century Fox / Morgan Creek Productions

Aaron Boone sufre constantes pesadillas en las que siempre aparecen seres monstruosos que habitan un extraño lugar. Son las razas de noche, unas criaturas monstruosas, mutantes infernales de ultratumba que han permanecido escondidas durante siglos en la subterránea ciudad Midian, donde se perdonan los pecados. Aaron, obsesionado con sus múltiples pesadillas llega a la ciudad de Midian, ahí descubrirá que la muerte es solo el principio.

Razas de noche es la adaptación cinematográfica de la novela Cabal escrita por Clive Barker en 1989. Él mismo se encargó de escribir el guión y dirigir la película. El presupuesto ascendió a 10 millones de dólares, muy elevado en aquel momento para su género.
Injustamente desvalorada y criticada, Razas de noche es una película caída en el olvido fuera de un minoritario círculo de aficionados al género, aunque resulta muy destacable en producciones de su estilo.


La ambientación conseguida es sensacional y la banda sonora de Danny Elfman crea cierto misticismo, el diseño de las razas de noche y las localizaciones nos trasladan a un mundo oscuro, siniestro y misterioso. Un inframundo donde el ser humano es el verdadero monstruo. Dentro del reparto, sin haber actuaciones destacables, cabe remarcar al director David Cronenberg en el personaje del Dr.Decker, un papel sumamente especial.


Razas de noche no es una película integra de terror, es un cuento macabro que trata sobre el miedo a lo desconocido. Refleja la cruel maldad del ser humano y la violenta reacción contra aquello que no se comprende por ser diferente.
Tras el buen apartado técnico encontramos una dirección que sin ser brillante, consigue absorber y entretener. Marca un ritmo constante y aun queriendo contar muchas cosas, consigue dosificar la información en pequeñas dosis adornando la historia principal, en la que el protagonista es nuestro guía.


Una producción para nada presuntuosa con un resultado carismático y memorable, aunque al final deja la sensación de haber querido explicar más de lo que se podía en sus 100 minutos. Pero eso fue culpa de las distribuidoras, que recortaron la duración de la película para su estreno en cines, la duración original era de 159 minutos, perdiendo luego el material recortado.

Entrañable película, que por desgracia ha quedado siempre a la sombra de Hellraiser, considerada como la mejor película de Clive Barker. Aunque personalmente, siempre he preferido a las Razas de noche.

Puntuación

Premio Symbelmine


Los que visitéis mi blog particular ya habréis visto que me han concedido este premio, y al igual que el mundo es muy pequeño, Blogger también y me ha sido devuelto este premio por Plissken desde Amazing Movies, para este blog sobre criticas de cine en el que colaboro y comparto con cuatro amigos.

Al recibir este premio, se deben acatar unas reglas, así que las diré a continuación:

1. Elegir 7 blogs o sitios de Internet que hayas decidido premiar también y enlazarlos en el post escrito.

2. Escribir un post mostrando el premio, citar el nombre del blog o web que te lo regala y notificar a tus elegidos con un comentario.

3. Opcional: Exhibir el Premio en tu blog.

Puesto que en este blog somos cuatro autores, la lista ha sido decidida por dos de nosotros, servidor y Tierralandia, que tenemos habitos de visitar blogs de manera mas asidua.

Ahí van los premiados:

Entre luces y camaras: Noticias actuales de cine, series del momento y algún que otro especial sobre cine.

Cine de Medianoche: Todo el cine de serie B y Z, desde el giallo hasta el blaxplotation pasando por el eurotrash, mondo, cine kinki o women in prison entre otros.

Ser Cinéfago, según John Trent: Criticas, noticias y artículos sobre cine tratados con claridad y transparencia.

Criaturas de la Noche: Cine, Literatura, Comic, Fantasia y Terror...¿se puede pedir mas?.

Dr.Alejo Sloan: Por su originalidad y su buen trabajo tanto conceptual como gráfico.

El Señor enviñetado: Porque ha acabado siendo un blog de consulta diaria en que cada día encuentro una tira cómica con un punto existencialista.

Yo soy la Chumi: Porque me río mucho con su humor ocurrente y faltón.

11/12/08

Reservoir Dogs

Reservoir Dogs dirigida por Quentin TarantinoTITULO ORIGINAL: Reservoir Dogs
AÑO: 1992
DURACIÓN: 99 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Quentin Tarantino
GUIÓN: Quentin Tarantino
MÚSICA: Varios
FOTOGRAFÍA: Andrzej Sekula
REPARTO: Tim Roth, Harvey Keitel, Chris Penn, Steve Buscemi, Michael Madsen, Lawrence Tierney, Randy Brooks, Kirk Baltz, Eddie Bunker, Quentin Tarantino
PRODUCTORA: Live Entertainment. Productor: Lawrence Bender

Una banda organizada es contratada para atracar una empresa y llevarse unos diamantes. Sin embargo, antes de que suene la alarma, la policía ya está allí. Algunos miembros de la banda mueren en el enfrentamiento con las fuerzas del orden, y los demás se reúnen en el lugar convenido.

Con la reciente reedición especial de 2 discos por parte de Manga Films, la cual he adquirido y revisionado, me dispongo a realizar la crítica de la opera prima de Quentin Tarantino. Después de escribir el guión de Asesinos natos y Amor a quemarropa con las que pretendía debutar como director, el joven de Tenesse acabó por vender ambos guiones, que terminaron siendo dirigidos por Oliver Stone y Tony Scott, respectivamente. Finalmente su debut, del que también escribió el guión, fue Reservoir Dogs, una inteligente y personal visión de Atraco perfecto.

Tarantino trabajó en sus inicios en un videoclub, época que le sirvió, entre otras cosas, para escribir guiones, discutir sobre cine con su amigo Roger Avary (con el co-escribiría el guión de su segunda película) y obtener múltiples e incontables referencias mientras veía cine casi sin parar. Aunque él mismo reconoce su fanatismo por el séptimo arte desde bien pequeño, convirtió su puesto de trabajo en su escuela de cine particular, en la que aprendería todo lo que puede llegar a saber sobre cine.

La historia narrada en Reservoir Dogs no es que aporte nada nuevo al género del crimen. Tarantino es un director que copia, incluso hay gente que detesta sus trabajos por ello. Luego están los que se consideraban devotos admiradores en sus primeros films y han dejado de serlo con sus obras más recientes, como Death Proof, que un servidor considera brillante. Lo que resulta innegable es que el peculiar, y en ocasiones, estridente director nacido en Knoxville, posee un talento especial a la hora de combinar distintos elementos u géneros cinematográficos.


No voy rebatirle a nadie que sus films no inventan nada, aunque yo diría, que sí reinventan. También es cierto que el director bebe de todos los clichés del cine de serie B y productos menos o nada comerciales, por los que siente especial admiración.
Copiar no resulta tan fácil como a priori parece y puede que más de uno se esté preguntando ¿dónde está el merito de copiar? En ningún lado, se encuentra en su manera de hacerlo, él aporta su propio toque a la película. Eso lo que para mí, y supongo muchos otros, lo convierte en un gran director que queda definido por su propio estilo.

De alguna manera no te puedes limitar a fotocopiar, has de transmitir tu esencia, dejar tu sello estampado en ese calco que te has tomado la libertad de realizar. Ahí es donde entra su talento y las magnificas maneras que aplica en sus películas, las cuales terminan siendo tan personales como sus propios gustos, cinematográficos o musicales. Haciendo de ello algo extraordinario, diferente y brillante. 

En su, ésta, opera prima, dicha esencia y talento ya asomaban por encima de muchos otros aspectos. Aunque no se llevó ningún premio durante su presentación en el Festival de Sundance en 1992. Posteriormente, en otros festivales se le otorgaron las merecidas condecoraciones en el Festival de Sitges –mejor director y guión- o en Festival de Cine de Toronto –el premio de la Crítica Internacional.
Reservoir Dogs supuso una revolución estética y visual que se convirtió en un éxito rotundo, abriendo las puertas al joven cineasta para realizar su segundo film, Pulp Fiction. Película con la que fue catapultado definitivamente hacía la fama, además de ser reconocido mundialmente como uno de los directores revelación en la década de los 90.


La historia se encuentra cronológicamente desordenada, excepto la secuencia inicial, en la que además de hablar sobre Madonna, acuerdan como llevarán a cabo el robo y algunos flashbacks rodados en exteriores que remiten al susodicho golpe, el film se encuentra rodado en un único escenario. El presupuesto inicial de 30000 dólares, fue aumentado a 1,2 millones de dólares tras la implicación del actor Harvey Keytel en el proyecto. Cantidad que Tarantino supo administrar más que bien en su gran y modesta opera prima.

Los roles de los personajes entre los cuales se haya el propio Tarantino que casi siempre acaba haciendo algún cameo en sus películas, tienen una personalidad bien perfilada, son tremendamente característicos desde el primer minuto, incluso los que no hablan.
El carácter de cada uno de ellos resulta tan opuesto como sus nombres falsos; Sr. Blanco (Harvey Keitel), Sr. Naranja (Tim Roth), Sr. Rosa (Steve Buscemi), Sr. Rubio (Michael Madsen), Sr. Azul (Edward Bunker) y Sr. Marrón (Quentin Tarantino).

Blanco, Naranja, Rosa y Rubio son los que llevan el peso interpretativo y el ritmo de la película, pues así lo expone el guión. Conforme avanza la historia, sus roles interpretativos, totalmente diferentes, evolucionan mostrando la verdadera identidad e intenciones de cada uno. De esta manera se obtiene una química e intensa interactuación entre ellos, brillantemente anecdótica y soberbia. Algo que solamente se consigue con un buen guion, elemento que para mí es, quizás, la parte más cuidada en todas sus películas.

Tarantino es consciente y mide cada palabra, escena y momento clave en el desarrollo del preciado y elaborado manuscrito. El hecho de ser su propio autor, le da total libertad a la hora de incluir violentas escenas u conversaciones malsonantes. Hay una cosa que me encanta de sus películas, para expresar sus propias opiniones o gustos, bien sean ideológicos, musicales, cinematográficos o de cualquier otra índole, se sirve de diálogos entre los actores. Un recurso que empezó usando aquí y lo ha proseguido hasta la actualidad.

Aunque la que se lleva el gato al agua en ese aspecto, es la injustamente vapuleada Death Proof, decepcionó a muchos fans, pero a mí, como ya he dicho, me parece un film brillante. A nivel de película no es la mejor, pero sí con la que disfruto siempre, puesto que está repleta de pequeños matices que hay que saber apreciar.

La banda sonora en todas sus películas, es una vía de escape a su propia melomanía. En su mayoría, compuestas por canciones de décadas anteriores, en especial 60 y 70. Se nota que están elegidas a conciencia, y en un elevado porcentaje encajan a la perfección en cada escena. Desde luego esta vez, no es una excepción.

La cámara recurre en muchas ocasiones al plano estático con perfectos y largos encuadres en cada escena, pero a pesar de su poca dinámica en ese aspecto, la escena no se hace tediosa. Su trama mantiene una frescura e interés en el espectador casi inusual, un público que se encuentra expectante y ansioso por saber de qué manera va a evolucionar el fracasado plan maestro. Momentos que consiguen hacerte sentir parte de la escena in situ, como espectador claro está.
El resto de movimientos de la cámara con algunos travellings y cámara en mano, son fluidos y de buen pulso cinematográfico sin aturdir al espectador. La iluminación funde los blancos y negros (dentro del almacén) algo que supuestamente es anti cinematográfico por la irrealidad de la iluminación, pero a mí me encanta, le da al plano una tonalidad inquietante y excelente.

Parece mentira que aun siendo como era un director novel y sin estudios en una escuela de cine de verdad, el excéntrico y polémico director, nos acabó ofreciendo un pistoletazo de salida al que seguirían grandes films en su recién iniciada carrera como director. Reservoir Dogs es una película que bebe los clichés de la serie B, pero que Tarantino convierte en una obra personal con magnificas maneras.

Puntuación

10/12/08

Mi bello legionario

Mi bello legionario dirigida por Marty FeldmanTÍTULO ORIGINAL: The last remake of Beau Geste
AÑO: 1977
DURACIÓN: 90 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Marty Feldman
GUIÓN: Chris Allen, Marty Feldman
MÚSICA: John Morris
FOTOGRAFÍA: Gerry Fisher
REPARTO: Marty Feldman, Ann-Margret, Michael York, Peter Ustinov, James Earl Jones, Trevor Howard, Henry Gibson, Terry-Thomas, Roy Kinnear, Spike Milligan, Avery Schreibet, Hugh Griffith, Irene Handl, Sinéad Cusack, Henry Polic II y la participación indirecta de Gary Cooper.
PRODUCCIÓN: William S. Gilmore, George Shapiro, Howard West, Marty Feldman

PRODUCTORA: Universal

Dos hermanos huérfanos son adoptados para ser los descendentes de la familia Geste y resguardar el gran zafiro, los pilares de la fortuna familiar. La nueva madrastra intentará hacerse con el gran zafiro, pero uno de los hermanos huye y se alista en la legión tras ocultarlo.

La trama se desarrolla al rededor de la enigmática desaparición de un valioso zafiro, al igual que la historia original. Ésta versión dirigida Marty Feldman y protagonizada por él mismo, lleva por título The last remake of Beau Geste -aquí se tituló Mi bello legionario- es la adaptación en clave de comedia sobre la clásica película de aventuras Beau Geste de 1939 basada en la novela de P.C. Wren.

La versión creada por Feldman es un sinfín de bromas absurdas y momentos surrealistas. Una comedia atípica, donde mezcla distintos géneros cinematográficos, ingeniosos gags, divertidos personajes y escenas que nunca sabes hacia donde se desarrollarán. La película es absolutamente desconcertante, conduce al espectador al interior de un mundo surrealista en el que lo que está al orden del día, es el humor y la originalidad.

Al visualizar el film hay que tener todo eso en cuenta y dejarse llevar por el cauce de lo absurdo y sus carismáticos y divertidos personajes. El montaje de la película es correcto dentro de la tónica, pero a partir de la mitad, su formula se estanca y comienza a cansar. Ésta película es un experimento que se aleja bastante de lo condicional, algo que puede volverse en su contra.


Marty Feldman nació en Londres en 1933 e intentó abrirse un sitio en el mundo de la música como trompetista de Jazz, pero no estaba predestinado para ser un buen músico. Su primera y última aparición como músico fue en un espectáculo de variedades anunciado como El peor trompetista del mundo. A partir de ahí, Marty descubrió que tenía una capacidad especial para hacer reír a la gente y siguió por el camino de la comedia con un show inspirado en los hermanos Marx.


En 1961 se le descubrió una enfermedad ocular llamada Graves Basedow, caracterizada por un exceso de la glándula tiroidea del cuello y una dermatopatía por la cual adquirió el aspecto con el que posteriormente le conoceremos, sus ojos saltones y sus característicos rasgos faciales.

El momento más memorable de la carrera de Marty llegó cuando conoció a Mel Brooks, con el que participo en El jovencito Frankenstein junto a Gene Wilder, otro gran comediante. Junto a Brooks, Feldman rodó varias películas que le otorgaron una gran reputación como cómico.


Mi bello legionario fue la única película que dirigió y entre sus últimos trabajos más destacados también se encuentra el guión de Monty Python en Hollywood (1982). Un año después, durante el rodaje de la película Yellowbeard sufrió una intoxicación con mariscos que le produjo la muerte, perdiendo el mundo del cine al carismático cómico.

Puntuación

9/12/08

Red de mentiras

Red de mentiras dirigida por Ridley ScottTITULO ORIGINAL: Body of Lies
AÑO: 2008
DURACIÓN: 129 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Ridley Scott
GUIÓN: William Monahan (Novela: David Ignatius)
MÚSICA: Marc Streitenfeld
FOTOGRAFÍA: Alexander Witt
REPARTO: Leonardo DiCaprio, Russell Crowe, Carice van Houten, Mark Strong, Michael Gaston, Ali Suliman, Golshifteh Farahani
PRODUCTORA: Warner Bros. Pictures / Scott Free Productions / De Line Pictures

Roger Ferris (Leonardo DiCaprio) es el mejor agente de la CIA. Su trabajo lo lleva de Oriente Medio a Washington. Cada uno de sus pasos depende de una voz al otro lado de un teléfono: la del veterano Ed Hoffman (Russell Crowe), responsable de las operaciones de la Agencia en todo Oriente Medio. Desde su confortable casa, Hoffman le sigue la pista a un líder terrorista que está sembrando el terror mediante atentados con bomba y parece capaz de eludir a la red de inteligencia más sofisticada del mundo. Para sacar a los terroristas de su madriguera, Ferris tendrá que entrar en su turbio mundo.

Red de mentiras es un thriller de contra espionaje, en el que nada es lo que parece de principio a fin. Dirigido por Ridley Scott protagonizado por Russel Crowe y Leonardo Di Caprio, prometen un resultado de calidad, lamentablemente, al final la cosa se queda a medio camino de alcanzar un resultado digno.

Basada en la novela Body of Lies escrita por David Ignatius nos pone en la piel de Roger Ferris (Leonardo DiCaprio) el mejor agente de la CIA. En lugares donde la información vale más que cualquier vida humana, Roger, se adentra en operaciones secretas que le llevan por todo el mundo, desde Oriente Medio a Washington.
Su siguiente paso depende de la voz de, el veterano de la CIA, Ed Hoffman interpretado por Russell Crowe, el actor de Gladiator también de Ridley Scott.

Haciendo la guerra fría desde un portátil, Hoffman sigue la pista de un líder terrorista emergente, que eludiendo a la red de inteligencia más sofisticada del mundo, ha dirigido una campaña de bombardeos. Para sacar a los terroristas de su escondite, Ferris tendrá que infiltrarse en un turbio ambiente y cuanto más se acerca a su objetivo, se da cuenta que la confianza es una comodidad peligrosa, pero al mismo tiempo, quizá, sea la única cosa que le salvará la vida.


Técnicamente la película me parece excelente, Scott es perro viejo en el arte de realizar películas, aunque lo encuentro un director sobrevalorado. El director de Alien, el octavo pasajero, mueve la cámara con precisión durante los excesivos 129 minutos, incluso en las escenas más frenéticas, los encuadres son relativamente suaves y precisos. La iluminación y fotografía me parecen que se complementan muy bien con el entorno en los escenarios desérticos, consiguiendo una realidad en semejante ficción.

Las interpretaciones no están nada mal, el peso recae sobre DiCaprio, el actor se mueve con soltura, aunque su caracterización podría haber sido algo más lograda, sobre todo cuando lleva barba, no parece un agente veterano, sino recien adiestrado. Crowe se limita a ocupar un espacio en la historia y no se implica en exceso, ni a nivel interpretativo ni argumental Mientras que DiCaprio es el que se come todo el marrón y como actor y personaje.


La banda sonora de Marc Steitenfeld, el cual ha trabajado en dos ocasiones anteriormente con el cineasta británico, no me pareció nada destacable, aunque ayuda a mantener la tensión en la innecesaria maraña de acontecimientos, es un score bastante plano.
El guión escrito por William Monahan está bien construido y aunque su argumento es simple y lleno de tópicos, resulta mareante. A diferencia de Infiltrados de Martin Scorsese, también con guión de Monahan u otros thrillers de compleja trama, aquí Monahan nos recarga de excesiva información que en realidad no sirve prácticamente para nada, y lo único que consigue es marear al espectador innecesariamente.

Si le quitamos todo el logro que tiene en su apartado técnico que roza el excelente, el film se desploma como un edificio en plena demolición. Argumentalmente es demasiado plomiza y mareante, si a eso le sumamos sus 129 minutos que deberían haber servido para relatar una historia con mejores maneras, la película es un suspenso.

Puntuación

3/12/08

Cartas desde Iwo Jima

*Crítica realizada el 19 de Febrero de 2007 por Mr.Memory.

Cartas desde Iwo Jima dirigida por Clint EastwoodTÍTULO ORIGINAL: Letters From Iwo Jima
AÑO: 2006
DURACIÓN: 141 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Clint Eastwood
GUIÓN: Paul Haggis, Iris Yamahsita
MÚSICA: Clint Eastwood
FOTOGRAFÍA: Tom Stern
REPARTO: Ken Watanabe, Kazunari Ninomiya, Tsuyoshi Ihara, Ryo Kase, Shido Nakamura
PRODUCTORA: Warner Bros. Pictures / DreamWorks Pictures presentan una producción Malpaso / Amblin Entertainment

Segunda Guerra Mundial (1939-1945), el film relata el episodio más cruento de la guerra del Pacífico. El objetivo de la batalla para los japoneses era conservar un islote insignificante, pero de gran valor estratégico, pues desde allí defendían la integridad de su territorio.

Ambas películas narran las perspectivas de ambos bandos sobre la batalla más cruenta de la II Guerra Mundial en el Pacífico, en la que fallecieron más de 20.000 japoneses y 7.000 estadounidenses. Además, tras su preestreno en Japón el 16 de noviembre, ambas han sido aplaudidas por la crítica como una clara denuncia de la guerra y como un valiente e inédito intento de mostrar las dos caras de una contienda.


La versión estadounidense muestra la llegada de la imponente Armada de guerra norteamericana a la pequeña isla del Pacífico desde la que se defendía el territorio japonés y, sobre todo, la utilización propagandística de la famosa foto de los seis soldados alzando la bandera de EE UU.
La película desde el punto de vista japonés se centra en la resistencia nipona, organizada inteligentemente a través de túneles gracias a la estrategia del general Tadamichi Kuribayashi interpretado por Ken Watanabe.



En dos palabras, simplemente magistral. Definitiva lección de puesta en escena de Eastwood con Letters from Iwo Jima. Apabullante en todos los sentidos. Emociones y sentimientos más fuertes que el mortero. Imposible de olvidar.
Sus bellos y crudos fotogramas no se disipan de mi mente. Una de las mejores películas bélicas de todos los tiempos y en la línea de las más grandes de Clint Eastwood. No se limita a ser una buena película como Banderas de nuestros padres, sino que entra directamente en la categoría de las obras maestras. Cine con mayúsculas. Igualmente grande en la presentación de personajes que en la acción bélica en sí misma, así como en su vertiente más intimista.


Después de esto, uno sólo espera que Eastwood llegue, como mínimo, a la edad de su madre para seguir emocionándonos con su manera de contar historias. Se podría hablar de muchos aspectos de la película pero, ahora mismo, que hace pocas horas que he salido de la sala, sólo soy capaz de escribir esta retahíla de frases inconexas que supongo sólo destilan mi rendida admiración. Tengo un amigo en Estados Unidos, aunque él no lo sabe, que se llama Clint Eastwood. Sólo espero de él, que siga haciendo lo que crea correcto, porque seguro que lo es.

Puntuación

La central

La central dirigida por Francisc GiróTÍTULO ORIGINAL: La central
AÑO: 2006
DURACIÓN: 90 min
PAÍS: España
DIRECTOR: Francisc Giró
GUIÓN: Jair Domínguez
MÚSICA: Carlos Yélamos, Emilio Alquezar
FOTOGRAFÍA: Frederic Comí
REPARTO: Yasmina Córcoles, Eduard Lupo, Manuel Medina, Marc Velasco
PRODUCTORA: Eurocine Films

Doce jóvenes pasan unos días en una enorme casa al lado del lago. Como suele pasar en estos casos, todo parece ir bien hasta que sucede lo imprevisible: el anfitrión de la fiesta cae por un acantilado. Algunos chicos creen que se trata de una broma, otros le dan por muerto, otros no le dan importancia. De manera que la fiesta sigue hasta que otro suceso terrible acaba con cualquier posibilidad de divertirse: alguien empieza a asesinar a los invitados.

Nos encontramos ante una de las peores producciones de cine nacional. Una de esas películas que aunque insistan en que la veas, argumentando que te reirás de lo mala que es, es mejor no ver. Si llegas a caer en el error, pensaras que hubiera sido mejor no haberlo hecho. Así que, que no me esforzaré en criticarla en exceso.



Todos los personajes están lamentablemente presentados, el guión es tremendamente aburrido, la película no tiene tensión, las muertes son insulsas y sus efectos lamentables.

Una película que pretende reavivar el género slasher en nuestro país, pero parece una autentica burla, no solo al género, al cine en general. Una película que posiblemente incluso haya recaudado algún beneficio, no sé qué excusa habrán utiliza sus creadores para defender y justificar semejante aberración.


Pero no es siquiera un homenaje a cierto tipo de cine, tampoco consigue el efecto contrario, generar cierta curiosidad por el hecho de ser tan mala. Bueno, creo que ya he dedicado bastante tiempo a La central, tengo cosas más importantes que hacer, me voy.

Puntuación

Ocean's Eleven

Ocean's Eleven dirigida por Steven SoderberghTÍTULO ORIGINAL: Ocean's Eleven
AÑO: 2001
DURACIÓN: 117 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Steven Soderbergh
GUIÓN: Ted Griffin (Remake)
MÚSICA: David Holmes
FOTOGRAFÍA: Steven Soderbergh
REPARTO: George Clooney, Julia Roberts, Matt Damon, Andy García, Brad Pitt, Casey Affleck, Scott Caan, Elliott Gould, Bernie Mac, Carl Reiner, Don Cheadle, Topher Grace, Joshua Jackson, Holly Marie Combs, Shane West
PRODUCTORA: Warner Bros. Pictures / Village Roadshow Pictures / NPV Entertainment

Danny Ocean (George Clooney) es un carismático ladrón que, tan sólo 24 horas después de cumplir una larga condena en prisión, ya está planeando su próximo delito. Su objetivo: el mayor atraco a casinos de la historia. Para ello formará un equipo de once hombres, cada uno de ellos el mejor en su campo. Sin embargo surgirá un problema inesperado: el dueño de los locales, Terry Benedict (Andy García), está saliendo con su ex-mujer, Tess (Julia Roberts). 

Los géneros que más remakes sufren son el terror y la ciencia ficción, pero no son los únicos. Steven Soderbergh el director de Traffic y Sexo, mentiras y cintas de vídeo, se atrevió a rehacer este thriller criminal de idéntico título, dirigido por Lewis Milestone en 1960.

Soderbergh junta un elenco de grandes actores tan característicos como elocuentes. Entre los cuales, destacan George Clooney, Matt Damon, Andy García y Brad Pitt, aunque a nivel interpretativo me quedo con estos dos últimos. Los cánones de toda la cuadrilla se asemejan bastante a los de la obra original
dando lugar a situaciones que hacen muy llevadera la historia.
La historia principal, básicamente es la misma, sin embargo, a nivel tecnológico y visual todo es mucho más sofisticado, respecto a la original. En esos aspectos poco tienen que ver, sobre todo en la forma de atracar el casino. En la película de Milestone todo era más rudimentario.


Las situaciones humorísticas entre personajes y situaciones, que había en la original, se han respetado, y aún en diferente contexto, siguen estando presentes también en la obra de Soderbergh.

La fotografía e iluminación se dan la mano y nos muestran unas buenas vistas de Las Vegas. La cámara se mueve con un buen pulso y sin temblores. Y gracias a un dinámico montaje, los cambios de planos entre las distintas situaciones y los personajes de la banda dentro del casino, son excelentes.

La banda sonora de David Holmes (Zoolander) entra por nuestro tímpano con melodías intrigantes influenciadas por el jazz y el blues, pero con un toque de humor que ayuda a que no te des cuenta de sus dos horas de duración.


El guión escrito por Ted Griffin (Ravenous) es conciso y fluido, nos cuenta la historia sin marear la perdiz, algo habitual en este tipo de películas en las que se intenta sorprender al espectador con rocambolescos giros y pajareos varios que terminan por empañar otros aspectos, por suerte, no es el caso. La historia acaba siendo un ovillo de lana sin nudos y sin cabos sueltos.
Aunque si nos ponemos puntillosos, hay algunas situaciones poco creíbles, teniendo en cuenta la complejidad del sistema de seguridad, la facilidad con la que Danny Ocean (George Clooney) y su equipo burlan el que, a priori, presume de ser un sistema de seguridad impenetrable, es cuestionable, pero en general la película cumple su cometido y se disfruta en su totalidad.

Debido al éxito general de la cinta obtuvo dos secuelas Ocean's Twelve y Ocean's Thirteen. La segunda aun entretiene, pues siendo innecesaria, aún quedaba algo de jugo por exprimir. Pero desde luego el néctar se agotó antes de llegar a la tercera. Lo ideal hubiese sido dejar las cosas tal cual con la primera entrega.

Puntuación