30/1/09

El umbral del juego

El umbral del juego dirigida por Steven Hilliard SternTITULO ORIGINAL: Mazes and Monsters
AÑO: 1982
DURACIÓN: 90 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Steven Hilliard Stern
GUIÓN: Rona Jaffe (novel), Tom Lazarus (teleplay)
MÚSICA: Hagood Hardy
FOTOGRAFÍA: Laszlo George
REPARTO: Tom Hanks, Wendy Crewson, David Wallace, Chris Makepeace, Lloyd Bochner, Peter Donat, Anne Francis.
PRODUCTORA: Richard Briggs

Cuando en 1980 un estudiante de la Universidad de Pensylvania desaparece misteriosamente, se descubre que pertenecía a un grupo de estudiantes obsesionados por un juego fantástico: "Mazes and Monsters". Juntos habían creado un mundo de terrores ficticios y tesoros deslumbrantes capaz de llenarlos de satisfacción, pero dieron un paso más allá de lo permitido y convirtieron el juego en realidad.

Comienza como un teen movie ochentera cualquiera, pero ésta se torna en un mundo fantástico de temática similar a Dragones y mazmorras. Donde un jovencísimo Tom Hanks, aunque no tanto como en Big, pues aquella es posterior, muestra ya cierto talento, pero una interpretación poco destacable, si la comparamos con futuros trabajos como Náufrago, La terminal o La milla verde.

Como he dicho, la propuesta es algo diferente a lo esperado inicialmente, termina siendo un drama al uso con toques del género fantástico. Sin llegar a ser una gran película, esos toques de fantasía, es lo que hace que ésta no caiga en el completo olvido.

La presentación de sus personajes es rápida y concisa, en pocos minutos se nos muestran los sueños personales que tiene cada uno de ellos. Y poco a poco su director nos conducirá a un desenlace, que personalmente no esperaba, toma un sendero angosto pero reconfortante para con el espectador.

Hay momentos en la que la fantasía parece no tener límite, Daniel Monzón realizó algo parecido años después en El corazón del guerrero, aunque no guardan un exorbitante relación entre sí, la imaginación del protagonista era un factor determinante en el desenlace de ambas películas.


En el apartado técnico, los de iluminación se debieron quedar sin presupuesto para alumbrar en condiciones las escenas nocturnas o el interior de la cueva donde organizan las partidas del juego. El ruido en la imagen es bastante intenso, asemejándose a una cinta VHS con cientos de reproducciones, sin embargo, queda bien con la estética y la época de la que data la cinta.

La banda sonora y las interpretaciones no me parecen gran cosa pero cumplen con lo esperado. Y el apartado de "efectos especiales" es casposo, los monstruos de goma dan buena fe. Aunque resulta tremendamente 'simpático', en el fondo es más 'true', lo prefiero por encima del supremo efecto digital que nos invade cada día más, películas como Spiderman 3 son un claro ejemplo de a lo que me refiero. Lo digital me gusta si está bien usado e integrado con el resto.

Ideal para nostálgicos de los 80, entretenida para una tarde de domingo, solo o acompañado.

Puntuación

26/1/09

El intercambio

El intercambio dirigida por Clint EastwoodTITULO ORIGINAL: Changeling
AÑO: 2008
DURACIÓN: 141 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Clint Eastwood
GUIÓN: J. Michael Straczynski
MÚSICA: Clint Eastwood
FOTOGRAFÍA: Tom Stern
REPARTO: Angelina Jolie, Gattlin Griffith, John Malkovich, Jeffrey Donovan, Colm Feore, Amy Ryan, Michael Kelly, Jason Butler Harner, Devon Conti, Pamela Dunlap, Riki Lindhome
PRODUCTORA: Imagine Entertainment / Malpaso Productions

Los Angeles,1928. Christine Collins (Angelina Jolie) es una madre soltera cuyo hijo desaparece sin dejar rastro. Algunos meses después, la policía le comunica que ha encontrado al niño, pero, nada más verlo, Christine se da cuenta de que no es su hijo. Sin embargo, está tan confundida que se lo lleva a casa, aunque exige que continúe la búsqueda de su verdadero hijo. Tachada de loca e incapacitada por la policía, por fin encuentra un aliado en el reverendo Briegleb (John Malkovich), que la ayudará en su lucha.

Bajo la premisa basado en hechos reales -lo más escabroso del asunto- y con un argumento propio de telefilm de sobremesa que encajaría perfectamente un sábado cualquiera en Antena3, gracias a un excelente apartado técnico Clint Eastwood eleva la cinta a límites insospechados por el espectador.

Lo que a priori parece un simple y empalagoso drama -con el secuestro del hijo- de argumento más que sobado, da un giro de 360 grados en el que dos historias diferentes confluyen a la perfección. Historias de las cuales yo no sabía nada (no voy a hablar para no hacer spoiler), sorprendiéndome gratamente.

La recreación de la época alcanza una fidelidad inimaginable, ayudados en parte por una fotografía excelente escenarios y vestuario se dan la mano, y la cámara nos obsequia con unos planos realmente maravillosos. Tanto es así que traslada nuestra consciencia a dicha época.


Con una pletórica Angelina Jolie que me dejó realmente sorprendido con su brillante y emotiva interpretación, espero que se lleve el Oscar, bien se lo merece. Cierto que a algunos su interpretación puede llegar a resultar repetitiva, pero a los que piensen eso, solo les digo "hazlo tú". A destacar también John Malkovich en el papel de reverendo, algo sobreactuado, pero que llena de energía cada escena en la que aparece, lástima que sus apariciones sean más bien escuetas. El resto del reparto también está excelente, como Jeffrey Donovan en el papel de capitán de la policía o Michael Kelly en el detective Lester, ambas caras opuestas de una moneda.


La banda sonora compuesta por el propio Clint Eastwood me pareció excelente, con momentos de fuerte carga dramática que acompañan a las impactantes y abrumadoras imágenes, que tocan la fibra sensible del espectador, y que en algún momento del film se le cristalizarán los ojos, aunque un servidor llego a mojar sus mejillas. El film también tiene momentos intrigantes en torno a la investigación, y ahí su banda sonora también juega un buen resultado.

Le achaco un par de fallos de racord, pero es un mal menor que muchas películas tienen. El elaborado guión y el montaje cuentan la historia con gran acierto. Un drama de intensas perspectivas con el que Clint Eastwood con su avanzada edad, aun demuestra estar en plena forma y uno de sus mejores momentos en el cine.

Puntuación

Shogun's Sadism

Shogun's Sadism dirigida por Yuuji MakiguchiTITULO ORIGINAL: Tokugawa onna keibatsu-emaki: Ushi-zaki no kei
AÑO: 1976
DURACION: 80 Minutos
PAIS: Japón
DIRECTOR: Yuuji Makiguchi
GUION: Seikô Shimura, Ichirô Ôtsu
MUSICA: Takeo Watanabe
FOTOGRAFÍA: Katsuo Katsuki
REPARTO: Akira Shioji, Masataka Iwao, Rena Uchimura y Yûsuke Kazato
PRODUCTOR: Tatsuo Honda

Dos historias que se desarollan en la epoca de los Shogun.La primera trata sobre un chico que esta enamorado de una joven cristiana,pero en aquella epoca eso era un delito.La segunda trata de una persona llamada Sutezo que es forzada a servir a su cruel maestro,pero intentara escapar.

El cine japonés siempre ha sido uno de los más escabrosos en cuanto a torturas o snuff, producciones como La sala de torturas chinas, Tokyo Snuff, Guinea Pig o la descafeinada Las historias de Ricky-O que por su sentido del humor se acerca más al gore habitual. Pero Shogun's Sadism se une al primer grupo, su titulo es bastante claro.

La película se divide en dos historias, aunque ambas son altamente bizarras, con torturas y vejaciones por doquier. La primera historia es la que contiene momentos más escabrosos, además de representar el sufrimiento moral por parte de las víctimas, sobre todo su protagonista en el momento que es obligada a presenciar la muerte de su familia. Una masacre infringida por los samuráis que termina en escena bíblica, con un plano de tres condenados en la cruz. En la segunda historia, el argumento cobra más importancia frente a las torturas, siendo algo más light, si bien, hacia el final se encuentran algunas fuertes dosis.


El aspecto técnico de la cinta importa bien poco salvo en los efectos especiales, que por supuesto, son a la vieja usanza, además de mantener un nivel de calidad sorprendente, más si tenemos en cuenta de cuando data la cinta, una época en la que el presupuesto era bastante pobre en producciones underground.

Si disfrutas con las torturas esta es tú cinta, pezones arrancados con tenazas, desmembramientos con cuerdas tiradas por búfalos, abortos prematuros y otras brutalidades que te puedas llegar a imaginar. A diferencia de La sala de torturas chinas, aquí queda tiempo en ambas historias para disfrutar la relación de personajes, con diálogos algo casposos, pero aun así disfrutables. En sus escasos 80 minutos hay tiempo para las torturas y relatar las historias con un ritmo fluido, sin llegar a cansar, algo habitual en otras producciones japonesas. Altamente recomendable para los amantes de la casquería mas bizarra con un estomago "fuerte".

Puntuación

20/1/09

La justicia del ninja

La Justicia del ninja dirigida por Menahem GolanTITULO ORIGINAL: Enter the Ninja
AÑO: 1981
DURACIÓN: 101 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Menahem Golan
GUIÓN: Dick Desmond (Historia: Dick Desmond)
MÚSICA: W. Michael Lewis, Laurin Rinder
FOTOGRAFÍA: David Gurfinkel
REPARTO: Franco Nero, Susan George, Shô Kosugi, Christopher George, Alex Courtney,
Will Hare, Zachi Noy, Constantine Gregory, Dale Ishimoto
PRODUCTORA: Cannon Films

Después de completar su formación como ninja, Cole recibe un angustioso telegrama de su amigo Frank, pidiéndole que vaya a Filipinas para que le ayude con un grave problema. Tanto él como su esposa están siendo acosados por un grupo de matones. Cole tendrá que emplearse a fondo y más cuando sepa la verdadera naturaleza de su rival.

Menahem Golan el director de Yo, el halcón o Delta Force, explotation de la serie Los hombres de Harrelson e interpretada por Chuck Norris. El director israelí nos muestra una película de ninjas por encima de la media habitual en dicho 'género'.
Todo comienza con una pelea entre el ninja blanco y el negro, claro simbolismo al yin y el yang. Tras cinco minutos de película sin diálogos, todo mal presagio es poco. No te enteras de nada, no sabes quién es malo o bueno y menos aún el motivo de dicha pelea. Por suerte, pronto se nos esclarece el misterio con un entrenamiento/prueba final que deja ver quien es cada uno.

Y al contrario de otras películas de ninjas, pronto le veremos el carismático rostro a Cole, el ninja blanco, interpretado por Franco Nero, actor italiano protagonista de producciones ítalo-policiacas y muchos spaguetti western. Aunque también interpretó al General Ramón Esperanza en La jungla de cristal 2, es un actor que me recuerda a un cruce entre Chuck Norris y Terence Hill.


A partir de aquí lo que prometía ser una peli de ninjas amputando brazos, y clavando estrellas ninja en los cuerpos de sus adversarios mientras la sangre salpicaba la pantalla, se viene abajo hasta llegar a su desenlace. El resto de película, nos queda una historia que parece sacado de la serie El Equipo A y peleas al estilo Ranger de Texas. Sin embargo, gracias a la banda sonora, se mantiene el suspense en la historia pero con cabida a momentos emotivos, es uno de los mayores logros de toda la cinta, con el que consigue mantenerte pegado a la pantalla y sin apenas darte cuenta te encuentras de repente en los últimos minutos del film, los más interesantes.


Además de Nero, el resto del reparto principal formado por Christopher George, Alex Courtney y Susan George que no dan más de sí, pero cumplen con la calidad general del producto. Susan George que protagonizo Perros de Paja de Sam Peckinpah, cumple casi el mismo registro sin llegar a esa cota de dramatismo, aunque tampoco se lo exige la historia. El resto del reparto desconozco sus trabajos, pero como ya he dicho cumplen bien, tampoco se les puede pedir nada del otro mundo en este tipo de producciones.
Mención aparte del look de Venarius altamente freak con peinado de Camilo Sesto y personalidad de Antonio Gala, si los malos de James Bond te parecen "flojos", con este vas a delirar, no mataría ni a una mosca. El apartado técnico de fotografía y movimiento de la cámara es correcto, aunque la iluminación se queda corta en las escenas nocturnas, por el contrario, respeta el tópico de las películas de ninjas.

Una historia fácilmente olvidable pero que te engancha por su emotividad y sentido de la amistad, aunque lo esperado inicialmente sea otra cosa muy distinta.

Puntuación

18/1/09

Eskalofrío

Eskalofrío dirigida por Isidro OrtizTITULO ORIGINAL: Eskalofrío
AÑO: 2008
DURACIÓN: 91 min.
PAÍS: España
DIRECTOR: Isidro Ortiz
GUIÓN: Hernán Migoya, José Gamo, Alejandro Hernández, Isidro Ortiz
MÚSICA: Fernando Velázquez
FOTOGRAFÍA: Josep M. Civit
REPARTO: Junio Valverde, Blanca Suárez, Jimmy Barnatan, Mar Sodupe, Francesc Orella, Roberto Enríquez
PRODUCTORA: A Punto la Postpo

Santi, un joven solitario a causa de su alergia a la luz solar se traslada con su madre a un oscuro pueblo escondido entre montañas. Una serie de extrañas muertes, de las que él es principal sospechoso, conmocionan el lugar. La única forma de demostrar su inocencia será desvelar el terrible secreto que el bosque oculta.

Me gusta que el cine español apueste por el género de terror y ciencia ficción, que falta le hace después de tantas comedias y dramas de encefalograma plano, como cualquiera de esos que puedan dar por la tele en sesión de sobremesa. Pero lo que no estoy tan de acuerdo es en lo que prometía el planteamiento original de Eskalofrío, abiertamente orientado hacia el tema vampírico y grandes dosis de terror directas en vena, acaba siendo una burla hacia el espectador.

La historia resulta algo fortuita y con ciertos tópicos del género vampírico, arranca contándonos los típicos problemas de un adolescente. Como he dicho, la cinta arranca con un planteamiento algo sobado en el cine extranjero, un poco más original dentro del cine español.

Pero el problema reside al llegar a medio metraje en el que se desvela de golpe y porrazo el misterio de los asesinatos, mezclándolo con todos los clichés del cine de terror japonés como Ring o The Eye, género que dejó de sorprenderme hace ya largo tiempo. La cinta se va convirtiendo poco a poco, en algo que no tiene nada que ver con su temática inicial, plagiando descaradamente a Blair Witch Project, en la larga y tediosa escena del bosque.


El problema es, que a estas alturas todavía falta media hora de cinta para llegar al desenlace, precipitándose de esta manera en la resolución de toda la trama. La manera en que arreglan este gran fallo es un giro tras otro a cual más absurdo, para poder así conseguir llegar a los ya clásicos 90 minutos de duración. Parece ser la duración estándar para considerar una cinta dentro de los largometrajes, cuando realmente muchas veces no haría falta exceder los 75 minutos.

Pero lo que es del Cesar al Cesar, el apartado técnico es notable y  respecto a los movimientos de cámara, encuadres de plano y fotografía, también. Por el contrario la iluminación en las escenas nocturnas es pobre y el audio en los diálogos, ídem. Aunque el problema del audio se da a menudo en el cine español. Los siseos en las frases y la poca traza en la vocalización, junto a un volumen algo bajo, consiguen que algunas frases no se acaben de escuchar con claridad. Sin embargo la banda sonora está bien lograda ayudando a mantener la tensión incluso en los absurdos giros argumentales al final de la cinta. El aspecto sonoro también lo encuentro logrado, aunque esto no hace más que resaltar el problema ya mencionado de los diálogos.


Las interpretaciones son correctas hasta bien media cinta, a partir de aquí adoptan un rol de ‘comedieta’ española que desentonan con la estética del film, careciendo de credibilidad en las escenas de tensión, que es en la segunda mitad del film donde más de dichas escenas encontramos.

Una cinta con un buen arranque pero que a partir de media cinta cae en una espiral de tópicos que se cargan todo lo conseguido hasta ese momento, si bien, reconozco que al menos me ha conseguido mantener pegado a la pantalla.

Puntuación

16/1/09

Martians go Home

Martians go Home dirigida por Dani MorenoTITULO ORIGINAL: Martians go Home
AÑO: 2006
DURACIÓN: 20 min
PAÍS: España (Catalunya)
DIRECTOR: Dani Moreno
GUIÓN: Dani Moreno
MÚSICA: Jairo Moreno
FOTOGRAFÍA: Javi Ábalo
REPARTO: Chema Ponze, Edu García, Maite Buenafuente, Alaska
PRODUCTORA: ChaparraEntertainment

Cuenta la leyenda que Sarah Clockwork, gran virtuosa terminista que desapareció en mitad de una actuación en un gran teatro de Nueva York en 1928. Se dice que fue “abducida por marcianos”. En 1986 el joven Fran, haciendo uso de sus precoces facultades como científico, fabrica un Theremin. Con él pretende comunicarse con Sarah Clockwork, su amor platónico. Lo que empezó como un simple juego desemboca en extraños sucesos que llevan a Fran a creer que verdaderamente el Theremin tiene el poder de atraer a los marcianos. 

Dani Moreno es un cortometrajista conocido ampliamente dentro del mundillo de la escena Barcelonesa. Con cierto regusto freak, nos ha deleitado en otras ocasiones con trabajos de la talla El ataque del pene mutante o Brutal Dogo. Aunque no tengo ninguna queja, es más, me encantan. En cambio con Martians go Home, sin perder un ápice de ese estilo que tanto le caracteriza en otros de sus trabajos, dio el salto a un estilo algo más profesional dentro del mundillo.

La historia es simple pero efectiva, sin marear al espectador ni trasfondos argumentales estúpidos, el corto arranca con un claro e inconfundible homenaje al cine clásico en blanco y negro, para en la siguiente escena dar un salto temporal en la historia, que nos sitúa en los años 80, época en la que Dani Moreno nos demuestra todas sus dotes como melómano y cinéfilo. Dentro del género de terror y ciencia ficción de dicha época, al igual que Tarantino en sus películas, éste plaga los escenarios con referencias y guiños a películas de los 70 y 80, más de éste última década, por la que siente especial debilidad.

El apartado de efectos especiales a cargo de Sputnik-FX, hace honor a todo este género y serie B, que todo ente cinéfago adora. Mi conclusión; es que no es una cuestión exclusivamente de presupuesto, sino de gustos personales. Aunque, no dudo que estuviese algo ajustado, todos sabemos que las subvenciones del ICAA no son especialmente generosas.


La música creada por su hermano, Jairo Moreno, cumple a la perfección con la estética representada. Adaptándose en cada momento con gran precisión a las imágenes y la época en la que se desarrolla el argumento. El corto va saltando entre el género de terror y la ciencia ficción. En el que podemos encontrar referencias incluso a grandes cintas, como La invasión de los ultracuerpos o Zombi de Lucio Fulci en la escena del cementerio.
Además, combina con gran ingenio dosis de humor de aquella época al estilo de Porky's u otras producciones ochenteras de este estilo, pero sin ridiculizar la obra en exceso.


En el apartado actoral también nos encontramos a Eduardo García el niño de la serie televisiva Aquí no hay quien viva. Las interpretaciones no son ninguna maravilla, cierto, pero precisamente no estoy buscando perfección cuando el cortometraje lo que pretende es rendir un homenaje tan grande y elocuente al cine que nos ha visto crecer.

La iluminación, la fotografía y la puesta en escena denotan cierta profesionalidad respecto a sus anteriores cortos. Con ello no quiero decir que sus anteriores obras sean malas, sino que éste es su trabajo más profesional hasta la fecha. Espero que algún productor se fije en este director y pueda llegar a hacer algún largometraje en un futuro no muy lejano.

Un corto con gran sentido del humor y un gran homenaje al cine de nuestra infancia, el ochentero. El corto lo podéis ver en todo su esplendor en la Web Oficial, aunque yo como buen friki acabé comprándomelo original.

Puntuación

14/1/09

Soylent Green (Cuando el destino nos alcance)

Soylent Green (Cuando el destino nos alcance) dirigida por Richard FleischerTITULO ORIGINAL: Soylent Green
AÑO: 1973
DURACIÓN: 97 min
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Richard Fleischer
GUIÓN: Stanley R. Greenberg
MÚSICA: Fred Myrow
FOTOGRAFÍA: Richard H. Kline
REPARTO: Chuck Connors, Joseph Cotten, Charlton Heston, Paula Kelly, Whit Bissell, Leigh Taylor-Young, Edward G. Robinson, Brock Peters, Stephen Young, Mike Henry
PRODUCTORA: MGM

En el año 2022, la población de Nueva York, unos cuarenta millones de habitantes, vive en condiciones miserables. Para combatir el hambre se crea un alimento sintético, el soylent green, pero el policía Thorn y el viejo Roth, un superviviente de otra época, sospechan que detrás del nuevo alimento hay algo inquietante.

Soylent Green es una de las grandes películas de ciencia ficción apocalíptica, de la década de los 70. Personalmente, siempre me han parecido interesantes las películas sobre distopías, ese tipo de películas que a modo de predicción nos muestran un futuro no demasiado lejano, en el que muchas veces el propio ser humano está a punto de mandarlo todo al carajo, a causa de su modo de vida y la degradación ambiental.

En Soylent Green nos encontramos con un futuro bastante negro, ambientada en el año 2022 en la ciudad de Nueva York, las altas temperaturas y la polución han terminado con los recursos naturales de la tierra. Los alimentos cada vez son más escasos, y para colmo, estamos en una situación de superpoblación con cuarenta millones de personas malviviendo en la decrépita ciudad.
A pesar del ambiente desolador, una pequeña 'élite' sobrevive, manteniendo el control político y económico puede acceder a ciertos lujos como verduras o trozos de carne. El resto de población no tiene más remedio que sobrevivir nutriéndose de una materia mitad química mitad orgánica fabricada por la corporación Soylent, conocida como "Soylent Green".


En un panorama tan sórdido, Frank Thorn un duro detective interpretado por Charlton Heston, será el encargado de investigar el asesinato de un importante magnate. Conforme Frank encuentra nuevas pistas y avanza en su investigación, irá descubriendo una conspiración que relaciona la muerte del magnate con la corporación Soylent. Éste se verá envuelto en una espiral de acontecimientos, que le llevaran hasta el terrible secreto escondido tras la corporación Soylent.

Como podeis ver, el argumento de la película encaja perfectamente con los clichés de la ciencia ficción, pero aquí no encontraremos un futuro con grandes carteles luminosos, rayos-laser y naves espaciales. El futuro retratado en Soylent Green es totalmente decadente, y para transmitir esta sensación su director usa los elementos justos creando una ambientación sobria, que resalta la suciedad y degradación de una ciudad con miles de personas amontonadas en sus calles y edificios en busca de algún tipo de esperanza, que difícilmente llegará.


La tecnología brilla por su ausencia, excepto en los apartamentos de la "zona alta" como la vivienda del magnate asesinado, donde sí se puede apreciar un aire un poco mas futurista. De hecho la ambientación general recuerda más a una zona marginal de finales del siglo pasado, que a un Nueva York del futuro, pero consigue su objetivo metiéndonos en el clima adecuado que requiere la historia.


El film se desarrolla a modo de thriller futurista consiguiendo introducir al espectador en una trama, que conforme el detective Frank Thorn avanza en su investigación, cada vez se va haciendo más espesa y desesperanzadora, hasta alcanzar un clima asfixiante en la parte final cuando Frank, con la ayuda de su compañero y amigo Sol Roth nos acercará hasta el secreto que con tanto recelo guarda la corporación Soylent. Las interpretaciones son bastante correctas, como en otras ocasiones, Charlton Heston hace el típico papel de tío duro. Especial mención merece Edward G. Robinson, interpretando al compañero nostálgico que convive con Frank, un hombre mayor que aun recuerda cuando la tierra era un lugar hermoso y placentero en el que poder vivir. Su emotiva escena final, quedará para el recuerdo, sobre todo si tenemos en cuenta, que esta fue su última película antes de morir pocos meses después del rodaje.


Quizá como punto negativo se podría nombrar el final, que puede resultar algo precipitado, dejando al espectador con una sensación de incertidumbre al tratarse de un final abierto, que nos obliga a imaginar que pasará después de que se descubra el gran secreto.

Puede que Soylent Green no sea una obra redonda y que no disfrute del mismo reconocimiento que algunas de las grandes películas de ciencia ficción de la misma época, pero en mi opinión es una gran película, que mantiene el interés de su planteamiento aun con el paso del tiempo y que conserva grandes hallazgos tanto visuales como argumentales, que sin duda sabrán disfrutar todos los aficionados al género.

Puntuación

13/1/09

Rescate al amanecer

Rescate al amanecer dirigida por Werner HerzogTITULO ORIGINAL: Rescue Dawn
AÑO: 2006
DURACIÓN: 126 min
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Werner Herzog
GUIÓN: Werner Herzog
MÚSICA: Klaus Badelt
FOTOGRAFÍA: Peter Zeitlinger
REPARTO: Christian Bale, Steve Zahn, Jeremy Davies, Pat Healy, Evan Jones
PRODUCTORA: MGM / Gibraltar Entertainment

En 1965, en vísperas de la guerra del Vietnam, el piloto Dieter Dengler, durante su primera misión, es abatido en Laos, capturado por la guerrilla y conducido a un campo de prisioneros en plena jungla. Allí conoce a otros pilotos. Además de luchar por la superviviencia, elaboran juntos planes de fuga.

A priori, parece que estemos ante otra película típica bélica ambientada en la guerra de Vietnam, pero este film nos muestra una historia de supervivencia. Dejando a un lado la acción, nos introduce en los horrores que ésta conlleva. Rodada con mucho cuidado, se consigue una sobresaliente ambientación, en todo momento consigue trasladar al espectador la ferocidad de la situación vivida por sus protagonistas, la crudeza y la desesperación humana.

Werner Herzog, el director de películas como Nosferatu - vampiro de la noche o Teniente corrupto, que actualmente está en fase de producción, ambos remakes. El primero basado en el clásico Nosferatu, eine Symphonie des Grauens dirigido por F.W Murnau en 1920 y el segundo de identico título, dirigido por Abel Ferrara e interpretado por Harvey Keitel en 1992.


El cineasta alemán se centra con éste film, en la situación de los prisioneros de un campo vietnamita. La relación entre ellos, la angustia que les lleva hasta la locura y los lazos que se crean entre los cautivos y guardianes. Dejando de lado lo bélico resalta una parte más dramática, pero mantiene ciertos toques humorísticos, siendo lo único que conservan los prisioneros para mantener a flote su cordura.


Por otro lado, tenemos la parte de la fuga que tan buen resultado da en películas bélicas. A partir de ahí, el ritmo de la película cambia, mostrando la parte más cruda, la supervivencia, donde los protagonistas se enfrentarán al enemigo más duro, la selva. Sin ningún tipo de alardes técnicos, ni efectos especiales, se consigue un efecto tan crudo y simple, que parece tremendamente real. Las interpretaciones están a la altura, pero el peso del film recae en Christian Bale, con una sorprendente evolución física a lo largo de toda la cinta, en la que el actor muestra una dedicación y esfuerzo comparable al que realizó para El maquinista de Brad Anderson.


Lo que también cabe destacar, es como está tratado el paso el tiempo, en ningún momento decae el ritmo, y nos muestra claramente la evolución de sus personajes, además, se entienden perfectamente los vínculos creados entre ellos. Algo muy difícil de conseguir en este tipo de películas. Puede que el flanco de la película resida en el desenlace, donde precipitadamente se adopta un estilo muy propio de Hollywood pero con un ligero regusto a telefilm, aunque mantiene la suficiente emotividad para dejarte un buen sabor de boca después de tantas situaciones límite.

Puntuación

12/1/09

Memento

Memento dirigida por Christopher NolanTITULO ORIGINAL: Memento
AÑO: 2000
DURACIÓN: 115 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Christopher Nolan
GUIÓN: Christopher Nolan (Historia: Jonathan Nolan)
MÚSICA: David Julyan
FOTOGRAFÍA: Wally Pfister
REPARTO: Guy Pearce, Carrie-Anne Moss, Joe Pantoliano, Mark Boone Jr., Stephen Tobolowsky, Harriet Sansom Harris, Jorja Fox
PRODUCTORA: Newmarket / Summit Entertainment

Leonard es un investigador de una agencia de seguros cuya memoria está irreversiblemente dañada por culpa de un golpe en la cabeza, sufrido al intentar evitar el asesinato de su mujer: éste es el último hecho que recuerda del pasado. A causa del golpe, ha perdido la memoria reciente, es decir, los hechos cotidianos desaparecen de su mente en unos minutos. Así pues, para investigar y vengar el asesinato de su esposa tiene que recurrir a la ayuda de una cámara instantánea y a las notas tatuadas en su cuerpo.

Es habitual que al principio de cada década el panorama cinematográfico sufra un cambio y surjan películas que revolucionen el panorama. En los 90 fue Tarantino con su opera prima, Reservoir Dogs. A las puertas del nuevo siglo, Christopher Nolan fue el que nos deleito con Memento, un thriller basado en un relato corto escrito por su hermano Jonathan Nolan, que el propio director britanico se encargo de escribir el guion, para convertirlo en un largometraje.

La fuerza de la cinta reside en su desorden cronológico, que gracias a una ardua y excelente tarea de montaje consigue una historia completamente estructurada a medida que ésta avanza. Un galimatías mental que va encajando todas sus piezas, como si un cubo de rubik se tratase. Aunque esta fórmula ya fue usada por Gaspar Noé en Irreversible, las diferencias son notables. Irreversible está contada cronológicamente al revés es decir desde el final al principio, sin embargo en Memento no existe orden ni continuo espacio tiempo, el propio espectador es el responsable de ir ordenando este rompecabezas.

Los personajes son introducidos en la historia paulatinamente e irán mostrando sus verdaderas intenciones conforme avanza la historia. Aprovechándose de la ausencia de memoria por parte de Leonard, irán poniéndolo a prueba continuamente, incluso veremos algunas situaciones, en las que los supuestos amigos de él se regocijaran en su propia cara.

La cinta se llevo varios premios en calidad de mejor guion. Los dos hermanos ya han demostrado en posteriores ocasiones, una gran profesionalidad en lo que a guiones se refiere. La banda sonora no resalta tanto como en las adaptaciones de Batman, pasando ésta a un segundo plano, pero latente durante toda la cinta mantiene la intriga, que minuto a minuto va encajando sus piezas.

A Nolan todavía se le podía considerar novato, pero mueve la cámara con habilidad, los cambios de plano son fluidos y la fotografía combina los colores cálidos y fríos dependiendo de cada escena, siempre, con una correcta iluminación. Algunas escenas del “pasado” de Leonard están rodadas en blanco y negro, una manera hábil de reducir costes.

El reparto está más que correcto, con Guy Pearce (Ravenous), Carrie Anne Moss (Matrix) y el omnipresente Joe Pantoliano que interpreta a Teddy Gammel, actor al que únicamente conozco por papeles secundarios, como el de Cypher en Matrix, su papel de poli bueno/malo le va como anillo al dedo que se complementa a la perfección con el de Leonard (Guy Pearce), formando una gran nube de intriga alrededor de la historia.

Puntuación

9/1/09

Golpe en la pequeña China

Golpe en la pequeña China dirigida por John CarpenterTITULO ORIGINAL: John Carpenter's Big Trouble in Little China
AÑO: 1986
DURACIÓN: 99 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: John Carpenter
GUIÓN: Gary Goldman & David Z. Weinstein
MÚSICA: John Carpenter
FOTOGRAFÍA: Dean Cundey
REPARTO: Kurt Russell, Kim Cattrall, Dennis Dun, Kate Burton, Victor Wong, James Hong
PRODUCTORA: TAFT Entertainment Pictures

Jack Burton (Kurt Russell) es un camionero solitario, en una de sus paradas en el barrio de Chinatown de San Francisco, gana en una apuesta una gran cantidad de dinero a Wang Chi (Dennis Dun). Este le convence para que le lleve al aeropuerto a recoger a su prometida Miao Yin, tras lo cual le entregará el dinero que le debe. Al llegar al aeropuerto unos gángsters chinos secuestran a Miao Yin. Jack y Wang Chi, junto al hechicero Egg Shen (Victor Wong) corren tras ellos, a partir de ahí se verán envueltos en una gran aventura, adentrándose en un tenebroso mundo en la más profundo de la pequeña china de San Francisco.

Aunque han pasado ya algunos meses, desde aquí quiero dar las gracias al equipo de Festerror, por deleitarnos en su segunda edición con esta magnífica película, que nunca me cansaré de revisionar.

Cuando pienso en John Carpenter se me calienta el bazo, es un director tan admirado y a la vez odiado, a nadie deja indiferente. Su larga carrera marca una trayectoria, en la que durante años, nos ha deleitado con sus obras solo como él sabe hacerlo. Es un artesano del género fantástico, fusionando su particular forma de dirigir con sus carismáticas bandas sonoras, consigue un estilo propio, que si te embauca nunca podrás dejar de lado. Personalmente, siento una debilidad por John Carpenter y sus películas, especialmente por Golpe en la pequeña china, una delirante película, donde la mezcla de humor, acción y fantasía resulta perfecta.


El guión contiene todos los tópicos posibles, la única posibilidad de digerirlo es con desmesurado cachondeo. Precisamente, eso es lo que ocurre desde el primer minuto al último. Aunque no todo el mundo se la toma de esa forma, los que congeniamos con la película, recibimos lo que buscamos, un "golpe en nuestra pequeña face".


En realidad la película puede ser atacada por todas partes, el guión está totalmente desestructurado, las cosas ocurren sin apenas explicación, sus personajes son presentados de la forma más simple posible. Los efectos especiales resultan acordes para su época y estilo, pero sobre todo con su presupuesto, éstos cumplen con su cometido y no desentonan con la calidad de la película. Las interpretaciones, sin excepción alguna, están tan sobreactuadas y rozan lo ridículo. Aunque, como diría Jack Burton en una situación similar: ¿Pero qué pasa?

Ahora bien, la película ofrece lo que muchas solo se atreven a insinuar, una colosal aventura que nos sumerge en un mundo dominado por la magia y el ocultismo. Por un lado, Jack Burton, un camionero grosero y desaliñado, por el otro Wang Chi, el leal compañero al rescate de su novia. Ayudados por hechicero Egg Shen, serán nuestros guías hacia un mundo donde todo es posible y el único límite es la propia realidad, todo comprimido en apenas 100 minutos.


Golpe en la pequeña china es una comedia de acción que parodia las películas de artes marciales, y tiene una estructura de videojuego de la época de los 8 bits. Si lo que buscas es una película seria, con un reparto de inmaculadas interpretaciones, un guión solido, coherente, donde todo encaje a la perfección, Golpe en la pequeña china no es tu película. Pero si quieres pasar una tarde de diversión sin pretensiones, esta película te hará hacer cosas que nadie puede hacer y ver cosas que nadie puede ver.

Puntuación

Syngenor

Syngenor dirigida por George Elanjian Jr.TITULO ORIGINAL: Syngenor
AÑO: 1990
DURACIÓN: 98 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: George Elanjian Jr.
GUIÓN: Brent V. Friedman (Historia: Michael Carmody)
MÚSICA: Thomas Chase, Steve Rucker
FOTOGRAFÍA: James Mathers
REPARTO: Starr Andreeff, Mitchell Laurance, David Gale, Charles Lucia, Riva Spier, Jeff Doucette, Bill Gratton
PRODUCTORA: Synapse Films

Un robot con aspecto de hombre, creado para ser el perfecto soldado, escapa del laboratorio donde lo fabrican antes de estar acabado. A partir de ahí empezará a sembrar el terror y el miedo entre los científicos y aquellos que intenten eliminarlo. 

Muchas son las cintas que han marcado pautas dentro de la ciencia ficción a la hora de generar subproductos cinematográficos, entre los cuales encontramos como puntos de referencia a Robocop, Depredador, Terminator e incluso Alíen.
¿Pero hay alguna cinta capaz de juntarlos a todos y parir algo con un mínimo interés, aunque sea malo? Aquí tenemos un ejemplo, Syngenor, es esa cinta. Con argumento de serie Z y posturas de telefilm barato, coge todos los clichés habidos y por haber en la ciencia ficción y el terror junto con los personajes anteriormente mencionados, los mete en una batidora a 1200 r.p.m y el resultado lo adereza con unas pocas especias de Soldado Universal y Re-animator, ya tenemos 100 minutos de película con un argumento tan simple como éste.


Cuando la cinta arranca te esperas lo peor, no nos engañemos es peor que un dolor de muelas, pero por algún extraño motivo u sortilegio, te impulsa a ver lo que va a suceder a continuación. Dicho atractivo se viene abajo cuando la cinta llega a los 90 minutos y alguien dice aquello “se nos acaba el presupuesto, hay que matar al bicho definitivamente”, entonces el resultado se torna en un desenlace precipitado y absurdo.

Incluso se atreven a meter guiños de innumerables películas de crímenes, con bromas como el cadáver dibujado con tiza en el suelo al estilo Se ha escrito un crimen o Colombo, claro, todo sin venir a cuento. Por no mencionar referencias a films como La cosa o de cine vampírico en la escena final con la reconstrucción de uno de los seres hermafroditas del film, que al principio es uno y acaban siendo familia numerosa.

La banda sonora no destaca especialmente cosa que debería hacer, pues estas cintas suelen tener su mejor carta en el apartado musical, pero es bastante aceptable. El guión no es nada que no hayamos visto antes en este tipo de cintas, intenta transmitir la crudeza del hombre ante la guerra, pero sinceramente lo que más importa e interesa es el bicho, una mezcla de Alíen, Depredador y Jeepers Creepers pero realizado con menos presupuesto del que el gobierno concede a las pensiones.


Los personajes no tienen nada destacable, excepto a Carter Brown interpretado y sobreactuado papel interpretado por David Gale, el Dr. Hill de Re-Animator. Repitiendo un rol muy similar, pero como ejecutivo excéntrico en lugar de doctor. El resto de intérpretes simplemente se limitan a ocupar su espacio dentro de la cinta.

Y como no podía faltar la escena de amor sin venir a cuento, está metida con calzador y dura lo justo e imprescindible, no llega ni al minuto. Así está bien, pues contra mas aparece el monstruo más interés cobra la cinta, lastima no hayan más muertes y más gore, esto realzaría la cinta de una manera que bien podría alcanzar dos estrellas en la puntuación.
Cinta de serie Z altamente recomendable para ver en compañía de los colegas y echarse unas risas con el monstruo.

Puntuación

7/1/09

Hobgoblins

Hobgoblins dirigida por Rick SloaneTITULO ORIGINAL: Hobgoblins
AÑO: 1988
DURACIÓN: 92 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Rick Sloane
GUIÓN: Rick Sloane
MÚSICA: Alan DerMarderosian
FOTOGRAFÍA: Rick Sloane
REPARTO: Tom Bartlett, Paige Sullivan, Steven Boggs, Kelley palmer, Billy Frank, Tamara Clatterbuck, Duane Whitaker
PRODUCTORA: Rick Sloane Productions

McCreedy, un anciano vigilante nocturno de un gran estudio de cine, advierte a Kevin, muchacho impulsivo, de que se mantenga alejado de cierto cuarto en el sótano. La curiosidad de Kevin le hace no atender este consejo e investiga el porqué. Penetra y se encuentra a los terribles Hobgoblins, criaturas traviesas que se mueven siguiendo impulsos de luz y que se apoderan de las fantasías de la gente. Sólo reviven de noche y, tras huir, han de ser capturados antes del amanecer o la ciudad correrá peligro. Kevin corre a buscar ayuda de sus amigos.

La década de los 80 ha parido grandes cintas como Ghoulies, Munchies o Troll, bajo la influencia de éstas nace por cesárea, Hobgoblins, dirigida por Rick Sloane responsable de otras series B como Vice Academy o The Visitants, aún tuvo la desvergüenza de sacar una segunda entrega de estos anódinas marionetas.

La influencia de Gremlins está presente en la historia, pero nada tiene que ver con la obra de Joe Dante. El film es más cercano a Ghoulies o Munchies, sobretodo en la parte estética de los bichos, aunque aquellas, al menos gozaban de presupuesto para ir al McDonald’s, Hobgoblins no dispone de presupuesto ni para ir a las tiendas de chinos.
Los muñecos se mueven de una manera jamás vista en este tipo de films, prácticamente se ve al actor que los mueve, por momentos me recordaban a un show de José Luis Moreno y sus muñecos, verdaderamente lamentable.


La banda sonora juega con los tópicos de la época, con momentos de película de terror, por supuesto esto no sirve de nada, ni acompasa con las imágenes que entran por nuestra retina, cargándose toda la escena en cuestión. Y como no podía faltar, nos encasquetan la típica canción cutre ochentera estilo La Monja Enana en una escena de guateque, de lo más cutre que he visto en mucho tiempo.

El rol de los personajes es un copy/paste de otras series B, aunque tienen un toque que me recordó a la serie Salvados por la campana.
Kevin el chico bueno e ingenuo y su novia Amy la típica novia pedante, su amigo Dennis algo tontito pero más salido que el pico de una mesa (algo precoz el chico), Nick el chulito del grupo y su cachonda novia Daphne, calcomanía de Jessie Spano en la serie, pero con vestuario de Agatha Ruiz de la Prada y 10 años más en cada pata. La interpretación de todos ellos es lamentable.

El guión de parvulario plagado de frases ridículas, aunque mas bien parece culpa del poco control en los doblajes, sobre todo en esa época y este tipo de cine de bajísimo presupuesto. De esta manera, dando libertad a los traductores para colar bromas y frases de los más absurdas.

Realmente no pasa nada en toda la película hasta que no llega el final, las escenas se alargan de una manera que no guardan ningún tipo de orden espacio-temporal, mientras en un sitio han pasado varias cosas en otro todavía están los actores en la misma posición sin haber hecho nada.

En definitiva reconozco que Troll o Munchies u otras, me gustan por su diversión y friquez, pero esto no hay por donde cogerlo, una vez más la portada promete diversión que no ofrece.

Puntuación

5/1/09

Gremlins

Gremlins dirigida por Joe DanteTITULO ORIGINAL: Gremlins
AÑO: 1984
DURACIÓN: 111 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Joe Dante
GUIÓN: Chris Columbus
MÚSICA: Jerry Goldsmith
FOTOGRAFÍA: John Hora
REPARTO: Zach Galligan, Phoebe Cates, Hoyt Axton, Polly Holliday, Frances Lee McCain, Dick Miller, Keye Luke, Scott Brady, Corey Feldman
PRODUCTORA: Warner Bros. Pictures / Amblin Entertainment

Esta historia comienza cuando Rand, un inventor en busca de clientes, el día de navidad regala a su hijo Billy un pequeño ser llamado Mogwai, una tierna y extraña criatura. Sin embargo, el inocente regalo será el origen de toda una ola de gamberradas y barbaridades en un pequeño pueblo. No hay que infringir las tres reglas básicas que siempre se han de seguir para conservar el Mogwai.

Gremlins es una simpática película que perdura en el recuerdo de toda persona que la disfruto durante su infancia. Un producto de entretenimiento infantil, pero que consiguió llegar mucho más lejos. Aterroriza mientras divierte, un film que contiene todos los elementos comerciales para hacerse un hueco en la industria. A raíz de esta película, se han dirigido muchas otras en las que extraños seres, tanto demoniacos como extraterrestres, incluso mecánicos, han sembrado el caos en algún apacible lugar, pero ninguna con tanto éxito.


Un Gremlin es una criatura mitológica de naturaleza malévola, son populares como criaturas capaces de sabotear maquinaria de todo tipo. Estos seres fueron creados por Roald Dahl ("Los Gremlins", 1943) fruto de un cuento contado entre los pilotos ingleses de la Royal Air Force, donde Roald Dahl prestó su servicio durante la segunda guerra mundial. El cuento narraba como los pilotos atribuían algunas de las averías que sufrían sus aviones, a unas pequeñas criaturas que saboteaban la maquinaría.


Poco se puede comentar sobre esta película que no se haya comentado anteriormente. Se caracteriza por ser un film destinado a todos los públicos, pero de conteniendo y escenas con bastante violencia, incluso en algunos momentos llegando a rozar el terror.
Se hacen muchas referencias a otras películas de forma graciosa, el guión es entretenido, divierte en todo momento y sobre todo mantiene la expectativa. Combina perfectamente humor con sustos. Sus actuaciones son correctas y unos efectos especiales más que decentes, han conseguido grabarse en nuestra mente de manera melancólica.


La simpática y alegre banda sonora no pasara a la historia, pero siempre dibujará una sonrisa en mis mejillas. Una película que me produce cierta ternura, y no me digáis que después de verla no habéis querido tener un Gizmo. Aunque si algún día os encontráis uno, recordad esto:
  • Que no le dé la luz del sol, lo mataría.
  • Procurad que no se moje.
  • Y lo más importante, por mucho que llore, por mucho que suplique, nunca, nunca le deis de comer después de media noche.

Puntuación