26/6/09

La habitación de Fermat

La habitación de Fermat dirigida por Luis PiedrahitaTITULO ORIGINAL: La habitación de Fermat
AÑO: 2007
DURACIÓN: 87 min.
PAÍS: España
DIRECTOR: Luis Piedrahita, Rodrigo Sopeña
GUIÓN: Luis Piedrahita, Rodrigo Sopeña
MÚSICA: Federico Jusid
FOTOGRAFÍA: Miguel Ángel Amoedo
REPARTO: Alejo Sauras, Elena Ballesteros, Santi Millán, Lluís Homar, Federico Luppi, Helena Carrión, Ariadna Cabrol, Juanma Falcón
PRODUCTORA: Notro Films

Cuatro matemáticos, que no se conocen entre sí, son invitados por un misterioso anfitrión con el pretexto de resolver un gran enigma. Pero descubren que la sala en la que se encuentran resulta ser un cuarto menguante... que les aplastará si no descubren a tiempo qué les une y por qué alguien quiere asesinarles.

El planteamiento de la película es muy llamativo, cuatro "matemáticos" reunidos en una habitación obligados a resolver una serie de enigmas para salvar sus vidas. Pero creo que es un argumento para un cortometraje o para una película más elaborada a nivel de guión y actuaciones.
En algunos momentos se consigue transmitir la claustrofobia y la angustia que se pretende, pero casi todos los momentos de tensión se ven saboteados por un guión insuficiente y unas actuaciones insulsas.


Otros aspectos como una mediocre realización, una floja dirección de actores y elaboración de situaciones pilladas por los pelos, hacen destacar los defectos de la película. Pese a sus pros y sus contras, sus innumerables defectos e ingenuidades típicas de una ópera prima, no deja de ser una propuesta diferente en el cine español. Si consideramos el cine solo como un entretenimiento, La habitación de Fermat es entretenida.


Es una película que se oculta tras la excusa de no aparentar pretensiones, plantea un argumento sencillo, pero no me gusta cómo se desarrolla la historia.
La película pretende enganchar al espectador y hacerle participe con los enigmas que los personajes han de resolver, que pueden ser resueltos por cualquier persona del público, no son unos complicados problemas matemáticos o complejos ejercicios de ingenio. Son acertijos que cualquiera que seguro le guste un poco el tema ha resuelto alguna vez.

Se intenta encajar las soluciones con la trama y como espectador puedes ir avanzando en la historia. Está bien visto, que con unos problemas irresolubles para el público, se nos alejaría de la película. Utilizando acertijos más sencillos te hacen participar más en la historia, pero me hubiera gustado que el siguiente problema a resolver fuera más complicado que el anterior.


De todas maneras, no es creíble que los protagonistas, que representan unas mentes privilegiadas, tengan que rebanarse los sesos para resolver tales pruebas, aunque se encuentren en una situación cada vez más desesperada.

El desarrollo presenta escenas inaceptables por su falta de credibilidad, situaciones que crean la confusión premeditada del espectador y un desenlace muy mal resuelto. Consigue entretener, pero es inevitable que te deje con la sensación que se pudo hacer algo bastante mejor.

Puntuación

23/6/09

Zombies Party

Zombies Party dirigida por Edgar WrightTITULO ORIGINAL: Shaun of the Dead
AÑO:2004
DURACIÓN: 99 min.
PAÍS: Reino Unido
DIRECTOR: Edgar Wright
GUIÓN: Edgar Wright & Simon Pegg
MÚSICA: Dan Mudford & Pete Woodhead
FOTOGRAFÍA: David M. Dunlap
REPARTO: Simon Pegg, Kate Ashfield, Nick Frost, Dylan Moran, Lucy Davis, Bill Nighy, Penelope Wilton, Jessica Stevenson
PRODUCTORA WT² production / Big Talk Productions / Universal Pictures

Una comedia romántica... con zombies. La vida de Shaun (Simon Pegg) es un callejón sin salida. Se pasa la vida en la taberna local, "The Winchester", con su íntimo amigo Ed (Nick Frost), discute con su madre y descuida a su novia, Liz (Kate Ashfield). Cuando Liz le deja plantado, Shaun decide, finalmente, poner su vida en orden: tiene que reconquistar el corazón de su novia, mejorar las relaciones con su madre y enfrentarse a las responsabilidades de un adulto. Pero, por desgracia, los muertos están volviendo a la vida, y tratan de devorar a los vivos. Así que Shaun tendrá que enfrentarse a un problema más. Armado con un palo de cricket y una pala, emprende una guerra sin cuartel contra una horda de zombies para rescatar a su madre, a su novia e incluso, aunque a regañadientes, a su padrastro, al de su novia... llevándolos a todos al lugar más seguro y protegido que conoce: "The Winchester".


"Llega un momento en la vida de todo hombre en el que ha de levantarse del sillón y matar unos zombies."
Con esta increíble frase promocional que precede al título Shaun of the Dead aquí "exorcizada" como Zombies Party, es norma de la casa pervertir los títulos. Se esconde una de las parodias más brillantes y con gran sentido del humor de los últimos años.

Dirigida por Edgar Wright en 2004, que tres años más tarde repitió la formula (con igual o mayor éxito) cambiando al género policíaco con Hot Fuzz (Arma Fatal), de la que hablaremos otro día. Lo que representa Shaun of the Dead a modo de parodia zombie, es Hot Fuzz para las buddy movies cómo Tango y Cash, Arma letal, Dos Policías rebeldes etc.

La película arranca algo lenta, con tonalidades de comedia romántica, pero esto pronto pasa a un segundo plano cuando los zombies entran en escena y la situación se descontrola. Ofreciendo situaciones, en las que como mínimo esbozaremos una sonrisa e incluso alguna carcajada. Aunque si no tenemos la paciencia suficiente hasta que llegue ese momento, las esperanzas de encontrarnos con un buen producto pueden verse frustradas al darle antes de tiempo al stop de nuestro reproductor.


La presentación de los personajes es muy fluida, concisa y divertida, aunque no dejan de ser personajes estereotipados, la introducción de nuevos personajes, y aunque se realiza de manera paulatina, estos aportan situaciones de total brillantez al conjunto, aunque ninguno de ellos arrebata la genialidad del duo Simon Pegg y Nick Frost. Ambos son los que llevan el peso cómico y aportan la química suficiente en las situaciones más divertidas. Si bien, algunas de estas situaciones a las que se verán sometidos los personajes, pueden resultar algo cuestionables y surrealistas, es algo que me plantearía en una película de zombies seria, pero no en una comedia negra como ésta.

Wright se burla, con gran sentido del humor, de los tópicos del género zombie, pero denota un grado de respeto y fidelidad a éste. Y aunque contiene ciertas pinceladas de humor inglés, en general está orientado al público europeo. Aunque nada tiene que ver con Scary Movie u otras spoof's que solo buscan el chiste fácil.

Los efectos especiales aunque recurren en algún momento de forma sutil a técnicas digitales, están inspirados en las maneras de hacer de Tom Savini, aportando escenas dignas del cine de G. Romero, sobre todo de El Día de los Muertos.
Una comedia con gran sentido del humor que parodia el género zombie, pero sin perderle el respeto a éste.

Puntuación

20/6/09

The Hurt Locker

The Hurt Locker dirigida por Kathryn BigelowTITULO ORIGINAL: The Hurt Locker
AÑO: 2008
DURACIÓN: 120 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Kathryn Bigelow
GUIÓN: Mark Boal
MÚSICA: Marco Beltrami
FOTOGRAFÍA: Barry Ackroyd
REPARTO: Jeremy Renner, Anthony Mackie, Brian Geraghty, Guy Pearce, Ralph Fiennes, David Morse, Christian Camargo
PRODUCTORA: First Light Production / Kingsgate Films

Drama bélico con tintes de documental en el que se nos relata el día a día en la vida de unos jóvenes artificieros del ejercito norteamericano, que desactivan bombas en Irak mientras esperan ansiosos el relevo de su equipo.

Original propuesta la de Kathryn Bigelow con este semidocumental, pues aunque las similitudes con Black Hawk Derribado son varias, la mayor de ellas la fotografía, se diferencia de la obra de Ridley Scott con un grado de realismo inusual gracias a unos efectos especiales elocuentes, atípico de las grandes producciones bélicas.

Los protagonistas son más vulnerables que en la obra de Scott, y con el propósito de dotar de mayor realismo está rodada cámara en mano, aunque el pulso visual es lo suficientemente estable como para no sentirnos montados en un carrusel.

La minimalista banda sonora convierte a la película en un producto sin grandes pretensiones, ni confrontaciones demasiado épicas. Pero a su favor diré que tiene momentos muy tensos cuando el protagonista se acerca a desactivar las bombas.

Una diferencia respecto a películas del mismo género y ambientación, es que nos muestra que el patriotismo americano no es siempre como se cuenta en otras grandes producciones, aquí los soldados tienen verdaderas ganas de volver a casa haciendo que el conjunto sea más creíble de lo habitual, solo algunos de ellos estarán dispuestos a dar la vida por su patria.


La historia principal se basa en la relación entre compañeros, la tensión entre ellos, sus fobias y el miedo ante los hostiles lugareños, pero la historia no resulta lineal, ésta compuesta por varias subtramas independientes, como si de un videojuego con distintos niveles o misiones se tratase. En este aspecto el peso de las interpretaciones recae sobre Jeremy Renner (28 semanas después) y Anthony Mackie (8 Millas), ambos protagonistas darán momentos de disputa y tensiones, amenizando así la extensiva duración de la cinta.

Entretenida cinta bélica con cierto grado de credibilidad y realismo, dentro de su ficción, claro está, algo inusual en este tipo de producciones.

Puntuación

17/6/09

Hasta que llegó su hora

Hasta que llegó su hora dirigida por Sergio LeoneTITULO ORIGINAL: C'era una volta il west (Once Upon a Time in the West)
AÑO: 1968
DURACIÓN: 175 min.
PAÍS: Italia
DIRECTOR: Sergio Leone
GUIÓN: Sergio Leone, Dario Argento, Bernardo Bertolucci
MÚSICA: Ennio Morricone
FOTOGRAFÍA: Tonino Delli Colli
REPARTO: Henry Fonda, Charles Bronson, Claudia Cardinale, Jason Robards, Gabriele Ferzetti, Frank Wolff, Woody Strode, Jack Elam, Lionel Stander, Paolo Stoppa, Keenan Wynn
PRODUCTORA: Paramount Pictures

Brett McBain, granjero viudo de origen irlandés, vive con sus hijos en una finca levantada sobre el terreno arenoso y desértico del Oeste americano. Allí piensa que será feliz con su segunda y reciente esposa, Jill, que debe llegar desde Nueva Orleans, y a la que prepara un fiesta de bienvenida. Pero antes, una partida de bandoleros acaba con las vidas de Mac y sus hijos. Cuando Jill llega a la hacienda queda impresionada por una matanza que nadie se explica.

Hasta que llegó su hora está considerada una de las grandes películas de Sergio Leone, puede que la mejor, aparte de considerarse un referente del género. El comienzo de la película es realmente magnifico, todo se muestra con calma, con mucha calma. La puesta en escena de los personajes, la presentación del lugar y la música son impecables.
Ese comienzo nos indica el ritmo que nos ofrece el metraje, muestra en su totalidad las sensaciones que transmitirán las imágenes y el mensaje de la película; el fin de una era, la del salvaje oeste. Los nuevos tiempos se abren paso por la vía del progreso, los pistoleros son una raza en extinción y ese proceso de cambio se explica pausadamente, acompañado de melodías de una agonía épica. Una película diferente, ahí está su encanto, su belleza narrativa la hace única.


Las actuaciones son muy grandes, Charles Bronson está estupendo, incapaz de mostrar sentimiento, siempre con una templanza inquietante, pero con unas expresiones y miradas que van más allá de la cámara. La característica melodía de su armónica, suena como una lenta agonía previa a la muerte que nos adelanta los momentos intensos y de violencia. Gabrielle Ferzetti simboliza el final de una era, encarna a un magnate del mundo ferroviario. En su objetivo de ampliar la civilización se mezclará con peligrosos personajes como Frank, encarnado soberbiamente por Henry Fonda, un papel de villano interpretado con excelencia, que representa la absoluta maldad y ambición.


Otro personaje característico durante el desenlace de la historia es interpretado por Jason Robards, un buscado asesino que aporta momentos cómicos, de acción y también emotivos. El papel femenino lo desarrolla la sensual Claudia Cardinale en una gran interpretación, una atractiva mujer de la que nadie sabe nada, llega desde Nueva Orleans, y se verá envuelta en una peligrosa situación donde diversos intereses harán que su vida corra peligro. Ella es el nexo de unión de las relaciones que se establecen entre los personajes.

La fotografía es parte fundamental de la película, la composición de los planos y los encuadres son impecables. Los planos generales muestran el oeste de forma elegante y majestuosa, transmiten la sensación de estar dentro de la película, tanto los primeros planos, como planos detalle en los duelos consiguen dejarte sin aliento.



La mayoría son planos muy contemplativos, en ocasiones se alargan de una forma que parece que no vayan a terminar nunca, pero su composición consigue que pases por alto su duración. Todo ello al compás de una banda sonora de Ennio Morricone digna de elogios. Cada personaje tiene un tema propio, la música se adapta a cada plano perfectamente, y otorga una épica a la película sin precedentes y acompaña a la lenta narrativa de forma poética.


El guión de Dario Argento, Bernardo Bertolucci y el propio Sergio Leone, muestra objetivamente como el progreso se extiende rápidamente por el viejo oeste, para explicar una historia de traición, venganza y pasión.
Una película que no puede alcanzar cotas de obra maestra, debido a la duración del metraje, aunque el guión está muy bien llevado, sus ralentizaciones hacen que el ritmo decaiga en algunos momentos, pero no rebaja su calidad final en absoluto. Una película que, a medida que pasa el tiempo, me gusta cada vez más, sin duda, es necesario volverla a ver. Pero con calma, mucha calma, disfrutar los detalles y dejarse llevar por las sensaciones, sensaciones que no esperaba sentir... hasta que llegó mi hora.

Puntuación

16/6/09

Batman

Batman dirigida por Leslie H. MartinsonTITULO ORIGINAL: Batman
AÑO: 1966
DURACIÓN: 105 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Leslie H. Martinson
GUIÓN: Lorenzo Semple Jr. (Cómic: Bob Kane)
MÚSICA: Nelson Riddle
FOTOGRAFÍA: Howard Schwartz
REPARTO: Adam West, Burt Ward, Lee Meriwether, Cesar Romero, Burgess Meredith, Frank Gorshin, Alan Napier, Neil Hamilton
PRODUCTORA: 20th Century Fox

Adaptación a la gran pantalla del popular cómic de Bob Kane, que ese mismo año y con los mismos protagonistas conocía una exitosa versión en formato de serie de televisión que duraría dos años en la pequeña pantalla. Batman y Robin se enfrentan a un grupo de criminales entre los que se encuentran sus eternos rivales Joker, El Pingüino, Enigma y Catwoman, quienes se han apoderado de un sofisticado artilugio para dominar el mundo.

Estamos ante la primera adaptación cinematográfica de Batman, por suerte no la última. En realidad esto no se puede considerar una película, es como si empalmaran dos o tres episodios de la serie. Es difícil hacerse a la idea de lo absurda, delirante y cutre que resulta, de verdad, hay que verlo para creerlo.

No la voy criticar negativamente, pero tampoco la pienso defender, esta adaptación de Batman es algo que cae por su propio peso. Lo que si tengo que admitir es la gran cantidad de carcajadas que soltamos viendo a Batman, las diversas situaciones de peligro en las que se involucra junto a su compañero Robin "el chico maravillas" son absolutamente surrealistas.


Los creadores de esta cinta, seguramente son personas sin complejos o consumidores de sustancias alucinógenas e ilegales (puede que ambas cosas), supongo que eran conscientes del formato ridículo e infantil del producto. Por eso lo adornan de colorido, estética y vocabulario absolutamente delirantes e imposibles, meten todo en una batidora y como resultado nos ofrecen una combinación sumamente divertida.
Aunque, se requiere una completa complicidad por parte del espectador para disfrutar del espectáculo, aunque casi todo el mundo conoce la mítica serie y quien se aventure a ver esta cinta ya sabe a lo que se expone.


El argumento, las interpretaciones, los escenarios y la banda sonora están al servicio de una parodia que se puede considerar plena comedia, antes que película de acción. El guión no tiene mucho sentido, cada frase o situación conduce a la carcajada. Los personajes son todos extravagantes y ridículos, sus vestuarios, como en la serie, son increíbles y todas las actuaciones están pasadas de rosca. Desconozco si el toque de comedia es intencionado o simplemente es tan cutre que no te lo puedes creer, pero a quien le apetezca echarse unas risas se le puede recomendar esta cinta, eso sí, hay que tener la predisposición muy alta.


Me vienen a la cabeza cosas como el batcoptero, la batcanoa, o el batrepelente para tiburones, pero hay múltiples de batobjetos. Aunque donde se llevan la palma es en el diseño de la batcueva, llena de colorines, lucecitas y letreros indicando que es cada cosa. Es mala, si pensamos en ella como película es nefasta, de hecho, le pongo una estrella por ser Batman, y ser mucho más divertida que otras comedias intencionadas.
Olvidaba una cosa muy importante, hay algo que se echa de menos durante la película, pero al final llega la sorpresa.

Puntuación

13/6/09

Subconscious Cruelty

Subconscious Cruelty dirigida por Karim HussainTITULO ORIGINAL: Subconscious Cruelty
AÑO: 1999
DURACIÓN: 92 Minutos
PAÍS: Canada
DIRECTOR: Karim Hussain
GUIÓN: Karim Hussain
MÚSICA: Teruhiko Suzuki
FOTOGRAFÍA: Karim Hussain
REPARTO: Brea Asher, Christopher Piggins, Eric Pettigrew y Ivaylo Founev
PRODUCTORA: Mitch Davis

Karim Hussain nos transporta en un viaje a esos oscuros y recónditos pensamientos de la mente, sin argumento coherente cada imagen y cada frase nos deleita visualmente o castiga neuralmente (según se mire) con esta epopeya bizarra que trata sobre el control de los dos hemisferios de la mente, izquierdo y derecho.

Ken Russell ya intento algo parecido con Altered States en 1980, aquí rebautizada como Viaje Alucinante al Fondo de la Mente. Aunque al menos, dentro de ciertos parámetros, la obra de Russell tenía un argumento más coherente que la obra aquí presente, claramente orientada mucho más hacia los deseos sexuales bizarros. Lo cual, la convierte en una obra mucho más oscura y próxima a la degeneración sin precedentes.

Dividida en dos historias con el propósito de tratar ambos hemisferios de la mente, ese es el único planteamiento lógico del film. Imagen tras imagen con una iluminación calcada a Inferno de Darío Argento, donde a base de luces rojas y azules el cineasta convierte los planos en una exposición de arte bizarro y grotesco, antes que en propias secuencias cinematográficas.

La manera de mover la cámara también está influenciada por el género Giallo, con primeros planos de cuchillos, agujas, bisturís etc. Aunque, también tiene momentos totalmente contrarios, con planos desenfocados y psicodélicos, similares a los primeros minutos de Irreversible de Gaspar Noé.

La banda sonora inspirada claramente en las películas de zombis de Lucio Fulci, se vuelve más psicodélica a medida que avanza la degeneración visual.


En su primera parte, la historia carece de diálogos. Narrada por una voz en off, nos relata la relación de un sociópata con su hermana embarazada, ésta será asistida en el parto por su propio hermano, es evidente que la cosa no acabará bien.

Los efectos especiales son bastante cutres, sobre todo en su primera parte, mucho más efectiva la narración que las imágenes. Por momentos da la sensación de estar leyendo un libro.
Después de esta enfermiza primera parte, pues como bien he dicho, la cinta se divide en dos. Karim nos da con un canto en los dientes con una escena de diez minutos de puro arte bizarro, que no guarda relación alguna con ninguna de las dos historias.

Y si hasta este justo momento no has entendido nada, prepárate, por que en la segunda historia el poco sentido adquirido en la primera, deja de tenerlo para pasar a un collage de masturbaciones, orgías vampíricas con Jesucristo y miembros masculinos torturados como en Hellraiser.

En fin, más vale desconectar las neuronas si no queremos acabar convirtiéndonos en un asesino en potencia encerrando adolescentes de quince años en un sótano.
Solamente me queda advertir que aunque mi puntuación y crítica son favorables, no sería una cinta que volviese a ver. Únicamente la recomiendo a los amantes de lo grotesco, bizarro y sin sentido.

Puntuación

11/6/09

2013: Rescate en L.A

2013: Rescate en L.A dirigida por John CarpenterTITULO ORIGINAL: John Carpenter's Escape from L.A
AÑO: 1996
DURACIÓN: 102 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: John Carpenter
GUIÓN: John Carpenter, Debra Hill, Kurt Russell
MÚSICA: John Carpenter & Shirley Walker
FOTOGRAFÍA: Gary B. Kibbe
REPARTO: Kurt Russell, Stacy Keach, Steve Buscemi, Peter Fonda, Georges Corraface, Pam Grier, Cliff Robertson, Bruce Campbell, Valeria Golino, Michelle Forbes, A.J. Langer, Paul Bartel
PRODUCTORA: Paramount Pictures

Estamos en el año 2013 y Serpiente Plissken ha vuelto. Un gigantesco terremoto ha asolado Los Ángeles y lo ha separado del continente. En la "Nueva América Moral", los ciudadanos indeseables que no obedecen las leyes son deportados a L.A., que ahora es una colonia penal. Pero la hija del presidente ha robado un peligroso dispositivo que puede destruir el planeta y ha huido allí junto a su amante, un peligroso revolucionario que pretende usarlo. Serpiente Plissken será enviado a recuperar el dispositivo abriéndose camino entre las ruinas de Los Ángeles.

Tras la anterior crítica Escape from New York, llega el turno de su remake/secuela. Una genial película de John Carpenter, que pretende ser todo un homenaje al cine de subgénero con una descarada falta de pretensiones. Para mí esta película, es más un remake que una secuela.
Se repite la formula/esquema de la primera entrega, pero Carpenter agrega aún más sus rasgos como director y ofrece una mezcla de acción, suspense y humor que funciona perfectamente, precisamente, por aprender de las carencias de la anterior.

No es necesario acentuar mucho que gracias al Rescate en Nueva York fue posible la creación del Rescate en L.A. Pero tras la reciente revisión de ambas, queda claro que Carpenter lleva a cabo un interesante ejercicio de reinterpretación.
Todos los elementos que se desarrollaron en la primera, han sido acentuados para sacarles mayor partido; la presentación de Serpiente Plissken es calcada a la anterior, pero con el toque épico y emocionante que necesitaba el personaje.


Las referencias a su anterior aventura en 1997 son muy acertadas, pues para nada es necesario ver la anterior película, pero dichas referencias sitúan muy bien al personaje en contexto. Los escenarios están mucho más elaborados debido a un mayor presupuesto. Consiguen crear una mejor atmósfera apocalíptica, los personajes secundarios están más trabajados y mejor aprovechados, el ambiente de la película te atrapa mucho más, el ritmo de la acción es más acertado, no aburre en ningún momento y seguro que logrará contentar a quienes disfrutaron con su antecesora.

Como siempre, la banda sonora cautivará a quienes nos gusta el estilo de Carpenter, mientras que, horrorizara a quienes lo detestan y dejará indiferente al resto.


El tema de los efectos especiales es mejor no tocarlo mucho, han envejecido fatal, son demencialmente fascinantes, no sabes si son simplemente cutres o si forman parte de la parodia.

El punto de vista de esta película es mucho más crítico que su antecesora, se muestra una sociedad intolerante, religiosa y fascista, donde cualquiera que no piensa como se le indica, es desterrado. Por este motivo, esta película me gusta más que la anterior, tiene un toque de humor que quita importancia a la acción y la hace más llevadera. 2013: Rescate en L.A. es una interesante parodia de la ciencia-ficción de serie B.

John Carpenter consigue una película excéntrica, para quien disfrute de ello automáticamente la considerará de culto, simplemente, la amas o la odias.

Puntuación

7/6/09

Terminator Salvation

Terminator Salvation dirigida por McGTITULO ORIGINAL: Terminator Salvation: The Future Begins (Terminator 4)
AÑO: 2009
DURACIÓN: 115 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: McG
GUIÓN: Michael Ferris, John Brancato
MÚSICA: Danny Elfman
FOTOGRAFÍA: Shane Hurlbut
REPARTO: Christian Bale, Sam Worthington, Anton Yelchi, Bryce Dallas Howard, Moon Bloodgood, Helena Bonham Carter, Michael Ironside, Common, Jane Alexander
PRODUCTORA: Warner Bros. Pictures / Sony Pictures

2018. John Connor (Christian Bale), el hombre destinado a liderar la resistencia de los humanos contra Skynet y su ejército de Terminators. Pero el futuro en el que a Connor le enseñaron a creer se ve alterado en parte por la aparición de Marcus Wright (Sam Worthington), un extraño cuyo último recuerdo es haber estado en el corredor de la muerte. Connor debe decidir si Marcus ha sido enviado desde el futuro o rescatado del pasado. Mientras Skynet prepara su ataque final, Connor y Marcus se embarcan en una odisea que les lleva al corazón del centro de operaciones de Skynet, donde descubren el terrible secreto que se esconde tras la posible aniquilación de la humanidad.

El inicio de la guerra de las maquinas contra los humanos es algo que siempre quise ver en esta saga, cosa que se intuía gracias a los flasbacks y alguna escena aislada, pero nunca llegó a verse en su totalidad. Por este motivo cuando se anunció la cuarta entrega, después de sufrir el habitual rechazo, al ver que mis películas favoritas de mi infancia o adolescencia son exprimidas con el único propósito de convertirlas en puro marketing. Aún así, esta vez tenía esperanzas de que saliera un buen producto, desgraciadamente, no es del todo lo que esperaba.

Es uno de esos casos, donde los efectos especiales son impecables. McG, su director, nos bombardea de manera incesante con grandes y espectaculares escenas de acción. El problema surge cuando analizamos la historia, para una vez que intentan contar algo interesante el guión se pierde en giros ‘patilleros’ explicando las cosas por duplicado.

Los personajes no transmiten emociones y les falta carisma, el resultado es una historia vacía, además, la identidad de los personajes (excepto Connor) es confusa en los primeros minutos del film.


Christian Bale hace lo que puede, pero si te dan una balsa pinchada (en este caso la balsa es Sam Worthington y el ridículo guión) y te sueltan en alta mar, difícilmente vas a salir a flote. Sin duda alguna el mejor John Connor hasta la fecha, es el de la segunda entrega, interpretado por Edward Furlong.

La banda sonora a cargo de Danny Elfmann es bastante acertada, pero se echa en falta el mítico tema principal de la saga, re-mezclado para los créditos iníciales y en su forma original en los finales, pero insuficiente en contexto. Sin embargo, sin venir a cuento incluyen el tema You Could Be Mine de los Gun's n' Roses usado en la segunda entrega.

El sonido es espectacular, y junto a las ‘anabolizadas’ escenas, hacen el disfrute visual. En general se deja ver, pero no me parece que tenga suficientes motivos como para salvar los patinazos del inestable guión.
Realmente, yo lo veo como un punto y aparte al resto de la saga. Para mí se han quedado con un pie dentro y otro fuera.

Puntuación

6/6/09

Voy, le mato y vuelvo

Voy, le mato y vuelvo dirigida por Enzo G. CastellariTITULO ORIGINAL: Vado... l'ammazzo e torno
AÑO: 1967
DURACIÓN: 95 min.
PAÍS: Italia
DIRECTOR: Enzo G. Castellari
GUIÓN: Enzo G. Castellari, Tito Carpi, Giovanni Simonelli (Historia: Romolo Guerrieri, Sauro Scavolini)
MÚSICA: Alessandro Alessandroni, Francesco De Masi
FOTOGRAFÍA: Giovanni Bergamini
REPARTO: Edd Byrnes, George Hilton, Gilbert Roland, Stefania Careddu, José Torres, Ivano Staccioli, Gérard Herter, Ignazio Spalla, Adriana Giuffrè, Valentino Macchi
PRODUCTORA: Fida Cinematografica

El pistolero Monedero y su banda roban un tren con un cargamento pesado de oro, pero uno de sus hombres lo engaña y esconde la carga. Ante tal traición, es asesinado, pero sin llegar a revelar donde escondió el botín y parece que la única pista que puede ahora conducirles al oro es un medallón.

Poco se puede decir a favor de esta película. Tras un intenso comienzo, se nos presenta de forma lenta, casi interminable, a unos personajes carismáticos. Esto viene aderezado con una banda sonora de una calidad aceptable, pero de repente la cosa se precipita, los matan a todos. Así da comienzo lo que es, posiblemente, el peor spaghetti western de la historia.

El apartado técnico es horrible; planos desenfocados, zooms agresivos e innecesarios sin ningún tipo de control, malos encuadres agravados por un formato original en 4:3 que corta todos los planos dejando medio actor fuera de escena, y planos panorámicos a una velocidad que parece que estés rebobinando la película hacia adelante.


Los actores desentonan por completo con la estética del film y del género. ¿Dónde se ha visto que en el oeste un bandolero tenga el cutis de David Beckham? Totalmente inverosímil. Las interpretaciones son lamentables, todo son básicamente miradas desafiantes con planos súper largos. Por no hablar, del paupérrimo doblaje o de los nombres que tienen los malos, como Paco o Morales. No imponen ningún respeto, más que bandoleros parecen peones de una fábrica metalúrgica.

Los escenarios también desentonan con la estética establecida en el género y confunden los valores argumentales. Algunos de estos escenarios son tan poco procedentes como unos baños turcos o mercados ambulantes en pleno oeste.


De Castellari nunca se puede esperar nada bueno: el movimiento de la cámara, el apartado actoral, las ridículas coreografías en las peleas. Muchos años después de este nefasto spaghetti western también nos demuestra que su capacidad para dirigir iba en declive con la obra magna del cine trash Los guerreros del Bronx. A pesar de ello, la cinta puede resultar divertida, siempre que tengas buenos acompañantes, o víctimas, según se mire. Nos podemos echar unas risas ante tal despropósito técnico, al menos en la primera mitad, ése fue nuestro caso.

A partir de media película la historia se hace insoportable, entramos en una espiral de giros argumentales sin sentido, traiciones absurdas y escenas de peleas al más puro estilo Bud Spencer y Terence Hill, pero sin ninguna gracia. No contento con ello, Castellari entremezcla escenas de acción con piruetas, saltimbanquis y coreografías delirantes, y convierte la cinta en un telefilm de aventuras digno de sobremesa un sábado por la tarde. Y todo esto, con el único propósito de alargar la duración de la cinta hasta los 90 minutos.

Una auténtica aberración del género, una película para Ir, Verla y Olvidarla.

Puntuación

5/6/09

1997: Rescate en Nueva York

1997: Rescate en Nueva York dirigida por John CarpenterTITULO ORIGINAL: Escape from New York
AÑO: 1981
DURACIÓN: 99 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: John Carpenter
GUIÓN: John Carpenter, Nick Castle
MÚSICA: John Carpenter, Alan Howard.
FOTOGRAFÍA: Dean Cundey
REPARTO: Kurt Russell, Lee Van Cleef, Ernest Borgnine, Donald Pleasence, Isaac Hayes, Season Hubley, Harry Dean Stanton, Adrienne Barbeau, Tom Atkins
PRODUCTORA: Metro-Goldwyn-Mayer

Estamos en el año 1997: Debido al crecimiento exponencial de la criminalidad, Estados Unidos ha convertido la isla de Manhattan en una prision de máxima seguridad, rodeada por un muro de contención los presos son abandonados a su suerte sin ningún tipo de normas, la única norma que existe es muy sencilla, una vez que entras no se puede salir con vida. Despues de que un terrorista haga caer el avion del presidente en el interior de la isla y ante la imposibilidad de lanzar una accion convencional por temor a la vida del presidente se decide enviar a un solo hombre para rescatarlo en secreto. El elegido "Serpiente" Plissken (Kurt Russell) un conocido heroe de guerra, ahora convicto al que todos daban por muerto.

Hacía ya mucho tiempo que no volvía a encontrarme con esta película, y puedo decir que he disfrutado con su visionado por varios motivos que intentaré explicar a continuación. 1997: Rescate en Nueva York es una cinta de acción y ciencia ficción a la vieja escuela, con una estética de serie B al más puro estilo Carpenter. Esto quiere decir que veremos acción, si, pero los amantes de los grandes FX y escenas con espectaculares coreografías, se pueden ir olvidando.
A cambio, Carpenter demuestra como sabe sacar partido de la escasez de medios y nos ofrece una ambientación oscura y post-apocalíptica, que por momentos recuerda al cine de terror al que nos tiene más acostumbrados. Con una buena dosificación de la tensión en las escenas de acción, algo que personalmente echo de menos en producciones actuales mucho más espectaculares. Pero sobre todas estas cosas Carpenter nos ofrece un regalo impagable, como es un personaje con el carisma y la personalidad de "Serpiente" Plissken.

Un personaje arquetípico, un tipo duro solitario de pasado misterioso del que todos han oído hablar, y que nos evoca desde los míticos spaghetti western de Sergio Leone hasta otros grandes personajes creados por Carpenter como el de Napoleon Wilson en Asalto a la Comisaría del Distrito 13 o el James Woods de Vampiros. Pero en este caso, Carpenter lleva este tipo de personaje al límite con "Serpiente" Pliskeen, el paradigma de todos los antihéroes, un personaje único que automáticamente pasa a formar parte de nuestra memoria cinéfila.


Carpenter consigue que enseguida conectemos con el protagonista y este es uno de los grandes aciertos de la película ya que de otra forma la cosa difícilmente funcionaría. Pero, ¿cómo no vamos a conectar con un tipo que se hace llamar Serpiente, lleva un parche en el ojo y lo tiene todo perdido desde el principio de la película? Además, se ve obligado a aceptar una misión suicida para poder salvar su propia vida, ya que si no regresa dentro de 22 horas con el presidente sano y salvo, las micro-cargas que le han inyectado explosionarán causándole una muerte inmediata.
Desde este momento Carpenter nos mete de lleno en una desesperada carrera contra reloj en la que Plissken ya está muerto desde el principio si no hace nada para evitarlo, así que no tiene nada que perder. Por supuesto, gran parte del mérito de este Serpiente se lo debemos al gran Kurt Russell, desengañado de todo en esta vida que está estupendo con esa media sonrisa cínica.

La influencia Western en la película se ve reforzada con la presencia de Lee Van Cleef como el comisionado Bob Hauk. Cleef es el mítico "malo" que ha aparecido en multitud de emblemáticos Spagetthi Western, que aquí se marca un duelo interpretativo de egos junto a Russell, a cada cual más canalla.

Aunque, el reparto cuenta con otros nombres memorables como el propio Donald Pleasence interpretando a un presidente de los EE.UU. bastante inútil y deshumanizado (nótese la crítica al sistema político por parte de Carpenter). Y el también mítico Ernest Borgnine, como el entrañable taxista que continua haciendo su labor en un Manhattan desolado y que se siente orgulloso de ayudar a toda una leyenda como es el Serpiente. Sin olvidar, al ya fallecido Isaac Hayes interpretando al Duque, que es quién parte la pana en la nueva Manhattan.


El resultado de todo esto, es una entrañable y deliciosa action-movie, aunque, como ya he dicho la acción que encontramos aquí es casi minimalista, al igual que la música de Carpenter, que una vez más consigue ambientar y crear la tensión adecuada con solo unas pocas notas, algo que ya se ha convertido en marca de la casa.
Me gustaría destacar la honestidad de este tipo de películas, que sin contar con grandes medios visuales y pese a sus propias limitaciones, cumplen perfectamente su cometido de entretener a su público sin marearlo con giros forzados o complicaciones innecesarias, y que además, tiene un gran espíritu crítico contra la corrupción del sistema americano y la represión por parte de las fuerzas de la ley alejándose del estilo típico de Hollywood.

Un tipo de cine que quizá ya este extinto, pero que ha dejado su semilla en ejemplos recientes como Doomsday (con referencias directas a esta película). Aunque la tónica general del cine de acción actual sea la de buscar la espectacularidad ante todo, olvidando casi siempre del carisma de sus protagonistas y de todos aquellos detalles, que como ya he dicho, hacían grande una película como esta.

*Curiosidad: Nuestro querido Pliskeen apodado Serpiente es el que sirvió de inspiración a Hideo Kojima para crear a Solid Snake en el videojuego Metal Gear Solid. Éste, en una de las partes de esta saga hace llamarse Plissken, y qué decir, de su parecido físico y el parche.

Puntuación

4/6/09

Punisher War Zone

Punisher War Zone dirigida por Lexi AlexanderTITULO ORIGINAL: Punisher: War Zone (AKA The Punisher 2)
AÑO: 2008
DURACIÓN: 107 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Lexi Alexander
GUIÓN: Matt Holloway, Art Marcum, Nick Santora, Kurt Sutter
MÚSICA: Christopher Franke
FOTOGRAFÍA: Steve Gainer
REPARTO: Ray Stevenson, Dominic West, Julie Benz, Dash Mihok, Doug Hutchison, Wayne Knight, Colin Salmon, Keram Malicki-Sánchez, T.J. Storm, Bjanka Murgel, Larry Day, David Vadim, Romano Orzari, Tony Calabretta, Jon Barton
PRODUCTORA: Lions Gate Films

Bajo el sello de Marvel llega otra entrega de The Punisher que vuelve para seguir castigando a sus enemigos y poco más hay que contar sobre la sinopsis de esta película. Siendo breve, el motivo para que Frank Castle (Ray Stevenson) convierta la pantalla en una fiesta de explosiones cerebrales y descargas incesantes de plomo, es una carga vírica que tiene que ser descargada y vendida en el puerto pudiendo matar a millones de personas...por supuesto que Castle no lo va a permitir.

La historia arranca sin tontos prólogos, sin un guión mareante (esto se extiende al resto de la cinta), ni demás tonterías varias a las que nos tienen acostumbrados. Se nos presenta a los malos de turno al más puro estilo cena de El Padrino y acto seguido Frank Castle irrumpe descargando plomo sobre ellos, a partir de aquí, pocos momentos nos darán pausa para descansar.
La cinta tiene todos los elementos de la serie B, si no fuera porque los créditos están firmados a la dirección de Lexi Alexander, pensaría que ha sido dirigida por el propio John Carpenter.

Como suele ocurrirme habitualmente, cuando adaptan cómics a la gran pantalla, mi dificultad para opinar sobre la fidelidad de éste es latente en la mayoría de los casos. Aunque, por lo poco que conozco del cómic me parece que es la adaptación más fiel hasta la fecha. Con esto no quiero decir que las otras obras basadas en el personaje, no me gusten. Pero esta vez nos muestran a un personaje mucho mas atormentado y oscuro, por el contrario, estos momentos pausan un poco la acción, pero hay tanta que casi ni se nota.


La banda sonora está muy lograda, se divide en dos partes. Por un lado temas de acción que acompañan y realzan bastante la adrenalina de dichas escenas, si bien algunos momentos tienden a una banda sonora de superhéroes siniestros, incluso hay algún corte que me ha recordado a lo reciente hecho en El Caballero Oscuro de Nolan. En un extremo totalmente opuesto, nos bombardean los tímpanos con temas de metal industrial de Dave Lombardo, Slipknot e incluso un tema especial para la película, creado por Rob Zombie. Aunque no soy especial amante del sonido industrial, reconozco que han sabido encajar estos temas con gran acierto en las imágenes, qué, hacia el final del film adopta un estilo videoclipero, cercano al mundo del videojuego de los Shoot 'em Up.

Los efectos especiales hacen de la cinta una fiesta de la serie B e indudablemente estos recuerdan al maestro Tom Savini. Aunque con una diferencia respecto al género, la fotografía está mucho más cuidada que en la mayoría de este tipo de films, que tuvieron una época dorada ¿Estaremos ante un nuevo resurgir de la serie B? Ojalá, véase el caso de Doomsday.

Salvando las diferencias, no aporta nada que no hayamos visto antes. Y omitiendo el plagio de la transformación del malo (por cierto, bastante currado el maquillaje) al estilo Jack Nicholson en el Batman de Tim Burton, la cinta se hace muy disfrutable, tanto solo como acompañado.

En definitiva, una película que aún habiéndome sido recomendada, tenía pocas esperanzas y a medida que escribo estas líneas estoy sufriendo ese extraño efecto poco habitual, contra mas pienso en ella más me gusta. Recomiendo omitir el visionado del tráiler si todavía no la has visto, pues destripa muchas escenas clave.

Puntuación

1/6/09

Star Trek

Star Trek dirigida por J.J AbramsTITULO ORIGINAL: Star Trek (Star Trek XI)
AÑO: 2009
DURACIÓN: 126 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: J.J. Abrams
GUIÓN: Alex Kurtzman, Roberto Orci (Personajes: Gene Roddenberry)
MÚSICA: Michael Giacchino
FOTOGRAFÍA: Daniel Mindel
REPARTO: Chris Pine, Zachary Quinto, Eric Bana, Winona Ryder, Zoe Saldana, Karl Urban, John Cho, Leonard Nimoy, Anton Yelchin, Bruce Greenwood, Simon Pegg
PRODUCTORA: Paramount Pictures

Todo está preparado para el viaje inaugural de la nave más moderna que jamás se haya creado: la USS Enterprise. Su joven tripulación tiene una importante misión: encontrar una manera de detener al malvado Nero (Eric Bana), que movido por la venganza amenaza a toda la humanidad.

Jamás he sido fan, ni he seguido de cerca la mítica serie televisiva, de la que ya se han realizado varias películas. Siempre he tirado más por la senda de Star Wars, lo siento si hay algún lector trekkie. Debido a este pequeño ‘contratiempo’, me impide afirmar la fidelidad respecto a la serie, así que Tierralandia, que es algo más trekkie que un servidor, aporta su punto de vista en algunos momentos de esta reseña.

Personalmente, las conexiones argumentales me parecen mareantes y confusas, pues te presentan a demasiados personajes secundarios, esto impide que los motivos principales de la confrontación entre la Federación y los romulanos no queden claros hasta mitad del metraje, donde el encuentro con cierto personaje (que no revelaré para no spoilear) esclarece de golpe el motivo de tal confrontación, por cierto, bien simple.

Algunas situaciones, sobre todo al principio de la cinta, no vienen a cuento y ralentizan la trama además de no aportar ningún dato interesante a la historia, por ejemplo ver al capitán Kirk de niño haciendo travesuras. Siendo éste adulto, ya hay situaciones suficientes durante todo el metraje que se nos muestra su lado más rebelde.


Como espectáculo visual, no voy a restarle mérito a la calidad de los efectos especiales en las confrontaciones de las naves en el espacio. Sin embargo, en las peleas cuerpo a cuerpo, esa calidad se ve mermada por un excesivo e incesante movimiento de la cámara, se mueve rápidamente por el escenario siguiendo a los personajes, quizás demasiado, dando como resultado unos planos bastante desenfocados y mareantes.

La estética de los escenarios, vestimentas y caracterización ha sido extremadamente cuidada, tanto en el lado de los buenos como en el de los malos, que por cierto, me ha recordado bastante a la ciudad de Sión en Matrix, todo muy apocalíptico.

El peso de las actuaciones recae sobre Spock (Zachary Quinto) y Kirk (Chris Pine), muy bien elegidos ambos. Además Zachary Quinto tiene un extraño parecido con Leonard Nimoy e imita muy bien su expresión de superioridad e indiferencia. Por otro lado Chris Pine logra lo que parecía imposible, que Kirk acabe cayendo bien, pese a su toque insoportablemente chulesco. Desde el principio existe una relación amistad-odio entre ambos, complementándose mutuamente, muestran situaciones tan tensas como humorísticas, aunque éstas últimas, a veces resulten un tanto ridículas.

A mí, la banda sonora me ha gustado bastante, salvo dos temas vocales que desentonan bastante respecto al resto, cortes muy épicos y rimbombantes que realzan las espectaculares batallas en el espacio.
Aunque, Tierralandia discrepa un poco. Empezando por la música, ha echado en falta la melodía mítica de la serie tras escuchar eso de "El espacio, la última frontera...". Eso es lo malo de ser seguidor de un producto, que buscas mucha más la fidelidad.
Esta adaptación peca de lo mismo que las anteriores versiones cinematográficas de Star Trek, su argumento no sorprende. ¿Dónde están esos guiones imaginativos y con moraleja que caracterizan a la serie? Pues en la serie, que es donde reside la gracia de la franquicia.
Sin embargo, en Star Trek 2009 hay aciertos como el hecho de la fractura temporal (los que la han visto ya lo entenderán), permite hacer todo tipo de variaciones argumentales respecto a la primera saga televisiva. Otro acierto es el tono mucho menos belicista que toma la película a diferencia de su referente en la primera saga y la acerca mucho más a la segunda en la que el Enterprise no está en combate constante sino en misión de exploración.

En definitiva, una entretenida película de aventuras espaciales con grandes efectos especiales, lástima que algunas conexiones argumentales resulten mareantes para el espectador, debido al exceso de información.


Puntuación