25/11/09

Brüno

TÍTULO ORIGINAL: Brüno
AÑO: 2009
DURACIÓN 81 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Larry Charles
GUIÓN: Sacha Baron Cohen, Anthony Hines, Dan Mazer
MÚSICA: Erran Baron Cohen
FOTOGRAFÍA: Anthony Hardwick, Wolfgang Held
REPARTO: Sacha Baron Cohen, Alice Evans, Trishelle Cannatella, Sandra Seeling, Candice Cunningham, Ben Youcef, Emerson Brooks, Todd Christian Hunter, David Hill, Tom Yi, Amy Tiehel, Kea Könneker, Alexander von Roon, Chigozie Orukwowu, Bono, Chris Martin, Elton John, Slash, Snoop Dogg, Sting, Paula Abdul
PRODUCTORA: Everyman Pictures / Four by Two / Media Rights Capital

Sacha Baron Cohen retorna con la misma formula aplicada en Borat, aquel intrépido reportero de Kazajistán que se fue a América para trasladar en forma de video documental las costumbres de la gran potencia mundial, a su pueblo. Ahora retorna Bruno un reportero gay, con cierta obsesión por la moda y por el culto al cuerpo que tras ser repudiado de la alta sociedad por un incidente en un desfile de modelos, buscará la manera mas underground posible de volver a ser famoso.

En ambos casos el personaje está inventado e interpretado por el mismo Sacha, pero hay diferencias notables en el rol de cada personaje que interpreta. Mientras que en Borat representaba a un personaje más inocente y sin maldad aparente, pero con unas costumbres tan retrogradas y de cazique, que se podía pensar en un ser con maldad. En Bruno, interpreta a un personaje pícaro y mentalmente degenerado que busca llamar la atención para conseguir su propósito.

Argumentalmente, en ambos films se aplica la misma fórmula de falso documental, pero con diferentes resultados. Borat es social y políticamente incorrecta, puesto que las costumbres del reportero, resultan ser escandalosas y realmente machistas, chocando enormemente en el estado Americano, muy conservador y patriótico.


Sin embargo, Bruno es más desinhibido viaja por todo el planeta en busca del éxito y la fama a cualquier precio, el resultado es más crítico hacia los medios de comunicación, shows televisivos y la alta sociedad. Y aunque, la idea intenta emular reacciones autenticas por parte de la muchedumbre, un gentío que se escandaliza ante tales improperios, dudé de ello en su momento y sigo dudando ahora. Aunque, reconozco que las reacciones son bastante creíbles.

Si bien las dos películas, a mí parecer, cometen el mismo fallo. Tienen grandes sketches que te harán reír bastante, pero tienen otros momentos totalmente de relleno que no conducen a ningún sitio importante o risible. La suerte, es que en ambas la duración no excede de los 80 minutos, haciéndolas más llevaderas.

Bruno busca mucho más el escándalo en el aspecto visual, que no en el moral. Que fue el caso de Borat, resultó innovadora, pero no fue la revolución que pretendió, al menos para mí. Tanto Borat como Bruno, resultan entretenidas y tienen grandes momentos de consumo rápido. No serán recordadas como algo totalmente revolucionario dentro de los shows mediáticos o falsos documentales, sino más bien como algo divertido y curioso de ver.

Puntuación

23/11/09

Transformers 2: La venganza de los caídos


TÍTULO ORIGINAL: Transformers 2: Revenge of the Fallen
AÑO: 2009
DURACIÓN: 150 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Michael Bay
GUIÓN: Ehren Kruger (Historia: Alex Kurtzman, Roberto Orci)
MÚSICA: Steve Jablonsky
FOTOGRAFÍA: Mitchell Amundsen
REPARTO: Shia LaBeouf, Megan Fox, Josh Duhamel, John Turturro, Tyrese Gibson, Teresa Palmer, Isabel Lucas, Rainn Wilson, America Olivo, Kevin Dunn, Matthew Marsden
PRODUCTORA: DreamWorks SKG / Paramount Pictures

Han pasado dos años desde que el joven Sam Witwicky (Shia LaBeouf) salvara al universo de una decisiva batalla entre dos razas de alienígenas robóticos en guerra. Pese a su extrema heroicidad, Sam sigue siendo un adolescente normal con las preocupaciones cotidianas de prepararse para ir a la universidad. El objetivo de Sam es llevar una vida universitaria normal, pero para hacerlo, deberá olvidar su destino. Mientras la batalla secreta entre los Autobots y los Decepticons ha provocado muchos cambios. Una nueva agencia llamada NEST trabaja codo con codo con los Autobots para evitar otra confrontación mortal con los Decepticons. Por desgracia, un asesor de seguridad del gobierno tiene muy poca previsión como para comprender totalmente los inexorables peligros que acechan. Dispuesto a hacerse con el control de todas las organizaciones de defensa, se esfuerza por acabar con NEST, creyendo que toda amenaza de guerra ha desparecido hace tiempo.

Transformers 2 ¿por qué? Era lógica una secuela, pero han sobrepasado todo límite soportable. Una película innecesaria, larga, aburrida, que aun con el aliciente de ver grandes dosis de efectos especiales, pues tampoco cumple.

Los efectos están desmadrados, marean, confunden, estarán muy trabajados, cierto, pero de una forma totalmente equívoca. Han querido aumentar las dosis de acción, efectos visuales y bromas tontas, olvidando la historia, al menos una en condiciones.


En la anterior película, el guión mantenía un mínimo de interés, en esta secuela eso desaparece por completo. Todo son planos forzados de los actores, y escenas sinsentido colocadas con calzador entre una secuencia plagada de efectos especiales y la siguiente, ídem.

Cuando han pasado los primeros diez minutos y has visto el plano de Megan Fox subida en la moto la película comienza a perder interés. Los protagonistas y los actores secundarios cumplen con los tópicos de siempre y sin ningún tipo de gracia añadida.


La banda sonora no tiene ninguna intensidad, ni carisma que merezca la pena remarcar. La fidelidad con la serie original se la han saltado, igual que una atleta. Añaden nuevos robots bastante lamentables, mezclan elementos de películas como Species, Terminator 3 y Stargate, todo de la forma más confusa y aburrida posible. No hay nada recomendable en la película, para ver algunos minutos donde hay un buen nivel de efectos especiales, tienes que tragarte 150 minutos de metraje mal contados y aburridos.


Puntuación

22/11/09

Vampire Girl vs. Frankenstein Girl


TÍTULO ORIGINAL: Kyûketsu Shôjo tai Shôjo Furanken
AÑO: 2009
DURACIÓN: min.
PAÍS: Japón
DIRECTOR: Yoshihiro Nishimura, Naoyuki Tomomatsu
GUIÓN: Naoyuki Tomomatsu (Cómic: Shungiku Uchida)
MÚSICA: Kou Nakagawa
FOTOGRAFÍA: Shu G. Momose
REPARTO: Eihi Shiina, Eri Otoguro, Yukie Kawamura, Takumi Saito, Kanji Tsuda, Jiji Bû, Erina, Sayo, Aya Nishisaki, Sayaka Kametani
PRODUCTORA: Concept Film / Excellent Film / Pony Canyon

Cuenta la tradición japonesa que las chica regalara una caja de bombones rellenos de licor al chico que ame. ¿Pero que pasa cuando la chica en cuestión es vampira?. Pues aparte de que el licor es sustituido por sangre, nada. Aunque poco importa pues esta pequeña linea argumental que parte de la idea de un drama-thriller romántico, solamente es una excusa para mostrarnos litros y litros de sangre, miembros amputados y peleas totalmente surrealistas al más puro estilo manga con un estilo realmente cutre.

Nishimura ya nos deleitó con su estilo tan peculiar y descabellado dentro del género gore, aunque, los pioneros dentro de dicho género tan trillado, son los alemanes, Premutos o Burning Moon dan buena cuenta de ello. Nishimura eleva la idea del ultra-gore a la máxima potencia, por lo tanto quien espere encontrar alguna reminiscencia vampírica o una referencia directa al mito de Frankenstein, mejor que pase página.

Su nivel es tan bizarramente exagerado, que si la comparamos con las obras alemanas, éstas se quedan en una mera calificación ideal para ser proyectadas en Disney Channel.
Como es lógico el público asiduo a este tipo de cine solamente esperamos ver la máxima bizarrez posible y que, cada secuencia supere a la anterior de manera un poco más absurda.


En este aspecto se puede decir que la película no defrauda en absoluto. Aunque, para mí la mejor escena se encuentra al inicio, que de una manera efectiva atrapa al espectador para que no abandone el visionado. Sin embargo, la película comete un fallo habitual, prometer más de lo que ofrece.
Aun así, el nivel de degeneración que se espera de ella, se mantiene bastante bien hasta su desenlace. A esas alturas ya nadie se acordara de la escena romántica con la cursilería de los bombones y las intenciones del chico para con la chica.


Tokyo Gore Police hace apología a los suicidios entre los jóvenes y el bullying. Yoshimura aprovecha para ridiculizar a la nueva generación de jóvenes emo-asiáticos mediante un enfoque mucho más humorístico que su antecesora, atención al grupo de teens asiáticas que se broncean para ser negras, por esto y muchas más cosas, más que en una comedia al uso, el film se convierte en una burla. Una burla que se centra en parodiar esta nueva estética que se ha extendido hasta Europa. La banda sonora, sin duda, es tan estridente y llamativa que se convierte en casi lo mejor de todo, resulta tan extrañamente pegadiza con ritmos japan-pop, personalmente, el tema estrella me encanta. Si te gustó Tokyo Gore Police, ésta no te defraudará.

Puntuación

15/11/09

2012


2012 posterTÍTULO ORIGINAL: 2012
AÑO: 2009
DURACIÓN: 158 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Roland Emmerich
GUIÓN: Roland Emmerich, Harald Kloser
MÚSICA: Harald Kloser, Thomas Wanker
FOTOGRAFÍA: Dean Semler
REPARTO: John Cusack, Amanda Peet, Chiwetel Ejiofor, Oliver Platt, Thandie Newton, Danny Glover, Woody Harrelson, Thomas McCarthy, Liam James, Morgan Lily
PRODUCTORA: Columbia Pictures

Como el calendario maya predice, el mundo se acaba en el año 2012, con desastres naturales como erupciones volcánicas, tifones y glaciares inundando el planeta. Nunca antes una fecha en la historia ha sido tan importante para tantas culturas, religiones, científicos y gobiernos. 2012 es una aventura épica sobre un cataclismo global que provoca el fin del mundo y cuenta la heroica lucha de los sobrevivientes.



A Roland Emmerich hace tiempo que le ha ido la olla, eso todos lo sabemos. Lo sorprendente del caso, es que en cada nueva película consigue más presupuesto para llevarlo todo al extremo. Solo espero que esta vez que haya tocado techo, para mí, está en el límite de la cordura, de lo contrario, su próxima película puede resultar cansina de verdad.

Los efectos especiales en las escenas de destrucción, son excelentes e irreprochables, pero resultan tan increíblemente exagerados y surrealistas que hace que todo se convierta en un gran chiste. En lugar de emocionarte o indisponerte ante tal destrucción, las situaciones te harán reír, hasta llevarte las manos a la cabeza, haciéndote dudar sobre si lo que estás viendo es posible.



El guión es una maratón de tópicos y situaciones más cercanas a un drama televisivo que a una producción de grandes tintes dramáticos, ese es su principal gran error, y no el único. Punto y aparte de las híper-surrealistas escenas, si analizamos el filme encontraremos incongruencias argumentales, como por ejemplo; sobrevivir en una atmosfera contaminada por la ceniza.

Una película que trata sobre la destrucción total de la tierra, yo espero ver como revienta todo, no necesito pasajes en los que se ralentice el ritmo y alarguen innecesariamente su duración.

Siendo sincero, con 120 minutos había más que suficiente para contarlo todo, teniendo en cuenta que algunas situaciones y diálogos entre personajes, no aportan nada relevante a la historia.

Los personajes principales son predecibles, tanto, en sus comportamientos como en su destino dentro de la historia. Un destino bastante predecible para todos ellos, puede que nos hagan dudar, pero al final lo adivinaremos.



Los efectos especiales es lo mejor de toda el filme, eso está claro. Y sin reparos, diré que es lo que más me ha gustado. Al margen de esto, hay dos cosas que también me han gustado, una es como crítica la religión, aunque, en realidad no deja de ser un simple reflejo al pasaje bíblico de El Arca de Noé, esta parte resulta duramente criticada y, por supuesto, la fe Cristiana es la que sale peor parada. Y demuestra que en el mundo real la fe de todo un pueblo no evitará nada. La segunda es el abuso de poder y el capitalismo, nuestro mundo funciona con dinero, así lo hemos creado y los que tienen más capital son los primeros beneficiados, incluso, en los últimos momentos de supervivencia de la raza humana.

El desenlace es bochornoso, se parece más a un capítulo de la serie Sea Quest que a un final digno de una superproducción apocalíptica, además, el toque de gracia final es que hace referencia a la Conquista de Colón y sus tres naves, un final que resulta más ridículo todavía que la película entera.

La evaluación final es un suspenso. El filme es malo, no voy a negarlo. Pero en plan surrealista y sin tomársela en serio, resulta divertida.


Puntuación

12/11/09

Destino final 4


Destino final 4 poster TÍTULO ORIGINAL: The Final Destination 3D
AÑO: 2009
DURACIÓN: 82 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: David R. Ellis
GUIÓN: Eric Bress
MÚSICA: Brian Tyler
FOTOGRAFÍA: Glen MacPherson
REPARTO: Krista Allen, Nick Zano, Richard T. Jones, Shantel VanSanten, Stephanie Honore, Andrew Fiscella
PRODUCTORA: New Line Cinema / LivePlanet

Nick O’Bannon y unos amigos acuden a un circuito de carreras para presenciar una prueba del Nascar. Durante ésta tiene lugar un terrible accidente que conlleva desastrosas consecuencias para el estadio. Pero Nick descubre que se trata de sólo una visión de algo que está a punto de suceder, y junto con otras doce personas consigue salir del recinto y escapar de una tragedia segura. Pensando que han burlado a la muerte, el grupo continúa con su vida, pero desafortunadamente para Nick, Lori y sus amigos sólo es el principio, ya que la muerte no deja cabos sueltos, y regresará para llevarse a los supervivientes de una manera brutal.

Con esta extensa sinopsis de la que creo que no hacía falta explicar tanto, nos llega la cuarta entrega de esta franquicia. Que en la actualidad, es una de las pocas, por no decir la única, que desde su debut en el año 2000 sigue el mismo esquema sin cambiar ni un ápice en su desarrollo, pero aun así, gracias a sus espectaculares e ingeniosas muertes consigue mantenerte pegado a la butaca en cada nueva entrega.

Como bien se sabe, el planteamiento es siempre el mismo. Todo empieza con la clásica visión del futuro en el que uno de los personajes predice la catástrofe evitando la muerte de un grupo de personas. En esta parte la brutalidad de las muertes en su prologo, puede hacerte pensar que la cosa caerá en un pozo conforme avance la historia, pero no es así. Es cierto, que el arranque es demasiado espectacular, siendo difícil de superar, pero el nivel se mantiene el resto del filme.




Aunque, la originalidad de las muertes merma un poco respecto a las anteriores entregas, con resultados mucho más estilizados, en esta secuela de la franquicia, se deja paso a muertes más sucias y cercanas a la serie B, con algún que otro efecto especial de la marca Tom Savini.

El punto a favor y reclamo de esta entrega es sin duda el efecto 3D, que después de la decepción que sufrí en The Hole 3D de Joe Dante, después de pagar cerca de 10€, solamente noté el efecto de profundidad.
Está muy bien, pero la idea de esquivar objetos por acto reflejo, es mucho más atractiva. Además por ese precio, si me dan descargas eléctricas en algún momento puntual para realzar el efecto, no me quejaré.

Aunque me sigue pareciendo caro, esta vez después de pagar el mismo precio y adquirir las dichosas gafas, he de reconocer que la experiencia ha valido la pena.

Es lógico que ante el aluvión de producciones en 3D que se nos viene encima, David R. Ellis, que ya dirigió en 2D la segunda entrega de la saga, recurre a esta nueva técnica digital todavía por explotar, y creo, que bien utilizada puede dar mucho de sí, aunque, espero que el porcentaje de películas en 3D sea moderado.



Desde su primera entrega hasta la presente, no existen giros argumentales ni explicaciones tediosas pero jamás ha pretendido lo contrario, algo que me gusta, ante todo, sinceridad.
Simplemente su argumento se limita a mostrar muerte tras muerte y nos va jodiendo la retina. Aunque las ganas de que la siguiente muerte supere a la anterior crece en nuestro interior como el de un asesino en serie.

Otra pequeña diferencia, es que no hace tanta mención a la muerte como ente o presencia, si no más como una serie de sucesos siniestros y oscuros que conducen a nuestros protagonistas a unas muertes menos originales, pero si mas grotescas.

La banda sonora me pareció completamente acorde a la brutalidad de las imágenes y, sin duda, los créditos iníciales y finales son la bomba, sencillos a la par que efectivos, sobre todo, los que forman parte del final. Tan disfrutable como toda la franquicia.

Puntuación

8/11/09

Vamp

Vamp posterTÍTULO ORIGINAL: Vamp
AÑO: 1986
DURACIÓN: 93 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Richard Wenk
GUIÓN: Donald P. Borchers, Richard Wenk
MÚSICA: Jonathan Elias
FOTOGRAFÍA: Elliot Davis, Douglas F. O'Neons
REPARTO: Chris Makepeace, Sandy Baron, Robert Rusler, Dedee Pfeiffer, Gedde Watanabe, Grace Jones, Billy Drago, Greg Lewis
PRODUCTORA: Balcor Film Investors

La cinta arranca con una escena de dos amigos que están siendo sometidos a un ritual de iniciación en una hermandad universitaria, estos se cansan del numérito y prometen a sus miembros un espectáculo digno de la hermandad, se entiende que con baile erótico de por medio.

Todo el arranque de la película no sirve de nada en el contexto de la historia, ya que el tema de la hermandad no vuelve a aparecer en toda la cinta, toda esta secuencia inicial, simplemente, ha sido un pretexto del guión para conducir a ambos personajes en la búsqueda de una buena stripper y guiados por su innato sentido del peligro acabaran en un garito de mala muerte, en el que bellas mujeres de grandes colmillos, todo ello, como no, junto a un nuevo amigo friki chino en vez de afroamericano.

Curiosamente encontré cierto parecido con Abierto hasta el amanecer de Robert Rodríguez, ambas siguen las mismas pautas iníciales, y como resultado en ambas se quedan encerrados con vampiros en un garito. Incluso, la estética de estos una vez transformados, me recordó bastante a la película de Rodríguez, aunque a medida que avanza la película, se van distanciando argumentalmente. Además, la obra de Rodríguez resulta mucho más explícita y con grandes dosis de gore.

La verdad, Vamp no deja de ser una comedia ochentera cargada de bromas absurdas dignas de la época, pero que te arrancaran más de una sonrisa, es cierto, que en conjunto global la historia hace aguas, su humor parece sacado directamente de la serie Salvados por la campana, en una mezcla con el terror clásico influenciado por la, también serie, Historias de la Cripta. Ahora bien las situaciones de forma individual, pueden hacernos pasar una entretenida tarde en el sofá.



Los efectos especiales son sutiles, pero interesantes. Son de la vieja escuela con la presencia de látex y prótesis, que en parte, son su mayor atractivo. Salvando las distancias, la transformación de Katrina, inevitablemente, nos recordará a la de un Un hombre lobo Americano en Londres, aunque, el presupuesto es menor al de la obra de John Landis y eso se nota en el resultado final.

La banda sonora no es ninguna maravilla, aunque algunas de sus canciones, nos van a hacer mover el pie al ritmo de sus melodías.
Y como ya he dicho la linea argumental se distancia de la obra de Rodríguez, situándonos ante una comedia juvenil y con los tópicos de este desdichado género, como el chico y la chica que se conocen desde pequeños pero no se recuerdan o, el amigo que en cierto momento de la película, confiesa su gran amistad a nuestro protagonista. Todo ello aderezado con colmillos de por medio, hace que la cinta se torne disfrutable, no se puede pedir más.

Como resultado tenemos un film que en conjunto global hace aguas pero que tiene grandes momentos que nos arrancaran más de una sonrisa, incluso , alguna carcajada. Y desde luego, verla acompañado promete aún mayor diversión que verla solo.
Puntuación

6/11/09

Los cazafantasmas


Los cazafantasmas posterTÍTULO ORIGINAL: Ghostbusters
AÑO: 1984
DURACIÓN: 107 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Ivan Reitman
GUIÓN: Dan Aykroyd & Harold Ramis
MÚSICA: Elmer Bernstein
FOTOGRAFÍA: Laszlo Kovacs
REPARTO: Bill Murray, Sigourney Weaver, Dan Aykroyd, Harold Ramis, Rick Moranis, William Atherton, Annie Potts, Ernie Hudson, Reginald VelJohnson
PRODUCTORA: Columbia Pictures

Los Drs. Venkman, Stantz y Epengler, son tres doctores en parapsicología que se quedan sin empleo tras quedar excluidos de una beca universitaria de investigación. Entonces deciden formar la empresa Los Cazafantasmas, dedicada a limpiar Nueva York de ectoplasmas. El aumento repentino de apariciones espectrales en la Gran Manzana será el presagio de la llegada de un peligroso y poderoso demonio.

Durante el Festival de Sitges 2009, se entregó el premio La maquina del temps al director Ivan Reitman. La película que se proyectó a continuación no pudo ser otra, Los cazafantasmas. A estas alturas poco se puede decir, convertida en icono para toda una generación, fue realizada con una muestra de creatividad novedosa y fantástica, un film que nos transporta a la infancia. Y ofrece momentos divertidos y llenos de imaginación, además, su escenografía, fotografía, guión y efectos especiales, siguen aguantando el paso del tiempo.



Escrita por dos de sus propios protagonistas; Dan Aykrod y Harold Ramis, el filme es bastante simple, pero tremendamente divertido. A veces no hace falta crear un argumento complejo para conseguir un producto de éxito, se trata de saber hacerlo bien.

Una película hecha para divertir y asombrar al mundo, destacando sus efectos visuales, que llegaron a ser nominados en los Oscar de 1985, han envejecido, pero con la característica de ser uno de los encantos de ver la película actualmente. También, hay mención especial a la banda sonora, en especial la canción Ghostbusters de Ray Parker Jr. Un tema que otorga identidad al filme y sus personajes, y fue nominada como mejor canción en los premios Oscar de 1985.


Las actuaciones consiguen hacer reír constantemente, cierto, que los personajes son completamente lineales e incluso algunos están desaprovechados, pero el desarrollo de las situaciones y los constantes momentos cómicos están muy logrados. Destacando la interpretación de Bill Murray, el resto de actores están a la altura de la situación, y en conjunto son un bloque humorístico que pasará a la historia.

Una película con el encanto suficiente para no pasar de moda, y seguir hoy día siendo considerado un clásico, incluso, una obra de culto dentro de sus límites.

Puntuación

5/11/09

El imaginario del Doctor Parnassus

El Imaginario del Doctor Parnassus posterTÍTULO ORIGINAL: The Imaginarium of Doctor Parnassus
AÑO: 2009
DURACIÓN: 122 min.
PAÍS: Reino Unido
DIRECTOR: Terry Gilliam
GUIÓN: Terry Gilliam, Charles McKeown
MÚSICA: Jeff Danna, Mychael Danna
FOTOGRAFÍA: Nicola Pecorini
REPARTO: Christopher Plummer, Heath Ledger, Tom Waits, Lily Cole, Andrew Garfield, Verne Troyer, Mark Benton, Johnny Depp, Jude Law, Colin Farrell, Peter Stormare
PRODUCTORA: Coproducción Reino Unido-Canadá-Francia; Davis-Films / Grosvenor Park Productions / Infinity Features Entertainment / Parnassus Productions / Poo Poo Pictures

El Dr. Parnassus viaja por las calles de Londres con su troupe formada por su hija Valentina, el joven Anton, y Percy, su diminuto amigo y ayudante personal. En su espectáculo, el doctor Parnassus le da la oportunida al publico de introducirse en otra dimensión a traves de su espejo, una dimensión donde sus deseos más profundos serán reflejados, ya sea para bién o para mal. Pero algo atormenta al Dr. Parnassus, una vieja deuda contraida hace casi mil años al hacer tratos con el mismisimo diablo que ahora vendrá a reclamar lo suyo, justo cuando entra en escena Tony, un misterioso joven que se unirá a la troupe de Parnassus.

Empezaré la crítica aclarando, que soy seguidor del cine de Terry Gilliam desde hace unos cuantos años. Consciente tanto de sus fallos como de sus virtudes, siempre he disfrutado con sus películas y su personal forma de entender el cine, y sobre todo, admiro su trabajo por su forma casi obsesiva de defender el poder de la imaginación, de los sueños y de la fantasía; una constante en todas sus obras, habitualmente cargada de excesos. Pero señoras y señores, este es el universo Gilliam y, seguramente, por esto es un universo amado y odiado a partes iguales, algo que seguramente también pasará con su nueva película.



El imaginario del Doctor Parnassus es la nueva excentricidad de Terry Gilliam, una película que se puede enmarcar perfectamente en su forma de hacer cine, pero con ciertos matices que cabe destacar: Lo primero y más importante, es el factor Heath Ledger, todos sabemos de su desgraciado fallecimiento justo cuando se encontraba en pleno rodaje de esta película, por lo que no me extenderé más sobre este tema. Pero si sobre las piruetas que Gilliam tuvo que hacer para poder continuar con dicho rodaje y, además, manteniendo todas las escenas ya grabadas por Ledger, que no son pocas.
Esto, que para cualquier director podría suponer un obstáculo imposible de salvar, para Gilliam se convierte en la excusa perfecta, para realizar el más difícil todavía triple salto mortal, al decidir que serán nada menos que tres los actores que interpretarán al personaje de Ledger. Utilizando como excusa los diferentes viajes que el personaje realizará a través del espejo del Dr. Parnassus, con todos los ajustes de guión que esto implica. Creo, que esto da una idea del poco miedo que Gilliam tiene en probar cosas nuevas, en salirse del guión establecido, en definitiva en hacer su película, independientemente de la opinión del público.



Hay que decir, que esto último en realidad no ha hecho más que beneficiar la película, ya que por un lado tenemos el reclamo de ver el último papel interpretado por Heath Ledger (mucha gente verá la película solo por esto) y por el otro contamos con la presencia de tres grandes nombres como son Johnny Depp, Jude Law y Colin Farrell, aunque su participación termina siendo solo anecdótica. Por estos motivos, esta película tiene más papeletas de llegar a un público más amplio, al menos, más que muchos de sus anteriores trabajos. Y parece que Gilliam consciente de ello, nos regala una película algo más accesible de lo que nos tiene acostumbrados.

La primera parte de la película se sigue bastante bien, por supuesto las excentricidades del director están presentes pero la historia no es nada complicada, mientras los protagonistas intentan ganarse la vida con un espectáculo en horas bajas, se nos introduce la historia del Dr. Parnassus (Christopher Plummer) que años atrás hizo un trato con el diablo -apodado Mr. Nick, interpretado por el genial Tom Waits- a cambio de la inmortalidad y que ahora está de vuelta para reclamar a Valentina (hermosa Lily Cole), la hija de Parnassus, justo cuando va a cumplir la edad de 16 años. A todo esto, el grupo de artistas rescatarán a un enigmático joven llamado Tony (Heath Ledger) que se unirá al grupo y que, aparentemente, se ofrecerá para ayudar a Parnassus y su hija frente a la llegada de Mr. Nick y sus artimañas.



No hay que olvidar, por eso, que estamos ante una película de Gilliam de dos horas de duración, por lo que a partir de la segunda mitad y entrando ya en el tercio final, la película toma unos tintes más surrealistas, donde las dimensiones paralelas dentro del espejo cobran más protagonismo. Mientras seguimos las aventuras de Tony, puede dar la sensación de que la trama principal, que ha tenido preocupados a los protagonistas, queda un poco en segundo plano, perdiendo algo de interés ante el despiporre visual y las idas de olla que nos ofrece Gilliam.

Aunque, esto, por otro lado, no es algo que sorprenda a quién conozca su cine. Llegando a convertirse más en una seña de identidad, que en un reproche. A partir de aquí, la película nos mete en una espiral final de acontecimientos ofreciéndonos algunas imágenes muy bellas dentro del universo onírico de su director, y otras más desconcertantes hasta llegar a un desenlace donde no todo es lo que parece y que deja un sabor agridulce, como es habitual en el cine de Gilliam.

Lo que más me ha gustado de esta película son los temas que se tratan partiendo de la historia principal, temas como el paso del tiempo y la aceptación de la vejez, el descubrimiento del amor y el desengaño a través de los ojos de la joven Valentina, el eterno enfrentamiento entre el bien y el mal, que aquí, es tratado de una forma más ambigua con personajes, que finalmente no son lo que aparentan ser y, sobre todo, me ha gustado comprobar que Gilliam no ha perdido su esencia.

Y aunque, nos ofrece una película más accesible, no puede evitar el desfase visual al cruzar el espejo. Con unos decorados generados íntegramente por ordenador, eso sí, están inspirados en algunas conocidas pinturas surrealistas, con algunas situaciones totalmente hilarantes que, incluso, pueden evocar por algunos instantes a su lejano y glorioso pasado con los Monty Python.



Lo que menos me ha gustado son ciertos momentos de la historia donde el ritmo decae y se puede perder el interés momentáneamente. También se echa de menos el clásico toque artesanal de Gilliam, que aquí, aparece en contadas ocasiones para dejar paso a las nuevas tecnologías, ya que la parte más fantástica del film se podría decir que roza el cine de animación, aunque, esto es algo normal si somos consecuentes con los tiempos que corren.

He intentado ser objetivo a la hora de valorar la película, desde luego, no es de las mejores ni peores de su filmografía, es muy superior a ciertos trabajos de encargo, como Los hermanos Grimm. Como he dicho, una película algo más accesible, que en mi opinión, se puede disfrutar sin necesidad de ser seguidor habitual del cine de Gilliam. Aunque serlo, ayudará a la hora de comprender ciertos delirios visuales y un desarrollo por momentos extraño, para una película singular y curiosa dentro del panorama actual. Avisados quedáis.

Puntuación

The Haunted World of El Superbeasto

The Haunted World of El Superbeasto posterTITULO ORIGINAL: The Haunted World of El Superbeasto
AÑO: 2009
DURACIÓN: 77 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Rob Zombie
GUIÓN: Tom Papa, Joe Ekers (Cómic: Rob Zombie)
MÚSICA: Tyler Bates
FOTOGRAFÍA: Animation
REPARTO: Animation
PRODUCTORA: Film Roman Productions / Spectacle Entertainment Group / Starz Media

El film narra la retorcida historia de El Superbeasto (voz de Tom Papa), una especie de antiguo luchador enmascarado con fuerza sobrenatural, quien en estos momentos se dedica a la producción/dirección como estrella del Beastoworld Enterprise, pero que cuando puede pasa el tiempo luchando contra el mal junto a su Super-Sexy hermana, Suzi X (voz de Sheri Moon Zombie). 

La película de animación dirigida por Rob Zombie visionada en una de las maratones sorpresa del Festival de Sitges 2009, fue la última película de la maratón, eran altas horas de la noche y la paciencia terminó con un servidor.

Basada en el personaje de su propio cómic, se puede decir que la película empieza bien, con una animación en 2D de la vieja escuela. Aunque, parece una versión excéntrica y bizarra de los Cartoon Network actuales, todo muy acelerado y absurdo.



Tras la precipitada presentación de muchos personajes, todos locos perdidos y sin sentido, comienza un desfile de palabrotas, tacos, sangre y tetas. Parece muy divertido, pero tras unos veinte minutos, como mucho, la broma toca fondo y no consigue salir a flote.
Durante la película hay buenos momentos y situaciones surrealistas que consiguen arrancarte alguna carcajada, así como números musicales que rozan el delirio. Pero, el guión consigue hacerte perder el interés.



Es una película sin ningún tipo de pretensión, pero que no tiene razón de ser y que consigue aburrir, con su atractivo contenido visual, se supone, que como mínimo debería entretener, pero no supera la carcajada momentánea.
Aparecen muchos personajes de sus anteriores películas, pero están mezclados de una manera tan estridente que al final pierde el sentido. Un film con un buen tipo de animación, pero desarrollada sin gracia.

Puntuación

The Human Centipede

The Human Centipede posterTÍTULO ORIGINAL. The Human Centipede (First Sequence)
AÑO: 2009
DURACIÓN: 90 min.
PAÍS: Holanda
DIRECTOR: Tom Six
GUIÓN: Tom Six
MÚSICA: Patrick Savage, Holeg Spies
FOTOGRAFÍA: Goof de Koning
REPARTO: Akihiro Kitamura, Dieter Laser, Andreas Leupold, Ashley C. Williams, Ashlynn Yennie
PRODUCTORA: Six Entertainment

Dos chicas americanas y un japonés son secuestrados por un médico que tiene una sala de operaciones en el sótano de su casa. El doctor dedicará a coser la boca de uno al culo del otro, creando así una especie de perro escatológico, pues todo lo que sale de un agujero entra por el otro.

Como bien es sabido por los espectadores del Festival de Sitges, cada año, en su sinopsis, se vende una de las producciones proyectadas como la más polémica y explicita, este año otorgada a Grace, incluso advirtiendo que puede provocar algún desmayo, señores, todo puro marketing.

Bajo mi punto de vista, una de película a la que se ha hecho caso omiso es The Human Centipede, y aunque esta no entra dentro del saco de lo explicito, la idea es de por sí enfermiza, consiguiendo un resultado mucho más bestia ¿en qué estaría pensando Six cuando escribió el guión?

Es cierto, que mucha gente se habrá sentido defraudada, pues, imagino esperaban ver reflejada en pantalla la propia sinopsis, y yo era uno de ellos. Pero realmente, quedé mucho más satisfecho con el resultado que oculta lo explicito a lo largo de toda la película, de esta manera la maestría reside en la imaginación del espectador y sus propios límites.
Six muestra la dosis de imágenes justa en cada momento, el resto, como he dicho, es a cargo de nuestra propia imaginación. Eso es algo que no siempre da buenos resultados, pero Six lo realiza de manera comedida, consiguiendo llevarnos a su terreno.



Ayudándose de sonidos nos perturba la mente, pero sin atacar en exceso nuestra retina. Y es que, no solo de violencia gratuita y escenas explicitas vive el aficionado al terror, como en Martyrs. La parte escatológica de la historia, que es lo que, creo, todos esperábamos ver, queda a la libre imaginación de cada espectador.

Esto no resta que la película no sea violenta, pero no más lejos de lo que nos ofrecen las producciones de terror actual, que además, a nivel técnico le encontré una gran influencia del terror Francés actual, sobre todo en los efectos especiales y la excelente fotografía.



El mayor punto a favor es, sin duda, la estética general, con un toque muy sobrio, el gran Dieter Laser ataviado con su bata blanca y cara del hijo de Satanás en las profundidades del averno, se enfunda en el papel del médico que atormentará a nuestros protagonistas. Sin duda, una gran elección para representar al personaje.

Un film hecho con cariño y una gran puesta en escena, que no va a pasar a los anales del cine de terror, por desgracia, está claro. Pero para un servidor ya forma parte de su agenda de referentes dentro del género. Las declaraciones de Six que pretenden convertir The Human Centipede en una trilogía, me hacen esperar, únicamente, que sus dos próximas entregas estén a la altura de esta.

Puntuación

3/11/09

The Road

TITULO ORIGINAL: The Road
AÑO: 2009
DURACIÓN: 112 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: John Hillcoat
GUIÓN: Joe Penhall (Novela: Cormac McCarthy)
MÚSICA: Nick Cave
FOTOGRAFÍA: Javier Aguirresarobe
REPARTO: Viggo Mortensen, Kodi Smit-McPhee, Charlize Theron, Guy Pearce, Robert Duvall
PRODUCTORA: Dimension Films / 2929 Productions

En un futuro, quizá no lejano, en un sombrío mundo postapocalíptico, un padre (Viggo Mortensen) trata de poner en lugar seguro a su hijo (Kodi Smit-McPhee). El planeta ha sido arrasado por un misterioso cataclismo, y en medio de la desolación un padre y su hijo viajan hacia la costa para buscar un lugar seguro donde asentarse. Durante su travesía se cruzarán con los pocos seres humanos que quedan, los cuales, o bien se han vuelto locos o se han convertido en caníbales.

El director australiano John Hillcoat, que había dirigido el western La propuesta, nos presenta la adaptación de la aclamada novela de Cormac McCarthy, ganadora del Premio Pulitzer. The Road (aquí bautizada como La carretera) fue la encargada de clausurar el Festival Internacional de Cine Fantástico de Catalunya, Sitges 2009. La película ya tuvo una buena acogida en el Festival de Venecia, en Sitges también consiguió crear una gran expectación y llamar la atención del público. Rodada en exteriores del estado de Pennsylvania (minas de carbón, parques en desuso, suburbios de Pittsburgh) y en zonas de Nueva Orleans arrasadas por el huracán Katrina. The Road transcurre en un clima postapocalíptico en el que un padre y su hijo deberán seguir el trazado de una carretera si quieren seguir con vida, esto hace que todo sea más realista, un relato de cómo enfrentarse al día a día sin saber nunca lo que te espera.


El ritmo de la película es el adecuado para el tipo de historia, nos traslada a ese mundo postapocalíptico, con un desarrollo que nos muestra la travesía, sin prisa pero sin pausa, creando una atmósfera que atraviesa la pantalla y llega a envolver toda la sala de cine. Logra transmitir la sensación de tristeza, desesperación, angustia y miedo de forma excelente, gracias a los protagonistas interpretados por Viggo Mortensen y Kodi Smit-McPhee. Su trabajo muestra una enorme complicidad, por su credibilidad y por la emotiva relación que comparten, otros personajes secundarios, como Charlize Theron y Robert Duvall, cumplen de forma correcta.
Utilizando de manera sencilla y moderada algunos flashbacks, se nos muestra instantes anteriores a la situación vivida por el personaje de Viggo Mortensen, pero sin mostrar mucha información, lo único que conocemos de ese hombre es que vaga con su hijo en busca de un lugar mejor.


La fotografía, a cargo de Javier Aguirresarobe, uno de los directores de fotografía españoles más respetados, recrea un mundo apocalíptico a la perfección con una atmósfera desoladora. Esta es la película que le ofrece el salto a Hollywood, demuestra un talento brillante, nos ofrece escenas abrumadoras, escenarios lúgubres de una tonalidad gris ceniza, todo con mucho detalle y dotado de gran realismo. Hay muchos elementos que hacen de The Road un film notable que se aleja de lo convencional y se transforma en una propuesta de trazo mucho más definido. Una historia donde las decisiones de un hombre que ha perdido toda esperanza, incluso por momentos, la razón, chocan con la opinión de su hijo, un niño de diez años que no siente odio por nadie y aún mantiene algo de inocencia. Sabe que el mundo ha desaparecido, hay que volver a empezar y él tiene la posibilidad de hacerlo, pues el mundo donde le toca vivir es el único que conoce.


La banda sonora, a cargo del músico australiano Nick Cave, proporciona la intensidad suficiente y viste toda la atmósfera que recrea la fotografía de Javier Aguirresarobe con un dramatismo especial. Durante toda la película una suave melodía nos acompaña, triste y melancólica, es una de esas melodías difícil de recordar, pero que cuando la escuchas por primera vez, parece que la hayas escuchado toda la vida. The Road no es una película perfecta, pero se puede considerar una de las mejores de este año. Su estreno en los cines comerciales, en especial los multisalas, seguramente dará qué hablar. Con elementos comerciales para su éxito, el film transmite un dramatismo especial y su calidad habla por sí sola. Aunque su lenguaje visual, lento y contemplativo, puede alejarse de algunas expectativas creando detractores. Lo que puedo afirmar, es que toda la película está tratada con mucho tacto, han cuidado mucho los detalles y otorgan la medida correcta a cada elemento de los que se compone.


Ésta es una de esas películas donde las cosas te las cuentan sin palabras, los personajes carecen de nombre, tampoco lo tienen los lugares por los que pasan; según los comentarios posteriores a la proyección, la atmósfera de la película parece que consigue transmitir lo oscura que es la novela. La inseguridad que sienten sus protagonistas es transmitida al público en todo momento, es una película que destacará. Por ese motivo, es mejor verla y disfrutarla para sacar conclusiones.

Puntuación

2/11/09

El retrato de Dorian Gray

Dorian Grey posterTITULO ORIGINAL: Dorian Gray
AÑO: 2009
DURACIÓN: 112 min.
PAÍS: Reino Unido
DIRECTOR: Oliver Parker
GUIÓN: Toby Finlay (Novela: Oscar Wilde)
MÚSICA: Charlie Mole
FOTOGRAFÍA: Roger Pratt
REPARTO: Ben Barnes, Colin Firth, Rebecca Hall, Rachel Hurd-Wood, Ben Chaplin, Emilia Fox, Caroline Goodall, Fiona Shaw, Maryam d'Abo, Douglas Henshall, Michael Culkin, Johnny Harris
PRODUCTORA: Ealing Studios / Fragile Films

Un apuesto caballero londinense llamado Dorian Gray, obsesionado con la idea de una eterna juventud. Una estatua de un dios egipcio le concede el deseo de permanecer siempre joven mientras un retrato suyo envejece. En torno a este insólito fenómeno se desencadenan una serie de asesinatos cuyo secreto se oculta tras este enigmático cuadro.

Nueva readaptación de la novela de Oscar Wilde, de la que no puedo pronunciar mí veredicto si mantiene el espíritu de la novela, lo siento, no soy aficionado a la lectura. Lo que sí puedo decir es que la estética del cine actual se hace partícipe y recrea escenarios con gran delicadeza, otorgando un impecable aspecto visual al estilo del Fantasma de la Opera de Joel Schumacher y los lúgubres escenarios de Sweeney Tood de Tim Burton, aunque, hoy en día con el avance digital tan grande, es bastante más fácil crear amplios y logrados escenarios, que años atrás.

El arranque del film es algo lento y provoca cierto desinterés desde el principio y que aumentando un poco a partir de que el cuadro empieza a pudrirse, en momentos tan avanzados, el retrato recuerda a los zombis de Fulci un detalle de mí mente torturada por el cine Italiano, aunque, por supuesto, el resto poco tiene que ver.



La película técnicamente tiene un nivel alto que junto a la banda sonora, no se le puede rebatir que está bien hecha, pero no hay que olvidar que sin un buen guión una historia puede irse por el retrete. En este caso, no está mal contado pero la historia no termina de arrancar como debería, muchos altibajos durante el recorrido de la historia, que hacen que perdamos el interés tan rápido que lo recobremos en la siguiente escena.

Y es que al final lo que un espectador espera no es únicamente un perfecto e impecable aspecto visual, que lo tiene, sino que también se nos cuente algo interesante y no tengamos que estar esperando a ver si pasa alguna cosa para retomar nuestro interés. Un fallo se podría haber resuelto echando mano a la tijera en la sala de montaje reduciendo su duración.

Argumentalmente su mayor interés para mí, resultó ser la parte crítica a la alta sociedad, con una escena inspirada en el baile de disfraces de Eyes Whide Shut, donde el mundo real parece desvanecerse en una orgía de placer, drogas y alcohol.
Un producto entretenido pero que no va a pasar a ser recordado fácilmente en una lista de clásicos dentro unos años.

Puntuación