31/12/09

Aparecidos


TÍTULO ORIGINAL: Aparecidos
AÑO: 2007
DURACIÓN: 107 min.
PAÍS: España
DIRECTOR: Paco Cabezas
GUIÓN: Paco Cabezas
MÚSICA: Óscar Araujo
FOTOGRAFÍA: Andreu Rebes
REPARTO: Javier Pereira, Ruth Díaz, Leonora Balcarce, Pablo Cederrón
PRODUCTORA: Morena Films
WEB OFICIAL: http://www.aparecidos.es/

Malena (Ruth Díaz) y Pablo (Javier Pereira), dos hermanos que inician un viaje en Argentina, con motivo del estado de coma irreversible que sufre su padre, se dirigen hacia la casa dónde vivieron durante su infancia. Descubren un diario que relata unos crímenes cometidos veinte años atrás y esa noche, el pasado y el presente se entremezclan. Ante la impotente mirada de los dos hermanos, una familia es perseguida, torturada y exterminada siguiendo paso a paso los hechos descritos en el diario.

La aparición de esta película es inapreciable, pero resulta normal, no es una realización muy acertada. En su momento se le dio un empujón durante el festival de cine en Sitges, pero por mucho que se intente, el film es un fracaso. Una película con buenas ideas y buen fondo, pero con un guión que tiene un ritmo y progreso de la trama muy mal estructurado. Pero no solo es eso, hay que sumar una mala elección y dirección de actores, las actuaciones no son nada convincentes, las conductas de los personajes no tienen nada de creíble y tampoco sus reacciones antes las situaciones que se les van presentando. El sonido de la película también es un error, muy mal modulado, los diálogos apenas se comprenden, los protagonistas hablan muy rápido y parece que tengan una zapatilla sudada en la boca.

Aparentemente nos encontramos ante una película de terror, pero han querido ir más allá para mostrar una crítica hacia la cruda etapa de Argentina, durante la dictadura militar. Creando una atmósfera intrigante, los elementos sobrenaturales se combinan con el dramatismo, se fusiona el pasado y el futuro paralelamente en un entramado por momentos incomprensible. Su excesiva duración es otro de sus puntos débiles, entre las absurdas situaciones y el embrollo que se monta con la trama, muchos momentos se alargan de forma innecesaria. No se consigue sintetizar la importante de la historia, la evolución al momento dramático está muy mal llevado, el giro del argumento para poder atar los cabos sueltos me parece nefasto y aburrido, no tiene ninguna tensión y el dramatismo gratuito que presenta la película en su desenlace no consigue su propósito. La mezcla de cine de terror fantasmagórico con el drama contemplativo no queda bien definida. Se destacan los elementos y situaciones tópicas de lo sobrenatural con una historia de supervivencia, para mostrar una reflexión final poco intensificada.

La banda sonora, que no está mal, intenta realzar algunos momentos, pero sin quedar convincente, pues queda forzado y sin venir a cuento. Algo bueno de la película es que en algunos momentos tiene pequeños atisbos de originalidad, buena intención y poco más. Se tendría que haber pulido mucho más y reforzar la historia de fondo, siendo una trama simple consigue desorientar y muestra un resultado previsible con emotividad forzada.

Dragon Ball Evolution


TÍTULO ORIGINAL: Dragonball Evolution
AÑO: 2009
DURACIÓN: 90 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: James Wong
GUIÓN: Ben Ramsey (Manga: Akira Toriyama)
MÚSICA: Brian Tyler (Canción principal: Ayumi Hamasaki)
FOTOGRAFÍA: Robert McLachlan
REPARTO: Justin Chatwin, Chow Yun-Fat, Emmy Rossum, James Marsters, Joon Park, Eriko Tamura, Randall Duk Kim, Jamie Chung, Ernie Hudson, Luis Arrieta, Texas Battle, Richard Blake, Shavon Kirksey, Julian Sedgwick, Megumi Seki
PRODUCTORA: Coproducción EEUU-Japón; 20th Century Fox / Dune Entertainment / Star Overseas

Que voy a contar de la mítica serie de tv/manga, que no sepamos ya la mayoría de nosotros, nada.
En la película Goku, Bulma, MutenRoshi, Yamcha y Chi Chi irán a la caza de las bolas de dragón para evitar que Piccolo consiga las bolas y domine el mundo, pues una profecía (toma ya) anuncia que cuando la luna de sangre se eclipse, Oozaru y Piccolo dominaran el mundo.

Si yo irrumpiera en el salón comedor del Hotel Ritz en plena cena de gala y empezara a soltar en voz alta improperios escatológicos, no ofendería tanto a los allí presentes como lo ha echo James Wan y su estupendísimo equipo, con los fans de la mítica serie , al llevar a cabo esta libre adaptación cinematográfica en la que solamente se la reconoce por el título y los nombres de los personajes.

Posiblemente sea la adaptación con más cambios, tanto estéticos como argumentales, en la historia del cine. Tanto los escenarios, como la indumentaria de los personajes y demás enseres del mundo DragonBall, han sido rediseñados por completo, hasta tal punto de hacerlos visualmente y carismáticamente irreconocibles. El resultado visual parece una mezcla de Wishmaster con Masters del Universo y descrito de esta breve manera, suena bien, pero claro entonces ya no estamos ante una adaptación de Dragonball.

Ya se que el ritmo cinematográfico es diferente y requiere ciertas pautas pero de verdad que yo lo flipo con esta sinopsis creada para la película. ¿Desde cuando ha habido alguna profecía en DragonBall?, además que el tema de las profecias está ya muy sobado.


Pero es que ya no solo hablamos de los cambios en la parte estética, también se han cargado por completo la personalidad y el carisma de cada personaje de la serie, y si Ben Ramsey, el guionista, se piensa que por incluir detalles ínfimos, como que MutenRoshi tenga una revista erótica en su casa o que le toque el culo a Bulma, que Yamcha sea un ladrón de poca monta o que Goku sea más ingenuo que el de la serie cuando era pequeño, está definiendo correctamente la personalidad de cada uno de ellos respecto a la serie, se equivoca, es cierto que estos detalles se agradecen, pero todo el carisma que aportan en la serie se escurre en cada fotograma como la arena en un reloj.

De Goku casi mejor ni hablar, pues han usado la personalidad de su hijo Son Gohan (en la serie) de mayor, Piccolo es una mezcla de Djinn (el malo de Wishmaster) con el Garlick de la serie y además carece del carisma necesario como para ser tan malo como lo pintan, Bulma y Chichi están muy buenas (muy similar a las de la serie) pero al igual que el resto de personajes, solo se las reconoce por el nombre, la primera es un mero esbozo de la autentica tan dura y presumida al mismo tiempo y la segunda es demasiado tonta, recuerda más a la protagonista de una teen movie de humor americano, que a la propia Chi Chi.


Los escenarios también han sufrido grandes cambios pero claro una rápida y estúpida solución a todos los cambios es añadir Evolution al título, así creen que justifican tal barbarie...que hábiles.
Pero no conformes con todos y cada uno de los cambios resulta que las bolas de dragón son como el palantir de El Señor de los Anillos, de verdad para mear y no echar gota. Y no hablemos de la transformación de Goku en gorila, parece un hombre lobo en Underworld: La rebelión de los licántropos.

La banda sonora no aporta ningún tipo de emoción, no hacia falta componer nada, la música de la serie es perfecta, con lo que se hubiesen ahorrado podrían haberlo invertido en los efectos especiales que están en el limite de lo cutre, y teniendo en cuenta lo que ha costado, cien millones, no me extraña que la productora estuviera a punto de cancelarles el proyecto cuando presentaron los primeros resultados.


Volviendo a la parte estética, en su defensa leí en otros blogs o sites que llevarlo al dedillo hubiese resultado demasiado ridículo y en parte tienen razón pero si las cosas se hacen bien el resultado puede ser fidedigno a la obra original sin resultar desastroso, véase el caso de Watchmen.
Otro ejemplo más idóneo para el caso es este corto amateur en el que se nos demuestra que la fidelidad visual no se tiene por que perder innecesariamente.
Después de ver este corto echo por un grupo de chavales y editado con el after effects, me imagino lo que podrían haber llegado a hacer Wan y su equipo con los cien millones que ha costado la película.

Como resultado obtenemos una película de adolescentes americanos en el instituto aderezado con el toque fantástico de WishMaster y reminiscencias de Los Masters del Universo, descrito así pinta bien pero entonces que no se hubiese llamado DragonBall.

27/12/09

Los Hechiceros del Mundo Perdido


TÍTULO ORIGINAL: Wizards of the Lost Kingdom
AÑO: 1985
DURACIÓN: 72 min.
PAÍS: Argentina/USA
DIRECTOR: Héctor Olivera
GUIÓN: Ed Naha
MÚSICA: Christopher Young
FOTOGRAFÍA: Leonardo Rodríguez Solís
REPARTO: Bo Svenson, Vidal Peterson, Thom Christopher, Barbara Stock, Maria Socas, Dolores Michaels, Edward Morrow, Augusto Larreta, Michael Fontaine, Marcos Woinsky.
PRODUCTORA: Roger Corman, Frank K. Isaac, Alejandro Sessa.

En una época de magia, brujería y caos en el reino de Axeholme se ha cometido el asesinato del rey junto a su hechicero por parte de un traidor, un brujo maligno dominador de la magia negra llamado Shurka que quiere conseguir un anillo mágico para tener mas poder, pero el hechicero del rey, para preservar la vida de su hijo Simón, lo traslada a un bosque donde será protegido por el caballero Kor, que le ayudará a sobrevivir en una tremenda lucha entre las fuerzas del bien y del mal, de la magia blanca contra la magia negra, llena de diabólicas criaturas.

Esta cinta es el mayor collage del planeta, tiene tantas referencias de otras películas e incluso series televisivas que haría falta un estadio deportivo para dar cabida a todas juntas. La principal viene directamente del libro El Señor de los Anillos, pero también pasaremos por películas como Merlín El Mago, Star Wars, Legend, Conan, Robín Hood, Dragones y Mazmorras la serie, David El Gnomo la serie y un sinfín de detalles y referencias más.

La cosa explicada así, tiene buena pinta...pero NO!. Es mala, mala pero re-mala, ahora bien las risas que me he echado han sido de campeonato y mí nota final no se corresponde al divertimento que me ha ofrecido la película, mí puntuación se limita desde un punto de vista técnico.

Escrita por Ed Naha, guionista de dos grandes referentes de la serie B, como son Troll y Dolls, toma ya. Los diálogos son totalmente ridículos pero con frases impagables, pienso que en el doblaje se han debido tomar ciertas libertades en la traducción, respecto a la versión original o al menos eso espero por que hay cada frase que es para mearse encima.


Además de todas las referencias mencionadas anteriormente, la cosa se amplia con escenas de terror que homenajean a películas como La Noche del Terror Ciego o El Ataque de los Muertos sin Ojos de Amando de Ossorio, una mezcla que crea un contraste bastante bizarro. Claro que el argumento sigue estando dentro del género fantástico, estás escenas son solo de relleno. Además la historia está cargada de todos los tópicos, la filosofia de la amistad, el amor y desamor, la traición y la venganza.

Los personajes son de circo, atención a Gulfax hermano albino de Chewbacca, el malo malísimo que parece el Simbad de Bollywood, Udea la frígida que planea toda la movida, el guerrero Kor mitad Robín Hood mitad Dúnedain y Simón el hijo que parece un chico de circo ambulante, mas que el hijo de un mago y heredero del trono. Y aparte de Gulfax (el mejor), los diferentes monstruos y malos de turno, son realmente increibles, esto no os lo tomeís al pie de la letra, pensad en Troll y os hareís una pequeña idea de los que os espera.


La historia carece de sentido e hilo argumental coherente, personajes que aparecen de la nada en una escena y los matan al instante sin explicación ninguna, cambios de escenarios sin ningún tipo de transición ni explicación, llega un momento que no sabes situar a los personajes ni donde se encuentran o en que momento. Pues también tenemos flashbacks que no se entienden, al menos yo no los he entendido, supongo que la idea era alargar la historia lo necesario para llegar a un largometraje.

Los efectos especiales han sido hechos con bolígrafo, no literalmente, solamente es una comparación, en su época se le podría haber puesto un suficiente, pero hoy es directamente un suspenso. Y las coreografias en las peleas son tan ridículas que no son creíbles para nada.


La banda sonora es lo único decente y es agradable de escuchar, compuesta por Christopher Young, compositor de grandes clásicos como Hellraiser, Pesadilla En Elm Street 2, La Mosca 2 y más recientemente Sword Fish, Ghost Rider, Spider Man 3, The Grudge e incluso la última obra de Sam Raimi, Drag Me to Hell.

Ahora como ya he dicho, mí puntuación se limita al aspecto técnico pero a pesar de su baja calídad a mí me ha divertido mucho y al final esto es lo que cuenta, así que no toméis demasíado en cuenta la nota a no ser que busquéis un producto de calidad. Aunque cada uno debe conocer sus propios limites, los míos son bastante amplios. Así que recomiendo el visionado bajo la responsabilidad de cada uno y que los posibles daños cerebrales corran de cuenta propia.

26/12/09

Celda 211


TÍTULO ORIGINAL: Celda 211
AÑO: 2009
DURACIÓN: 110 min.
PAÍS: España
DIRECTOR: Daniel Monzón
GUIÓN: Daniel Monzón, Jorge Guerricaechevarría (Novela: Francisco Pérez Gandul)
MÚSICA: Roque Baños
FOTOGRAFÍA: Carles Gusi
REPARTO: Luis Tosar, Alberto Ammann, Antonio Resines, Carlos Bardem, Marta Etura, Vicente Romero, Manuel Morón, Manolo Solo, Fernando Soto, Luis Zahera, Félix Cubero, Joxean Bengoetxea, Jesús Carroza
PRODUCTORA: La Fabrique de Films / Morena Films / Telecinco Cinema / Vaca Films

El día en que comienza a trabajar en su nuevo destino como funcionario de prisiones, Juan se ve atrapado en un motín carcelario. Haciéndose pasar por un preso más, luchará para salvar su vida e intentar dar fin a la revuelta. El joven tendrá que jugársela a base de astucia, mentiras y riesgo, sin saber todavía qué paradójica encerrona le ha preparado el destino...

Daniel Monzón ha sentido devoción por el mundo del cine desde bien pequeño y después de figurar como periodista y crítico cinematrográfico, en el año 2000 debutó como director con El Corazón del Guerrero una fanta-comedia.
Nueve años después únicamente tiene en su haber, cuatro películas, contando la que aquí suscribo.
Pero es que Monzón es un director que se toma su tiempo, madurando y estudiando un proyecto con detenimiento antes de embarcarse en él y llevarlo a cabo, y ciertamente hasta el momento no le ha ido nada mal.
A lo largo de estos años ha ido evolucionando tanto en sus conocimientos como en los resultados obtenidos, además no ha llegado ha estancarse en un género. Sus dos primeros films (El Corazón del Guerrero y El Robo Más Grande Jamás Contado) tienen ese regusto de cómedia acida ámericana, mas tarde se pasó al thriller psicologico con La Caja Kovak, aunque esta tengo que volver a verla pues no recuerdo casí nada y ahora nos trae (su mejor película, al menos para un servidor) un drama carcelario socio-politico.

Basada en la novela de Francisco Pérez Gandul. Con un casting, realmente acertado, cada personaje, tanto extras como los personajes principales han sido elegidos concienzudamente y su caracterización, es tan real, que hasta diria que alguno de los extras puede que sea preso en el mundo real.
Aunque la mayoría sobreactuan en exceso, esto es precisamente lo que hace que el ambiente en pleno motín y escenas de tensión, sea real y creíble, contrariamente a lo habitual.
El peso de la historia lo lleva Luis Tosar, en el papel de Malamadre con un rol y carisma bastante acertado pero que es como el típico dúo cómico, necesita de Alberto Ammann en el papel de Juan Oliver, para crear situaciones realmente interesantes. Mención también a Utrilla (Antonio Resines) que se interpreta a si mismo, pero que juega un papel importante en el desenlace.


Aunque el género tratado es el drama carcelario, no, aquí no veremos la típica reflexión sobre la droga, el bandalismo callejero y sus malas consecuencias, tema ya bastante trillado en las producciones de quinquis como Navajeros, El Pico o Perros Callejeros, entre otras. La Celda 211, aborda de cerca, el tema del terrorismo, la violencia policial (a veces gratuita) y las supuestas malas condiciones presidiarías, aunque esto último es más propio del mundo del cine.

La factura técnica es realmente buena, tanto en fotografía, como encuadres y movimientos de cámara, banda sonora y la destrucción dentro de la cárcel, es muy grande. Nada que envidiar a las producciones europeas e incluso las ámericanas.

El guión se nota elaborado, aunque por momentos hay situaciones forzadas, debido a la suerte de nuestro protagonista al no ser descubierto, pero es que Juan tiene un instinto de supervivencia innato que le hace reaccionar con rapidez, saliendo airoso con las ideas claras y muy bien maquinadas, además esto le da la tensión necesaria a la historia.

Como resultado tenemos, la mejor película de Monzón, hasta la fecha. Sin duda La Celda 211, es lo que yo llamo una película bien parida, a la vez que sin grandes pretensiones.

21/12/09

Colinas sangrientas


TÍTULO ORIGINAL: The Hills Run Red
AÑO: 2009
DURACIÓN: 81 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Dave Parker
GUIÓN: John Dombrow (Historia: John Carchietta)
MÚSICA: Frederik Wiedmann
FOTOGRAFÍA: Ilan Rosenberg
REPARTO: William Sadler, Sophie Monk, Tad Hilgenbrink, Mike Straub, Janet Montgomery, Alex Wyndham, Raicho Vasilev, Itai Diakov, Ewan Bailey
PRODUCTORA: Dark Castle Entertainment / Warner Premiere / Fever Dreams / Ludovico Technique

Tyler, un fanático de las películas de terror deseoso de encontrar una copia completa de un slasher, se adentrará junto a dos amigos a los bosques donde fue rodada para hacer un documental sobre el misterio de la cinta y su director. Pronto descubrirán el motivo por el que la película nunca se completó en aquel bosque cuando su aventura se convierta en una terrible pesadilla.

Floja cinta de terror que intenta de una forma pretenciosa, crear una especie de novedad o rizar el rizo del trillado género del slasher. No es una mala película, tiene los elementos necesarios y claro está, sus momentos sanguinolentos. Pero tras su fuerte arranque la película decae conforme avanza, hasta quedar como otra más del montón. Cierto que si se compara con otras del mismo estilo que se hayan producido últimamente no está mal, pero no se trata de comparar, si no de valorar lo que ofrece está película y se queda con un suspenso. Podría haber sido más generoso, pero el mal tratamiento de la película y su giro final prevalecen sobre las pocas cosas buenas que ofrece.

La estética de la película no me quedó bien definida en ningún momento, todo gira en torno a una supuesta película prohibida, tan aterradora y explícita que la industria del cine se ocupó de hacerla desaparecer, solo hay un trailer en plan grindhouse y rumores sobre una única copia desaparecida. Pero de forma constante se nos muestran imágenes rápidas de ese trailer, que tiene un aspecto de película clásica del género y mientras vemos una película normal, donde cambiamos de escenario rápidamente y donde en ningún momento encontramos sobriedad ni coherencia visual. Con un intento desesperado por parte del guionista de hacerte sentir identificado con unos personajes planos, nos encontramos con un montón de tópicos sin gracia y lo que es peor, un asesino sin carisma.

Este tipo de películas son muy simples y lo que tienen de destacable son unos personajes mínimamente aceptables y como no, un asesino/a especial, que por algún motivo u otro caiga en gracia y sea recordado por si mismo y no por similitud con otros personajes. Otro factor de los que se componen estas películas y prácticamente el principal, es como se han ideado las distintas formas en las que el asesino/a irá acabando con los personajes. En este caso, hay que decir que la película tiene algunos momentos destacables. Pero el resultado final es insuficiente y si no fuera por esa pequeña pretensión de renovar, la película se podría valorar un poco más, así que, nos encontramos con una película mediocre, pero se puede aguantar, no como otras.

20/12/09

Avatar


TÍTULO ORIGINAL Avatar
AÑO 2009
DURACIÓN 161 min.
PAÍS Estados Unidos
DIRECTOR James Cameron
GUIÓN James Cameron
MÚSICA James Horner
FOTOGRAFÍA Mauro Fiore
REPARTO Sam Worthington, Zoe Saldana, Sigourney Weaver, Stephen Lang, Michelle Rodriguez, Giovanni Ribisi, Joel Moore, Wes Studi, CCH Pounder, Laz Alonso
PRODUCTORA 20th Century Fox / Lightstorm Entertainment / Giant Studios Inc.

Año 2154. Jake Sully (Sam Worthington) es un ex-marine confinado en una silla de ruedas que, a pesar de su cuerpo tullido, todavía es un guerrero de corazón. Jake ha sido reclutado para viajar a Pandora, donde las corporaciones están extrayendo un mineral extraño que es la clave para resolver los problemas de la crisis energética de la Tierra. Al ser tóxica la atmósfera de Pandora, ellos han creado el programa Avatar, en el cual los humanos "conductores" tienen sus conciencias unidas a un avatar, un cuerpo biológico controlado de forma remota que puede sobrevivir en el aire letal. Estos cuerpos están creados genéticamente de ADN humano, mezclado con ADN de los nativos de Pandora, los Na'vi. Ya en su forma avatar, Jake puede caminar otra vez. Ha recibido la misión de infiltrarse entre los Na'vi, los cuales se han convertido en el mayor obstáculo para la extracción del mineral. Pero una bella Na'vi, Neytiri (Zoe Saldana), salva la vida de Jake, y todo cambia. Jake es admitido en su clan y aprende a ser uno de ellos, lo cual le hace someterse a muchas pruebas y aventuras. Mientras, los humanos siguen con su plan, confiando en que la información de Jack les sea útil.

Poca cosa se puede decir en contra de un director que es el responsable de obras como Abyss, la segunda parte de Alíen o las dos primeras entregas de Terminator, salvo su mancha negra con Titanic, no dudo que esté bien echa pero me niego a verla.

Avatar ha sido un largo proyecto, la idea nació justo antes de rodar Titanic, pero por motivos de insuficiente tecnología digital para cumplir con éxito las expectativas de Cameron, el proyecto se ha ido creando durante diez largos años.
Ahora por fin puedo afirmar que la espera ha valido la pena. Cada ser vivo, cada paisaje, cada planta, cada gota de lluvia, cada rasgo, vamos hasta el más mínimo detalle del mundo de Pandora, ha sido cuidado y recreado con una textura inigualable hasta la fecha, vamos que si la perfección visual existiese, esa sería Avatar.

La estética tiene mucho que agradecer al mundo de los videojuegos, tanto por sus increíbles combinaciones del color como por su iluminación y textura. Creo que la parte rodada con actores reales ha debido ser renderizada, al menos en parte, pues en ningún momento tenemos la sensación de notar diferencias de textura entre la raza de los Na'vi (que evidentemente son digitales) y la de los actores reales.


Personalmente me recuerda mucho a las últimas entregas de la saga de Final Fantasy, en las que se mezcla la estética y la tecnología armamentística ultramoderna con la de tribus indígenas y la naturaleza más pura, creando un atractivo contraste visual.
El apartado de diseño, tanto de los personajes como los de la fauna de Pandora, han debido ser ideados con miles y miles de bocetos, hasta encontrar el más idóneo, hay cada animalillo suelto que se te cae la baba al verlo, de lo bien echo que ésta. Por no hablar del tratamiento con sensores para el movimiento de los personajes en sus expresiones faciales, dotando a la cinta de un gran realismo, a pesar de estar dentro del ambito de la animación.
Pero la pasión de Cameron por las formas redondeadas, las medusas, el mundo marino y los alienígenas, nacieron hace mucho tiempo y muchos de los diseños en Avatar, indudablemente nos recordaran a Abyss.
La banda sonora, empieza con calma pero incrementa su potencial a medida que avanza la historia para llegar a culminar en momentos realmente épicos, en las batallas.

Estamos ante la revolución del 3D Digital y el mundo digital no tiene limites, cada día se avanza un paso, y cada producción explota esta técnica de diferente forma pero a día de hoy, Avatar es lo más cerca que han estado de recrear en un lienzo plano, como vemos el mundo y el entorno que nos rodea con nuestros propios ojos .
Sin duda Avatar, alcanza el súmmum de esta interesante técnica, cada objeto, cada personaje, cada rincón de naturaleza, resumiendo todo lo que aparece en la pantalla, tiene su propia profundidad y volumen cúbico, haciéndote sentir insitu, en el maravilloso mundo de Pandora. Aunque supongo que la película es igualmente disfrutable en 2D, la experiencia de verla en 3D, es inigualable. La película ha sido estrenada también en 2D, tanto para los que no estén dispuestos a pagar el abusivo precio de una proyección en 3D como para los que no puedan disfrutarlo a causa de algún defecto visual.


Su duración ésta en el limite pero esta bien contada, se pasa a una velocidad espasmosa, cuando acaba, no parece que hayas estado sentado 160 minutos de tu vida, te quedas con ganas de más.
Cierto que la historia sido tratada en miles de películas, el mensaje final es similar a Los Últimos Días del Edén.
La historia nos plantea una reflexión sobre nuestra propia aniquilación entre especies u razas, el motivo, diferentes culturas o creencias. Por naturaleza nos creemos superiores, nuestra propia ambición y sed de poder económico y social, nos lleva a coger lo que deseamos, sin importar el precio que tengamos que pagar por ello.
Algo que sucede a diario en la vida real, tribus del amazonas aniquiladas sin compasión, guerras por un trozo de hectárea, una reflexión (sic) sobre el comportamiento de la raza humana y sus vejaciones hacía la naturaleza e incluso el propio planeta.

En resumen la historia no aporta nada nuevo, incluye un mensaje moralista sobre el desastroso comportamiento de la raza humana, visualmente es la bomba y creo que va a costar superar esta ambiciosa producción de Cameron, al menos en un breve corto plazo de tiempo.

18/12/09

Dread


TÍTULO ORIGINAL: Dread
AÑO:
2009
DURACIÓN:
88 min.
PAÍS:
Reino Unido
DIRECTOR:
Anthony DiBlasi
GUIÓN:
Anthony DiBlasi (Historia corta: Clive Barker)
MÚSICA:
Theo Green
FOTOGRAFÍA:
Sam McCurdy
REPARTO:
Jackson Rathbone, Shaun Evans, Hanne Steen, Laura Donnelly, Jonathan Readwin, Vivian Gray
PRODUCTORA:
Matador Pictures / Midnight Picture Show / Seraphim Films / Cinema Three / Entertainment Motion Pictures (E-MOTION) / Regent Capital / Motion Investment Group


Dread es otra de las películas que se pudo ver durante la pasada edición del Festival de Sitges, se trata de una nueva adaptación de otro relato corto perteneciente a los "Libros de sangre" de Clive Barker tras las anteriores "The Midnight Meat Train" y "Book of Blood", ambas producidas por Anthony DiBlasi que aqui debuta en la dirección.

la película de DiBlasi nos cuenta la historia de dos estudiantes, Stephen y Quaid que se conocen y deciden trabajar juntos en un documental a modo de estudio sobre las reacciones de la gente ante sus miedos más profundos que servirá como tesis a Stephen, al grupo también se une Cheryl, otra joven estudiante que hará las funciones de editora. Quaid es un tipo desquiciado y con tendencias psicópatas, atormentado por sus propias pesadillas causadas por un profundo trauma infantil al presenciar la violenta muerte de sus padres. Lo que comienza como un simple trabajo universitario con una serie de entrevistas rutinarias, se convertirá en algo mucho más terrorífico cuando las pesadillas de Quaid se intensifican y este decide buscar una salida llevando el estudio a un nivel superior que involucra incluso a sus propios compañeros.

Tras haber visto las anteriormente mencionadas "The Midnight Meat Train" (que resulta ser de lo más convencional) y "Book of Blood" me atrevo a decir que esta tercera adaptación de los "Libros de sangre" es la más interesante de las tres. DiBlasi debuta con una película inquietante, oscura, visualmente elegante y provocadora, donde a diferencia de sus predecesoras aqui no encontramos elementos sobrenaturales, se trata de puro terror psicológico que explora el rincon más oscuro de la mente humana, el de nuestros propios miedos. La peli arranca con un ritmo mas bien pausado mientras se nos presenta a los personajes y las relaciones que se establecen entre estos, pero una vez nos metemos en el experimento que pretenden llevar a cabo la trama se va animando con las continuas pesadillas que sufre Quaid que son cada vez más violentas y aparecen con mayor frecuencia incluso en forma de visiones en su vida cotidiana dejando escenas de terror bastante impactantes.

Como es de imaginar, Quaid cada vez más fuera de control irá presionando a sus compañeros para llevar el experimento a un "nivel superior"mucho más visceral y la primera cagada que estos cometerán es confesar sus propios miedos más ocultos como si también formaran parte del estudio, algo que Quaid se tomará muy en serio a la hora de preparar su macabra terapia personal. Es en la angustiosa parte final donde realmente se encuentra concentrado el peso del terror psicológico que ofrece la peli, un tipo de terror más real y cercano que consigue incomodar por el alto nivel de sadismo que demuestra Quaid.

La pelicula esta rodada de una forma sobria, sin demasiadas estridencias pero con un look actual tirando a "moderno" y con una banda sonora donde aparecen algunos grupos de la escena "independiente" actual como el grupo francés de "pop/electrónica experimental" M83 con el tema "Don't Save Us From The Flames".

Dread no es una película perfecta, sus personajes son algo esquemáticos y el guión tampoco llega a profundizar en sus relaciones más allá de lo necesario para poder seguir la trama, aunque al estar basada en un relato corto tampoco se le puede pedir mucho más. Partiendo de su interesante planteamiento DiBlasi consigue desarrollar una terrorífica e intensa historia que refleja el lado más perverso del ser humano y si además tenemos en cuenta que se trata de su debut como director, mi conclusión es que estamos ante una buena muestra de terror actual que trata al público de una forma más seria y reune las suficientes virtudes como para merecer mi aprobado y poder recomendarla a todos vosotros, queridos lectores.

17/12/09

G.I. Joe: The Rise of Cobra


TÍTULO ORIGINAL : G.I. Joe: The Rise of Cobra
AÑO: 2009
DURACIÓN: 118 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Stephen Sommers
GUIÓN: Stuart Beattie, Skip Woods
MÚSICA: Alan Silvestri
FOTOGRAFÍA: Mitchell Amundsen
REPARTO: Dennis Quaid, Channing Tatum, Brendan Fraser, Sienna Miller, Jonathan Pryce, Joseph Gordon-Levitt, Arnold Vosloo, Rachel Nichols, Christopher Eccleston, Marlon Wayans, Ray Park, Byung-hun Lee, Saïd Taghmaoui, Brandon Soo-Hoo, Adewale Akinnuoye-Agbaje, Karolina Kurkova
PRODUCTORA: Paramount Pictures / Spyglass Entertainment / Di Bonaventura Pictures

Otra adaptación (libre pero que muy libre) del mundo de los cómics, jamás he sido fan de este mundillo, ahora bien en este caso tengo un punto de referencia, la serie de dibujos. Y no entiendo por que Stephen Sommers (si el mismo que nos torturó con la, hasta ahora, trilogía de la Momia) se toma sus propias licencias y todo se convierte en un videojuego de última generación, que bien se podría haber titulado American Superheroes.
En la serie/cómics, los G.I Joe eran un grupo de soldados de élite entrenados para proteger el planeta de la asociación terrorista COBRA, archienemigo a muerte contra de los G.I Joe.

En la película la historia empieza de forma rápida y concisa, con una batalla campal por hacerse con un maletín que contiene unas ojivas, que en su interior poseen nanotecnología capaz de destruir el planeta, por suerte los G.I Joe están dispuestos a hacer lo que haga falta para que los Cobra no se hagan con el maletín.

Estoy de acuerdo en que la estética del mundo del cómic, a menudo, no se puede o debe plasmar al dedillo, hay que tenerlo muy claro si intentas calcar algo, el resultado puede ser desastroso.
Por este motivo me parece correcto que en algunos casos se decida rediseñar a los personajes, dando un toque mucho más acorde a los tiempos en que vivimos, aunque siempre se acabe recurriendo al cuero negro. Un claro ejemplo fue el caso de X-Men y aunque mí primera impresión fue de rechazo (a menudo lo és), al menos estos se asemejaban en cierta manera a los orginales, sin embargo aquí, por lo que yo recuerdo, Sommers parece haberse tomado sus propias licencias inventandose por completo a cada uno de ellos, tanto estéticamente como en su personalidad.


Aún así reconozco que el apartado de diseño a sido una ardua tarea, merece cierto reconocimiento, si bien, no entiendo para que tanto esfuerzo, horas de trabajo y dinero invertido, cuidando, diseñando y perfeccionando los decorados, trajes y demás enseres con tanto detalle para que luego llegue el guionista Stuart Beattie y eche a perder todo por la borda, con su incoherente historia, ideal para una película de James Bond.
Lo que podría haber sido una simple historia, se convierte en una paja mental, aunque no me extraña, viendo lo que escribió para Piratas del Caribe 3, aún no me puedo creer que el resto de la saga, esté escrita por él.

Además abusa constantemente de flashbacks, repetitivos e innecesarios, que ralentizan la acción de la cinta, con el proposito de explicarnos la relación entre los personajes, por ejemplo en el caso de la rivalidad de Storm Shadow contra Snake Eyes, habría bastado con un solo retroceso en el tiempo, para dejar clara que su rivalidad, nace siendo bien pequeños, pero Stuart convierte un momento épico y glorioso en algo cansino y tedíoso.

La sobriedad con la que empieza la cinta se va degenerando a la misma velocidad que el guión, convirtiendo las escenas de acción en un videoclip acelerado, famosa técnica usada por Michael Bay en Transformers, así es más efectivo y barato disimular los fallos.


Los personajes no tienen carisma, son meros estereotipos, la chica dura/sensible que se enamora con extrema facilidad, el guaperas, el listo que todo lo sabe, el negro gracioso...vamos que parecen más bien sacados directamente de una spoof movie.
La banda sonora aporta la emoción de una manera muy justa, tanto, que en ocasiones se queda corta, simplemente pasable.
No esperaba gran cosa y más viniendo de Sommers, la verdad todavía no se muy bien por que acabo mordiendo el anzuelo con este tipo de producciones, que la mayoria de veces, ni siquiera llegan a un mero y divertido entretenimiento, supongo que será por que alguna vez me he llevado una grata sorpresa, pero hoy no ha sido el caso.

15/12/09

Resacón en Las Vegas


TÍTULO ORIGINAL: The Hangover
AÑO: 2009
DURACIÓN: 100 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Todd Phillips
GUIÓN: Jon Lucas, Scott Moore
MÚSICA: Christophe Beck
FOTOGRAFÍA: Lawrence Sher
REPARTO: Bradley Cooper, Ed Helms, Zach Galifianakis, Justin Bartha, Heather Graham, Sasha Barrese, Jeffrey Tambor, Ken Jeong, Rachael Harris, Mike Tyson, Mike Epps, Jernard Burks, Rob Riggle, Cleo King, Bryan Callen, Ian Anthony Dale, Gillian Vigman, Todd Phillips, Matt Walsh
PRODUCTORA: Warner Bros. Pictures / Legendary Pictures / Green Hat Films
WEB OFICIAL: http://hangovermovie.warnerbros.com/

The Hangover (La resaca) es la historia de una desmadrada despedida de soltero en la que el futuro novio y sus tres amigos, dos días antes de la boda, se montan la juerga padre en Las Vegas. Doug (Justin Bartha) viaja a la ciudad del juego con sus mejores amigos Phil (Bradley Cooper) y Stu (Ed Helms), así como su futuro cuñado Alan (Zach Galifianakis). La juerga es de campeonato y, como era de esperar, a la mañana siguiente tienen una resaca monumental. El problema es que, siendo incapaces de recordar nada de lo ocurrido durante la noche anterior, se encuentran con que el prometido ha desaparecido, topándose en su lugar con otras dos sorpresas en la suite del hotel: un tigre y un bebé.

Esta es la típica película que no despierta mi atención, su título, su sinopsis, su planteamiento, no es nada que no se haya hecho muchas veces. Lo extraño es que por el boca a boca, leyendo críticas casi todas favorables y terminar una tarde de domingo de apalanque total, se le dio una oportunidad a La resaca. Una comedia llena de tópicos que no ofrece nada nuevo, pero por extraño que parezca, la película no está mal, la formula de siempre con ligeros retoques, pero con puntos a favor para no ser despreciable.

El planteamiento es simple, se prepara una despedida de soltero, a parte del novio, esta el personaje cínico, el pringado y el loco. Como un buen topicazo de este tipo de comedias americanas, la despedida la quieren celebrar en Las Vegas, todo se descontrola y cada vez se complica más. Lo llamativo de su planteamiento es que no se muestra el desmadre de la fiesta, todos se levantan con una gran resaca y amnesia. Han perdido al novio y no recuerdan nada de lo ocurrido, ahora tienen que averiguar lo que fueron haciendo y mientras, se van encontrando con los resultados de sus actos. Un buen ejemplo es compararla con Memento, pero con cuatro borrachos colgados. El arranque de la película es lo de siempre, presentación de personajes, inicio del viaje y sucesión de gags absurdos uno detrás del otro. Durante toda la película se presentan situaciones tan límite que resultan graciosas y desconcertantes, como solamente vemos el resultado de la juerga, nuestra mente reconstruye como han llegado hasta este punto y en algunas situaciones es parecido a ciertas escenas de Miedo y asco en Las Vegas.

Los puntos positivos del film son varios, es una película directa, dinámica, alocada, gamberra y roza en muchas ocasiones el humor negro, pudiendo recordar a Very Bad Things. Consigue mantener la atención, la banda sonora es una selección que no destaca, pero acompaña bien a las imagenes y las interpretaciones están a la altura, destacando a Zach Galifianakis. Una película que resulta ser tan básica que no te molestas en sacarle fallos, solo te ríes de lo tontas que son las situaciones y de algunos homenajes nostálgicos a varias películas de los ochenta. Está claro que está película no es la comedia del año, ni inteligente, ni innovadora, pero está lo suficiente bien hecha para destacar sobre las demás. La trama está bien estructurada, los flash-back están bien integrados, consiguen despertar intriga para que el espectador este interesado en la resolución final mientras se parte de risa con algunas situaciones descabelladas. La parte negativa es el desenlace, gracioso, pero algo precipitado, a parte de ser lo políticamente correcto para la moral americana. Pero por lo menos tienen el detalle de colarnos una broma final para dejar un buen sabor de boca.

14/12/09

Chandu el mago


TÍTULO ORIGINAL: Chandu the Magician
AÑO: 1932
DURACIÓN: 71 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: William Cameron Menzies / Marcel Varnel
GUIÓN: Barry Conners & Philip Klein / Harry A. Earnshaw, Vera M. Oldham & R.R. Morgan (radio serial)
MÚSICA: Arthur Fields
FOTOGRAFÍA: James Wong Howe
MONTAJE:
Harold D. Schuster
REPARTO: Edmund Lowe, Irene Ware, Bela Lugosi, Herbert Mundin, Henry B. Walthall, Weldon Heyburn, June Lang, Michael Stuart & Virginia Hammond
PRODUCTORA: Fox Film Corporation (20th Century Fox)

Roxor pretende dominar el mundo, para ello ha secuestrado al científico Roberto Regente con su último invento, el rayo de la muerte, un arma capaz de destruir ciudades enteras y doblegar la mente de los seres humanos. La única esperanza se encuentra en Chandu, un poderoso mago que domina los poderes del ilusionismo. En compañía de sus aliados, Chandu se enfrentará a Roxor para liberar al mundo.

La película de Chandu the Magician está inspirada en una serie radiofonica que comenzó el 17 de marzo de 1932 con el episodio titulado Transferred To Egypt. La serie emitida por radio constó de 130 episodios, finalizó en 1935. Más tarde contó con una continuación en 1948 titulada Chandu returns. Ambas series narraban las aventuras de Chandu, un americano que había aprendido las técnicas de los yogis de la India, y tenía capacidad para la proyección astral, teleportación y crear ilusiones en los demás. Para la adaptación cinematográfica la productora Fox Film Corporation, que luego devendría en la 20th Century Fox eligió como protagonista a Edmund Lowe, un actor que se inició en el cine mudo donde cosechó grandes éxitos. Para encarnar el papel del despiadado Roxor, la productora tuvo el acierto de contar con la participación del carismático Bela Lugosi.

La principal virtud y atractivo de la película es su actor principal y su antagonista. Para el personaje del mago Chandu se resaltaron sus facultades hipnóticas, aunque también se mostrarán las otras capacidades exhibidas en los seriales radiofónicos, como la proyección astral y teleportación, entre otras. Aunque la verdadera fuerza reside en la interpretación de Bela Lugosi como el malvado Roxor, dentro de los tópicos de este tipo de personajes, Bela Lugosi le otorga su toque personal, jugando con la intensidad de su mirada y la expresividad de sus manos. Consigue darle su toque personal y mostrar el estereotipo de un gran villano. El resto de actores que participan en la película consiguen recrear la ambientación que tienen que transmitir los personajes secundarios en este tipo de producción. La dirección de actores, perfectamente llevada por Marcel Varnel, está equilibrada y es lo suficientemente atractiva para realzar el carisma de los actores secundarios al igual que los protagonistas.

El apartado visual está en manos de William Cameron Menzies, se nos muestra un mundo fantástico con paisajes exóticos, un gran uso de la cámara y travellings que pueden suponer un precedente. La fotografía de la película muestra unos interesantes puntos de vista y la recreación de los escenarios está muy lograda. Se puede considerar una joya del cine fantástico de inicios del sonoro, entrañable y cautivadora, consigue trasladar al espectador a un mundo fascinante. Una buena película de aventuras, donde la magia es posible y donde los malvados que intentan apoderarse del mundo tienen que enfrentarse al héroe, siempre dispuesto a luchar por devolver la paz. Una gran experiencia que para el momento en el que se realizó, consta de grandes cualidades y mucho merito. Cuenta con unos buenos efectos visuales, una trepidante banda sonora y un divertido guión con una inocencia que lo hace especial. Chandu the Magician ofrece lo necesario para pasar una buena sesión de aventuras, magia y diversión.

13/12/09

Angustia


TÍTULO ORIGINAL: Angustia
AÑO: 1987
DURACIÓN: 91 min.
PAÍS: [España]
DIRECTOR: Bigas Luna
GUIÓN: Bigas Luna
MÚSICA: José Manuel Pagán
FOTOGRAFÍA: José María Civit (AKA Josep M. Civit)
REPARTO:Zelda Rubinstein, Michael Lerner, Talia Paul, Ángel Jove, Clara Pastor, Isabel García Lorca, Nat Baker
PRODUCTORA: Luna Films / Samba P.C.

Bigas Luna es conocido por su pasión hacía el cine érotico, como es el caso de Jamón Jamón, Bambola o Las Edades de Lulú, entre otras. Aunque para mí, su mejor película y una de las mejores cintas de terror de nuestro país (aunque se rodó de cara al extranjero, yo la considero patrimonio nacional) se haya en su filmográfia, en efecto me refiero a Angustia.

Angustia se divide en dos historias que confluyen con gran maestría, la primera nos explica la historia de Juan, un oftalmólogo que vive con su madre que y tiene una curiosa afición: coleccionar ojos, humanos por supuesto. Su madre ejerce sobre él un fuerte dominio psicológico. La segunda historia nos cuenta las peripecias que sufrirán Linda y Patricia, dos amigas que han ido a la sesión de cine matinal.

Angustia rinde homenaje al cine de terror autentico, sin grandes artificios pero se nota que está escrita y dirigida con pasión por el género y creo que es una cinta caída injustamente en el olvido.
Como bien explica la sinopsis la cinta se divide en dos historias de las que no revelare más detalles para el que todavía no la haya visto, en ese caso espero le ponga remedio.


Al principio todo es muy extraño y un tanto onírico, como si todo lo que estamos viendo fuese causado por nuestra propia imaginación, haciéndonos dudar de si estamos ante una situación real o ficticia, tranquilos antes de llegar a medio metraje nuestras dudas serán resueltas cuando ambas historias se unen, de una forma muy particular.

El ambiente de la primera historia, en su arranque, es lento pero desde un principio ya ves claro que algo no marcha bien, solamente la presencia de la madre, papel interpretado por Zelda Rubinstein (Poltergeist) da bastante grima e inquieta.
Su sobria estética en esta primera parte, nos recordara a cintas italianas de los setenta, e incluso por momentos a ese género tan trillado como es el giallo. Además, tiene momentos de autentico delirio, con juegos de hipnosis que nos mostraran planos psicodelicos en las escenas de dominio materno.
La segunda parte, se aleja de lo visto hasta el momento, ambientada en los ochenta, da otro enfoque diferente, visualmente mucho menos onirico y psicodelico, la mezcla entre ambas historias nos dan como resultado una combinación curiosa y dínamica.

La banda sonora mantiene muy bien la tensión en la medida justa durante toda la cinta, ni más ni menos. Reconozco que la película tiene sus fallos (grandes producciones también) pero como bien he dicho es una cinta echa con pasión por el género, una cinta para ver y ser recordada, sea para bien o para mal.

12/12/09

Las crónicas mutantes


TÍTULO ORIGINAL: Mutant Chronicles
AÑO: 2008
DURACIÓN: 101 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Simon Hunter
GUIÓN: Philip Eisner
MÚSICA: Richard Wells
FOTOGRAFÍA: Geoff Boyle
REPARTO: Thomas Jane, John Malkovich, Ron Perlman, Devon Aoki, Shauna Macdonald, Benno Fürmann, Sean Pertwee, Anna Walton, Roger Ashton-Griffiths, Pras, Christopher Adamson, Steve Toussaint
PRODUCTORA: Edward R. Pressman Film / First Foot Films / Paradox Entertainment

En el siglo 23, el mayor Major Mitch Hunter lidera una lucha contra un ejército de necromutantes del inframundo. Siguiendo las indicaciones proféticas de un libro, un grupo valeroso se aventura en una peligrosa misión para liberar al mundo de la terrible amenaza.

Mediocre película de acción, que intenta de forma bastante presuntuosa recrear una estética visualmente impactante, pero con un resultado negativo y decepcionante. Ambientada en una época anacrónica, han recreado un mundo ficticio donde se mezcla un poco de todo. La película está basada en el juego de rol de ambientación futurista, Mutant Chronicles.


En este juego los jugadores viven aventuras en un mundo post-apocalíptico que retrocedió a la tecnología de los combustibles fósiles, renegando de la alta tecnología y con una estética mezclada entre lo futurista y las décadas del siglo XX, del 30 al 50. Pero eso no es suficiente para justificar la pretensión de recrear un mundo fantástico, hubiera sido mejor no apuntar tan alto y centrarse en algo más acotado para conseguir mejores resultados.


La estética del film recuerda a producciones como 300, Spirit o Sin City, pero con una post producción bastante inferior. En algunos momentos la técnica utilizada para recrear escenarios está bastante lograda, pero rápidamente lo estropean todo recargando la escena con efectos innecesarios. Han querido mostrar un gran mundo, pero todo ocurre de forma precipitada y confusa. Eso no es solo culpa de los efectos especiales, el guión hace un gran trabajo para terminar de catapultar el metraje hacia el desastre. Los personajes están presentados de forma tosca, sus motivaciones son absurdas y carecen del carisma suficiente, la intención es buena, pero todo queda en una burda pretensión.


Para intentar darle un toque de calidad a la película han contratado actores que no necesitan presentación como Ron Perlman o John Malkovich y otros como Thomas Jane (La niebla) o Devon Auki (Sin City). Pero, ni de este modo se consigue un resultado digno, esto es una película de serie B en toda regla, pero sin el encanto que desprende una buena película de esa categoría. Las interpretaciones, incluyendo a los actores con renombre, son muy bajas y básicas. La banda sonora es mejor ni comentarla, pasa desapercibida durante toda la película, se pretende mostrar intensidad y una épica desmesurada, pero el efecto que se consigue es el contrario. Una película que con otro enfoque y menos pretensión podría haber sido algo digno y entretenido, pero lo que han hecho es un producto difícil de digerir, seguramente sea más divertido el juego de rol.


Puntuación

11/12/09

Camas blandas, batallas duras


TÍTULO ORIGINAL: Soft Beds, Hard Battles (AKA Undercovers Hero)
AÑO: 1974
DURACIÓN: 107 min.
PAÍS: Reino Unido
DIRECTOR: Roy Boulting
GUIÓN: Roy Boulting, Leo Marks
MÚSICA: Neil Rhoden
FOTOGRAFÍA: Gilbert Taylor
REPARTO: Peter Sellers, Lila Kedrova, Curd Jürgens, Béatrice Romand, Jenny Hanley, Françoise Pascal, Rex Stallings, Rula Lenska, Daphne Lawson
PRODUCTORA: Boulting Brothers

En una lujosa casa de citas de Madame Grenier, en el París ocupado por las tropas alemanas, el mayor Robinson, miembro del servicio secreto británico y ex cliente de la casa, se dedica a liquidar a los oficiales del estado mayor alemán cuando van sin uniforme, lo cual tiene como consecuencia que Grenier y sus chicas ingresen en la resistencia.

Peter Sellers es considerado un gran cómico pero a su vez hay un gran sector que no comparte esa consideración. Con una gran carrera, cuenta con grandes películas a sus espaldas (Lolita, La pantera rosa, ¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú, El guateque, Un cadáver a los postres, entre otras muchas ). Hasta finales de los 70, para bien o para mal continuaba al pie del cañon, pero el estrellato y los conflictos emocionales de su vida particular comenzarían a afectarle. Fue un declive en su carrera; choques con directores y actores, turbulenta vida matrimonial, severos problemas de personalidad y malos resultados en taquilla con prácticamente todas sus ultimas películas.

Camas blandas, batallas duras no es una película bien considerada por la crítica, tachándola de comedia mediocre quedó en el olvido. Es cierto que la película no es una destacable comedia, pero tiene esa esencia demencial, bromas absurdas que aunque no sean graciosas ni ocurrentes, hacen gracia por lo tontas que son y como están contadas. Durante sus últimos papeles Peter Sellers tenía tendencia a interpretar varios personajes, pero en está ocasión se aventura con nada más y nada menos que seis personajes distintos. Un general francés, un soldado inglés, un investigador de la Gestapo, un coronel inglés, un general japonés y el mismo Hitler

La película está rodada con un estilo cercano al telefilm, su guión no es nada destacable, aunque si desarrollado de forma concisa. Las interpretaciones no van más haya de lo que pretende el film y las situaciones cómicas están reforzadas con destapes, justificados porque la mayor parte de la acción ocurre en un prostíbulo. Hay que destacar las grandes apariciones de Peter Sellers en sus múltiples papeles, destacando en especial al investigador de la Gestapo. El ritmo de la película es algo pausado en algunos momentos, algunos de los gags no están a la altura, pero para mi gusto se consigue mantener la expectación. Tiene los matices necesarios para hacerte pasar un buen rato, echar unas risas y dibujarte una sonrisa. Una comedia absurda y delirante que se puede considerar un pequeño tesoro para los admiradores de este gran e irrepetible actor. Pero si no simpatizas en absoluto con Peter Sellers olvidate de ella.

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7/12/09

Aterriza como puedas II


TÍTULO ORIGINAL: Airplane II: The Sequel
AÑO: 1982
DURACIÓN: 85 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Ken Finkleman
GUIÓN: Ken Finkleman
MÚSICA: Elmer Bernstein
FOTOGRAFÍA: Joseph Biroc
REPARTO: Robert Hays, Julie Hagerty, Lloyd Bridges, Peter Graves, William Shatner, Chad Everett, Sonny Bono, Raymond Burr
PRODUCTORA: Paramount

Años después de que salvara heroicamente las vidas de los pasajeros de un avión Jumbo, cuya tripulación cayó intoxicada, Ted Striker trabaja como piloto de pruebas de la nueva Lanzadera lunar. Sin embargo, será enviado a una institución mental tras estrellar su nave de pruebas, a pesar de no tener la culpa. Cuando se entere de que el mismo tipo de nave se utilizará para realizar el primer vuelo lunar comercial, escapará e intentará evitarlo por todos los medios.

Secuela prácticamente calcada a su antecesora, se puede decir que se repite la misma película. Una disparatada historia llena de chistes previsibles y situaciones surrealistas, en su momento pudo tener alguna gracia, pero ahora es algo delirante. El argumento es simple, pero constantemente cuelan bromas y situaciones absurdas fuera de contexto. El tipo de humor es comparable actualmente a series de animación como Padre de familia, que beben de este tipo de películas sin normas, donde los guionistas competían para ver quien escribía la burrada más tonta.

El director Ken Finkleman también se ocupa del guión de está delirante continuación, solo tiene otra película más como director en 1985 titulada Head Office, el resto han sido trabajos para televisión. En está ocasión también cuentan con la participación del compositor Elmer Bernstein (Heavy Metal, An American Werewolf in London, Airplane!, Ghost Busters, entre muchas otras) y también repite parte del reparto de la anterior película. El resultado es un cúmulo de gags, muchos son calcos de la anterior entrega y todo ello con la desfachatez de aprovechar el éxito de una película que tampoco tiene razón de ser. La sensación es la misma que escuchar un chiste malo que ya conoces, pero que de todas formas te hace gracia. Uno de los momentos más delirantes es la aparición de William Shatner, parodiándose a si mismo en un excéntrico papel.

El apartado técnico de la película es sorprendentemente malo, pero con resultados curiosamente aceptables, dentro de lo absurdo incluso están bien aprovechados. Escenarios de cartón piedra, paneles de luces que parpadean constantemente, maquetas cutres, pero gracioso al fin y al cabo. Es cierto que con la película ríes por no llorar, aunque en algún momento puedes llorar de la risa, con tantas bromas absurdas el cerebro sufre un cortocircuito. Gracias a Airplane! se creó esta absurda secuela, uno de los pistoletazos para una ristra de comedias con el mismo espíritu, un desmadre sin control pero mucho mejor que la gran mayoría de comedias tontas que ahora se estrenan en los cines.

4/12/09

Giallo

Dario ArgentoTÍTULO ORIGINAL: Giallo
AÑO: 2009
DURACIÓN: 92 min.
PAÍS: Italia
DIRECTOR: Dario Argento
GUIÓN: Jim Agnew, Sean Keller
MÚSICA Marco Werba
FOTOGRAFÍA: Frederic Fasano
REPARTO: Adrien Brody, Emmanuelle Seigner, Elsa Pataky, Robert Miano, Byron Deidra, Daniela Fazzolari, Lorenzo Pedrotti, Valentina Izumi, Taiyo Yamanouchi
PRODUCTORA: Coproducción EEUU-Italia; Opera Film Produzione / Giallo Production

Una azafata estadounidense (Emmanuelle Seigner) se asocia con Enzo Lavia (Adrien Brody), un detective italiano, para rescatar a su hermana (Elsa Pataky) que ha sido secuestrada por un sádico asesino en serie, conocido con el sobrenobre de “Amarillo” ("giallo"). 



Voy a empezar esta crítica haciendo un breve repaso por la historia del maestro del terror italiano Dario Argento, hasta llegar a la película que nos ocupa. Para ello voy a dividir su trayectoria en dos etapas, a mi parecer, claramente diferenciadas:

Durante la década de los 70 y 80, se podría decir, que hablamos de la época dorada de Argento. Donde creó algunas de sus obras más grandes que le han convertido en el icono que es hoy en día. Películas como Rojo Oscuro (la película que mejor marcó los elementos que debe tener un buen giallo), Suspiria (su primera y maravillosa incursión en terrenos sobrenaturales), Tenebrae o Phenomena son ya clásicos del cine de terror que en su momento influenciaron a grandes directores como, sin ir más lejos, al propio John Carpenter con La noche de Halloween (1978).
A finales de la década de los 80 entramos en la segunda etapa a la que me refería, vamos a llamarla la etapa "post opera", ya que para mí, después de Terror en la Opera (1987) empezaría la decadencia del cine de Argento.

En los 90 sus películas empiezan a perder la fuerza y el estilo visual de antaño, para ofrecernos una serie de productos grisotes, que son lanzados directamente al videoclub. Películas como Trauma ó El Fantasma de la Opera son claras muestras de que, tristemente el maestro parecía haber agotado su capacidad creativa. La única película que destacaría de esta época es El síndrome de Stendhal (1996), al menos resulta ser una original propuesta con un rollo muy artie. Ya estamos en el año 2000 y con el comienzo del nuevo siglo se puede decir que las cosas no le iban mucho mejor a Argento, con películas tan nefastas como Il Cartaio. Aunque hay que destacar el apreciable esfuerzo realizado con Insomnio (Sleepless, 2001), un intento de recuperar, aunque sea en parte, el espíritu giallo de su mejor época.



No sería hasta el 2005 cuando se podría hablar de una "resurrección" de Argento, una tercera etapa, la etapa Masters of Horror. En este año Argento es invitado para participar en esta serie norteamericana producida por Mick Garris. Y el resultado ya lo conocemos todos, dos notables capítulos como son Jenifer y Pelts, que para sorpresa de sus seguidores nos muestran a un nuevo Argento con fuerzas renovadas que cambia el estilismo visual de antaño, por unas nada desdeñables dosis de gore, muertes rebuscadas y salvajadas varias que son mostradas sin ningún tipo de complejos.
Estamos ante el nuevo Argento del siglo XXI, al que la experiencia vivida en M.O.H. parece haberle devuelto parte de las fuerzas perdidas y de su libertad creativa. Es entonces cuando Argento se atreve con sus dos últimos y polémicos trabajos: La Terza Madre (Mother of Tears, 2007), el cierre de su emblemática trilogía de las tres madres, iniciada con Suspiria e Inferno. Y la película que aquí nos ocupa y cuyo título lo dice todo: Giallo.

Si bien con La Terza Madre el director italiano ha sufrido numerosas y duras críticas, motivadas en gran parte por la inevitable comparación con sus excelentes predecesoras, y las grandes expectativas que se habían creado. No hay que olvidar que estamos ante un nuevo Argento y cualquier comparación con su época dorada es por lo tanto inútil.
Es verdad que el guión de La Terza Madre es completamente absurdo y sus efectos especiales de segunda categoría, pero también es verdad, que la película ofrece grandes dosis de gore, quizás la que más en toda su carrera. Y si a esto le sumamos la mala leche y el humor negro del que hace gala, estamos ante una mala película pero bastante disfrutable de cara al aficionado del terror más desprejuiciado.

Llegamos por fin a Giallo, una película que, a priori, parecía algo más seria. Con actores conocidos como la pareja formada por Elsa Pataky y Adrien Brody y con dinero americano de por medio, al tratarse de una co-producción italo/americana, hasta se podía fantasear con su estreno en salas de cine a lo grande, pero como he dicho, solo lo parecía. La historia que nos cuenta Giallo es muy simple: Un psicópata perturbado al que llaman Yellow (debido al color de su piel) se dedica a secuestrar y matar bellas mujeres en la ciudad de Roma. Su siguiente víctima será una hermosa modelo llamada Celine (Pataky) a la que secuestrará. Su hermana Linda (Emanuelle Seigner) se unirá a un excéntrico y solitario detective llamado Enzo Lavia (Brody) y juntos tratarán de encontrar a Celine antes de que sea demasiado tarde.



Hay que aclarar que el guión está escrito por unos señores que responden al nombre de Jim Agnew y Sean Keller, el único papel de Argento en este sentido, fue el de "revisarlo y acentuar ciertas escenas para darle más fuerza". Por lo que podría ser considerada como una película "de encargo", puede que por este motivo todo en Giallo, sea tan plano y simple.
La película está rodada de una forma rutinaria, que por momentos puede recordar a un telefilm, solo algún plano aislado, nos puede recordar que es el maestro Argento quien está detrás de la cámara. El guión hace gala de una estupidez considerable con algunos diálogos que rozan el ridículo, con una historia que no da mucho más de sí.
Y encima aquí no tenemos que intentar averiguar quién es el asesino, ya que se nos muestra casi desde el principio de la película, además de tener un aspecto bastante cómico. Y para colmo, lo único que podría salvar todo este desaguisado, sería alguna muerte cañera. Pero resulta, que prácticamente brillan por su ausencia. Resumiéndose en unos pocos planos rápidos, la mayoría están en forma de flashbacks que nos muestran alguna muerte a manos del asesino, pero como digo, de una forma muy fugaz y sin ofrecer nada novedoso ni impactante.

En cuanto a las actuaciones tenemos a la Pataky que apenas tiene diálogos, ya que se pasa casi toda la película manchada de sangre y chillando, Emanuelle Seigner que está un poco sosa como la hermana desesperada de Celine. Y por último tenemos a Adrien Brody sobreactuando al límite (supongo que por indicaciones del propio director) como el policía duro, solitario y de pasado misterioso que solo puede ser interpretado como una parodia a este tipo de personaje habitual en el cine policiaco.



Giallo podría haber sido un homenaje a este tipo de cine que tan grande hizo a Argento, pero en lugar de eso, la única forma en que se puede entender es como una especie de parodia a los clichés, los personajes y las situaciones habituales de este tipo de cine. Lo cual, dicho así no suena tan mal, pero el problema es que ya puestos podría haber hecho una spoof-movie-giallo sin complejos, ya que el tono paródico tampoco es lo suficientemente claro y la película termina por desconcertarte sin saber que era exactamente lo que Argento -o los guionistas- pretendían con ella.

Algún detalle aislado como los ambientes iluminados en amarillo haciendo referencia a la historia del asesino, alguno de los flashes "macabros" antes mencionados y el cariño que siento por Dario Argento, un director que a sus 68 años aún continua intentándolo con sus películas, hacen que le perdone la decepción que me llevé en la última maratón nocturna del Festival de Sitges. Fui con mucha ilusión a ver esta película, pero por mucho que me duela tengo que puntuarla como la mala película que me pareció. Por cierto, si alguien entendió la escena final de la película, ¿sería tan amable de explicármela? Gracias.

Puntuación