26/2/10

Cabin Fever 2: Spring Fever


TÍTULO ORIGINAL: Cabin Fever 2: Spring Fever
AÑO: 2009
DURACIÓN: 80 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Ti West
GUIÓN: Joshua Malkin (Historia: Randy Pearlstein, Ti West)
MÚSICA: Ryan Shore
FOTOGRAFÍA: Eliot Rockett
REPARTO Rider Strong, Noah Segan, Alexander Isaiah Thomas, Giuseppe Andrews, Alexi Wasser, Regan Deal
PRODUCTORA: Tonic Films / Morningstar Films / Tunnel Post

Después de la sorprendente The House of the Devil, dirigida por Ti West y que cosechó cierto éxito el pasado Festival de Sitges, al menos entre los engendros que suscriben este blog y algunas amistades del mundo cinéfilo que nos envuelve y atrapa cada día más.

West se embarca en esta sugerente secuela de Cabin Fever dirigida hace ya unos añitos por EliRoth, en la que unos jovenes que iban de acampada eran presas de un virus letal. Bajo el título de Cabin Fever 2 Spring Fever, West nos deleita con esta secuela en la que el virus conseguira llegar a la ciudad a través del agua. Sin llegar a ser redonda, es una secuela realmente a tener en cuenta, similar al caso de The Descent y The Descent 2. Y es que ya solamente el prologo inicial y cuando pone Cabin Fever en la pantalla, son varios puntos a favor de esta, aunque no son los únicos.

Ti, cambia totalmente de registro, abandonando la sobriedad y la visión contemplativa de The House of the Devil, para dar lugar al desenfreno y la grosería visual, en una cinta cargada de mala baba y mucho humor negro, quizás demasíado, en este aspecto está más cerca del género de la comedia que del terror, pero contiene escenas lo suficientemente bizarras (véase la escena de los genitales) como para crear un producto dispar, donde los litros y litros de sangre corren al mismo ritmo que el ponche de la fiesta y eso es para mí lo que la hace especial y minimamente diferente a miles y miles de cintas de la misma temática.

Los efectos especiales no son el summum de la perfección visual, el latex y otros liquidos se deslizan por la piel de los actores, no sabría decirlo a ciencia cierta pero es probable que con con tal de abaratar costes, algunos de los efectos, sobre todo la sangre sean dígitales, sin embargo, si es así, están realmente logrados pues no se nota, ahí reside el mayor encanto de la cinta, otorga a esta de ese toque clásico convirtiendola en un verdadero homenaje al terror que nos ha visto crecer, y es que West está demostrando ser un nostálgico de la época, igual que nosotros.
Algunas escenas nos recordaran a otras películas más recientes, como L'Interieur, pero el espíritu de las muertes es más cercano al slasher ochentero, aunque aquí, el asesino es volátil, un virus.

Claro, que como ya he dicho, no es redonda, al igual que otras tantas producciones ochenteras, tiene sus patinazos de guión, como por ejemplo que la infección de cada estudiante se desarrolle en un lapso de tiempo diferente, unos caen rápidamente y otros duran casí hasta el final, algo bastante inverosímil, si, además la historiay la relación entre los personaje es algo pobre y peca de originalidad, pero el espectaculo y la diversión se cumplen sobradamente, en este caso con eso basta. No hay que olvidar que estamos ante una cinta sin pretensión ninguna, en la que su único objetivo es la de ofrecernos lo que todos esperamos, divertimento y casqueria pura, y en eso cumple a la perfección.

La duración es extremadamente correcta, al igual que The House of the Devil, West es consciente de que alargar las cosas, la mayoría de veces es innecesario y nos deja un montaje con una duración que apenas roza los 80 minutos, incluyendo los créditos iniciales y finales, realizados en forma de animación, aunque es cierto que el argumento tampoco daba para más.
Este recurso cinematográfico de usar infográfia con tal de relatar parte de la historia no lo ha inventado el Sr.West, ni es la primera vez que se usa en el cine, un caso reciente fue en Repo! The Genetic Opera, resulta tan económico como efectivo, no cuesta lo mismo rodar en localizaciones con actores que representarlo con dibujos y da buenos resultados cuando se usa de forma coherente. Personalmente me encanta pues resume parte de la historia, tanto al inicio, durante esta o en su desenlace de una forma mucho más dinámica y concisa que de rodarlo de una forma real.

Como resultado global tenemos una película que ofrece diversión y casquería de la vieja escuela, en la que no hay que plantearse demasíadas cuestiones sobre su argumento o situaciones. Recomendable para pasar un buen rato, no recomendable para estomagos sensibles.

23/2/10

Los Goonies   


TÍTULO ORIGINAL: The Goonies
AÑO: 1985
DURACIÓN: 111 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Richard Donner
GUIÓN: Chris Columbus (Historia: Steven Spielberg)
MÚSICA: Dave Grusin
FOTOGRAFÍA: Nick McLean
REPARTO: Corey Feldman, Sean Astin, Josh Brolin, Martha Plimpton, Joe Pantoliano, Jeff Cohen, Kerri Green, Jonathan Ke Quan, Anne Ramsey, John Matuszak, Robert Davi, Lupe Ontiveros
PRODUCTORA: Amblin Entertainment / Warner Bros. Pictures

Mikey es un muchacho de trece años que, junto con su hermano mayor y sus amigos, que se hacen llamar Los Goonies, deciden subir a jugar al desván de su casa, donde su padre guarda antigüedades. Allí encuentran el mapa de un tesoro perdido que data de los tiempos de los piratas. Simpática película de aventura para adolescentes, con historia de Steven Spielberg y guión de Chris Columbus.

La próxima vez que miremos el cielo, será el de otra ciudad. La próxima vez que hagamos un examen, será en otro colegio. La próxima vez que veamos Los Goonies, será igual de emocionante. Una película que marcó una generación, un tesoro que perdurará en el recuerdo de muchas personas, un pequeño gran clásico. Los Goonies no necesitan presentación, una producción basada en una historia de Steven Spielberg, un guión de Chris Columbus (Gremlins, El secreto de la pirámide, ) y dirigida por Richard Donner (The Omen, Superman, Lethal Weapon, Ladyhawke). Nunca es demasiado tarde para disfrutar de las aventuras de este grupo de amigos, si en su momento no la viste, hazlo ahora, cualquier escusa es buena. Reconozco mi predilección por la gran mayoría de cine que se hizo durante los ochenta, pero Los Goonies es algo más que una película ochentera, se transforma en algo mayor, es un símbolo de la nostalgia infantil. Una producción con un presupuesto limitado, pero con un equipo que supo explotar todos sus recursos. La magia que desprende la película no ha podido repetirse nunca, con un dinámico inicio alternan una trepidante persecución con la presentación de los personajes. Todo acompañado de la magnífica pieza musical compuesta por Dave Grusin, cada personaje muestra un ápice de su personalidad y cuando se reúnen todos por primera vez te dan ganas de estar con ellos.

La historia comienza un Viernes, con todo el fin de semana por delante la sensación de aventura se contagia rápido, la película muestra todo desde el punto de vista infantil de Los Goonies; mientras buscan una solución para evitar un desahucio inminente, una cosa les lleva a otra hasta verse embaucados en la búsqueda de un tesoro. La estructura de la película es extraordinaria, está escrita de una forma muy dinámica, las cosas ocurren de forma precipitada pero no chirria, es una sensación divertida y forma parte de la experiencia de vivir una gran aventura. Las actuaciones de todos los personajes son muy buenas, con un carisma especial pasamos por distintos grados de protagonismo, el papel de líder cae sobre Michael 'Mikey' Walsh (Sean Astin), más conocido por el papel de Sam en la trilogía The Lord of the Rings. Tenemos al extrovertido 'Bocazas', interpretado por Corey Feldman (The Fox and the Hound, Friday the 13th: The Final Chapter, Gremlins, Stand by Me, Jóvenes ocultos) a participado en muchas producciones míticas. Nunca olvidaremos los absurdos inventos de 'Data' (Jonathan Ke Quan), que también interpretó al simpático compañero del arqueólogo más famoso en Indiana Jones and the Temple of Doom. Obviemos al resto de chicos, su protagonismo es más comedido, aunque con un carisma encantador, para pasar al inolvidable 'Gordi' (Jeff Cohen). El amigo gordo y patoso que no puede faltar en un grupo de amigos tan emblemático, pues si no fuera por él, la aventura no tendría sentido, su 'super meneo' siempre será recordado. El trío de villanos compuesto por Robert Davi, Joe Pantoliano y Anne Ramsey son la peligrosa familia 'Fratelli'. Con la proporción justa de maldad pero manteniendo siempre el apartado cómico, perseguirán a Los Goonies a través de las trampas de 'Willy el tuerto'. Luego está el contrapunto que hizo que mi cerebro se derritiera un poco, hablo del personaje 'Sloth' (John Matuszak), el forzudo deforme que pasa de ser terrorífico ante los ojos de un niño a convertirse en héroe y mascota bizarra de forma simultánea.

Una película de aventuras adolescente, con suspense, trampas mortales, piratas, acción… un cumulo de sensaciones, el primer beso para algunos, peligros constantes para otros, humor, melancolía y diversión, son algunas de las sensaciones que nos proporcionará está pequeña joya. Alguno de los escenarios donde se desarrolla la acción y donde nuestros jóvenes aventureros deberán sortear mortales trampas, son de un cartón piedra tan descarado como encantador, tan bien integrados que aumentan la magia de la película. Un gran momento, inolvidable para mí, es cuando se encuentran con el piano compuesto por huesos humanos, si no tocas correctamente todas las notas terminaras muerto. La película demuestra como en la edad adulta se pierde la capacidad de maravillarse por algo que parece trivial, una característica de Los Goonies es que con una formula muy sencilla se consigue un resultado que atraviesa las barreras del tiempo. Terminemos con la banda sonora, otro de los componentes más importantes de la película, son melodías que desde el primer momento que las escuchas te cautivan para siempre, con mención especial para la canción Good Enough de Cyndi Lauper. Una destacable banda sonora con grandes momentos, sobre todo al final, cuando todos Los Goonies agrupados se ponen a chillar mirando la puesta de sol, es tan emocionante que siempre me saltan las lágrimas. Luego hay curiosidades que de pequeño me pasaron desapercibidas por el formato de vídeo beta, pero ahora gracias a internet y ediciones en dvd he podido ver la escena eliminada del ataque del pulpo gigante. Se menciona al final de la película y no cuadra pues en su momento la desecharon del metraje a golpe de tijera. Los Goonies consigue hacer disfrutar a grandes y pequeños, una forma de definir esta película es con dos simples palabras: Buenos recuerdos.

21/2/10

Viernes 13 parte III (3D)


TÍTULO ORIGINAL: Friday the 13th Part III
AÑO:
1982
DURACIÓN:
95 min.
PAÍS:
Estados Unidos
DIRECTOR:
Steve Miner
GUIÓN:
Martin Kitrosser & Carol Watson (Personajes: Victor Miller & Ron Kurz)
MÚSICA:
Harry Manfredini
FOTOGRAFÍA:
Gerald Feil
REPARTO:
Dana Kimmell, Paul Kratka, Tracie Savage, Jeffrey Rogers, Catherine Parks, Larry Zerner, David Katims, Rachel Howard
PRODUCTORA:
Paramount Pictures
Este fin de semana gracias a las buenas gentes del Festerror, el festival de terror y fantástico de Lloret de mar, he tenido el gran privilegio de ver esta tercera parte de la serie Viernes 13 en su formato original integramente en 3D, todo un lujo si tenemos en cuenta que aqui la película nunca fue editada en este formato. Con las entrañables gafas azul y rojo ya enfundadas y la ilusión de un niño me dispuse a disfrutar de la experiencia que supone ver a Jason en acción... y en 3D!!! y os puedo asegurar que no quedé decepcionado.

Esta tercera entrega al igual que la segunda esta dirigida por Steve Miner, de hecho la peli arranca con el final de la segunda parte creando así una conexión entre ambas películas. Poco después de los hechos ocurridos en la anterior entrega y sin perder el tiempo otro grupo de jovenes cachondos e incautos se desplazan hacía una destartalada granja situada junto al famoso lago "Crystal" con la intención de pasar allí un idílico verano ignorando todo el legado de sangre que precede al lugar, por lo que no tardarán en ser acechados y masacrados uno a uno por nuestro querido Jason. Este es más o menos el argumento de la película, más que suficiente si tenemos en cuenta que estamos ante un slasher puro y duro donde por supuesto no pueden faltar absolutamente TODOS los topicazos de este género, desde el citado grupo de jovenes a cada cual más repelente y con la palabra "víctima" escrita en la cara, hasta el vejete de turno que les advertirá del grave peligro que corren (pero en esta ocasión con un ojo en la mano, que mola aun más!) , la clásica cabaña solitaria y como no los inevitables dialogos y situaciones completamente absurdas y ridículas que iran sucediendose para rellenar metraje y enlazar una muerte con la otra.

Como digo todo en esta tercera parte es maravillosamente predecible como es de esperar en una película asi, pero no hay que olvidar que estamos ante una de las entregas más importantes de toda la saga Viernes 13 (junto a la primera, claro) debido a una serie de peculiaridades que a continuación paso a comentar: primeramente tenemos la "novedad" del 3D que se empieza a disfrutar ya desde el principio con unos créditos iniciales un tanto psicodélicos y que nos acompañará durante toda la película dando lugar a situaciones totalmente gratuitas pero encantadoras donde los actores se ven obligados a realizar toda clase de payasadas para jugar con el efecto 3D, como el momento del yo-yo, los malabares con las bolas y por supuesto no faltarán toda clase de objetos alargados que se acercan a pantalla para crear el efecto de "acercamiento" del objeto, incluso uno de los personajes llega a hacerlo con un "porro" como si quisiera invitar a fumar al espectador.

Otro aspecto muy a destacar es el apartado de las muertes, que a parte de beneficiarse también del efecto 3D en esta entrega resultan especialmente curradas y jugosas ofreciendonos un amplio catalogo de truculencias donde Jason utiliza también otras "herramientas" a parte de su clásico machete como el momento en que atraviesa el ojo de una de las protagonistas utilizando una ballesta ó cuando parte por la mitad al novio de una de las chicas para después matar a esta (mientras esta leyendo una revista Fangoria) de una forma que recuerda muy mucho a la muerte del personaje interpretado por Kevin Bacon en la primera entrega, en un pequeño homenaje al gran creador de F/X Tom Savini.

Pero si algo caracteriza sobre todo a esta entrega es la aparición por primera vez de la famosa máscara de Hockey que identificará a partir de aqui a Jason y que este se pone por primera vez cortesía del típico gordito gracioso del grupo al que estas deseando que maten desde el primer momento que aparece en pantalla. Resulta especialmente placentero ver esta primera aparición de la mascara sabiendo que a partir de aqui se convertirá en un icono no solo de toda la serie Viernes 13, si no del mundo del terror en general, por lo que se puede decir que resulta un momento histórico dentro del cine.

Hay que decir que en esta entrega se nos presenta a un Jason algo más humano, que también recibe lo suyo e incluso se le puede escuchar soltando algún gemido de dolor (algo que no recuerdo haber visto en el resto de entregas) a manos de la chica superviviente que le da a probar un poco de su propia medicina y donde ya se insinúa la inmortalidad del personaje que se levanta una y otra vez incluso después de ser ahorcado y haberle roto el cuello. También resulta curiosa la escena en la que se puede ver a Jason hacer un intento de correr hacía el coche en el que intenta huir la protagonista, algo totalmente inédito en el resto de la saga donde Jason se desplaza de una forma más bien tranquila para dar igualmente caza a sus desgraciadas víctimas.

Otro momento de la película que me hizo especial gracia es el sueño que tiene la protagonista hacía el final y donde podemos ver una variación de la escena final de la primera parte solo que en esta ocasión es el cadaver de la madre el que surje del lago y no el de su hijo ahogado, otro paralelismo con el primer Viernes 13 por parte del director! Al ser todo el metraje integramente en 3D del "antiguo" donde la imágen no llega a ser todo lo nítida que debería, al final el visionado puede resultar un poco cansado para la vista, pero este pequeño esfuerzo valió la pena totalmente y esto es lo que voy a puntuar, la experiencia vivida que personalmente me resultó de lo más divertida y estimulante. Por todo lo que he comentado Viernes 13 parte III me parece una de las entregas más especiales de la serie y una buena película dentro de su género al ofrecer absolutamente todo lo que se puede esperar de un buen Slasher. Me gustaría despedirme felicitando una vez más a los responsables del Festerror por ofrecernos la oportunidad de disfrutar como enanos con esta gran experiencia en 3D a la vieja escuela que se merece sin lugar a dudas mis 3 estrellas... Larga vida a Jason!!!

Die Schneider Krankheit


"Mas vale tarde que nunca", ciertamente nunca mejor dicho. Recientemente, más concretamente este fin de semana, en la edición del Festerror 2010, he descubierto este cortometraje Die Schneider Krankheit (El mal de Schneider), la acción nos sitúa en primavera de 1958. Una cápsula espacial soviética tripulada por un primate se estrella en Alemania Occidental. Las tensiones diplomáticas entre los dos bloques pronto dan paso a una amenaza más terrible, el simio es portador de un misterioso virus que se propaga por todo el país...

Escrito y dirigido por Javier Chillon. Rodado en 2008, a modo de falso documental, el corto lleva rulando por infinidad de festivales, aunque no se ha llevado la misma cantidad de premios, bajo mí punto de vista se merece bastantes más, pero se alza con un buen número de ellos. Rodado en super 8 y con una duración de diez minutos, está en limite de lo coherente. Algunos se pasan y otros se quedan cortos.

Como ya he dicho tiene el toque falso documental, pero gracias a su guión y a la parte técnica, con una tonalidad en blanco y negro, el grano de la imagen y la fotografía de los años 50, le dan el realismo de una cinta autentica encontrada bajo un refugio nuclear.
Narrado en el idioma de Cervantes, por Paco Casares, se convierte en el protagonista, le imprime la fuerza e interés necesario al corto. Claro que sin el logrado guión, la voz de este poco serviría.
El resto del reparto tanto técnico como artístico, excelente, lo tenéis en su web oficial.

Die Schneider Krankheit (2008) from Uberblick Films on Vimeo.

20/2/10

Los Jinetes del Apocalipsis


TÍTULO ORIGINAL: The Horsemen
AÑO: 2009
DURACIÓN: 89 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Jonas Åkerlund (AKA Jonas Akerlund)
GUIÓN: Dave Callaham
MÚSICA: Jan A.P. Kaczmarek
FOTOGRAFÍA: Eric Broms
REPARTO: Dennis Quaid, Zhang Ziyi, Peter Stormare, Eric Balfour, Neal McDonough, Patrick Fugit, Clifton Collins Jr., Lou Taylor Pucci, Deborah Odell, Liam James
PRODUCTORA: Lionsgate Films / Mandate Pictures

Aidan Breslin (Dennis Quaid) es un amargado detective devastado por la reciente pérdida de su mujer. Mientras investiga un caso, Aidan descubre una inquietante conexión entre sí mismo y los sospechosos de unos asesinatos en serie que se están cometiendo, un vínculo cuyas pistas le llevan a "Los cuatros jinetes del apocalipsis".

Jonas Akerlund que ha dirigido videos músicales de pesos pesados en la industria músical, desde Madonna y U2 pasando por Blink 182 y Metallica.
Akerlund debuta con este largometraje, con la estructura del guión de Seven mezclado con el horror de Saw, no sus trampas, y con un trasfondo biblíco, como no. Aunque visto así resulta interesante y ciertamente lo es, hasta que llegamos al desenlace en el que todo se viene abajo, cual castillo de naipes.

El guión es compacto y metódico, el puzle a resolver, sin llegar a grandes proporciones, es lo suficientemente intrincado como para mantener la historia a flote.

Aidan se verá inmerso en este rompecabezas que todo va encajando pero en el que se verá inmerso hasta tal punto de absorverle por completo su vida privada y que Dennis Quaid interpreta con gran credibilidad, su propia autodestrucción, y es el que lleva el peso de la historia, claro que para eso es el protagonista, a pesar de que en algún momento la agilidad con la que Aidan resuelve las pistas dejadas por el asesino, resulte poco creíble, bueno dejémoslo en que es un perspícaz detective.

Ahora vamos a por el gran fallo de la cinta, el desenlace, consigue que todo lo planteado y cada engranaje del puzle que había encajado con gran acierto, se venga abajo, pues es previsible y absurdo como pocos.


Además es fácil de adivinar de quien es el asesino, antes de tiempo, y eso que no suelo adivinar quien es el asesino hasta que no me lo ponen delante y me lo señalan con una flecha, pero esta vez dí en el clavo aunque reconozco que por un momento lo descarté, pues el móvil de toda la trama y el propio asesino resulta ser tan inverosímil, que piensass "no puede ser", pues lo es, podría haber sido cualquiera, el basurero, el portero o cualquier personaje que apareciese de la nada, claro que esto sería una trampa fácil y a lo mejor esto no es lo que quería conseguir el guionista, la verdad no lo se.

A partir de ese momento en que se sabe quien es el causante de la serie de asesinatos, todo lo que había encajado con la coherencia necesaria para mantener el ritmo argumental y nuestro propio interés por la trama, consigue que toda la maquinaria se oxide y al parecer al guionista se le ha terminado el 6 en 1 para ponerle remedio. Una lastima que toda una buena historia se venga abajo por un patético desenlace...espera...acabo de tener un deja-vu.

16/2/10

Crepozoides


TÍTULO ORIGINAL: Creepozoids
AÑO: 1987
DURACIÓN: 72 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: David DeCoteau
GUIÓN: Buford Hauser, David DeCoteau
REPARTO: Linnea Quigley, Ken Abraham, Michael Aranda, Richard L. Hawkins, Ashlyn Gere y Joi Wilson
PRODUCTORA: Beyond Infinity

Nos encontramos en 1998, seis años después de que las guerras con bombas nucleares redujeran el mundo a escombros y a los humanos en supervivientes vagantes. Un grupo de estos jóvenes errantes tropieza con una antigua investigación abandonada por el gobierno, donde se trabajaba en la fabricación de un cuerpo capaz de crear sus propios aminoácidos, evitando de esta manera la necesidad de alimentarse. Estos jóvenes serán atacados por uno de los experimentos y sufrirán graves consecuencias.

Producción apocalíptica que nos muestra lo mal que puede llegar hacerse una película. En 1987 los guionistas pensaron que 11 años eran suficientes para que la tierra ya fuera un lugar inhóspito y desolador, aunque eso hay que imaginárselo, pues las únicas tomas en exteriores no muestran más que calles vacías con un poco de basura por el suelo y humo artificial. Desde el comienzo de la película puedes intuir por donde irán los tiros, aunque consiguen sorprender de forma negativa. Crepozoides fue proyectada el pasado domingo 14 en la primera edición Cine The Warrior. La verdad es que la película resultó un éxito en cuanto expectativas de los asistentes se refiere, pues verla en casa puede resultar una experiencia horrible. Esta producción de serie B de finales de los ochenta es la idea de Alien, el octavo pasajero distorsionada y desvirtuada. Un grupo de supervivientes de una supuesta guerra nuclear, son sorprendidos por una inesperada lluvia ácida, consiguen refugiarse en unas instalaciones y a partir de ahí, se intenta crear una atmósfera claustrofóbica y angustiosa, pero la única angustia es la que produce el visionado de la película. Los actores son todos nefastos, con un doblaje al castellano que consigue que sean cien por cien ridículos, aunque de todos modos, los personajes no tienen ningún carisma y poco importa lo que digan.

La criatura que se esconde en esas instalaciones les dará caza y los protagonistas solo contarán con su ingenio para poder sobrevivir, podría ser algo con un mínimo de interés, pero se transforma en un chiste. Hay muy poco que decir sobre la película, excepto cosas negativas. Es cierto que durante la proyección los asistentes no esperábamos menos y nos divertimos con la película, pero estamos hablando de una situación extraordinaria y de un producto de calidad muy baja. La película es corta, pero aún así se nota que no les llegaba para tanto metraje y tuvieron que alargarla para llegar a los 72 minutos, las cosas ocurren sin sentido y hay escenas que se alargan, incluso se repiten, hasta la saciedad. La trama no se sostiene y apenas tiene sentido, los diálogos de los personajes confunden aún más y provocan carcajadas. Los efectos especiales es mejor no mencionarlos mucho, el Crepozoide es un cacho de plástico con forma de monstruo, al igual que las ratas mutantes y la simpática criatura final. Aprovecho para rectificar, el único personaje con algo de carisma es ese simpático ser mutante animatrónico, algunos momentos animado con stop motion. La banda sonora es lo único que puede salvarse de la película, aunque también es mala y repetitiva. Ahora viene cuando me contradigo, pues a pesar de puntuar la película con una estrella, tengo que confesar que me gustó. Es uno de esos casos que siendo objetivo, hay que dejar claro que se trata de una basura, pero la compañía, el lugar y la situación en la que "disfrutamos" de semejante bodrio, me hizo pasar mejor rato que otras películas con mayor puntuación.

14/2/10

El Hombre Lobo


TÍTULO ORIGINAL: The WolfMan
AÑO: 2010
DURACIÓN: 125 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Joe Johnston
GUIÓN: Andrew Kevin Walker, David Self (Remake: Curt Siodmak)
MÚSICA: Paul Haslinger
FOTOGRAFÍA: Shelly Johnson
REPARTO: Benicio Del Toro, Hugo Weaving, Anthony Hopkins, Emily Blunt, Geraldine Chaplin, Art Malik, Catherine Balavage, Richard James, Olga Fedori, Stuart St. Paul, Robert Roman Ratajczak
PRODUCTORA: Universal Pictures / Relativity Media / Stuber Pictures

La infancia de Lawrence Talbot se acabó bruscamente la noche que murió su madre. Se marchó de su pueblo, Blackmoor, y tardó décadas en recuperarse e intentar olvidar. Cuando Gwen Conliffe, la prometida de su hermano, le encuentra y le ruega que la ayude a buscar a su amor, que se encuentra desaparecido, Lawrence Talbot regresa a casa. Entonces se entera de que algo brutal, salvaje, con una sed insaciable de sangre ha matado a muchos campesinos. Empieza a encajar las piezas del sangriento rompecabezas y descubre que existe una antigua maldición que convierte a las víctimas en hombres lobo las noches de luna llena. Para acabar con la carnicería y proteger a la mujer de la que se ha enamorado, Lawrence Talbot debe destruir a la temible criatura que se esconde en los bosques cercanos a Blackmoor. Este hombre sencillo con un pasado doloroso sale en busca de la bestia y descubre que él también tiene un lado primitivo que ni siquiera podía imaginar...

Buena propuesta la de Joe Johnston en realzar la figura del hombre lobo que a lo largo de la historia cinematográfica ha sido eclipsado por el mundo vampirico, mas aún tras la reciente oleada de producciones como Luna Nueva que a pesar de la repercusión obtenida a lo largo de los años tambien deja a los tipos de colmillos largos para el arrastre, pero este es otro tema. La repercusión de los hombres de pelo en pecho, no ha obtenido el mismo exito, a estas alturas se agradece profundamente, la intención.

La cinta arranca de forma pausada y a base de pequeños flashbacks se nos cuenta brevemente la historia de Lawrence Talbot, desde su infancia hasta la fecha actual en la que regresa en búsqueda de su hermano. A partir de que Lawrence sufre el ataque de la bestia el ritmo se empieza a acelerar, sin exceso, pero con el toque adecuado para conseguir un ritmo fluido. Lastima que en su tercio final la cosa se ralentiza un poco pues entramos en la parte, que se supone tendría que tener una gran carga dramática, Pequeño Spoiler entre la prometida de su hermano y el propio Lawrence Fin Pequeño Spoiler, pero no alcanza las altas cotas que debería para conseguir emocionar demasíado.


En el apartado de efectos especiales, la cosa está bastante lograda a pesar de recurrir a lo "fácil", los efectos digitales, la transformación de Lawrence, es equiparable a la de Un Hombre Lobo Americano En Londres de Jhon Landis, con mucho plano detalle durante la transformación. La factura general de la cinta es buena, con ese tonalidad de tonos fríos que le da el aire lúgubre a la par que gótico y bastante siniestro, gran ayuda la tiene la banda sonora, sin embargo también encontramos grandes cortes épicos en las escenas de acción, aunque recuerdan a Dracula de Stoker, pero se le perdona con facilidad.

Las interpretaciones son notables, aunque Hugo Weaving, no está debidamente explotado. Benicio lo hace de una forma que la película se la lleva a su campo, aunque Anthony Hopkins en el papel del padre de Lawrence es el que lleva el peso de la historia, aún saliendo en pocas escenas, se nota que la veterania es un grado.

Una parte de la historia es bastante onirica, si bien esto no desentona con la historia, se fusiona de una manera más que correcta. Quizás lo que he echado en falta es un poco más de plano detalle en las escenas violentas, en las que Lawrence hace una autentica masacre con los lugareños, vísceras, brazos, piernas y cabezas, volaran cual pájaro surca el cielo. Un defecto que se le podría achacar es la batalla final, no revelare contra quien, es correcta en su coreografia, pero demasíado cercana al cine de superheroes.


En resumen no tenemos una mala película pero tampoco resulta tan buena como prometía, sin embargo bajo mí punto de vista, los clásicos del terror como Dracula, El Hombre Lobo o Frankenstein, entre otros, están muy limitados, solo hay dos opciones o te ciñes a la historia original o probablemente al querer variar demasíado la historia original e intentar innovar de alguna forma, esta se acabe chafando más que Arnold en Terminator. Menos mal que la mayor parte de estos remakes optan por la fidelidad a pesar de sus limitiaciones en lo que al hilo argumental, respecta.

8/2/10

La cosa (El enigma de otro mundo)


TÍTULO ORIGINAL: The Thing
AÑO: 1982
DURACIÓN: 108 min. Trailers/Vídeos
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: John Carpenter
GUIÓN: Bill Lancaster (Novela: John W. Campbell)
MÚSICA: Ennio Morricone
FOTOGRAFÍA: Dean Cundey
REPARTO: Kurt Russell, Wilford Brimley, David Clennon, Richad Dysart, Donald Moffat, Richard Masur, Keith David
PRODUCTORA: Universal Pictures

En una estación experimental de la Antártida, un equipo de investigadores descubrirá indicios de un desastre en otra estación no muy alejada de la suya. Solo un perro es el superviviente, pero resulta ser una cosa venida del espacio que ha permanecido enterrado en la nieve durante más de 100.000 años. Al descongelarse el ser se provoca el caos y el terror, pues puede imitar la forma física de cualquiera de los investigadores y esa cosa procurará por todos los medios no ser descubierta.

John Carpenter nunca tendrá el reconocimiento que se merece, en parte se lo busca él mismo, pero hay una película que lo consigue y casi todo el mundo estará de acuerdo en que The Thing, es una de sus mejores películas. Es su obra más conocida, una pieza básica del cine de terror, con la particularidad de seguir impactando igual después de 28 años, envejece de forma muy digna y sus efectos visuales de Rob Bottin siguen siendo espectaculares. El elemento que envuelve la película es el suspense, muy bien encajado en tensas situaciones donde los personajes se ven inmersos. La cosa de John Carpenter es un remake de The thing from another world del director Christian Nyby de 1951, actualmente hay noticias que se prepara una precuela de la película de Carpenter, pero la que perdurará para siempre como una obra maestra del terror es su versión.

El planteamiento de The Thing es su mayor baza, la gélida localización nos muestra un grupo de personajes completamente aislados, desde el arranque de la película el espectador queda desconcertado y luego se da paso al suspense. Una película de terror y ciencia ficción claustrofóbica, terrorífica y con sus buenas dosis de sangre. En el momento que descubren al ser y sus capacidades, todos los personajes comienzan a desconfiar entre ellos, podrían haber varias copias perfectas, todos se volverán paranoicos intentando sobrevivir y evitar que la cosa consiga su objetivo. El guión está muy bien trabajado, desde la presentación de los personajes y su evolución durante las situaciones extremas. Todo queda atado, los hechos van desarrollándose de forma paulativa y se consigue mantener la tensión hasta el final. El montaje de la película tiene el ritmo adecuado, en algunos momentos algo pausado, pero manteniendo expectación hasta los momentos de tensión. Las actuaciones son redondas y correctas, se destaca una buena interpretación serena, sobria y creíble de Kurt Russell , que a trabajado en varias ocasiones con John Carpenter (Escape from L.A, Big Trouble in Little China, Escape from New York). El resto de actores, algunos bastantes desconocidos, aparecen en muchas películas como secundarios y cumplen con sus papeles, todas las actuaciones son lo suficiente creíbles y transmiten el miedo y la incertidumbre de su situación. Son pocos personajes en localizaciones angustiosas, la tensión va creciendo entre ellos hasta llegar al detonante final.

La banda sonora no está compuesta integramente por John Carpenter, es posible que supiera que en esta ocasión no iba a ser capaz de componer lo necesario para está película, no es por menospreciar su talento como compositor, pues aunque tenga muchos retractores yo me situó entre sus seguidores. Carpenter suele embarcarse en proyectos personales y característicos, sus propias composiciones son lo que mejor ambienta sus obras, pero para The Thing dejó esa responsabilidad a nada más y nada menos que al compositor italiano Ennio Morricone. Su composición no es muy destacable comparada con sus otros trabajos más conocidos, pero siendo bastante atípica crea un ambiente sórdido e inquietante, completamente acorde con el film.

Otra mención especial y destacada, es para el autentico protagonista de la película, La Cosa. Con el diseño de las distintas formas que adopta la criatura, se consiguió una película de horror visceral. Las escenas en las que se muestra la cosa son perturbadoras y surreales. Los efectos son todos artesanales, en esa época no se utilizaban tantos artificios digitales. Con un diseño retorcido, la criatura se muestra con una malsana belleza, perturbadora e inolvidable, en su momento causo una gran repercusión. La película se estrenó aproximadamente unas dos semanas después de E.T de Spielberg y como es normal, La Cosa de John Carpenter quedo bajo la sombra del simpático extraterrestre, comercialmente hablando, pues su exito reside en lo moral. Dejó huella en muchos corazones y consiguió un reconocimiento incluso entre el público que no aprecia el cine de terror. Esa cosa puede ser cualquiera de nosotros, no quiere mostrarse tal como es, quiere ocultarse dentro de una imitación. Luchará si tiene que hacerlo, pero es vulnerable si esta al descubierto. Si nos captura, no tendrá más enemigos, no quedará nadie para matarla, habrá vencido. Averiguaremos quién es quién.

5/2/10

Sherlock Holmes


TÍTULO ORIGINAL: Sherlock Holmes
AÑO: 2009
DURACIÓN 128 min.
PAÍS : Estados Unidos
DIRECTOR :Guy Ritchie
GUIÓN :Mike Johnson, Guy Ritchie, Anthony Peckham (Personajes: Arthur Conan Doyle. Cómic: Lionel Wigram)
MÚSICA :Hans Zimmer
FOTOGRAFÍA :Philippe Rousselot
REPARTO :Robert Downey Jr., Jude Law, Rachel McAdams, Mark Strong, Robert Maillet, Kelly Reilly
PRODUCTORA :Warner Bros. Pictures / Village Roadshow / Silver Pictures

Sherlock Holmes
(Robert Downey Jr.) y su inestimable compañero, el Dr. Watson (Jude Law) se verán envueltos en una trama conspiratoría que amenaza con destruir el mundo tal y como se le conoce, cambiando todo el sistema socio-politico, algo así como V de Vendetta con Armageddon. Ambos tendrán que resolver el intrincado puzle, que les llevara a las situaciones más extremas, de las que saldrán airosos utilizando su legendaria agudeza intelectual, aunque la mayoría de estas escenas resulten poco creíbles.

Guy Ritchie nos presenta a un Sherlock Holmes, caotico, autodestruido, rebelde, y mentalmente desquiziado, esta actitud dará grandes diálogos entre Holmes y Watson en una relación amistad - odio, lastima que esta faceta de Holmes se vea eclipsada por demasíados momentos humoristicos y bastante gratuitos, mas cercano al cine familiar. No se muy bien, si este desproposito es perpetrado con la intención de mantener la fidelidad respecto al cómic de Lionel Wigram, el cual no me he leído pero tengo entendido que los personajes fueron reinventados, y en el que Ritchie se ha basado, a su vez, para adaptar el personaje creado por Arthur Conan Doyle.


La verdad es que la caracterización de Downey es perfecta y la interpretación excelente, repito salvo por los momentos humoristicos, algo excesivos y gratuítos para mí gusto. La película tiene una factura técnica, recreación de la época y los personajes, casí perfecta, que junto a una gran puesta en escena le dan una dínamica realmente buena a pesar de que se hacerca más a un producto palomitero, yo la esperaba algo más oscura.

Aunque Ritchie no varía su formula, ni su manera de hacer películas, el mismo tipo de montaje, rápido y con incesantes pistas sobre objetos para llegar a un precipitado desenlace en el que todo es contado a base de flashbacks en poco más de tres minutos.
No es que no me guste, de echo lo hace con gran maestría, pero creo que debería ir variando esta sagrada y fidedigna formula que guarda bajo su propio sello y tan grandes resultados le dio en Snatch y en Lock, Stock and...
Aunque esta vez pretende dejarlo bastante "cerrado" y acaba liandose un poco en el desenlace, como lo hace un gato en una madeja de lana, con un malo de mentira durante toda la película que lo único que consigue es añadir un lastre a la historia, dejando el verdadero malo en la incógnita y el misterio, enfocado hacia las puertas de una segunda entrega, algo más adecuado para películas de superheroes. Según he leído esta segunda entrega ya está en proceso de llevarse a cabo en los laboratorios secretos de la industria cinematográfica, pues los resultados en taquilla están siendo fabulosos.

En fin no sabría decir con certeza si al conjunto global de la cinta, le sobra o le falta, y aunque tiene cosas que me han gustado bastante, la cuestión es que no acaba de convencerme. Quizás el mayor problema es que le sobre pero también le falte.

4/2/10

Link


TÍTULO ORIGINAL: Link
AÑO:
1986
DURACIÓN:
103 min.
PAÍS:
Estados Unidos
DIRECTOR:
Richard Franklin
GUIÓN:
Everett De Roche
MÚSICA:
Jerry Goldsmith
FOTOGRAFÍA:
Mike Molloy
REPARTO:
Elisabeth Shue, Terence Stamp, Steven Pinner, Richard Garnett, David O'Hara, Kevin Lloyd, Joe Belcher 

El excéntrico zoólogo Dr. Phillip (Terence Stamp) contrata a la estudiante Jane (Elisabeth Shue) como ayudante en su mansión, aislada al borde de un acantilado. El doctor vive con tres chimpancés con los que realiza un estudio sobre la inteligencia de los primates. Cuando Jane se traslada al caserón comienzan a suceder cosas extrañas. Los monos se comportan de un modo siniestro, especialmente uno llamado Link.

Seguramente muchos de vosotros recordaréis esta película y su maravillosa carátula por haberla visto en la estantería dedicada al cine de terror de vuestro videoclub favorito durante la década de los 80. Muchas veces al revisionar una de estas películas sucede que el recuerdo que se tiene supera la propia realidad y es fácil sentirse decepcionado, pero Link es una de esas películas que mantiene el interes incluso hoy en dia, casí 25 años después de su estreno. El responsable de esto es el director australiano Richard Franklin que antes había dirigido entre otras cosas el thriller sobrenatural Patrick en 1978 y la secuela de nada menos que Psicosis (Psicosis II: El regreso de Norman) en el año 1983. Link es una película que se puede encasillar dentro del género de animales cabroncetes, más concretamente en el de monos ó chimpancés con tendencias psicópatas donde el ejemplo más cercano que me viene a la cabeza (a parte del célebre relato de Poe "Los crimenes de la calle Morgue") es la también genial película de George A. Romero "Monkey Shines" aqui titulada Atracción Diabolica.

El secreto de la película de Franklin es una buena historia de suspense y terror a la vieja escuela, que se toma su tiempo para crear un suspense que va in crescendo hasta transmitirnos un terror real, sin necesidad de elementos sobrenaturales. Todo empieza cuando Jane (Elizabeth Shue), una joven estudiante de zoología conoce al excéntrico doctor Phillips (Terence Stamp), un eminente antropólogo que se dedica a estudiar la inteligencia de los primates, y a su joven "alumno", un chimpancé llamado Imp. Jane acepta un trabajo como ayudante del profesor durante las vacaciones de verano por lo que tendrá que trasladarse a su solitaria y apartada mansión situada al pie de un acantilado que es donde el doctor lleva a cabo sus estudios buscando similitudes entre el hombre y el mono. Una vez Jane llega a la residencia del profesor es cuando conocerá a Voodoo, una chimpancé hembra, y a Link, un Chimpancé ya mayor que viste como un mayordomo, se comporta como tal y debido a su pasado en un circo tiene la extraña aficion de fumar puros y siente una especial predilección por el fuego.

Practicamente toda la acción de la película se desarrolla en la solitaria mansion del dr. Phillips por lo que Franklin no necesita de más personajes para crear una historía de suspense que poco a poco se va transformando en terror. Primero nos introduce a traves del doctor Phillips las características de un chimpance adulto y a modo de macabra anecdota nos da una buena idea de la fuerza salvaje que puede llegar a tener un animal de estas características, al poco descubrimos que el doctor tiene la intención de "jubilar" al viejo chimpancé, pero lo que no sabe es que Link no tiene un pelo de tonto y parece haberse dado cuenta de la situación.

Todo dará un giro inesperado cuando el dr. Phillips desaparece en misteriosas circunstancias. A partir de aqui es cuando comienza el verdadero "in crescendo" de la película, mientras Jane piensa que el doctor se ha marchado y espera su regreso va observando una conducta cada vez más extraña en Link hasta que poco a poco va descubriendo el cada vez más evidente destino que debe haber sufrido su colega doctor y comprende que en esa incomunicada mansión se ha convertido en la prisionera de Link y tendrá que escapar por sus propios medios si quiere sobrevivir.

Tanto el veterano Terence Stamp como una jovencísima Elizabeth Shue (a quién podremos ver este verano acosada por las nuevas pirañas de Alexandre Aja) estan muy correctos en sus papeles, pero el premio de la función se lo lleva Link (felicidades a su entrenador que figura en los creditos como un tal Ray Berwick) que nos ofrece una gran interpretación con inquietantes momentos durante la película como el momento en que Link observa desde la puerta del baño a Jane desnuda con total tranquilidad, mientras uno se pregunta que estará pasando por la cabeza del bicho en ese momento.

Indicar también que la película fue ganadora del premio especial del jurado durante el festival de AVORIAZ 1986. Link es una película sencilla, con una historia que no aporta demasiadas novedades pero que si logra mantener el interes y el suspense hasta su desenlace por lo que termina resultando entretenida. Otros puntos a favor son la ambientación que transmite ese encanto típico ochentero y como no la estupenda partitura obra del mítico Jerry Goldsmith que cuenta con un tema principal realmente carismático y que se llega a identificar con Link a lo largo de la película. Una de esas películas que si conservas un lejano recuerdo puedes volver a ver sin miedo a quedar decepcionado, especialmente si aun te gusta el cine de terror y suspense que se hacía durante la dorada década de los 80.


3/2/10

Game Over: Se acabó el juego


TÍTULO ORIGINAL: 3615 code Père Noël (Dial Code Santa Claus) (Game Over: Hide and Freak)
AÑO: 1990
DURACIÓN: 87 min.
PAÍS: Francia
DIRECTOR: René Manzor
GUIÓN: René Manzor
MÚSICA: Jean-Félix Lalanne
FOTOGRAFÍA: Michel Gaffier
REPARTO: Alain Musy, Louis Ducreux, Patrick Floersheim, Brigitte Fossey, François-Eric Gendron
PRODUCTORA: LK-TEL Vídeo

El día de Nochebuena, un psicópata se adentra con el disfraz de papa-noel del empleo del que le acaban de despedir, en la mansión de su antigua jefa. Allí, el hijo de esta y su abuelo, tratarán de sobrevivir como puedan.

Curiosa producción Francesa, siempre a permanecido en mi mente desde que la vi de pequeño. Su estilo se asemeja con producciones infantiles americanas, aunque con detalles y elementos que la alejan un poco de ese estilo, para otorgarle una curiosa propiedad que la hace diferente. No es una buena película, de hecho, es una frikada, pero está bien rodada y es divertida. A medio camino entre película infantil y de terror, Game Over cuenta como un niño inocente se enfrenta con la realidad en una experiencia traumática. La película ganó en 1990 los premios como mejor película y mejor dirección en el Fantafestival. Es una película extraña e algo indefinida, tiene pequeños elementos de ciencia ficción, muestran una tecnología avanzada para ese momento, pero con el efecto de verse desfasada incluso antes de haberse inventado. La película es del mismo año que Solo en casa, pero aunque tiene algún parecido en el planteamiento, no tienen nada que ver. Game Over fue el contra punto en aquel momento, su humor negro roza lo insano, es como una película de terror para niños. Más cañera, descarada y emocionante, está película fue todo un hit de videoclub y siempre quedará en la memoria como película de Papa Noel psicópata. Es la película infantil underground para la época navideña.

El protagonista es el típico niño inteligente y talentoso que roza lo repelente, pero tiene carisma y consigue hacerse un hueco. La presentación de Thomas es impresionante, con su peinado, la música de fondo, tiene toda la esencia de aquella época. La actuación del niño, Alain Musy es muy buena, en la actualidad es productor de series de TV y efectos especiales, a participado en la dirección de FX en películas como The Dark Knight, Splice y la actual Avatar. La película tiene pocos personajes, el desarrollo ocurre en la casa, en algunos momentos repetitivo, pero liviano. Otro personaje clave es el abuelo interpretado por Louis Ducreux, da el toque dramático y en algunos momentos crea tensión. Luego tenemos al personaje que da el toque de terror, es el Papa Noel psicópata, aunque con una actuación floja por parte del actor Patrick Floersheim. El resto de secundarios están de relleno, pues no son significativos para la historia ni tampoco aportan mucho. El presupuesto para la película no era nada desorbitado y en el apartado técnico se refuerzan más los recursos de iluminación, escenografía y los planos. El guión es algo simplón pero tiene gracia, hay algunas situaciones sin sentido, pero la historia ya es bastante rebuscada.

La banda sonora de la película también está muy bien, tiene canciones cañeras como muchas películas de los ochenta, se destaca la canción Mery Chrismas de Bonnie Tyler aunque me quedo con la versión del principio, durante la presentación del personaje Thomas. Game Over es de 1990, pero trae consigo toda la esencia de la década de los 80. En la actualidad ya no se hacen películas así, seguramente un alivio para mucha gente, pero un gran sector las echa en falta. Una historia que cuenta como un niño pierde su inocencia siendo atacado por uno de los iconos en los que creía. Esta es una película que muestra la inocencia de la infancia, las fantasías que generan tu mente y como la realidad desvirtúa tus sueños. Es una forma de recordar la infancia y ver, en cierto modo, como algunos seguimos siendo algo niños y disfrutamos de la ficción, que nos refugia por un tiempo de la realidad. Game Over es una curiosidad que no puede dejarse pasar, si te gustan este tipo de películas, en caso contrario... se acabó el juego.

1/2/10

El vídeo de Benny


TÍTULO ORIGINAL: Benny's Video
AÑO: 1992
DURACIÓN: 105 min.
PAÍS: Austria
DIRECTOR: Michael Haneke
GUIÓN: Michael Haneke
FOTOGRAFÍA: Christian Berger
REPARTO: Arno Frisch, Angela Winkler, Ulrich Mühe, Ingrid Strassner, Stephanie Brehme
PRODUCTORA: Coproducción Austria-Suiza

Benny es un joven de 14 años de buena familia, la falta de cariño de sus padres es suplida por todo lo que él pueda desear, un niño al que le gusta lo audiovisual y con todo tipo de tecnología a su alcance. Con su cámara de vídeo, graba cómo sacrifican a un cerdo con una pistola especial, y ello le incita a cometer un acto salvaje.

La violencia cotidiana, un tema que Haneke borda en sus obras de una forma realista, cruda e inquietante. En está ocasión muestra una cara de la violencia centrada en la sociedad del bienestar, critica la negligencia paterna y ofrece una muestra de un completo desequilibrio infantil. La capacidad de Haneke para reflejar la realidad cotidiana es asombrosa, los silencios acaban siendo más importantes que los diálogos y transmite muchas sensaciones con las imágenes. La crudeza con la que nos muestran algunas situaciones durante la película es angustiosa, parece un reportaje ficcionado más que una película, pues una característica de Haneke es eliminar el ritmo cinematográfico en sus películas para crear una atmósfera contemplativa y perturbadora. Ver una película de este director siempre es una experiencia que no deja indiferente, aborda las partes oscuras de la naturaleza humana con mucha maestría y pocos recursos económicos. Está es su segunda película, muy bien elaborada y pensada, está por debajo de otras de sus películas, pero es muy interesante y recomendable.

El ritmo de la película es muy lento, a partir de la mitad decae en picado para reafirmar todo lo que se ha explicado en un desenlace, no sorprendente, pero si impactante. Aunque puede llegar a ser previsible, es coherente dentro de la información que no se muestra al espectador. Eso es lo que llega a ser más terrorífico en la película, no saber por qué Benny lo hace. La actuación de Arno Frisch (Funny Games) es muy buena, su rostro impasible, sus miradas frías, reflejan exactamente el tipo de desidia e indiferencia del personaje, un adolescente con una desorientación moral, un personaje gélido que no distingue el bien del mal. Una curiosidad, a parte de que Arno Frisch repita un personaje similar en Funny Games (1997), es que Ulrich Mühe, el padre de Benny, será una víctima en Funny Games, posiblemente una forma de castigo para el personaje por su reacción en Benny's video. Angela Winkler también realiza una buena interpretación, algo más comedida, pero refleja la culpa y el miedo de no saber como enfrentarse ante según que situación. Haneke nos lanza un dilema ético al mostrarnos la relación familiar, la reacción de los padres y su decisión.

La película está bien explicada y consigue su objetivo, plantear preguntas. En algunos momentos se desinfla con facilidad y hay alguna información que no es relevante. Podría haber sido más corta y directa, no llega al extremo de aburrir, pero por momentos lo roza. Muy contemplativa y pasiva, sin banda sonora, solo tenemos el sonido ambiente y las grabaciones de Benny como hilo conductor. Una experiencia Haneke floja en comparación con algunas de sus obras, pero lo suficiente perturbadora para incomodar con el realismo que ofrece, pues en la actualidad nos rodea toda esa violencia, aunque no sea visible a primera vista. Michael Haneke explora la parte sombría de la mente humana, una parte que está en todos nosotros en mayor o menor grado, nos la plasma a la perfección en sus películas, siempre en distintas facetas. Benny's Video es un ejercicio interesante sobre la indiferencia.