30/4/11

Thor


TÍTULO ORIGINAL: Thor
AÑO: 2011
DURACIÓN: 114 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Kenneth Branagh
GUIÓN: Mark Protosevich (Personajes: Stan Lee, Jack Kirby)
MÚSICA: Patrick Doyle
FOTOGRAFÍA: Haris Zambarloukos
REPARTO: Chris Hemsworth, Natalie Portman, Anthony Hopkins, Idris Elba, Colm Feore, Stellan Skarsgard, Rene Russo, Ray Stevenson, Jamie Alexander, Kat Dennings, Tom Hiddleston, Tadanobu Asano, Adriana Barraza, Josh Dallas, Clark Gregg, Dakota Goyo, Joshua Cox
PRODUCTORA: Marvel Studios / Paramount Pictures

Thor es un arrogante y codicioso guerrero cuyos actos imprudentes reavivan una antigua guerra. Por ese motivo es castigado y desterrado por su padre Odin a la Tierra para que viva entre los humanos, y descubra así el verdadero sentido de la humildad. Cuando el villano más peligroso de su mundo manda hacia la Tierra a las fuerzas más oscuras de Asgard, Thor se dará cuenta de lo que realmente hace falta para ser un verdadero héroe.

Mitológicamente hablando, respeta nombres y conceptos, pero visualmente hablando es una pirotecnia desmesurada, por suerte de una forma moderada en su forma de repartirla durante el metraje.
Fuera de ese deleite visual los guionistas han intentado contar una historia, no demasiado sorprendente, al menos nos cuentan algo, otros blockbusters ni siquiera se molestan.
La historia de amor casi imposible entre Thor el hijo de un Dios, encarnado por Chris Hemsworth y Jane, la humana interpretada por Natalie Portman, está inacabada, así que acaba por no emocionar en su parte dramática. Aunque si hace taquilla, algo casi seguro, doy por hecho que la terminarán en Thor 2, también doy por hecho que harán segunda...

La película es como una cordillera de los alpes suizos, constantes altibajos que hacen resentir todo el conjunto. Cuando todo parece que se tuerce para no volver a enderezarse, nos vuelven a seducir con algún momento visual o argumental lo suficientemente interesante. Algunos detalles carecen de cierta explicación, lo que podríamos definir como pequeñas incongruencias, aunque no afectan el ritmo de la historia ni los hechos finales.


El diseño de producción que conlleva todo el apartado de atrezzo y vestimentas, es impecable a pesar de ese toque plastificado, salvo la armadura del propio Thor, el resto mantiene un acabado con grandes detalles pero cierto regusto a cartón y plástico. Ahora bien eso fue lo que más me llamó la atención desde el primer teaser trailer y sucesivos, pero lo que me chirría de verdad son los efectos especiales, aún estando cuidados, se nota todo demasiado infográfico.
El resultado es bueno pero la integración con los escenarios reales no está suficientemente lograda, se nota bastante sobrepuesto lo digital sobre lo real. Son efectos especiales condenados a envejecer demasiado rápido, una lastima.

La saturación en las escenas de acción se soporta bien pues aunque estas están sobrecargadas (habitual en blockbusters) no se abusa en el número total de estas escenas. Están bien intercaladas con escenas donde predomina el diálogo, aunque estos no sean de lo más Shakesperiano. Aleccionan sobre el comportamiento humano, no profundiza en demasié en el de los dioses, al menos como propios Dioses, lo hace con los mismos sentimientos que los humanos.

La banda sonora funciona con solvencia en casi todo momento, y algún momento recordará a lo realizado por Hans Zimmer en El Caballero Oscuro. Pero verdaderamente, aunque ha sido realizado por Patrick Doyle que ya trabajó con Branagh en la versión de Frankenstein, bien podría pasar por score de archivo.


El tándem interpretativo lo conduce el gran Anthony Hopkins en el papel de Odin, pero Chris Hemsworth en el de Thor, dará que hablar. Su papel no requiere ningún esfuerzo especial, cierto. Pero tampoco el de Natalie es "corto" si lo comparamos con el deslumbrante destello que nos dejó anonadados en el Cisne Negro, aunque igualmente solvente en el rol que se le está exigiendo aquí.
Creo que un actor si es bueno se adapta a lo que se le pide o exige. Hemsworth algún día tendrá la oportunidad de demostrar lo que vale, así lo creo, espero no equivocarme.
En el grupo de los malos tenemos a tres protagonistas, sin embargo ninguno llega a alcanzar la cota de protagonismo necesaria. Están todos entremezclados en un único propósito y ninguno de los tres acaba desprendiendo la maldad que debería, acaban haciéndose sombra entre si.

A pesar de los mencionados fallos, en los efectos especiales y los altibajos en el guión, Thor es un proyecto al que le seguía la pista desde la primera noticia, así que mis expectativas eran altas, no me ha gustado tanto como pensaba, pero tampoco me ha defraudado. De la inagotable avalancha de superhéroes llevados a la gran pantalla orientado a las masas palomiteras creo que ésta, junto a Iron Man, es de lo más destacable.

29/4/11

Inseparables


TÍTULO ORIGINAL: Dead Ringers
AÑO: 1988
DURACIÓN: 115 min.
PAÍS: Canadá / Estados Unidos
DIRECTOR: David Cronenberg
GUIÓN: David Cronenberg & Norman Snider (Novela: Bari Wood & Jack Geasland)
MÚSICA: Howard Shore
FOTOGRAFÍA: Peter Suschitzky
REPARTO: Jeremy Irons, Geneviève Bujold, Heidi von Palleske, Barbara Gordon, Shirley Douglas, Stephen Lack, Jonathan Haley, Nicholas Haley, Lynne Cormack
PRODUCTORA: The Rank Organisation

Historia de dos gemelos idénticos, el encantador Elliot y el introvertido Beverly. Son las caras opuestas de una misma personalidad: comparten las mismas costumbres, el mismo apartamento y las mismas mujeres. Pero cuando una mujer especial entra en sus vidas, el vínculo que une a los gemelos, se ve amenazado por primera vez. Y esta amenaza se traduce en el descenso a un abismo de perversión, drogas y locura.

Inseparables está considerada como una de las mejores películas de David Cronenberg tras el fascinante remake que realizó de La Mosca en 1986, llevándose a su terreno la obra original. En Inseparables sutilizó lo carnal para centrarse en la degeneración psicológica de sus personajes, no obstante la película muestra un universo Cronenberg más maduro y desarrollado. El guión es la adaptación de la novela Twins de Bari Wood y Jack Geasland; inspirada en un escabroso hecho real.

El malsano ambiente que envuelve la película está muy logrado y te atrapa desde el principio, pues de forma comedida el cineasta despliega el lado turbulento de una sexualidad anormal, hace indirecta la idea de la mutación o malformación física en el desarrollo de los personajes y consigue llevar todo ello hacia un desenlace emotivo con suma destreza. El director de fotografía Peter Suschitzky realiza un gran trabajo en la utilización cromática, así como una iluminación comedida que consigue llevar hacía la oscuridad interna de los personajes según avanza la película. La estructura de la película es de dualidad, igual que la temática que Cronenberg consigue mostrar de una forma intimista. A través de la idea de mostrar una misma persona con temperamentos contrarios, personalidades distintas separadas de forma física; se construye un envoltorio de terror psicológico para un intenso drama existencialista.


Inseparables es una película que fusiona lo onírico y lo real desde el inicio de los créditos, es una radiografía del comportamiento humano y sus reacciones hacia elementos externos. Como introducir nuevos elementos que no comprendemos pueden desestabilizar aquello que aceptamos como continuidad de vida.
Cronenberg mantiene una dirección sobria y estable, otorga un lento desarrollo a la película, pero sin ninguna pausa en la degeneración angustiosa y contagiosa. La interpretación de Jeremy Irons es muy convincente, consigue en todo momento una diferenciación del personaje que interpreta. Gracias a por aquel entonces, un gran trabajo tecnológico, se refuerza la interpretación. Se consigue mostrar a los dos gemelos y en ningún momento se plantea la idea de buscar el truco.

A medida que se desarrolla el desenlace las personalidades de los gemelos se van fusionando, llega un momento que apenas sabes distinguir a los gemelos, es preciso lo que se busca en la película. Una inquietante fusión, la sensación de saber que no pueden vivir el uno sin el otro, unidos por un extraño vinculo que al intentar romper, inicia una autodestrucción personal. A partir de ese momento, cuando el elemento desestabilizador irrumpe en la asumida homogeneidad que viven los gemelos, es cuando Cronenberg de forma progresiva, introduce sus pinceladas en elementos tan perturbadores como instrumentos quirúrgicos para mujeres mutantes. También el tratamiento del sexo muestra una dimensión turbulenta hacia lo morboso. De nuevo la música de Howard Shore consigue estremecer desde el inicio de la película, ayuda a reforzar la intensidad de las situaciones, diferenciar el estado y desarrollo de los personajes. Howard Shore y David Cronenberg son dos auténticos inseparables.


28/4/11

Scre4m




TÍTULO ORIGINAL: Scream 4 (SCRE4M)
AÑO: 2011
DURACIÓN: 111 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Wes Craven
GUIÓN: Kevin Williamson
MÚSICA: Marco Beltrami
FOTOGRAFÍA: Peter Deming
REPARTO: Neve Campbell, Courteney Cox, David Arquette, Emma Roberts, Marley Shelton, Hayden Panettiere, Adam Brody, Mary McDonnell, Anthony Anderson, Rory Culkin, Kristen Bell, Anna Paquin, Lucy Hale, Nico Tortorella, Erik Knudsen, Brittany Robertson, Aimee Teegarden, Marielle Jaffe, Alison Brie, Shenae Grimes, Heather Graham
PRODUCTORA: Dimension Films

Sidney Prescott ha logrado olvidar los asesinatos cometidos en Woodsboro. Diez años después, convertida en una escritora de éxito, vuelve a su pueblo natal con motivo de la gira de promoción de su nuevo libro. Pero su regreso irá acompañado de una nueva ola de crímenes perpetrados por un viejo conocido: Ghostface.

Wes Craven casi siempre ha "parido" muchas de sus obras en el momento idóneo. Aunque sus películas no son grandes obras, ha sabido estar en el lugar y momento preciso. Es gracias a ello que muchas de sus obras se han vuelto indispensables y un gran referente para cualquier aficionado al género.
Grandes obras encumbran su filmografía La Ultima Casa a la Izquierda, Las colinas Tienen Ojos, en los 70, Pesadilla En Elm Street, La serpiente Y El Arco Iris, en los 80.

Los 90 no iban a ser menos y con Scream revolucionó el género slasher. Aunque en realidad no era nada nuevo.
Craven
simplemente se limitó a combinar todos los elementos y clichés de dicho género de una forma casi magistral y con un giro final de lo más impresionante, ahora posiblemente ya no lo sería tanto.
Muchos fueron los que intentaron subirse al carro del éxito copiando ese estilo o mejor dicho, esa formula, sin demasiado éxito. A partir de ese momento la genialidad se convirtió en monotonía. Algo que suele suceder a menudo en el mundo del cine, claros ejemplos de ello serían Matrix o Saw.

Incluso el propio Craven estiró el preciado éxito de la primera parte, con una segunda y tercera entrega. La segunda bajaba el nivel, lógico, el efecto novedad ya no estaba latente, pero aún resultaba interesante.
Fue con la forzada y tontísima tercera entrega, cuando mi interés por ésta saga cayo en saco roto. Para mí ésta le hizo perder muchos puntos, aunque por más que ahondo en mis dañadas neuronas, no consigo recordar el motivo de ello. Pero digo yo que aunque tengo mala memoria, muy buena no sería cuando ni siquiera el más ínfimo detalle recuerdo. Lo que sí recuerdo, es que no me gustó y eso es algo que perdura.


Volvamos a la actualidad, once años habían pasado de aquel aborto. Y yo tan contento de que en estos tiempos de remakes y cuartas partes, no hubieran decidido exprimir de manera alguna el personaje de Ghostface. Alguien debió pensar "ahora, ahora que están desprevenidos"...y zasca, toma cuarta entrega.
El intento de revitalizar la saga y convertirla en franquicia no me hizo ninguna gracia, pensé "otro clásico del género a la mierda", aunque con la tercera ya lo hiciera.
Ni siquiera me molesté en seguirle los pasos al proyecto, aún sabiendo que corría de la mano de Craven. Además nada bueno aunaba el tráiler cuando lo visioné casi por error, cuando me lo colaron en el cine.


Pero tras la desinteresada pero positiva recomendación del autor del fanzine, El Buque Maldito, fui a verla.
Lo cierto es que me tengo que quitar el sombrero ante Wes Craven, y no precisamente por que la película sea redonda, que no lo es.
Lo que me parece increíble es que después de más de una década y con los mismos elementos que en todas las anteriores, personajes estereotipados, clichés sonoros, momentos monótonos hechos para despistar y un largo etcétera de tópicos, el resultado sea fresco, dinámico y consiga mantenerte intrigado hasta el expectativo giro final. Este no resulta tan sorprendente, fresco ni coherente, como lo fue el de la primera entrega.
El motivo que usa Ghostface en esta entrega es mejor no analizarlo en profundidad, resulta demasiado forzado. Aún así consigue atraparnos en sus redes, todo el mundo parece sospechoso a la par que inocente. Y aunque no es imposible, es muy difícil averiguar quien es el verdadero asesino. Con una misma estructura juega muy bien sus fichas.

Como novedad se aporta un toque de humor totalmente satírico hacia la situación cinematográfica actual, plagada de remakes y sagas inagotables. Craven se mofa de ello, aunque la paradoja tiene delito, él está haciendo lo mismo con Scream (ya se habla de una quinta entrega). En pro de esa paradoja se cachondea hasta de sus propios cliches, entenderéis a que me refiero si llegáis a verla.
También se mofa de la nueva oleada del género de terror estilo Saw, denominado Horror Porn. Estilo que se basa mucho en la brutalidad visual, carente del suspense y el verdadero terror del que se gozaba antaño, y del que se presume en Scream. Esta cuarta entrega, lejos está de aportar terror al espectador, aunque si el suspense, algo es algo. El toque de humor que le han imprimido a todo el asunto la hace mucho más juvenil que sus antecesoras y me parece muy acertado, lo hacen de forma sutil. Claro que así pierde el efecto terror, aunque no sus elementos. No llega a convertirse en una burda parodia, además hace la película algo más novedosa y dinámica.
Como detalle friki, mencionar el momento Cotxeres de Sants cuando los frikis de la escuela de cine montan el pase privado de toda la saga puñaladas, momento que posiblemente solo les haga gracia al público de dicho festival.

No estamos ante una espectacular e innovadora película, pero el resultado es de lo más factible. No os muráis por verla pero verla antes de moriros.

Videodrome


TÍTULO ORIGINAL: Videodrome
AÑO: 1983
DURACIÓN: 88 min.
PAÍS: Canadá
DIRECTOR: David Cronenberg
GUIÓN: David Cronenberg
MÚSICA: Howard Shore
FOTOGRAFÍA: Mark Irwin
REPARTO: James Woods, Deborah Harry, Sonja Smits, Jack Creley, Peter Dvorsky, Les Carlson, Lynne Gorman
PRODUCTORA: Universal Pictures / CFDC / Famous Players / Filmplan

Max Renn es un directivo del canal de televisión Civic TV, una cadena de televisión menor que subsiste ofreciendo al público contenidos que les sería difícil visionar de otro modo. En la busqueda de nuevo material, descubre la emisión pirata de un canal televisivo donde emiten violencia, tortura y vejaciones de alto nivel de realismo llamado Videodrome. Una palpitante pesadilla de ciencia-ficción que nos muestra un mundo en el que el vídeo puede controlar y alterar la vida humana.

Videodrome fue el trampolín de David Cronenberg a su etapa Estadounidense tras la buena aceptación de Scanners, su film con mayor presupuesto hasta la fecha. El mismo año se inició la producción de Videodrome, que en un principio estaba destinada a titularse Network of Blood. Para está ocasión la producción Canadiense contaría casi con el doble de presupuesto y una mayor distribución por parte de Universal Pictures. Aunque para ello existían unas limitaciones, consistían en moderar la calificación para conseguir una mayor distribución, esto llevó a reducir contenido e incluso cortar partes de la película durante su montaje.

Este nuevo proyecto era mucho más descabellado, retorcido, arriesgado y transgresor que los anteriores films del cineasta. Lastima que con el recorte impuesto por la Universal el resultado final fuera algo desestructurado, amorfo e incluso deforme. Aunque la verdad, eso le va de maravilla a la película debido a sus contenidos, incluso entra en las habituales obsesiones del director. Tampoco desvirtúa el claro mensaje de crítica vanguardista que por entonces realizaba la propuesta del director Canadiense; un análisis de como los medios de comunicación influyen sobre la sociedad, pudiendo moldear e influenciar, tanto por el contenido de la comunicación como por la comprensión de los medios.

La concepción de Videodrome entraba dentro de la consolidación del vídeo domestico, como poder retener las imágenes y volver a verlas cuantas veces quieras, hacerlas parte de ti y tu sistema nervioso. Aunque Cronenberg fue más lejos con Videodrome, dotando la idea de una cierta filosofía en una tesis que continua desarrollando en sus películas. El estreno de Videodrome no funcionó como se esperaba, a pesar de los recortes su contenido malsano continuaba siendo elevado y la falta de metraje no ayudaba para que la película tuviera una buena aceptación comercial. Videodrome consiguió un trono en la distribución domestica, ha sido injustamente tratada durante años, pero a pesar de todo, consigue suscitar diferentes lecturas y con el paso del tiempo, convertirse en una obra de culto para el género fantástico.

La interpretación de James Woods es muy acertada, ofrece ese punto degenerativo al personaje. Siendo la victima mediatizada por sus intereses, una especie de mártir a merced de la lucha de misteriosas corporaciones. Cronenberg siempre utiliza estos elementos, en esta ocasión las conspiraciones corporativas son por la manipulación a través de los medios de comunicación. En Videodrome se confeccionó la idea de la sociedad mediatizada por las transformaciones del medio comunicativo de mayor impacto, la televisión. Se muestra como la tecnología se ha confeccionado como una extensión de las limitaciones humanas y como está misma tecnología puede alterar, incluso modificar nuestro modo de vida. De ahí la fusión entre lo tecnológico y lo carnal, dando fruto a una transformación, la nueva carne.

Videodrome también es una de las películas más grotescas de Cronenberg en lo que impacto visual se refiere. La temática de la película ya habla del interés social hacia lo prohibido, el ambiente de la película se convierte de forma progresiva en algo escabroso, con un contenido erótico perturbador. Lo visceral del ser humano, el no poder apartar la mirada y esa extraña necesidad de querer ver más. De ahí que Cronenberg se tome la licencia de mostrar imágenes violentas, desagradables y sangrientas. Esa aportación de lo bizarro muy bien justificada y aunada con la temática principal de la cinta. Grandes efectos artesanales de impacto visual por entonces y una banda sonora magnifica al servicio de la película, el compositor Howard Shore es una pieza clave en la filmografía de Cronenberg.
Larga vida a la nueva carne.


27/4/11

Rabia


TÍTULO ORIGINAL: Rabid
AÑO: 1977
DURACIÓN: 90 min.
PAÍS: Canadá
DIRECTOR: David Cronenberg
GUIÓN: David Cronenberg
FOTOGRAFÍA: René Verzier
REPARTO: Marilyn Chambers, Frank Moore, Joe Silver, Susan Roman, Howard Ryshpan, Patricia Gage
PRODUCTORA: New World Picture / CFDC / Cinema Entertainment Enterprises Ltd. / Cinépix / Famous Players Film Company / The Dilbar Syndicate
PREMIOS 1977 Festival de Cine Fantástico de Sitges: Mejor guión, efectos especiales

Rose sufre un accidente y es internada en la Clínica Keloid, un centro especializado en cirugía estética, donde es sometida a unos tratamientos revolucionarios. Los resultados son fatales: la chica despierta con una fisura bajo su axila, de la cual emerge un apéndice fálico y experimentando una insoportable sed de sangre humana. Rose la saciará gracias a su nuevo miembro con el que penetra, para extraerles sangre, en los cuerpos de sus víctimas. Éstas, posteriormente, caen presas de una incontrolable rabia homicida que, poco a poco, se va extendiendo por la ciudad como una salvaje plaga de terror y violencia.

El segundo largometraje de David Cronenberg es el peor considerado de forma global, aunque no es peor que su opera prima Shivers (Vinieron de dentro de...), en algunos aspectos incluso la supera, aunque no cuenta con el efecto sorpresa de su antecesora y el argumento es muy similar. Nos encontramos ante los inicios de David Cronenberg, donde ya marcaba una tendencia y mostraba elementos que continúa desarrollando en su carrera profesional. Su anterior trabajo le proporcionó duras críticas, aunque un aceptable resultado en taquilla. La idea base de Rabia se estaba desarrollando por el propio Cronenberg con el nombre de Mosquito, las similitudes argumentales con su anterior película ayudó para las financiaciones publicas Canadienses.

El presupuesto de la película era muy bajo, al rededor de medio millón de dolares, algo muy limitado para ampliar las fronteras de Shivers (Vinieron de dentro de...), pues en esta el desarrollo de la historia ocurre en un complejo de apartamentos alejados de la ciudad. En cambio en Rabia el proyecto era algo más ambicioso, extendiendo una epidemia por toda una ciudad y sus alrededores, con la consecuente alteración publica que ello conlleva, la actuación policial y militar a gran escala. La cuestión es que el resultado final sorprende, teniendo en cuenta las limitaciones de producción que contaban para la película. Un gran ejemplo de economización de medios e inteligencia para sacar partido de situaciones que en conjunto, muestran un resultado digno logrado con esfuerzo y dedicación de todo el equipo.

La película tiene un alto grado de curiosidad por la forma en que Cronenberg combina aspectos muy explotados en el cine de terror, tales como el vampirismo, epidemias contagiosas, zombies (en este caso infectados), con el erotismo como elemento estrella. El sexo en mayor o menor grado siempre está presente en la obra de Cronenberg, en esta ocasión lo mezcla con la naturaleza de un depredador animal. El detonante de todo viene dado del propio ser humano, utilizando en menor grado la idea de corporaciones secretas y la investigación genética. Se desencadena una situación angustiosa en lugares cotidianos, como espectadores estaríamos expuestos en todo momento al peligro. El punto de partida sobre el que se sustenta el guión no es tan solido o está tan bien desarrollado como debería, pero se trata de los inicios de un cineasta con inquietudes y planteamientos artísticos que continua plasmando en la actualidad.


Los actores elegidos no eran conocidos, no hay que decir que fueran malos aunque sus interpretaciones eran limitadas, al igual que el presupuesto. La mejor interpretación recae sobre la actriz principal, la actualmente fallecida actriz porno Marilyn Chambers. La primera opción para el papel principal era la actriz Sissy Spacek, aunque en producción no encajaba la idea. Para ajustar el presupuesto y tras un buen resultado en las pruebas de casting, pensaron que Marilyn Chambers era la mejor opción. Ese mismo año se estrenó Carrie con Sissy Spacek como protagonista, ocupando un lugar en la historia del cine de terror con su imagen llena de sangre por todo el cuerpo. Es curioso que en Rabia haya un pequeño instante en la ciudad donde se muestra un cartel publicitario de la película de Brian de Palma. Volviendo a la película que nos acontece, se puede afirmar que no se trata del guión más elaborado por Cronenberg, dispone de situaciones que no están bien resueltas y algunas escenas se alargan más de lo necesario, aunque tiene un final que sin ser brillante tiene un buen impacto. Lo mejor de la película es como se consiguió con muy pocos medios, dar la sensación de unidad a una historia de determinadas pretensiones y hacer que resulte convincente.


26/4/11

Scanners

TÍTULO ORIGINAL: Scanners
AÑO: 1980
DURACIÓN: 102 min.
PAÍS: Canadá
DIRECTOR: David Cronenberg
GUIÓN: David Cronenberg
MÚSICA: Howard Shore
FOTOGRAFÍA: Mark Irwin
REPARTO: Jennifer O'Neill, Stephen Lack, Patrick McGoohan, Lawrence Dane, Michael Ironside, Robert Silverman, Adam Ludwig
PRODUCTORA: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)

Sólo 237 personas en todo el mundo son "scanners", seres humanos con unos extraordinarios poderes mentales. Darryl Revok es el más poderoso y el jefe del grupo. Todos ellos son capaces de controlar las mentes de los demás y pueden provocar terribles sufrimientos a sus víctimas. El Doctor Paul Ruth descubre un scanner con más poderes que Revok y decidirá utilizarlo para acabar con el grupo.

Remarco para el sector que encomia esta película, que las dos estrellas no son sinónimo de que la película sea mala. Scanners es una película que me gusta, solo es la forma de diferenciar está película con otras de la filmografía de Cronenberg, que bajo mi humilde opinión, son mejores. Esta semana santa ha sido muy Cronenberg, así que durante algunos días complementaremos nuestra colección con algunas de sus películas.

Todas las películas de David Cronenberg mantienen unos elementos que el cineasta desarrolla en mayor o en menor medida. Scanners arrastra una idea que Cronenberg comenzó a desarrollar durante sus inicios en 1966 con su primer cortometraje títulado Transfer, dándole más desarrollo en el mediometraje Stereo de 1969. Incluso utilizó la estética de Stereo en Scanners con una grabación en blanco y negro que muestra al personaje que interpreta Michael Ironside.
Tras el buen resultado que otorgó Cromosoma 3 (The Brood), tubo la oportunidad que le produjeran una idea en la que llevaba años trabajando bajo el nombre de The Sensitives, para terminar siendo su quinto largometraje con el título Scanners. En aquel momento Cronenberg se lanzó a la dirección sin tener el guión terminado, algo que le pasó factura y de lo que se arrepintió profundamente, resultó ser una producción que proporcionó problemas. Palabras del propio Cronenberg calificaron de milagro el montaje final, la verdad es que la jugada le salió bien, se arriesgó y Scanners resultó ser en su momento su película más taquillera.

Está película fue uno de los rodajes más difíciles de David Cronenberg dada la precipitación con la que comenzó su elaboración tras la pre-producción, el resultado queda reflejado en momentos donde se nota algo más la improvisación. Hay secuencias que no aportan nada, errores de racord, incongruencias y cambios de ritmo narrativo que entorpecen el producto final. De todos modos, el tratamiento del que dispone la película ya es superior a muchas producciones similares, como las secuelas posteriores en las que Cronenberg no tuvo nada que ver. Todos los problemas de rodaje, a pesar de los defectos de la película, sirvió para que Cronenberg pudiera embarcase en lo que fue su siguiente obra, la pintoresca Videodrome, actualmente considerada de culto en la subcultura del género fantástico y de terror.

Es cierto que está película presenta altibajos, pero también proporciona imágenes impactantes, como es habitual en la filmografía de David Cronenberg. También hay que resaltar el intenso final, muy bien resuelto; así como los efectos especiales realizados de forma artesanal, en su momento causaron un gran impacto. Otra particularidad importante para remarcar es que está producción es la segunda en la que trabaja Howard Shore para componer la banda sonora, hasta la fecha un inseparable del cineasta, con sus maravillosas composiciones consigue realzar y aunar los elementos que confeccionan la atmósfera que se respira en el universo de David Cronenberg.

20/4/11

Spooky Cinema XI


Como bien dije...aquí tenemos la undécima edición de Spooky Cinema.
El Domingo 1 de Mayo del 2011 la luna llena hará estragos, ESPECIAL HOMBRES LOBO DE SEGUNDA.
Las películas proyectadas serán The Werewolf of Washington de Milton Moses Ginsberg (1973) y Full Moon High de Larry Cohen (1981). La segunda la conozco pero no he visto ninguna de las dos, así pues oportunidad de verlas no falta.

En la primera el asistente personal del presidente de los Estados Unidos resulta mordido por un hombre lobo en un viaje en Hungría. A su vuelta, una serie de asesinatos se suceden en la Casa Blanca.
Y en la segunda, Tony es un joven muy admirado por sus compañeros como jugador de rugby, pero tiene un problema, su cuerpo se transforma todas la noches en un hombre lobo y, claro, asusta mucho a las chicas y él termina agotado. Su afán es terminar con esta situación hasta que conoce a su nueva profesora.

Para no perder la costumbre, nos deleitarán con Trailers, videos y cortos licantropos.
Habrá golosinas terrorificas de regalo.

Venta de Golosinas, bocadillos, repostería del horror, palomitas, cervezas y refrescos
Stand de The Monster Museum, y Sweet Fangs.

A partir de las 18h ENTRADA GRATUITA.

Atención esta vez en el Espai Jove La Fontana. Gran de Gracia, 190 Metro Fontana (Barrio de Gracia) Barcelona.

Pd. Aunque no se relaciona directamente con el cine, de paso comentar que el día 6 hay un concierto con caminata Zombie Spooky Walk, así que da cabida a todo tipo de monstruos. Más detalles en su evento del Facebook.

Invasión La Tierra


TÍTULO ORIGINAL: Battle: Los Angeles (Battle L.A.)
AÑO: 2011
DURACIÓN: 116 min.
PAÍS :Estados Unidos
DIRECTOR: Jonathan Liebesman
GUIÓN: Scott Silver, Christopher Bertolini
MÚSICA: Brian Tyler
FOTOGRAFÍA: Lukas Ettlin
REPARTO: Aaron Eckhart, Michelle Rodriguez, Bridget Moynahan, Michael Peña, Ne-Yo, Ramon Rodriguez, Taylor Handley, Cory Hardrict, Jadin Gould, Bryce Cass, Joey King
PRODUCTORA :Columbia Pictures / Original Film

Durante muchos años ha habido casos documentados sobre testigos que han visto OVNIS en todo el mundo. Pero lo que hasta ese momento eran simples avistamientos, en 2011 se convierte en una terrible realidad cuando la Tierra es atacada por fuerzas desconocidas. Una tras otra van cayendo las grandes ciudades del mundo, y Los Ángeles se ha convertido en el último bastión de la humanidad. Un sargento de la Marina (Aaron Eckhart) y sus hombres tendrán que enfrentarse en una inesperada batalla a un enemigo absolutamente desconocido.

A grosso modo estamos ante una invasión, sí, pero bien podría no haber sido alienigena. Lo que encontramos no es lo que auguraba la promoción viral que le han dado a la película. La cosa apuntaba a que los extraterrestres serían protagonistas, sino absolutos, al menos compartirían una gran parte de cota de pantalla junto a los humanos. De forma muy similar a películas como Independence Day, La Guerra De Los Mundos o District 9, salvando diferencias argumentales y narrativas, claro. Sin embargo lo que nos encontramos no hace justicia a esa errónea publicidad que le han dado. Un hecho que lamentablemente sucede más a menudo de lo que pensamos y muchas veces influye de una manera negativa en nuestra opinión final.

Invasión La Tierra, no es una historia de alienigenas, es una historia de humanos protagonizada por humanos y sobrellevada por humanos. La relevancia que tienen los alienigenas en la historia no va más allá de una anecdótica tecnología armamentística muy superior a la nuestra. Los invasores bien podrían haber sido Vietnamitas, Musulmanes, Rusos o de cualquier etnia de nuestro propio planeta.
La carencia de explicaciones sobre estos seres, y el sobrecargado diseño con detalles que seguro se aprecian mucho mejor en los cover-art que en movimiento, aumenta ese "defecto". Claro que la manera más práctica y fácil de justificar la abrumadora desventaja que se encuentran los protagonistas en el campo de batalla, era usando dicha tecnología alienigena.

El resultado es muy similar a Black Hawk Derribado de Ridley Scott o The Hurt Locker de Kathryn Bigelow. Una película bélica con una misión supuestamente fácil, llegar del punto A al B cruzando líneas enemigas, con ninguna baja o en su defecto las menos posibles.
Pero al querer cruzar las líneas enemigas, el viaje se tornará en odisea, ahí lo interesante. En ese aspecto es practicamente calcada a Black Hawk. El chasis es el mismo con diferente carrocería, así que el defecto que se le puede reprochar al igual que en la obra de Scott, es que la acción se torna un poco repetitiva.
Aunque no por ello podemos negar que estamos ante una trepidante película bélica cargada de grandes dosis de acción y con un gran apartado técnico.
¿Desventajas? pues que suda patriotismo americano por cada poro, lo sé es vomitivo, pero decirme alguna película bélica actual de producción americana que no cometa este "fallo". Además todos sabemos que en la vida real el mencionado patriotismo no es así, los soldados no se entregan en cuerpo y alma por su país, al menos de la misma manera que se muestra en la película, es demasiado surrealista. Esto es más un tópico creado de cara al cine.
A muy pesar, el cometido lo cumple sobradamente, es emocionante y la adrenalina fluye a raudales, amen de algunos planteamientos estúpidos como el de bajar por la cuerda en el puente. La sensación global es buena.


Los personajes están muy bien construidos y presentados de forma breve pero elocuente, te muestran sus debilidades y virtudes en los primeros minutos, así que simpatizarás con algunos y detestarás a otros antes de arrancar todo el meollo, una vez comienza la acción todo va fluido. El espectador agradecerá que no se pierda el tiempo entrecortando escenas cumbres. El peso interpretativo recae directamente sobre Aaron Eckhart que lo pudimos ver hacer un gran papel en El Caballero Oscuro. Michelle se sale, además cada día está más buenorra, aunque creo que su rol de tía dura está muy estancado, se le da muy bien. El resto del equipo cumple y rellena el hueco sin más pretensión que la de complementar el ritmo narrativo de la cinta. Algunos personajes se introducen a mitad de historia pero no influyen sobremanera en el ritmo.

Los efectos especiales están bastante logrados, ¿envejecerán?, pues claro, cómo todos, si bien no lo harán rápidamente. Como he mencionado los diseños de los extraterrestres están sobrecargados de detalles, en este aspecto (no en el diseño) parece que hayan intentado imitar a los de Distrito 9, pero han quedado carentes del carisma necesario, ello junto a la ausencia de protagonismo los relega a un segundo plano muy por debajo de lo prometido, realmente no importa si los que intentan invadir el planeta son alienigenas, gatos, periquitos o muñecos de trapo. Lo interesante de la película lo aportan el equipo de humanos y las situaciones en las que se verán enfrascados.


Tengo que avisar a los que detestan el pulso del cámara, que está filmada en primera persona, tranquilos el pulso se mantiene bastante firme, lejos queda del parkinson de Monstruoso o La Bruja De Blair. Además no se menciona ni hace referencia dentro del contexto de la película que sea alguien el que está grabando la "aventura", la intención es hacerte sentir que formas parte del grupo, como si espectador fueras tú el cámara que va junto al equipo documentando los sucesos.

Aún no encontrándome el producto que esperaba, salí más que satisfecho.


14/4/11

El séptimo sello


TÍTULO ORIGINAL: Det sjunde inseglet (The Seventh Seal)
AÑO: 1957
DURACIÓN: 96 min.
PAIS: Suecia
DIRECTOR: Ingmar Bergman
GUIÓN: Ingmar Bergman
MÚSICA: Erik Nordgren
FOTOGRAFÍA: Gunnar Fischer (B&W)
REPARTO: Max von Sydow, Gunnar Björnstrand, Nils Poppe, Bibi Andersson, Bengt Ekerot, Gunnel Lindblom, Maud Hansson, Ake Fridell
PRODUCTORA: Svensk Filmindustri
PREMIOS 1957: Cannes: Premio Especial del Jurado (Ex aequo con "Kanal")
1960: Seminci: Espiga de Oro: Mejor película

Suecia, mediados del siglo XIV. La Peste Negra asola Europa. Tras diez años de inútiles combates en las Cruzadas, el caballero sueco Antonius Blovk y su leal escudero regresan de Tierra Santa. Blovk es un hombre atormentado y lleno de dudas. En el camino se encuentra con la Muerte que lo reclama. Entonces él le propone jugar una partida de ajedrez, con la esperanza de obtener de Ella respuestas a las grandes cuestiones de la vida.

Otra transcendental creación de Ingmar Bergman, esta película le otorgó un destacado éxito internacional. El guión está escrito por él cineasta, basado en un acto de su obra de teatro Trämalning (Pintura en madera), de 1955. El séptimo sello muestra una temática existencialista con un discurso conceptual, donde se plantean muchas dudas de difícil respuesta, quizás no las haya. Lo principal de la película es que invita a la reflexión, arte en movimiento con elementos metafóricos y obsesiones del propio Bergman. De ambiente oscuro y tenebroso, las supersticiones y los escrúpulos que provocan el fanatismo religioso, se desarrollan sin evidencias de modo tajante y sentencioso.


Lo más aparente es el retrato del mundo como un ser vivo fuera de control, enfermo de crueldad, dominado por la codicia y supersticiones religiosas que lo hacen capaz de cualquier acto atroz. Pero la idea va más allá, en este mundo también subsiste el atisbo de la inocencia y esperanza frente a la negatividad. El existencialismo alrededor de la muerte, el viaje que todos haremos y que nunca podremos explicar. Todo ello reflejado en unos personajes bien tramados e interpretados. El caballero representa la duda, la búsqueda de paz espiritual, acompañado de su escéptico escudero. La codicia, el miedo, la decadencia y lo oscuro dentro de una masa, queda reflejado en sacerdotes, flagelantes, aldeanos y campesinos,que viven acongojados ante el temor de la muerte, vicios y tentaciones. Por otro lado la representación de lo positivo, la inocencia y la alegría quedan reflejadas en la familia de comediantes.

El tema que se trata en la película puede resultar un tópico de las polémicas, pero esta abordado de forma escabrosa, tétrica y arrolladora, como suele ocurrir en la obra de Bergman. Pero de forma inevitable, induce hacia la reflexión, pues en el desenlace de los acontecimientos se abren varias interpretaciones, desde el lado positivo de afrontar lo inevitable, hasta lo más retorcido y pernicioso del simbolismo utilizado en la película. El séptimo sello está considerada como la gran película de Bergman, por lo menos a conseguido ser la más conocida. También forma parte como obra maestra dentro de los clásicos del cine. Todo es cuestión de gustos y procurando no alejarme mucho de la objetividad, otras películas de Bergman me gustan más que El séptimo sello. Pero la película es impecable, fuera de gustos personales, otra demostración de un talento portentoso confirmando el arte del cine.

La ambientación de la película está realzada hacia la perfección por el director de fotografía Erik Nordgren, que ajusta todo un despliegue de talento a las necesidades de la película. En las interpretaciones se vuelve a contar con otra fantástica actuación de Max von Sydow, actor habitual en la filmografía de Bergman. La personificación del nihilismo que derrocha el personaje del escudero, muy bien interpretado por Gunnar Björnstrand. La estupenda Bibi Andersson, que unos años después llegaría con Bergan a unas altas cotas interpretativas en Persona. Y la imagen de la muerte, interpretada por Bengt Ekerot, inquietante e inolvidable presencia. La banda sonora compuesta por Erik Nordgren, dispone de momentos apocalípticos, aunque en mayor parte se compone por melodías y sonidos tan acogedores como turbadores. El séptimo sello no deja indiferente, para bien o para mal invita al raciocinio, toda una experiencia que te dejará en jaque.

6/4/11

Proyección La perversa caricia de Satán

El Buque Maldito sigue con sus proyecciones habituales. La obra elegida para el Sábado 30 De Abril 2011 a las 18h es "La perversa caricia de Satán" (1973) con la presencia del actor José Lifante.


El director andorrano Jordi Gigó se decantó para su opera prima, "La perversa caricia de Satán", por un film de terror donde se fusionaba la parapsicología, los zombies y la figura de un mad doctor, todo ello con cierto aroma erótico, en un título lleno de nombres destacables como el de Silvia Solar, María Silva, Olivier Mathot, José Nieto, Víctor Israel o el del invitado a esta nueva proyección: José Lifante. Un actor todoterreno de nuestro país, con una filmografía que sobrepasa los 200 títulos, y donde el cine fantástico y de terror ha tenido una gran importancia en su carrera, trabajando en películas como "El asesino de muñecas" (1973), "No profanar el sueño de los muertos" (1974), "El extraño amor de los vampiros" (1975), "Las aventuras del Barón Munchaunsen" (1987), "Dagon" (2001) o "Rojo sangre" (2003), entre otras. De todos estos títulos, y de los géneros en los que ha trabajado desde sus inicios en el mundo del cine en los años sesenta, nos hablará José Lifante tras la proyección.

Entrada gratuita.

Centro Garcilaso
C/. Juan de Garay, 116.
Barcelona
Sagrera L1-L5.

4/4/11

El extraño (El extranjero)

TÍTULO ORIGINAL: The Stranger
AÑO: 1946
DURACIÓN: 95 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Orson Welles
GUIÓN: Anthony Veiller (Novela: Victor Trivas)
MÚSICA: Bronislau Kaper
FOTOGRAFÍA: Russell Metty (B&W)
REPARTO: Orson Welles, Loretta Young, Edward G. Robinson, Philip Merivale, Richard Long, Konstantin Shayne, Billy House
PRODUCTORA: International Pictures / RKO Pictures
PREMIOS 1947: Oscars: Nominada al mejor guión
1947: Festival de Venecia: Nominada al León de Oro

Wilson, un agente de la comisión de crímenes de guerra, está buscando a Franz Kindler, uno de los cerebros de los campos de exterminio nazis, que ha conseguido huir sin dejar huellas. Siguiendo la pista de un antiguo camarada de Kindler llega hasta Harper (Connecticut), donde es asesinado antes de poder identificar al fugitivo. La única pista que le queda es la fascinación del criminal nazi por los relojes antiguos.

El nombre de Orson Welles es de sobras conocido, a parte de su versatilidad como artista es famoso por su prematuro debut en el mundo del cine con Ciudadano Kane. Welles era muy personal, meticuloso y grandilocuente en sus proyectos, aunque siempre hay excepciones. Tras finalizar la segunda guerra mundial, Orson Welles bajo contrato con la RKO, no disponía de una buena relación con la maquinaría cinematográfica de Hollywood. Se le propuso la dirección de la película The Stranger aprovechando la temática social que por entonces acontecía, Welles aceptó y se amoldó a las condiciones, se ajustó al presupuesto, límite de tiempo y exigencias.

Según palabras del propio Welles, esta fue su peor película, incluso se desvinculó del guión y la película sufrió un recorte de 20 minutos por parte de producción. Aún así, la película es muy notable, Welles demostró ser un excelente artesano y que aunque una película sea por encargo y llena de imposiciones, es capaz de hacer de ello un gran producto que funcionó muy bien en taquilla. Una particularidad de esta película es que está rodada con una inmensa sobriedad, en comparación con otras de sus obras. De todos modos, la gran narrativa visual en conjunto con el gran trabajo de fotografía de Russell Metty, consiguen grandes momentos durante toda la película. La parte floja puede aparecer en algunos detalles del guión, donde el comportamiento y reacciones de algunos personajes, puede resultar un poco inverosímil respecto a la construcción del propio personaje. Pero no es nada alarmante, son esos pequeños, por no decir minúsculos "peros" que pueden sacarse, en este caso, de una muy buena película.

La película nos envuelve con una trama intensa, bien narrada y estructurada. Un gran dominio contenido de los elementos visuales que requiere este género, con un cumulo de pequeños detalles que engrandecen la película. Las actuaciones también está muy conseguidas, el propio Welles muestra parte de su talento interpretativo. El detective interpretado por Edward G. Robinson es un personaje intenso y con mucha fuerza, el contrapunto dramático cae sobre Loretta Young, completamente cegada de amor. Lo mejor es que hay varios personajes secundarios con poca, aunque importante relevancia en la historia, pero con un carisma que consigue enriquecer a la historia.

Donde también hay una gran importancia es en la recreación del reloj de la torre, una reconstrucción especial para la película, donde algunos de los planos con la ayuda de la luz, muestran una gran narrativa e ingenio en el desarrollo de los hechos. La banda sonora es la justa que puede necesitarse para la película, no destaca por encima de muchas otras de la época, pero está ajustada de forma más que correcta para cada momento y situación. The Stranger es una historia sobre el nazismo dentro de una intensa trama policíaca con historia de amor incluida. Se puede decir que es una película menor en la filmografía de Orson Welles, sobre todo por sus declaraciones, pero no deja de ser una gran película que hará pasar un rato intenso y agradable de buen cine.


3/4/11

Sucker Punch


TÍTULO ORIGINAL: Sucker Punch
AÑO: 2011
DURACIÓN: 109 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR :Zack Snyder
GUIÓN: Zack Snyder, Steve Shibuya (Historia: Zack Snyder)
MÚSICA: Tyler Bates, Marius De Vries
FOTOGRAFÍA: Larry Fong
REPARTO: Emily Browning, Vanessa Hudgens, Abbie Cornish, Jena Malone, Jamie Chung, Carla Gugino, Jon Hamm, Scott Glenn, Oscar Isaac, Danny Bristol, Vicky Lambert
PRODUCTORA: Warner Bros. Pictures / Cruel & Unusual Films / Legendary Pictures / Lennox House Films

Ambientada en los años 50. Una chica es internada por su padrastro en una institución psiquiátrica para que le practiquen una lobotomía. Mientras espera, su imaginación crea una realidad alternativa que podría salvarla de su dramática situación. A partir de ahí, la joven comienza a preparar su fuga, cuyo éxito depende del robo de cinco objetos.

Para empezar diré que la sinopsis la he copiado, siempre lo hago. Y lo de ambientada en los años 50 es una licencia como la copa de un pino, por no decir mentira.

Gran espectáculo pirotécnico con mucha pólvora, demasiada, teniendo en cuenta la carencia de emoción argumental que acaba transmitiendo. Me río (sin faltar, a gustos colores) de los que se quejan de una forma exagerada de la simpleza del guión de Avatar, te puede gustar o no, pero al menos éste era emocionante y todo guardaba una coherencia, desde el primer minuto hasta el ultimo.

El guión escrito por Snyder tiene la particularidad de no ser nada nuevo, Avatar tampoco, lo sé, pero es que la manera de unir las situaciones en Sucker Punch es muy tonta, además de vergonzosa, lo que te acaba contando podría haberse hecho en diez minutos. La película se divide en tres actos, el primero es la realidad, el segundo y el tercero son realidades paralelas creadas por la protagonista.

El primer acto es el que menos tiempo ocupa en pantalla y curiosamente es el que realmente nos va a importar en su desenlace, argumentalmente hablando. Ésta es la única parte que cuenta algo mínimamente interesante.

OJO SPOILER
Aunque sea exactamente lo mismo que el final de Brazil de Terry Gilliam FIN SPOILER.

El segundo acto aún guarda cierta coherencia visual y argumental aunque de una forma totalmente independiente del primero, pero es que el tercero son meras escenas de acción, del si por que si y el todo vale, muy influenciadas por el mundo del manga (amen de los pseudo fetichistas, se lo pasarán teta) y del mundo de los videojuegos.


Aunque tanto el segundo como el tercero son simplemente un relleno argumental que no importa lo más mínimo en el argumento principal, la realidad. Es como si hubieran unido tres películas totalmente diferentes, con unas transiciones bastante vergonzosas, sobre todo los bailes que se marca la protagonista y que por cierto no se ven.
Seguro que de haberlo hecho esas secuencias hubieran sido mucho más interesantes que las gratuitas escenas de acción. En las que he encontrado y encontraréis referencias a Final Fantasy XIII en la secuencia del tren, a El Señor de los Anillos y El Hobbit (aunque todavía no se a rodado) en la del dragón y el castillo lleno de Orcos, a cualquier película bélica alemana en la de los soldados zombis, vamos un pastiche que ni siquiera está bien unido. Muy chulo todo visualmente y las mozas son de infarto, pero sin la coherencia argumental necesaria. Acaban siendo animaciones ideales para un videoclip de Daft Punk. Además tuve momentos de pensar pero que ida de olla que cojones es esto, pasado ese "bache" incluso algunos momentos me provocaron la risa.


Estéticamente es muy chula y las texturas están muy bien realizadas, sin embargo bajo mi punto de vista va a envejecer muy rápido, demasiado, puesto que la integración de lo creado bajo pantalla verde no está tan bien acoplada a los personajes y parte del atrezzo que conforma cada plano y cada secuencia. Vamos todo lo que no ha sido creado digitalmente se nota demasiado sobrepuesto en el entorno digital. En anteriores de sus trabajos, 300 o Watchmen también se notaba lo que era fondo verde y lo que no, pero estaba bien integrado, haciéndolo infinitamente más creíble. Es cierto que la exageración de dichas escenas da pie a no poder cubrir tantos aspectos técnicos de una forma correcta, pero entonces más valiera que se hubiera moderado a si mismo.


La cámara se sigue moviendo con avidez y al menos ésta vez no abusa de la cámara lenta, pero no me ha gustado que en algunos momentos ha recurrido a lo que actualmente llamo técnica Transformers, mover la cámara al ritmo de los saltos y explosiones. Espero que a Snyder no le dé por seguir el camino "fácil" para disimular los fallos, en ese caso prefiero que abuse de la cámara lenta.
Lo que sigue siendo realmente envidiable es la tonalidad y la fotografía conseguida. Pero dado su argumento, el resultado hubiera quedado excelente sobre papel en forma de viñetas, por muchas que tuviera como en el caso del cómic de Watchmen, las secuencias de acción serían mucho más dinámicas en papel que sobre celuloide, no se vería tan sobrecargado.

Respecto a la banda sonora, no tan a lo bestia pero ha vuelto a suceder lo mismo que en Watchmen, los temas elegidos son superchulos pero no todos encajan bien en las escenas elegidas, claro que esto ya son gustos de cada uno.
A pesar de todo se nota una buena intención y que hoy en día una productora te dé manga ancha para hacer lo que te dé la gana al 100% en tu película no es fácil, Snyder lo ha conseguido, ha hecho lo que ha querido. Lastima del resultado, pues la intención de darle una profundidad reflexiva al guión se ha ido al traste con el exceso de pirotecnia gratuita.


Algunos todavía tachan a Snyder de visionario y revolucionario, no estoy de acuerdo, ¿lo fue?, sí, pero ahora está repitiendo una formula que poco a poco le ha otorgado su propio estilo, sin embargo a dejado de ser novedoso.
Sucker Punch es una película para verla con el cerebro totalmente apagado, ni siquiera para el supuesto reflexivo final hace falta darle al power para entenderlo.

2/4/11

Hunter Prey


TÍTULO ORIGINAL: Hunter Prey
AÑO: 2010
DURACIÓN: 90 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Sandy Collora
GUIÓN: Sandy Collora, Nick Damon
FOTOGRAFÍA: Edward A. Gutentag
REPARTO: Isaac C. Singleton Jr., Clark Bartram, Damion Poitier, Simon Potter
PRODUCTORA: NBV Productions Inc.

Un comando de fuerzas especiales con la misión de capturar a un prisionero extraterrestre fugado de un transporte militar al estrellarse en un desolado y hostil planeta.

Debut en el largometraje de Sandy Collora, más conocido por haber dirigido los cortometrajes de ficción Batman: Dead End y World Fitness. Hunter Prey es un largometraje independiente de bajo presupuesto. Merito es la palabra que mejor define este trabajo, alejado de los grandes estudios cinematográficos estadounidenses han conseguido un resultado aceptable. Un equipo mínimo, apenas presupuesto y seguro que con algún que otro impedimento que por muy bien planificado tengas un rodaje, siempre aparece.


Hay un buen diseño de producción, al igual que con el maquillaje. Al comienzo de la película no es muy buena la sensación que transmite, pero al rato te acostumbras. La calidad de imagen es muy buena, hay muchos planos llamativos y en general todo está bien pensado. Aunque no se puede evitar dejar ese aire amateur durante toda la película. Hay algunos elementos durante la película bastante sobresalientes, pero dispersos, a pesar de los méritos, la calidad en general es tirando a baja. Al poco de comenzar la película es inevitable pensar en Enemigo mio, salvando las diferencias. La particularidad de la película radica en su sencillez y la aparente falta de pretensiones, aunque no consigue su propósito.

Sandy Collora también es especialista en efectos especiales, algo que han trabajado en este largometraje, salvo algunos efectos CGI que chirrían por su mala calidad, pero que cumplen su función y han tenido el tacto de utilizarlos solo en momentos puntuales y con una corta duración. La visión subjetiva a través de los cascos de los soldados deja bastante que desear, no solo eso, se lo tendrían que haber replanteado de otro modo. Pues el efecto que produce es algo bochornoso y acentúa el toque casero de la película. Tampoco creo que sea intencionado, pues otros aspectos de la película están más trabajados y pulidos.

Han querido jugar con muy pocos personajes, pocos diálogos y que las imágenes narren la acción. Muy buena intención, pero el resultado no está a la altura. La película puede llamar la atención por sus imágenes, pero hay que estar preparado para un ritmo lento, en el cual llega un momento que no es difícil perder el interés. Aún así tiene sus aciertos y está mejor que otras películas con más medios para su producción, pero eso no la hace una buena película. El principal problema radica en su duración, demasiado larga. Se hace aburrida y repetitiva, los pocos diálogos son muy mecánicos e insulsos, sobre todo llegando al desenlace, con un intento de giro argumental constante. Es una lastima, pues buena intención hay, al igual que talento, pero no se exprimen, ni aprovechan, las cualidades de la idea. No es una película horrible, pero cuando termina no se puede evitar pensar que 90 minutos de duración han sido excesivos para tal propósito.