30/6/11

Bitelchus


TÍTULO ORIGINAL: Beetlejuice
AÑO: 1988
DURACIÓN: 93 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Tim Burton
GUIÓN: Michael McDowell & Warren Skaaren
MÚSICA: Danny Elfman
FOTOGRAFÍA: Thomas Ackerman
REPARTO: Michael Keaton, Alec Baldwin, Geena Davis, Winona Ryder, Jeffrey Jones, Annie McEnroe, Sylvia Sidney, Glenn Shadix, Catherine O'Hara
PRODUCTORA: Warner Bros. Pictures. The Geffen Company Release
Un matrimonio de fantasmas (Geena Davis y Alec Baldwin) contrata los servicios de Bitelchus (Michael Keaton), un especialista en asustar mortales, para que ahuyente de la que fue su casa a los nuevos propietarios.

Con esta divertida y alocada comedia Tim Burton nos descarga una corriente de 100 voltios directa a nuestras partes intimas y por supuesto la banda sonora de Danny Elfman multiplica esa sensación.
Eduardo Manostijeras tiene el mismo espiritu en algunos momentos pero el resultado es mucho más profundo y propicio de un drama. En cambio en Bitelchus no existen las reglas, el resultado es un festival de degeneración fantasmagoril. Ya se sabe, un fantasma cabreado resulta muy peligroso, aunque aqui nos hará partirnos de risa.


Lastima que resulta una película olvidada al hablar sobre ella. Creo que todo el mundo recuerda mucho más Pesadilla Antes de Navidad, Batman, Mars Attack o Sleepy Hollow. Lo cierto es que estamos ante una comedia de fantasmas muy divertida y nada obviable. No existen muchas comedias con fantasmas, al menos que yo sepa. Tenemos a Los Cazafantasmas, Los Fantasmas Atacan al Jefe, ambas con Bill Murray. Incluso Peter Jackson se marcó su homenaje a un "género" más acorde con los años ochenta con Agarrame Esos Fantasmas, el tono y la intención es similar al de Bitelchus, pero el resultado es más escabroso que lo ofrecido por Burton.


Los efectos especiales están muy logrados, sobretodo la parte del maquillaje y la escenografia es la que mejor se mantiene, incluso se llevó un oscar al mejor maquillaje.
La parte digital es la más mal parada con el paso de los años, ha envejecido bastante, los cromas cantan demasíado, aunque quedan bastante acorde con el irreverente ambiente de la película. La maquetación también es una parte sumamente lograda, de hecho la escena de la maqueta del pueblo es muy buena. En general los efectos el stop motion, lo digital y el maquillaje (incluyendo protesis y demás parafernalia), están muy bien combinados.

La parejita protagonista cumple sobradamente sus roles, aunque sin lugar a dudas la sobreactuación de Michael Keaton, más propicia de obra teatral o incluso circense, acaparará toda nuestra atención y eso que la familia "invasora" es de lo más peculiar, pero ante Keaton los terminas viendo entre sombras. Keaton otro pedazo de actor al que Tarantino rescató del olvido en Jackie Brown. No hago más que recalcar la explotación que realiza la industria cinematografica con los actores. Hay muy buenos actores que no dejan de trabajar pero no reciben papeles importantes o al menos los que se merecen, cuando realmente estos son mejores que algunos de los más punteros en los momentos de actualidad.


En fin una película realmente gamberra y divertida de la que no tenemos que tener miedo a cargarnos ese maravilloso recuerdo que guardamos de nuestra infancia, visionarla sin miedo pues os gustará igual o más que en su momento, solo si os gustó, logícamente.

22/6/11

La calle de la verguenza

TÍTULO ORIGINAL: Akasen chitai (Street of Shame)
AÑO: 1956
DURACIÓN: 85 min.
PAÍS: Japón
DIRECTOR: Kenji Mizoguchi
GUIÓN: Masashige Narusawa (Novela: Yoshiko Shibaki)
MÚSICA: Toshiro Mayuzumi
FOTOGRAFÍA: Kazuo Miyagawa (B&W)
REPARTO: Machiko Kyô, Aiko Mimasu, Ayako Wakao, Michiyo Kogure, Kumeko Urabe, Ayasuko Kawakami, Hiroko Machida, Eitarô Shindô, Sadako Sawamura, Toranosuke Ogawa
PRODUCTORA: Daiei Films

El País de los sueños es un burdel situado en un barrio de Tokio, atraviesa una difícil situación, ya que el Parlamento de Japón está a punto de aprobar una ley que prohíbe la prostitución. Retrato de la vida cotidiana de diversas prostitutas: aquellas a las que las circunstancias obligaron a comerciar con su cuerpo, pero también aquellas otras que intentan abandonar ese medio de vida.

Kenji Mizoguchi, uno de los cineastas más importantes en Japón, desde sus inicios en la industria del cine estuvo siempre muy comprometido con convencionalismos sociales, una gran parte de sus películas desaparecion tras la segunda guerra mundial. Siguiendo una trayectoria cinematografica en el estilo del neorealismo, refleja la evolución social de Japón desde el feudalismo hacia la época moderna. Akasen chitai (La calle de la vergüenza) es su última película antes de morir por Leucemia a los 58 años. Ya había alcanzado un gran reconocimiento en Occidente por el éxito que había obtenido en el Festival de Venecia con películas anteriores como Saikaku ichidai onna (Vida de O-Haru, mujer galante), Ugestsu monogatari (Cuentos de la luna pálida) y Sanshô dayû (El intendente Sansho). A partir de su muerte el resto de sus anteriores películas obtuvieron una gran distribución y reconocimiento por parte del público y la critica Europea. De ese modo Mizoguchi quedó como el maestro del cine Japonés, seguido por otros consagrados cineastas también fallecidos como, Yasujirō Ozu y Akira Kurosawa.

Esta película es un reflejo objetivo de un Japón que atraviesa una transformación social en época de postguerra, el argumento se centra en unas mujeres que ejercen la prostitución en un local conocido como El País de los sueños. Cada una ejerce por motivos distintos, a través de estos personajes se muestra una reflexión sobre la abolición de la prostitución y la influencia social de un país en periodo importante de cambio. En los años 50 se aborda este tema de una forma mucho más sincera y cercana que en la actualidad, el reflejo realista de distintos dramas que viven unas mujeres y como cada una de ellas afronta el día a día en tiempos difíciles. Mizoguchi consigue con una narrativa tranquila y una serenidad contemplativa, una película emotiva e intensa. Contiene una fuerte crítica social, pero sobre todo, un precioso retrato de la mujer y su lucha por la libertad.

Una palabra que puede describir esta película es, elegancia, la composición de cada plano, la precisión con la que se coloca la cámara y encuadra una parte de la realidad, es un regalo para los sentidos. Suaves panorámicas dependientes de los personajes, de manera casi imperceptible mantiene la acción de forma continua. Sin necesidad de exhibiciones técnicas, artificios o montajes llamativos, se consigue captar la realidad y trasmitirla fuera de la pantalla. El estilo realista de Mizoguchi con medidas precisas para cada momento, en conjunto con el maravilloso trabajo de fotografía en blanco y negro de Kazuo Miyagawa, son de una sutileza que te atrapa e involucra emocionalmente. Akasen chitai se trata de una película muy personal, precisa con aquello que quiere mostrar y elocuente con su mensaje. La banda sonora de la película a cargo de Toshirô Mayuzumi es como mínimo sorprendente, puede que no al gusto de muchas personas, pero consigue hacerse recordar. En algunos momentos de la película la música consige un efecto demasiado inquietante, pero se merece una mención a parte, una extraña mezcla de sonidos tradicionales de Japón con composiciones experimentales.

11/6/11

Vampyr


TÍTULO ORIGINAL: Vampyr - Der Traum des Allan Grey
AÑO: 1932
DURACIÓN: 83 min.
PAÍS: Alemania
DIRECTOR: Carl Theodor Dreyer
GUIÓN: Carl Theodor Dreyer & Christen Jul (Novela: Sheridan Le Fanu)
MÚSICA: Wolfgang Zeller
FOTOGRAFÍA: Rudolph Maté (B&W)
REPARTO: Julian West, Sybille Schmitz, Henriette Gérard, Jan Hieronimko, Maurice Schutz, Rena Mandel
PRODUCTORA: Coproducción Alemania-Francia

Allan Gray es un joven absorto en el estudio de la demonología y las tradiciones vampíricas. Su interés por las ideas extravagantes de siglos pasados le convirtió en un soñador y en un fantaseador, perdido en la frontera entre lo real y lo sobrenatural. Un día, deambulando sin rumbo a altas horas de la noche, llega a una posada aislada cerca de un río, en la aldea de Courtempierre. Poco a poco va descubriendo que en el pueblo se producen extraños sucesos.

Un viaje al terror subconsciente, una propuesta de vampirismo que va más allá de lo narrativo. El director danés Carl Theodor Dreyer realizó una libre adaptación de la novela Carmilla de Sheridan Le Fanu, el resultado es una propuesta adelantada a su tiempo, con soluciones de carácter vanguardista. La película estaba concebida para ser una realización muda, aunque por la reciente llegada del cine sonoro se añadieron efectos de sonido, algunos diálogos y las fantásticas melodías compuestas por Wolfgang Zeller. Desconozco si alguno de los motivos fue el reciente éxito cosechado por la Universal con la clásica adaptación de Dracula por Tod Browler, de todos modos, Vampyr resultó ser un fracaso económico en taquilla que llevo a Dreyer al alejamiento cinematográfico, diez años tardó en volver a rodar su siguiente película, Dies Irae.


La grandeza de Vampyr reside en su forma, muestra el terror como una sensación individual que cada persona percibe de forma distinta, no por lo que acontece a su alrededor, sino por como se percibe esa información. Vampyr es una película de sensaciones, la narración está en segundo plano, el montaje en paralelo confunde, fragmenta el espacio tiempo apartando la aparente lógica del argumento. La intención de Dreyer era recrear la sensación que se recuerda al tener una pesadilla, algo que consiguió aunque en su momento no cuajó con todo el público. La película es difícil de seguir, el montaje para reflejar sensaciones con toques surrealistas y elementos del expresionismo, es más perceptivo que narrativo. En la actualidad este tipo de línea se sigue utilizando con mayor o menor aceptación, por ejemplo, en películas de David Lynch. Cada fotograma de Vampyr ayuda a la construcción de un mundo fantasmagórico que se tambalea entre la realidad y lo irreal. Con cierto contenido sexual, onírico y surrealista, esta es una película con una fuerte carga enigmática

El personaje central interpretado por Julian West cuyo nombre real era Nicolas de Gunzburg, no resultaba del agrado del director danés, aunque fue quien ayudó a financiar la película. Su interpretación está dirigida para que sea el conductor de la historia, una forma de hacer subjetiva la percepción del espectador hacia los simbolismos de cada plano. Nuestra mirada está ligada a la del personaje de Allan Gray, cada sugestión provocada por los extraños hechos que acontecen a su alrededor, repercute en la sensación que emiten las imágenes. La fotografía de la película de Rudolph Maté consigue uno de los efectos oníricos más especiales de la historia del cine, la variación de grises, la neblina y la gran iluminación que da vida a las sombras son una combinación hipnótica. Movimientos de cámara atrevidos y desconcertantes, encuadres llenos de simbolismo y un montaje paralelo para mostrar una narración idílica. Las localizaciones naturales, no se utilizaron decorados, los escenarios, así como el atrezzo, están llenos de pequeños simbolismos que potencian la idea de la muerte como un ente que está presente en todo momento. La sensación de terror y que el mal lo engloba todo hace de Vampyr una extraña experiencia.

La versión original de la película era de 83 minutos aproximadamente, sufrió el ataque de la censura y en su distribución hubieron copias de 75 e incluso 70 minutos de duración. El negativo original está perdido, aunque en la actualidad se puede disfrutar de una copia restaurada con material de las versiones de Alemania y Francia con extras informativos. El rodaje fue integro en París, gracias a la financiación del actor principal con un título de Barón de Gunzburg, un rico encaprichado con el cine que financió la película a cambio de interpretar el papel protagonista, por esa razón la libertad creativa en la película fue tan extensa. Motivo por el cual se consiguió un efecto que en la actualidad no impacta, pues se ha utilizado hasta la saciedad, pero en su momento mostrar el punto de vista de un difunto fue un logro cinematográfico incalculable, impactante y capital en cine para transmitir la sensación de terror. Vampyr es la expresión de lo que se siente cuando estamos entre el sueño y la realidad, una pesadilla atrapada en el celuloide.

10/6/11

Spooky Cinema 12


Y vamos a por la 12, Spooky Cinema. La Oscura Ceremonia sigue con sus habituales proyecciones domingueras. Esta sesión dedicada a las Roadkill Movie.

En primer lugar Los Coches que Devoraron París (1974) Director: Peter Weir
Dos hermanos que recorren Australia en busca de trabajo, sufren un aparatoso accidente de circulación al ser deslumbrados por unas extrañas luces; solo uno de ellos sobrevive para despertarse en el enigmático pueblo de Paris, un pueblo donde todo el mundo se comporta de un modo cuanto menos peculiar.

Seguiremos con Yo Compré una Moto Vampiro (1990) Director: Dirk Campbell
En mitad de un ritual que lleva a cabo el lider de una banda de motoras, son atacados sin miramientos por la banda rival, con machetes, pistolas y ballestas matándolos a todos. El lider de la banda asesinado por una flecha, resucita siendo poseído por los efectos del ritual. Cuando se dirige a por su moto para perseguirlos, se da cuenta de que el depósito a sido atravesado por una flecha y decide llenar el depósito con su propia sangre, en ese momento la posesión se traslada a la moto, una clásica Norton Comando que se pone en marcha para vengarse.

El Domingo 19 DE Junio a las 18h tenéis una cita ineludible en AUDITORIO LES BASSES, C/Teide 20 Barcelona (Entrando por detrás, como en las películas porno)
Metro Vilapicina.

Para no romper la tradición ni las "normas" tendremos cortos, trailers, videos relacionados con el roadkill movies. Stands, golosinas terroríficas de regalo y muchas sorpresas mas...

Entrada Gratuita.

9/6/11

Tarde Slasher


Trás el éxito de la anterior proyección, el blog Nekrofilmicos vuelve a la carga el día 3 de julio con un especial Slasher.

En primer lugar The Greenskeeper (dir: Kevin Greene, Adam Johnson & Tripp Norton – Terror en el Green, 2002). Este divertido slasher (no lo he visto, si ellos lo dicen) hará las delicias de todo aficionado al Golf.
Y seguiremos con Hell Night (dir: Tom DeSimone – Noche Infernal, 1981). El típico slasher universitario ochentero yankee. Con Linda Blair, la niña más blasfema de la historia del cine. Esta chica no levantó cabeza después de El Exorcista.

¿Donde y cuando? Domingo 03 de Julio 2011 (ya lo he dicho) a partir de las 16hrs. En el Valhalla Club de Rock C/Tallers, 68 junto parada de Metro Universitat de la L1 y L2 o Catalunya de la L1 o L3.

El precio se mantiene 4€ con consumición y palomitas incluidas (aunque un servidor las odia).
Las normas las de siempre "si queréis ver las pelis tranquilamente, os las visionáis en vuestras casas", esto es el hermano pequeño de Cotxeres de Sants.

Y señores ni el Auditori de Sitges oigan, sala para nosotros solitos con proyector & pantalla grande y aire acondicionado.
Disfrutaremos (o no, no lo saben ni los organizadores), de algunos cortos y otras bizarradas; y sortearan algunos regalos entre todos los asistentes!

Y muy "importante" al igual que en la anterior proyección animaban a venir zombificados, en esta animan a que vengas con cualquier accesorio caracteristico, no te olvides tu mejor máscara, la de hockey, la de gas, la de látex, la de payaso o cualquier otro artilugio fetichista.

Os esperamos.

7/6/11

Skyline


TÍTULO ORIGINAL: Skyline
AÑO: 2010
DURACIÓN : 92 min.
PAÍS : Estados Unidos
DIRECTOR :Colin Strause, Greg Strause
GUIÓN :Joshua Cordes, Liam O'Donnell
MÚSICA :Brian Tyler
FOTOGRAFÍA :Michael Watson
REPARTO :Eric Balfour, Scottie Thompson, Brittany Daniel, Crystal Reed, Neil Hopkins, David Zayas, Donald Faison, Robin Gammell, Tanya Newbould, J. Paul Boehmer
PRODUCTORA :Black Monday Film Services

Después de una noche de fiesta, un grupo de amigos se despierta en medio de la noche debido a una luz misteriosa que sale de la ventana. La luz dibuja ligeramente la imagen de personas que luego desaparecen de repente. Así descubrirán que una fuerza de otro mundo se está tragando a toda la población de la Tierra. Este grupo de supervivientes deberá luchar por su vida mientras el mundo entero se desmorona a su alrededor.

Skyline tiene un envoltorio de color azul luminoso. Pero debajo de ese bonito y atractivo envoltorio, encontramos un guión con una historia bastante insulsa, además de previsible y un final muy pero que muy vergonzoso. ¿Estamos viendo una película de ciencia ficción o un drama estilo Ghost o Dirty Dancing?.
Ni siquiera nos da la satisfacción de una gran invasión alienigena, al menos Invasión la Tierra, lo hacía. El motivo de la incursión extraterrestre no se esclarece, aunque como siempre acaba siendo el mismo, agotar los recursos de la tierra, en ese aspecto no le recrimino nada. Pero si una carencia de combates entre humanos y alienigenas.


Se supone que la invasión tendría que ser el motor de la película pero no lo es, supongo que con la intención de no clonar Independence Day. Ni siquiera se ve una resistencia adecuada por parte de los humanos, cuatro militares en una azotea no demuestran una adecuada resistencia militar.
Se han centrado todo el rato en los personajes humanos, explicar la relación entre personajes de una forma demasíado continua, pero de tal forma que no hacía falta extraterrestres, el motivo para quedarse encerrados podría haber sido cualquiera. Y eso está muy bien a la hora de presentar a los personajes, pero acaba siendo un lastre para la historia, no consigues empatizar con ninguno de ellos.

Estéticamente no innova, los diseños son similares a los calamares de Matrix, tienen un mayor nivel de detalles, pero es una copia bastante clara.


Me gustan bastante las películas de invasiones extraterrestres, conozco gente que se mofa de Independence Day, pues a mí me gusta. Y aunque no tenia muchas espectativas puestas en Skyline, la secuencia del secuestro masivo que salía en el trailer, captó mi atención, aún sabiendo quienes eran los directores. Mis sospechas de secuencia trampa se confirman, una lastima.

Dejando a un lado si son mejores o peores películas, los hermanos Strause han demostrado que en efectos visuales saben realizar muy bien su trabajo, tanto en sus propias obras como en las de otros. Han trabajado en innumerables proyectos como 300, Avatar, El Curioso Caso de Benjamin Button y así una larga lista en la que demuestran su talento en ese campo. Sin embargo como directores carecen de talento. Convirtieron Alien Vs Predator 2 en un completo desastre. Lo iniciado por W.S Anderson con la primera parte del versus, quedó tirado por tierra con la secuela de los hermanos Strause.

En fin un completo desastre del que solamente se salvan los efectos especiales.

3/6/11

Sin Identidad


TÍTULO ORIGINAL: Unknown
AÑO : 2011
DURACIÓN : 113 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR :Jaume Collet-Serra
GUIÓN :Oliver Butcher, Stephen Cornwell (Novela: Didier Van Cauwelaert)
MÚSICA :John Ottman, Alexander Rudd
FOTOGRAFÍA :Flavio Martínez Labiano
REPARTO :Liam Neeson, January Jones, Diane Kruger, Aidan Quinn, Frank Langella, Bruno Ganz, Sebastian Koch, Karl Markovics
PRODUCTORA :Dark Castle Entertainment / Warner Bros. Pictures

Mientras se encuentra con su mujer de visita en Berlín, el doctor Martin Harris (Liam Neeson) sufre un accidente de tráfico y entra en un prolongado estado de coma. Cuando se despierta, comprueba alarmado que alguien ha usurpado su personalidad. Entonces emprenderá, con la ayuda de una mujer (Diane Kruger), una frenética investigación para averiguar la verdad de lo que está sucediendo.


La coraza externa de la trama es bastante previsible y aunque nuestras sospechas acaban siendo ciertas, no consigues vislumbrar el final con toda claridad. Usa todos los tópicos de este tipo de películas, pero la disposición del entramado es totalmente factible para tenernos atentos e intrigados.
En cierto momento de la película te aclaran, sin concesiones, el porque de ese robo de identidad, pero la resolución de la trama no se intuye con claridad hasta llegar al final. Serra dispone bien esos elementos, de tal forma que aunque al final puede parecer que todo se le escapa de las manos, sin embargo como realizó con La Huerfana, no llega a ese punto catastrófico, en el que muchas otros thrillers acaban siendo un cubo de rubik pero sin sus tornillos internos. Aquí todo resulta mucho mas sencillo, pero mucho más interesante.

El reparto, sencilla y llanamente no podría haber sido mejor escogido. Nesson es un pedazo de actor y su personaje resulta un tanto enigmatico. La otra mitad del combo la conforma Diane Kruger, además de guapa, no lo hace nada mal. La vimos en Malditos Bastardos de Tarantino, aunque allí parecía mayor que en esta. Su doblaje es muy similar al usado en la película de Quentin. Teniendo en cuenta que los doblajes con acentos suelen patinar, no está mal. Y Bruno Ganz, que lo vimos haciendo de Hitler en El Hundimiento, se marca una actuación antológica, en el papel de ex-agente secreto retirado. Si me tuviera que imaginar al personaje, sería él.

Serra sigue sin innovar en los elementos, usa los miles de cliches, pero los dispone y distribuye con gran acierto. No voy a decir que estamos ante una gran película, pero resulta suficientemente entretenida. Te mantiene atento y con una buena dosis de interés sobre los hechos, durante todo su metraje. Creo que Serra es un director a tener en cuenta, demuestra que se puede hacer buen cine, sin recurrir a lo que se hace por aquí, la comedía de turno con lios de faldas.


Recientes declaraciones sobre su próximo proyecto Harker, una revisión a la novela de Drácula de Bram Stoker, "Es un guión complicado porque es una nueva versión de Drácula que es muy poco respetuosa con el libro, es decir, que la gente me va a odiar (risas) Lo que queremos es dar un golpe de efecto con el mundo de Drácula y los vampiros. Hay un grupo de personas que estamos un poco hartos del vampirito de trece años, metrosexual… Queremos traer algo un poco más friki, más bestial… que dé miedo de verdad y que no sea tan romántico.” sinceramente viendo lo que hizo en La Huerfana me ponen los pelos de punta.

Volviendo a Sin Identidad, solo me queda recomendar su visionado pues a pesar de la sensación de deja Vu, el resultado es bastante bueno.

1/6/11

Viral de Insidious

En apenas diez días se estrena en los cines Insidious, la última película de James Wan, el mismo que sorprendió a unos e indigno a otros con esa maravilla (para un servidor) titulada Saw, de la cual la industría perpetro numerosas secuelas que ha terminado convirtiendo a la franquicia en un circo ambulante.
Como bien sabréis la industria busca formas originales de promocionar las películas. Asi pues de la misma forma que hicieron con REC, nos aportan un video de la reacción del publico, con la finalidad de apoyar su eslogan "la película más terrorifica de los últimos años".
De verdad me pregunto si la gente del video habrá visto alguna película de terror autentico. Por favor no hagáis caso ni de las opiniones, ni de las reacciones que se muestran en dicho video. Nosotros la vimos en el Festival de Sitges y os recomendamos que no vayais a verla es una soberana porquería.