31/10/11

Livide


TÍTULO ORIGINAL: Livide (Livid)
AÑO: 2011
DURACIÓN: 92 min.
PAÍS: Francia
DIRECTOR: Alexandre Bustillo, Julien Maury
GUIÓN: Alexandre Bustillo, Julien Maury
MÚSICA: Raphael Gesqua
FOTOGRAFÍA: Laurent Barès
REPARTO: Béatrice Dalle, Jérémy Kapone, Catherine Jacob, Chloé Coulloud, Félix Moati, Marie-Claude Pietragalla, Loïc Berthezene, Chloé Marcq, Serge Cabon
PRODUCTORA: La Fabrique 2
PREMIOS 2011: Festival de Sitges: Mejor diseño de producción

Es el primer día para la joven Lucy como cuidadora, su primera visita es la anciana señora Jessel, quien está en coma cerebral y sola en su gran mansión. Lucy descubre por casualidad que la señora Jessel había sido una profesora de baile de gran fama, y que tiene en la casa algún tipo de tesoro escondido. Así que junto a sus amigos William y Ben, deciden buscar en la casa con la esperanza de encontrar algo de valor. De noche, entraran en la casa, que cada vez se presenta más extraña, y su caza de tesoros acabará desembocando en una serie de sucesos sobrenaturales terroríficos que cambiaran para siempre a Lucy.

Muchas de las expectativas en la 44ª edición del Festival Internacional de Cine Fantástico Sitges 2011 estaban situadas en Livide, la segunda película del dúo directivo Alexandre Bustillo y Julien Maury. En el 2007 consiguieron escandalizar con su opera prima À l'intérieur, la cual consiguió hacerse con el premio al mejor maquillaje en el festival de Sitges ese mismo año. Con esta nueva propuesta han conseguido dividir al público, quienes estuvieran esperando algo similar o que siguiera el camino de À l'intérieur, es posible que se decepcionaran. Livide es algo distinto, la nueva apuesta del tándem formado por Alexandre Bustillo y Julien Maury explora otros territorios. Se trata de un cuento fantasmagórico sobre vampirismo, el acierto es no caer en los tópicos al pensar en películas sobre vampiros, pues la forma de tratar esa faceta es distinta y muy acertada.


La película tiene sus tres actos marcados de forma firme, pero se puede dividir en dos partes de modo más global, pues quedan diferenciadas de forma más evidente. El tono de la película pasa por una evolución que empieza por lo que sería realista, con un argumento narrativo y lineal, pasa de forma progresiva hacía una historia de fantasía sobrenatural para culminar en un clímax en formato de poesía visual; ahí cobra sentido el título de la película, llevando el planteamiento inicial al terreno de lo etéreo. De ese modo tenemos un planteamiento inicial narrativo convencional, es la presentación de la protagonista, sirve para relacionarla con el resto de personajes y colocarnos en situación, lo que sería la primera parte de la película. Luego tenemos lo que sería la otra parte, la que dota al conjunto como verdadera película de terror fantástica. Me dio la impresión que esa dirección elegida para concluir la historia es lo que creo rechazo general del público, en cambio, creo que se trata de la propuesta más interesante de la película.


Lo que más destaca en la película es su estética, por parte del departamento de arte han conseguido recrear una localización espectacular, han creado una atmósfera fantástica llena de detalles. Los decorados son de primer nivel, el diseño de vestuario es soberbio, el maquillaje vuelve a ser espectacular, no en vano la película consiguió el premio al mejor diseño de producción en el festival de Sitges 2011. La fotografía consigue realzar todos esos elementos, el director Laurent Barès consigue junto al operador de cámara unos interesantes planos e una iluminación que junto un tratamiento cromático, exagerado y desmesurado pero al servicio de la película, crean la dimensión de cuento de hadas macabro. Opino que la película no es solo un ejercicio de estilo, pues todo ello tiene una necesidad real que se debe a la historia, por cierto, muy emotiva e interesante. Las interpretaciones están dentro de los margenes de lo correcto y no desentonan durante la película, ni para bien, ni para mal, de ese modo se podrá decir que estamos ante un correcto reparto que ha trabajado al servicio de la película. En esta ocasión, también aparece la actriz Béatrice Dalle, aunque con un papel menor y de menos peso, pero son pequeños detalles que se agradecen a quienes disfrutamos con su interpretación en À l'intérieur.


Son muchos elementos que componen Livide los que sobresalen por encima de la media, al parecer todos los equipos técnico artísticos que han participado en la película han realizado un trabajo sobresaliente, quienes no han estado a la altura de su propia historia han sido los dos directores, Alexandre Bustillo y Julien Maury. Es el punto flojo, no han sabido canalizar todo el potencial que desfila por la película, un gran acierto el modo en el que se desarrolla la historia, buena puesta en escena y emotivo fondo argumental que sufre la transformación de la narrativa discursiva hacía la visual. El defecto es como se rueda todo ello, que no es lo mismo que como se muestra, pues todo se entiende y queda muy bien atado. Son las diferentes elecciones que en teoría toman los directores, las que durante la película no consiguen exprimir ni potenciar todo el material. Algunas soluciones se muestran algo arbitrarias y con falta de inventiva, algún momento violento más explicito es completamente arbitrario y gratuito, no me pareció que estuviera integrado en la acción. En su anterior película abusaban de la exageración y lo explicito de la violencia, funcionaba porque estaba bien integrado, tanto por su tono como por su forma. Lo mismo ocurre con Livide respecto a sus necesidades técnicas y diseños artísticos, solo que cuando quieren dejar parte de brutalidad como registro personal, no queda bien integrado y por muy bien hecho que resulte, no consigue el efecto que busca.


Hay muchos encuadres en la película muy bien construidos y con gran atractivo visual, el defecto es la relación entre encuadres, no está bien construida y deja que muchos planos queden en el aire siendo muy potentes, pero sin mostrar una continuidad o consonancia visual más allá de lo estético. Estamos de nuevo, ante la ineficacia de los dos directores, que no quiero decir que sean malos directores ni guionistas, pero no han conseguido trascender con su propósito y el proyecto se les ha quedado grande. Pasando de puntos negativos y retomando los positivos, la banda sonora de la película es también algo a destacar, muy atmosférica, la mezcla de sonido consigue muy buenos golpes de efecto que funcionan muy bien. Es una lastima que por algunas decisiones inapropiadas, la película pueda presentar algunos errores, pero sobre todo, que no consiga elevarse y ser mucho mejor de lo que podría haber sido. Por otra parte, están claras las referencias que hay detrás, desde trabajos consagrados de directores como Dario Argento, producciones de la Hammer e incluso un gusto por la literatura gótica, así como elementos de películas de terror adolescente. Aunque no se compare de forma directa, hay que tener en cuenta que muchas películas de las cuales se rinde cierto homenaje en Livide, no es que sean lo que se dice buenas películas, hablando en modo objetivo y fuera de los gustos personales. No por ello hay que justificar que Livide no tenga porque ser una gran obra, ni mucho menos, pero si ser más exigente empezando por los propios realizadores; aunque seguro que su intención era la de conseguir lo mejor posible. En esta ocasión y por ese motivo la película queda coja, pero vale la pena por su atractiva propuesta y gran trabajo tanto técnico como artístico.

 

Deus Irae


TÍTULO ORIGINAL: Deus Irae
AÑO: 2010
DURACIÓN: 13 min.
PAÍS : Argentina
DIRECTOR: Pedro Cristiani
GUIÓN: Pedro Cristiani, Simon Ratziel
MÚSICA: Pablo Isola
FOTOGRAFÍA: Lucio Bonelli
REPARTO: Gastón Ricaud, Julia Perette, Simón Ratziel, Ana Pauls, Bernarda Pages
PRODUCTORA: Nerdhaus Flms

Existe una frágil frontera entre nuestro mundo y el reino de las tinieblas: un límite donde criaturas pesadillescas se agazapan en las sombras, esperando la oportunidad para poseer a los más inocentes, y así usarlos como un portal para infectar nuestro mundo. Una sola cosa los viene deteniendo: una orden de sacerdotes que dedican su vida a proteger ésta frontera. Ellos son los Deus Irae.

LISTADO DE PREMIOS:
WINNER Bronze, Audience Award, Toronto After Dark Film Festival
WINNER Audience Award, Best Short Film, V CineFantasy Film Festival, Sao Pablo, Brazil
WINNER Best Make-Up + Best Creature, V CineFantasy Film Festival, Sao Pablo, Brazil
WINNER Honorary Mention : Best Potential, FantasticFest 2010, Austin, USA
WINNER Honorary Mention : Best Short Film + Best Special Effects, 2010 Tabloid Witch Awards, Los Angeles
WINNER Best International Film Knoxville Horror Fest 2010
WINNER Best LatinAmerican Short Film + Audience Award, Best Short Film + 'New Blood' Award, Best Director, 3rd Fantasy and Horror Film Festival, Santiago, Chile
WINNER Best Director + Best Production + Best Photography, 7th International Short/Film Festival, Tapiales, Argentina
WINNER Best Professional Short Film, Fanter Film Festival, Caceres, Spain.
WINNER Audience Award, SHOTS International Online Film Festival.
Official Competition, SITGES Film Festival, Spain, Oct 2010
Official Selection, Leeds International Film Festival, UK, Nov 2010
Hora Cero Section, Mar del Plata International Film Festival, Argentina
Official Selection, Screamin' Athens Film Festival, Greece, March 2011
Official Selection, 22nd Ankara International Film Festival, Turkey, March 2011
Official Selection, 20th Florida Film Festival, April 2011
Official Selection, HBO's NYC International Latin Film Festival, July 2011

Desde Argentina nos llega un cortometraje que el año pasado se proyectó en el Festival Internacional de Sitges 2010, consiguió una favorable reacción del público que recibió lo que buscaba. El cortometraje va recopilando diferentes premios y menciones en festivales de cine, está enfocado de forma directa al género fantástico y de terror, con pinceladas del género de aventuras. Con un destacado nivel de efectos especiales y maquillaje por parte del equipo Rabbid EFX; la historia nos introduce en una ambientación inquietante, una pequeña localización donde el mal está latente en todo momento. El apartado sonoro juega mucho a su favor, el montaje es dinámico y progresivo hasta un clímax escandaloso. Hay algunos aspectos que se podrían pulir, no termina de explotar ciertos puntos, aunque es un buen ejemplo de que con poco se puede hacer mucho. Bien podría dar lugar a un largometraje en el que se diera rienda suelta a las aventuras de los Deus Irae.

29/10/11

The Thing


TÍTULO ORIGINAL: The Thing
AÑO: 2011
DURACIÓN: 103 mi n.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Matthijs van Heijningen Jr.
GUIÓN: Eric Heisserer, Ronald D. Moore (Historia corta: John W. Campbell Jr.)
MÚSICA: Marco Beltrami
FOTOGRAFÍA: Michel Abramowicz
REPARTO: Mary Elizabeth Winstead, Eric Christian Olsen, Joel Edgerton, Jonathan Walker, Dennis Storhøi, Kim Bubbs, Stig Henrik Hoff
PRODUCTORA: Strike Entertainment / Universal Pictures

En una remota zona de la Antártida, un descubrimiento de gran relevancia científica se convierte en un problema de supervivencia, cuando un alienígena es desenterrado por un equipo de científicos internacionales. La criatura posee el don de la metamorfosis: puede convertirse en una copia perfecta de cualquier ser vivo, aunque íntimamente se trata de un ser inhumano. La paleontóloga Kate Lloyd (Mary Elizabeth Winstead) ha viajado a esa desolada región para unirse al equipo científico noruego que ha encontrado una nave extraterrestre enterrada en el hielo, en cuyo interior hay un organismo aparentemente muerto. Sin embargo, un sencillo experimento lo libera de su prisión congelada. Para protegerse del alienígena, Kate se alía con Carter (Edgerton), el píloto de la expedición. Pero va a ser muy difícil sobrevivir frente a un organismo que puede adoptar todas las formas.

Remake: m. Nueva versión de una obra.
No dice si mejor o peor, lo ideal sería que fuera mejor que la anterior, muy pocas veces es así. Estamos en una época en que la falta de originalidad brilla por su ausencia. Es cierto que prácticamente ya está todo hecho, siendo realmente difícil sorprender al público. Pero encuentro absurdo quejarse de los remakes. Cuando es algo que se ha venido haciendo desde tiempos inmemoriales en la industria cinematográfica. Casos como La Mosca de David Cronenberg, The Blob de Chuck Russell o Soy Leyenda de Francis Lawrence, que actualmente también cuenta con tres versiones, dan fe de ello. Así podría seguir enumerando infinidad de obras de nuestra infancia u adolescencia.

La obra dirigida por Matthijs van Heijningen Jr. que viene del mundo del cortometraje y videoclips, debuta con este efectivo largo que ha sabido aprovechar bastante bien la fama de su antecesora. Escrita por Eric Heisserer (Destino Final 5, Pesadilla en Elm Street: El Origen) ‘homenajea’ (prefiero decirlo así, queda menos dañino) a La Cosa (1982) (no repetimos críticas fue un fallo 'lógistico' opinión 1 y opinión 2) dirigida por el maestro de la serie B, Jhon Carpenter. Obra que a su vez, ya era un remake de El Enigma de Otro Mundo, basada en un relato corto de John W. Campbell, Jr.
Por eso mismo digo que ahora ponemos el grito en el cielo, pero no lo hacíamos en los 80 ¿por qué? Pensar en la gente que disfrutó con el clásico de 1951, cuando se enteró en 1982 de que se iba a hacer un remake de su obra preferida. Supongo que la reacción fue la misma que la nuestra en la actualidad. No estoy defendiendo que se hagan remakes, es más veo totalmente lícito protestar generalizadamente ante el aluvión y la sobreexplotación de productos recién salidos del horno, que apenas con un par de cumpleaños a sus espaldas (bueno, a veces ni eso) ya se planea una relectura. Al menos antes se hacía más moderamente que en la actualidad, pero recalco, se hacía.


Estoy de acuerdo que el cine es un negocio, y como tal, la industria, que no deja de ser una gran empresa, se aprovecha cuando ve posibilidad para sacar dinero, olvidando a su público que no siempre sale satisfecho.
Independientemente de si me gusta o no el resultado final. Para mí un remake, ya no voy a decir necesario, sino valido realizarlo. Es cuando la cinta ha tenido el suficiente tiempo para envejecer. De todas formas, es algo inevitable, así que solo cabe esperar que como mínimo sea un producto digno de la obra a la que homenajea.

En el caso de The Thing, no vamos a entrar sobre si era realmente necesario. Lo que si se sabía de antemano es que no iba a superar la obra de 1982. La duda estaba en si al menos sería digna y deudora de esta, ciertamente sí. Funciona mejor como cinta independiente, pero las conexiones con la obra de Carpenter están lo suficientemente bien realizadas para tratarla como tal, un remake/precuela. No esperéis ninguna maravilla, pero tampoco el desastre que auguraba el trailer. Una correcta cinta que posiblemente ayudara a descubrir a la generación actual la genial obra de 1982. Es cierto que la podrían descubrir sin necesidad de esta cinta, tan solo investigando, pero es un punto de ayuda a que terminen investigando y descubran la maravilla hecha película que realizó Carpenter.

Matthijs nos deja una efectiva película con un esquema muy similar, al menos en la primera media parte. Claro que viendo la de Carpenter, no era difícil imaginarse los acontecimientos previos, los de la base noruega, y que iban a sucederse con el mismo esquema a los de la base americana. Con la principal diferencia de que el portador inicial esta vez sea el propio bicho, en lugar de un ente de la tierra. Así que los más curiosos podremos quitarnos esa espina clavada, ver el supuesto aspecto original de la criatura. Digo supuesto, por que vete a saber si no había clonado anteriormente a una especie de otro planeta, eso queda en el aire. Yo siempre he tenido la teoría de que su forma primitiva siempre fue un microorganismo invasor.


Al principio mantiene el mismo ritmo pausado y enigmático que en la obra de Carpenter. Es a partir de media película que abandona el suspense para dar paso a la acción, convirtiéndola en una efectiva monster movie. No se pierde totalmente pero queda relegado a un segundo plano, mientras que en su predecesora seguía estando presente hasta su desenlace.
Dentro de la actualización que ha supuesto visualmente, ha sido respetuosa con su predecesora, los escenarios son muy similares. También se han incluido pequeños detalles como el hacha clavada, el bloque de hielo roto de la misma forma, el cadaver en la silla y multitud de detalles que concuerdan a la perfección con los restos hallados por los norteamericanos en la base noruega. Detalles que sin duda los fans no pasarán por alto y disfrutarán.
Sin embargo también han intentado desmarcarse un poco con algunos detalles de cosecha propia, por ejemplo la forma de averiguar quien esta infectado ya no es descubierto a través de la sangre, entre otros que será mejor que los vayáis viendo. Para quien no la haya visto, no voy a desvelar en que forma realizan la mítica prueba de la sangre, pero está bastante bien buscada. Además da lugar a una mayor ambigüedad sobre quien está infectado y quien no.

Anunciaron que sería precuela y muy a pesar de su similar esquema, lo han cumplido con gran acierto. Al finalizar la película, por un momento pensé, mierda se han dejado lo más importante. Enlazar el final con los hechos iniciales de la obra de Carpenter, la enigmática persecución en helicóptero. Por suerte hasta en eso han pensado, siendo indispensable quedarse en los créditos finales ya que remata la faena, conectando ambas películas con la mencionada secuencia. Pillado por los pelos en el último momento, cierto, pero al fin y al cabo pillado.
Un defecto es no haber profundizado un poco más en el origen del bicho, pero pasados los primeros minutos cuando el monstruo hace acto de aparición, entramos en la dinámica de la película y no le damos mayor importancia.

Los efectos especiales dan paso a lo digital, salvo la primera vez que acorralan al bicho y se ven las patas arácnidas que son animatronics o al menos a mí me lo parecieron y las inspeciones sobre la mesa que está realizado de forma artesanal, el resto de efectos son puramente digitales. De esta manera el bicho gana en movilidad y la consecuente tensión, pero sacrifica carisma. En la de obra de Carpenter los efectos a cargo de Rob Bottin (Robocop, Desafío Total) estaban enteramente realizados con látex y animatronics. Otorgando al bicho un toque mucho más enfermizo y aterrador. Aquí las texturas digitales están bien realizadas, aunque el resultado es un tanto artificial. La estética del bicho parte de la idea de Bottin, ojo a la escena de la manos, deudora de los efectos de Bottin. Aunque en el tramo final de la película se busca la espectacularidad, dando como resultado un bicho más propio de la saga Resident Evil.


Marco Beltrami (Scre4m, En Tierra Hostil) ha cogido la idea que plasmó Ennio Morricone en la maravillosa banda sonora para la obra de Carpenter, y lo ha adaptado a un score totalmente nuevo y coherente con el ritmo de la película, tanto en su primera parte más enigmática como en la segunda más próxima al cine de acción mezclado con el terror. Solamente ha reutilizado el main theme compuesto por Morricone, en los créditos finales, que seguro muchos fans agradecerán.

Aunque son menos carismáticos que en la obra de Carpenter (tampoco importa demasiado ya que van muriendo mucho más rápido) los actores cumplen bien su papel. La atención se centra más en la criatura que en los actores, no como lo hiciera la obra de Carpenter que se centraba mucho más en las relaciones entre personajes, similar a lo acontecido en Asalto a la Comisaria del Distrito 13.
Carpenter siempre ha sido un gran maestro en juntar a un grupo de personas y desarrollar comportamientos muy dispares. Y me parece bien que la obra de Matthijs intente desvincularse un poco en ese aspecto, así el esquema varía minímamente.
El papel que interpretaba Kurt Russell lo interpreta la bella Mary Elizabeth Winstead (Death Proof, La Jungla 4.0, Scott Pilgrim) que se pone en la piel de Kate Lloyd, una paleontóloga que es reclamada por el equipo noruego ante tal hallazgo arqueológico. El protagonismo no se reparte con el resto del equipo, esta vez recae sobre el personaje de Lloyd, pero al menos sus conocimientos quedan más justificados frente a los de Russell que era un simple piloto de helicóptero.
El desenlace es mucho más cercano a la ciencia ficción que al terror propiamente dicho. Por momentos tuve miedo de que acabara como una película de Spielberg. Ya que se puede ver la nave en todo su esplendor, incluido interiores. Menos mal que la situación se resuelve con total normalidad. Para los más curiosos, entre los que me hallo, ha sido interesante poder ver los restos de la nave en profundidad, sin recurrir al ostracismo.

Una remake bien hecho, sin pretensiones de superar nada y con bastante respeto a la semi-original.

28/10/11

Shaolin


TÍTULO ORIGINAL: Xin shao lin si
AÑO: 2011
DURACIÓN: 131 min.
PAÍS : Hong Kong
DIRECTOR: Benny Chan
GUIÓN: Chi Kwong Cheung, Alan Yuen
MÚSICA: Nicolas Errèra
FOTOGRAFÍA: Anthony Pun
REPARTO: Andy Lau, Nicholas Tse, Xiong Xinxin, Yanneng, Yu Hai, Fan Bingbing, Wu Jing, Yu Shaoqun, Bai Bing y Jackie Chan
PRODUCTORA: Coproducción Hong Kong-China; Beijing Silver Moon Productions / China Film Group / Emperor Motion Pictures

En esta cinta ambientada en los años 20, Andy Lau interpreta al hijo de un señor feudal que se refugia en un monasterio Shaolin para protegerse del ataque de un rival. Allí conoce al personaje de Nicholas Tse, un joven malcriado obligado a permanecer en el monasterio después de perder a su familia. Allí ambos serán entrenados en las artes marciales y en la filosofía Shaolin con las que tendrán que combatir el ataque de sus rivales.

Una gran super producción directa de Hong Kong, una cinta de artes marciales con una cuidada estética. El director Benny Chan viene siendo nominado en varias ocasiones en el Hong Kong Film Awards, sus realizaciones están siempre enfocadas al genero de aventura, comedia y fantástico, mezclando la acción con la ciencia ficción en ocasiones, otras son producciones históricas llenas de esos elementos, como es el caso de Shaolin. Tal mezcla consigue un producto homogéneo y llevadero, dentro del género de las artes marciales destaca por encima de la media, es una película muy visual que cuida muchos detalles.


La verdad es que no se puede imputar nada negativo a la película desde el apartado técnico, el diseño de producción de la película es desmesurado. No se puede decir que la película sea mala, podría ser mucho mejor por lo mismo que podría ser mucho peor, quizá ese sea el problema, que la película no transciende más allá del gusto personal. Quien se ponga a buscar defectos y carencias seguro que encontrará, ahora bien, las virtudes son más escasas; la suerte es que las que tiene son firmes y pesan. La historia de la película es muy correcta, emotiva y con gancho, el defecto es que se podría haber resuelto en menos tiempo. Al alargar la historia durante 131 minutos queda como poca mantequilla untada sobre demasiado pan, es una lastima, pues la película contiene esos elementos de cine de aventuras, pero no queda potenciado como deberían.


Los personajes son una de las menciones junto al diseño de producción, que más pueden destacarse. Desde los secundarios hasta los principales se trabajan a fondo, la evolución y lazos afectivos está muy cuidada. Es de agradecer una película de artes marciales donde cada acción tiene una reacción que desemboca en emoción, los pequeños detalles que se cuidan durante la película florecen durante su desarrollo. Todo en conjunto hace de Shaolin una película atractiva que hará las delicias para quienes disfruten de las películas de artes marciales. Su banda sonora, su cuidada estética y sus hipnóticas coreografías tienen mucha fuerza. Su duración podría haber sido algo más ajustada, aunque es mi gusto personal, al igual que con los elementos de cine de aventuras familiar, que no está bien definido ni se explota correctamente, queda más como una pequeña porción encajada durante el desenlace. Para mi su mayor defecto es que no deja de ser una película de artes marciales al uso, destaca por encima de muchas de su mismo estilo, pero no destaca lo suficiente. El tema que trata la película queda algo ridiculizado o simplemente al servicio de la acción, no es una mala película pero podría haber sido algo mucho más grande.

 

The Incident



TÍTULO ORIGINAL: The Incident
AÑO: 2011
DURACIÓN: 85 min.
PAÍS: Francia
DIRECTOR: Alexandre Courtès
GUIÓN: Jerôme Fansten
MÚSICA: Christophe Chassol
FOTOGRAFÍA: Laurent Tangy
REPARTO: Ruper Evans, Kenny Doughty, Joseph Kennedy, Dave Legeno, Marcus Garvey
PRODUCCIÓN: Wassim Beji

George, Max y Ricky tienen un grupo. Como tantos otros músicos, deben compaginar su pasión con otro trabajo que les permita pagar el alquiler. Hacer de cocineros en un centro psiquiátrico de máxima seguridad no parecía mala idea: podían trabajar juntos, les dejaba tiempo para ensayar y la seguridad del centro aseguraba el mínimo contacto con los internos... Hasta que, una noche, una fuerte tormenta deja sin electricidad el edificio, desactivando todos los dispositivos de seguridad. Los tres amigos se verán atrapados en la cocina, sin barreras que los separen de los perturbados, convertidos ahora en una turba descontrolada y violenta.

The Incident es el debut de Alexandre Courtès en la dirección cinematográfica, sus anteriores trabajos son videoclips de grupos muy conocidos como Daft Punk o U2. En cierto modo relacionando su experiencia profesional hasta la fecha con el cine. De ese modo, tenemos una película que parece que relacione el mundo de la música con el cine, la puesta en escena de The Incident puede hacer pensar en Airheads de 1994, salvando las diferencias, claro está; pero hay que puntualizar que The Incident no pretende ser una comedia, aunque eso es lo que parece de primeras.


No voy a perder mucho tiempo pensando en esta película, tampoco se lo quiero hacer perder a nadie, así que, advierto que esta película es un fiasco en toda regla. La sinopsis y el comienzo de la película parecen que sean el de una película de terror con toques de comedia, pero poco a poco vas descubriendo que pretenden ir en serio. Los personajes son un fracaso, no hay nada creíble, ni en su diseño ni en las actuaciones, todo en esta película está creado a fuerza de estereotipos , pero si utilizas un estereotipo fílmico con agudeza puedes salir bien parado, la cuestión es que este no es el caso. Nos encontramos ante una película absurda, que pretende conmover, impresionar e impactar, pero no lo consigue. Me sorprende que tras la proyección que vimos en el Festival de Cine Fantástico Sitges 2011, hubieran personas que defendían la película; no vamos a entrar en discutir sobre gustos personales, pero la película no se la recomiendo a nadie. Todo un incidente, cuando la película terminó no daba crédito, otra más al saco de la basura.

27/10/11

Smuggler



TÍTULO ORIGINAL: Smuggler (Sumagurâ: Omae no mirai o erabe)
AÑO: 2011
DURACIÓN: 115 min.
PAÍS: Japón
DIRECTOR: Katsuhito Ishii
GUIÓN: Katsuhito Ishii, Masatoshi Yamaguchi, Kensuke Yamamoto (Manga: Shôhei Manabe)
MÚSICA: Tosió Nakagawa
FOTOGRAFÍA: Hiroshi Machida
REPARTO: Satoshi Tsumabuki, Masanobu Ando, Hikari Mitsushima, Masatoshi Nagase, Fumiyo Kohinata, Yasuko Matsuyuki, Tatsuya Gashûin, Tsuyoshi Abe, Masahiro Takashima, Ryushin Tei, Youhachi Shimada
PRODUCTORA: Warner Bros.

Tsumabuki interpreta a un joven aspirante a actor llamado Ryosuke que trabaja a tiempo parcial en un salón de pachinko, pero que por diversas circunstancias acaba trabajando para diversas bandas mafiosas recogiendo y deshaciéndose de cadáveres. Las cosas se le complican aún más cuando empieza una lucha entre las bandas para las que él trabaja.

Smuggler es la adaptación de un Manga creado por Shohei Manabe, no conozco nada en absoluto del Manga original, la adaptación cinematográfica formaba parte de la 44ª edición del Festival de Cine Fantástico Sitges 2011. El director encargado de tal adaptación es es el mismo que dirigió la secuencia de animación de Kill Bill: Volumen 1 y películas como El sabor del té. Con esta película consigue mezclar comedia, acción y drama por partes iguales. La estética está bastante cuidada, han procurado resaltar escenas de acción con una cámara lenta llevada al extremo, lo cual consigue un efecto de expectante contemplación.


La película contiene bastantes personajes de peso, bien diseñados y dirigidos, es la forma de narrar la historia donde falla la película, sus 115 minutos consiguen en cierto modo alejarte de forma parcial de la historia. Hay momentos aislados que son muy buenos, momentos tanto cómicos como adrenalíticos, pero en conjunto la película no está a la altura de otras producciones Japonesas que proyectaron durante el festival. La estética de la película esta cuidada, aunque por momentos pierde personalidad y empaque. Muchas situaciones son graciosas y consiguen alguna sonrisa, pero en general todo queda a medio camino.


La implicación que se puede tener como espectador hacia los personajes es algo superflua, pues no se trabaja lo suficiente como para mantener la atención y como se indica antes, el argumento es algo cargante y la historia está contada de tal forma que no consiguió atraparme. Como sobre gustos estas cosas son muy personales, no tengo nada en contra de la película, no tenía ninguna expectación, ni especial interés en verla; coincidió por horarios y decidí probar. Es posible que existan séquitos al rededor de la figura de Shohei Manabe y su Manga Smuggler, con el director Katsuhito Ishii hay bastantes, lo que desconozco son las impresiones generales que haya causado está película. La verdad es que no resulta ninguna película especial, contiene algunos momentos destacables, pero es muy sencillo olvidarse de ella.

26/10/11

Drive


TÍTULO ORIGINAL : Drive
AÑO: 2011
DURACIÓN: 100 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Nicolas Winding Refn
GUIÓN: Hossein Amini (Novela: James Sallis)
MÚSICA: Cliff Martinez
FOTOGRAFÍA: Newton Thomas Sigel
REPARTO: Ryan Gosling, Carey Mulligan, Ron Perlman, Christina Hendricks, Bryan Cranston, Oscar Isaac, Albert Brooks, Tina Huang, Joe Pingue, Christian Cage, James Biberi
PRODUCTORA: Bold Films / Odd Lot Entertainment / Marc Platt Productions / Seed Productions

En Los Ángeles, un joven especialista (Ryan Gosling) en conducción de coches para películas en las escenas de riesgo, se ofrece como conductor para atracos por las noches. Todo se complicará cuando decida ayudar a su vecina (Carey Mulligan) en un turbio asunto de dinero.

Nicolas Winding Refn nos ofrece esta particular y muy personal película sobre la bondad y la maldad en una misma persona, condiciones opuestas que se dan la mano. Es la adaptación de la novela de James Sallis con guión de Hossein Amini. Repasando la filmografía de Refn, me doy cuenta que solo he visto Fear X con el gran Jhon Turturro como protagonista.
El biopicture de Bronson me lo perdí en su momento en el Festival de Sitges hará un par de años, creo. Y a día de hoy todavía lo tengo pendiente. Y Valhalla Rising, su anterior trabajo, es la que a priori capta más mi atención, además me han hablado bien de ella. Así que viendo lo que me ha gustado Drive, tendré que hurgar en su pasado.

Solamente hay que ver el trailer (bueno en realidad no, ya que independientemente de lo que esperemos encontrarnos, desvela demasiados elementos) y luego ver la película para darse cuenta, que una vez mas, la forma de promocionar la película es totalmente errónea.
Si haces caso a lo que te muestra el trailer -yo lo hice- entonces es probable que esperes una película de acción de los noventa, estilo Heat, Dobbermann o Transporter. Bueno esta última es del 2002. Entra dentro del nuevo siglo, pero su estética y puesta en escena todavía conservaba ese espíritu del cine de acción de los 90.
Espíritu, que acabó por perderse a lo largo de la primera década del siglo XXI. ¡Ojo!, no estoy diciendo que lo realizado fuera de los 90, fuera malo. Se parieron muy buenas películas durante esa década, y se siguen haciendo. Solo digo que en ese periodo de ‘transición’ hubo un cambio bastante drástico en cuanto a estética, puesta en escena, y sobre todo en efectos especiales. Dando paso a unos acabados basados mucho más en lo digital, que en lo artesanal. Drive es estéticamente glamourosa, pero conserva la esencia de los 90.

Como ya he dicho, me fié del trailer. Así que me esperaba algo más convencional. Lo cierto es que el hecho de encontrarme ante una cinta con algunos elementos convencionales, pero con un acabado muy personal. Hizo que en lugar de disfrutarla superficialmente, tal y como lo hubiera hecho con una película de acción cualquiera, terminara por apreciar mucho más sus detalles y sin duda su notable historia, salvando diferencias un robo al estilo Jackie Brown, donde todo se lía.

Sin contar realmente nada nuevo, lo hace con un ritmo y una narrativa casi magistral. Quizás a muchas otras personas, el hecho de esperarse una cosa bien distinta, también les causó el mismo efecto que a mí, si bien siempre habrá público para el efecto contrario. Me baso en que, al finalizar la proyección las opiniones -en general- eran bastante positivas. Pero bueno que quede claro que a mí me gustó, sin influencias. Tengo mi propio criterio y me importa poco no coincidir con nadie en absoluto. Sin ir más lejos The Innkeepers parece ser que solo me gustó a mí.


Lo que sí está claro, es que promocionar una película en un ‘formato’ que no es lo que en realidad ofrece, es un arma de doble filo que la mayoría de veces terminará por cortarnos. Las productoras y distribuidoras deberían fijarse más y retractarse antes de montar un trailer, claro que les importa poco, solo prima captar la atención a cualquier precio, para que el público pase por caja.

Supongo que habrá quedado claro que Drive es una película relativamente tranquila. No quiere decir que no tenga sus momentos de acción, pero no son precisamente escandalosos, ni en donde fluya la adrenalina como lo hace el nitrógeno en Fast to Furious. Así que no esperes encontrar demasiadas persecuciones, tiroteos en exceso y explosiones apocalípticas. Eso si, a cambio nos brindará momentos realmente violentos, en que la sangre correrá por cada rincón del fotograma, aunque no siempre se vea, es mejor la imaginación. El nivel de violencia es muy propio de la última etapa de David Cronenberg en Promesas del Este y Una Historia de Violencia.


Driver (Ryan Gosling) e Irene (Carey Mulligan) forman una pareja realmente magnifica y unos roles totalmente creíbles. Artísticamente hablando en sus inicios se abrieron camino a través del mundo de las series televisivas. A Gosling solamente lo he visto en Asesinato 1, 2, 3 con Sandra Bullock y en Tránsito, pero después de ver lo que es capaz de realizar, le seguiré la pista de cerca. Espero que con tiempo y perseverancia llegue igual de lejos que Di Caprio o Brad Pitt, creo que lo merece. Mulligan únicamente la vi en Enemigos Públicos y con mi memoria no voy a dar referencias. Parece que ahora le empiezan a llover papeles más importantes. Está trabajando en The Great Gatsby junto a Leonardo Di Caprio, que seguro le dará el caché que se merece.
Albert Brooks (Taxi Driver) tiene un papel secundario, pero un momento glorioso con una cámara para el solito. Y Ron Pearlman, que puedo decir de este pedazo de actor que ha sido capaz de encarnar al diablo más ‘malvado’ Hellboy. No tiene mucho protagonismo en tiempo, aunque si en relevancia en la historia.


Cliff Martinez es responsable del score de obras como Solaris, Traffic o la reciente Contagio. En Drive se encarga del 80% de la banda sonora. Con temas muy tranquilos pero bastante carismáticos y que además de mantener el suspense en la trama, van en total consonancia con la temperatura del film.
La banda sonora cuenta con cinco temas de otros artistas. Algunos de estos temas como el A Real Hero de College, Under Your Spell de Desire o el Oh My Love del mismísimo Riz Ortolani (si el mismo que compuso la banda sonora de Holocausto Caníbal) pueden resultar chocantes por consiguiente escena videoclipera, dando lugar a alguna queja de forma totalmente aislada. Al salir de la proyección fue la única queja que oí, no os asustéis, como he dicho, fue de forma aislada. Opinión que no concuerda con la mía, es cierto que el resultado en esos momentos es videoclipero, pero en el contexto en que suenan a mí me ha parecido que están muy bien metidas.

Soy consciente que habrá gente que se sienta defraudada. Pero para mí Drive ha sido una de esas películas que con el paso de los días, he ido pensando en ella y cada vez me gusta más, hasta el punto de ponerle un excelente. Una rareza convertida en diamante.

Halloween Festerror


Como ya comenté, éste fin de semana es Halloween. Una fiesta que por aquí se celebra de forma distinta a como se hace en Estados Unidos, en donde los niños disfrazados de vampiros, brujas, fantasmas y demás seres terrorificos salen a pedir caramelos por las casas, tradición que aquí no se estila. Por aquí los fans del terror se lo montan a su manera, la organización del Festerror rinde homenaje a ese día. Asi que este sábado 29 de octubre, en el casal de L'Obrera de Lloret de Mar.

Se proyectarán dos películas que concuerdan plenamente en dicha temática. Halloween el origen dirigida por Rob Zombie (La Casa de los 1000 Cadáveres, Los Renegados del Diablo). Para los que todavía no lo sepáis....es un remake de la obra de Jhon Carpenter.

Y Truco o Trato, dirigida por Michael Dougherty que fue guionista de Superman Returns, la nueva visión del mitico Superman, bajo la atenta mirada de Bryan Singer (X-Men). Truco o Trato está compuesta de tres terrorificas historias que a diferencia de Creepshow o Body Bags, aquí las historias si están interconectadas confluyendo en un solo final.
Todo por tan solo 4 € con palómitas de regalo. Ah! y ánimaros a ir disfrazados, habrá premio al más terrorificamente original. Si queréis más información de como llegar, visitar el enlace de más arriba que pone Festerror.

25/10/11

Osamu Tezuka's Buddha - The Great Departure



TÍTULO ORIGINAL: Tezuka Osamu no Buddha: Akai Sabaku yo! Utsukushiku (Osamu Tezuka's Buddha - The Great Departure)
AÑO: 2011
DURACIÓN: 110 min.
PAÍS: Japón
DIRECTOR: Kôzô Morishita
GUIÓN: Reiko Yoshida (Cómic: Osamu Tezuka)
MÚSICA: Michiru Oshima
RESPONSABLE DE ANIMACIÓN: Hideaki Maniwa
DISEÑO DE PERSONAJES: Hideaki Maniwa
DIRECTOR DE ARTE: Shinzo Yuki
VOCES: Sayuri Yoshinaga, Masato Sakai, Kiyokazu Kanze, Hidetaka Yoshioka, Ai Orikasa
PRODUCTORA: Toei Animation
WEB OFICIAL: http://wwws.warnerbros.co.jp/buddha

En la antigua India, las vidas transcurren entre la sequía, el hambre, la guerra constante y las injusticias del estricto sistema de castas. Las vidas que se entrelazan de muchas almas infelices son reunidas por el nacimiento del jóven príncipe Siddhartha, que emprende un viaje espiritual, se hace Buda, "El Iluminado", e intenta causar un renacimiento espiritual de la gente en esta edad desesperada.

Esta película de animación es la adaptación del manga homónimo creado por Osamu Tezuka, considerado como el padre del Manga, siendo uno de los primeros creadores de Mangas de larga duración con tramas y argumentos más trabajados y desarrollados. Buddha fue un Manga de mucho éxito creado entre 1972 – 1983. Está publicado en ocho volúmenes y en su interior se recrea una personal adaptación de la vida de Sidartha Gautama Buda. Aunque los hechos narrados estén contrastados con mucha documentación historica, se da rienda suelta a la imaginación y la fantasía.


La adaptación al Anime de Osamu Tezuka's Buddha está realizada por Toei Animation y Tezuka Productions, se trata de una trilogía que será distribuida por la compañia Warner Bros. El director Kôzô Morishita tenía en sus manos la ardua tarea de adaptar un clásico del Manga. No he leído el Manga original, pero por los comentarios de diversos conocidos tras la proyección de la película en el Festival de Cine Fantástico Sitges 2011, parece ser que ha realizado un buen trabajo en la dirección. En conjunto con el guionista Reiko Yoshida han adaptado lo que parece ser una gran historia al lenguaje cinematográfico con buen acierto. Con imágenes impactantes y un buen ritmo, la historia va fluyendo, los personajes evolucionando y todo ello muy bien narrado.


La banda sonora está a la altura de la situación orquestando una historia épica, emotiva y dramática. La compositora Michiru Oshima ha compuesto multitud de bandas sonoras, tanto para Animes muy conocidos como Fullmetal Alchemist, hasta para el vídeo juego The Legend of Zelda: Twilight Princess, fruto de la compañía Nintendo para GameCube y Wii. Durante la película van apareciendo distintos personajes, se van creando lazos y relaciones entramadas que terminan derivando hacia una pequeña complejidad que se entiende sin problemas. Al finalizar la película todo está pensado para que nadie sienta la obligación de ver las siguientes si no lo desea. Tampoco es necesario conocer el Manga original para poder seguir y comprender la historia. Sus casi dos horas de duración son muy livianas y sin ser una película que cabe destacar con grandilocuencias, cumple de sobras a nivel de calidad.

24/10/11

Sleeping Beauty


TÍTULO ORIGINAL: Sleeping Beauty
AÑO: 2011
DURACIÓN: 104 min.
PAÍS: Australia
DIRECTOR: Julia Leigh
GUIÓN: Julia Leigh
MÚSICA: Ben Frost
FOTOGRAFÍA: Geoffrey Simpson
REPARTO: Emily Browning, Rachael Blake, Ewen Leslie, Peter Carroll
PRODUCTORA: Screen Australia

Lucy (Emily Browning) es una estudiante universitaria que se mete en el mundo de la prostitución para financiarse sus estudios. Se convierte así en una "belleza durmiente", a la que se droga diariamente hasta que pierde el conocimiento, y se le coloca en una habitación especial donde varios hombres hacen todo tipo de actos con ella que no puede recordar a la mañana siguiente. Como si esas horas nunca hubieran existido...

No sé muy bien cual era la intención de Julia Leigh al debutar como directora y guionista de éste cuento infantil. Digo esto, por que ha querido jugar en un status adecuado para el público adulto. Pero termina, como lo harían dos niños pequeños, jugando a doctores y pacientes, con demasiada inocencia. Es una idea realizada para generar controversia, sin embargo se queda en medias tintas. No quiero imaginarme el resultado final, de haberla dirigido alguien como Pier Paolo Pasolini director y guionista de la perturbadora y sexualmente incorrecta Saló o los 120 días de Sodoma, algo imposible puesto que murió en 1975, pero soñar no cuesta dinero. Si bien tratan temas diferentes, la obra de Pasolini encaja bien en la temática y puesta en escena propuesta por Leigh. Referente al resultado distan mucho entres si. Sleeping Beauty es la versión Disney de Saló.


Imagino que ese comedido ambiente, sobretodo visual, es debido más a una restricción económica, que no a una condición moral. Aunque no tengo claro el motivo, la cuestión es que se nota que no ha querido excederse en ningún sentido. Realmente supongo que la intención ha sido poder llegar a un público más amplio, cosa que no conseguiría en el caso de realizar una obra más parecida a la de Pasolini, polémica, perturbadora y sexualmente ‘incorrecta’.
Al principio si que parece que la historia ira increscendo. Pero la sensación es totalmente opuesta. Es como el acto sexual, precalientas con juegos preliminares y cuando ya estás apunto de pasar a la acción van y te tiran un cubo de agua fría. Esa es la sensación que te queda al llegar al –supuesto- punto álgido de la historia. En esos momentos hubiera estado más creíble y coherente, dar rienda suelta a la lujuria contenida durante media película. Cuando por fin todo estalla, no trasciende a un plano más bizarro. La idea inicial sigue ahí, pero no va más lejos de unos simples insultos y unos lametones en la mejilla.


En el apartado actoral, se podría afirmar que la película consta únicamente del personaje de Lucy, encarnado por Emily Browning. Es curioso que tenga apellido de postre, ya que ciertamente está para ‘comérsela’.
La hemos podido ver en trabajos como Darkness Falls de Jonathan Liebesman (Invasión la tierra), Una serie de catastróficas desdichas de Lemony Snicket o más recientemente en Sucker Punch, la paja mental (nunca mejor dicho) de Zack Snyder. El resto del reparto tiene muy poca relevancia en los acontecimientos, no van más allá de aisladas escenas que no interfieren en el desarrollo y el destino de Lucy. Ni siquiera el ex-novio de Lucy, interpretado por Henry Nixon (Triangle) no aporta nada relevante en la historia.
Aunque si hubiera que destacar alguno, seria el personaje de Clara (Rachel Blake), la madame que organiza los encuentros con el grupo de aristócratas. Los miembros del mencionado grupo, tan solo interviene de forma superficial. No se profundiza en su personalidad o fantasías sexuales, cosa que si se hacía en Saló. Así que el centro de atención sigue siendo la pequeña e ‘inocente’ Lucy.


Técnicamente es una película bien realizada, con un ritmo sobrio y pausado. Planos muy estáticos y bien encuadrados, un ritmo adecuado para tomar el té, la pastita y el monóculo puesto para observar bien a las camareras embutidas en lenceria. La banda sonora es minimalista, acorde con el ambiente de la historia, tal y como su título describe, La Bella Durmiente. Una película que podría haber sido mucho más 'gamberra'. ¿Que le falta?, degeneración, desenfreno sin restricciones económicas o morales y sobre todo un final menos tonto.


23/10/11

Monster Brawl


TÍTULO ORIGINAL: Monster Brawl
AÑO: 2011
DURACIÓN: 85 min.
PAÍS: Canadá
DIRECTOR: Jesse T. Cook
GUIÓN: Jesse T. Cook
MÚSICA:
FOTOGRAFÍA: Brendan Uegama
REPARTO: Dave Foley, Robert Maillet, Art Hindle, Kevin Nash, Lance Henriksen
PRODUCTORA: Foresight Features

Ocho monstruos se pelean a muerte en un torneo que tiene lugar en un cementerio abandonado.

Aunque todo era un montaje, si eras de los que de joven disfrutabas como un loco con los culebrones que se montaban en la WWF (World Wide Federation) entre Terremoto Eartquake, Undertaker, el Último Guerrero, El Hombre del Millón de Dólares, El Enterrador, los Hermanos Sacamantecas, Hulk Hogan etc... y te gustan los monstruos, vas a flipar con ésta película.
La idea es básicamente la misma, montar el pollo retándose unos a otros para dar paso al combate de rigor.
Lo mejor de todo son las ‘cortinillas’ de estética grindhouse, la presentación del monstruo en cuestión, amenazas al contrincante y todo el tinglado previo a la pelea.
El torneo es mucho más esquemático que en la WWF. Principalmente se dividen en dos grupos Undead (Muertos) y Creatures (Criaturas). En el primer grupo tenemos a Mummy, Lady Vampire, Zombie Man y Frankenstein. Y en el segundo a Cyclops, Witch Bitch, Swamp Gut y Werewolf y a partir de estos dos grupos mediante sorteo se elige al contrincante, muy similar al sistema que se usaba en los torneos de la mítica serie Dragon Ball.


Las peleas son dinámicas y concisas, algo que se agradece profundamente, ya que a pesar del culebrón que se han querido montar en torno a los personajes de Frankenstein, Zombie Man y el Coronel Crookshank (personaje adicional del que no voy a revelar nada para no chafar sorpresa, intuible durante el visionado), la idea inicial no daba para más allá de un cortometraje.
La mayoría de los subproductos, a partir de la mitad tienden a aburrir al público, algo que por desgracia sucede a menudo cuando se estira una idea. Hay cortos que con tan solo estirarlos cinco minutos se los cargan por completo.
El esquema es repetitivo, cierto, pero totalmente comprensible, teniendo en cuenta que son combates de pressing catch, tampoco le vamos a pedir originalidad y derroche de imaginación, basta con que entretenga y eso lo cumple. Para mí les ha salido ha salido bastante bien, han sabido resolver suficientemente bien el repetitivo esquema. Solo habrá que esperar que no se flipen con una segunda entrega.


El apartado de maquillaje tiene un toque a serie B, pero ya encaja bien en la tónica de la cinta, no olvidemos que estamos ante un producto de segunda categoría. Algunos personajes están más elaborados que otros, aunque en general para ser un producto 'direct to dvd', se ha cuidado bastante. A las características de cada personaje se le podría haber sacado un poco más de jugo durante el combate, si bien eso no quita que la puesta en escena no sea buena, es lo más destacable. Como ya he dicho, el fuerte de la película son las presentaciones y el montaje previo al combate. Todo ello presentado por Jimmy Hart, comentarista de Wrestlemania, y coreografiado junto a dos buenas mozas en bikini. Los combates están comentados por Buzz Chambers (Dave Foley) y Sasquatch Sid Tucker (Art Hindle) que pondrán la chispa de ingenio en sus comentarios, carácteristica indispensable en este deporte, además de brindarnos alguna que otra graciosa situación.


Ya que todos los personajes no necesitan aparecer al mismo tiempo en escena, y el maquillaje camufla muy bien el rostro, han optimizado bien el presupuesto. Algunos de ellos interpretan varios papeles. Como es el caso de Jason David Brown y Rj Skinner. El primero encarna a Cyclops, Swamp Gut e incluso le queda tiempo para encarnar al guardia del cementerio Cyril Haggard. Y el segundo se pone en la piel de Werewolf y Mummy. Una forma efectiva e inteligente de canalizar el dinero disponible.
El resto del reparto lo conforman Zombie Man (Rico Montana), Witch Bitch (Holly Letkeman), Lady Vampire (Kelly Couture) y como pesos pesados (nunca mejor dicho puesto que son luchadores profesionales en la vida real) tenemos a Robert Maillet y Kevin Nash.
Maillet encarna a Frankenstein, y ha interpretado a papeles en películas totalmente comerciales como 300 de Zack Snyder en la que hacía de Uber Immortal, la bestia encadenada que casi acaba con más de un espartano. O Dredger en Sherlock Holmes de Guy Ritchie, el gigante que le da la del atún a Sherlock.
Nash interpreta al Coronel Crookshank y aunque está fuera del rango de luchadores -oficiales-, completa la ‘trama’ entre Zombie Man y Frankenstein. A Nash lo vimos como secundario en The Punisher (2004) la que contaba con Jhon Travolta en el reparto.

El único pero que se le puede sacar a la cinta es la elección de algunos de los luchadores. A pesar del buen juego de palabras de Witch Bitch o del mitológico Cyclops, en su lugar yo habría puesto algún monstruo más clásico y que concordara más con el resto de luchadores. Un subproducto por encima de la media habitual del direct to dvd. Entretenida para ver con los amiguetes y echarse unas buenas risas.

22/10/11

Hell



TÍTULO ORIGINAL: Hell
AÑO: 2011
DURACIÓN: 86 min.
PAÍS: Alemania
DIRECTOR: Tim Fehlbaum
GUIÓN: Tim Fehlbaum, Oliver Kahl, Thomas Woebke
MÚSICA: Lorenz Dangel
FOTOGRAFÍA: Markus Förderer
REPARTO: Hannah Herzsprung, Lars Eidinger, Stipe Erceg, Lisa Vicari
PRODUCTORA: Coproducción Alemania-Suiza; Caligari Film- und Fernsehproduktions / Claussen Wöbke Putz Filmproduktion / Paramount Pictures. Productor: Roland Emmerich

Una vez fue fuente de vida, luz y calor. Pero ahora el Sol ha convertido al mundo entero en un desierto caluroso y estéril. Los bosques han sido quemados. Cientos de cadáveres de animales llenan las carreteras. Incluso las noches son deslumbrantes. Marie, su hermana pequeña Leonie y Phillip se dirigen a las montañas en su coche con vidrios polarizados. Se rumorea que allí aún se pueden encontrar agua. Se trata de un peligroso viaje a ninguna parte. En el camino, se encuentran con Tom. Que resulta ser un mecánico de primer nivel y se convierte en un mienbro más del grupo, en alguien indispensable. Pero, ¿pueden confiar en él? La tensión crece. Como si las cosas no estuvieran lo suficientemente mal, son atraídos a una emboscada, y comienza su verdadera batalla por la supervivencia...


Desde Alemania llegó al Festival de cine fnatástico Sitges 2011 el debut como director de Tim Fehlbaum, se trata de otra propuesta post apocalíptica donde como particularidad original es que tendremos al Sol como principal peligro omnipresente. Se creó cierta expectación al visualizar imágenes y el trailer, apuntaba que la utilización de la fotografía estaría al servicio de la historia, siendo algo más que pura estética. La cuestión es que no fue el caso, tras el pase en el cine El Retiro con presentación del propio director pensé que la película comienza mejor que acaba. En Alemán Hell significa destello provocado por una fuerte luz, la cuestión es que la película no consiguió destellar. La sensación que me causó fue decepción, pese a ganar el premio a la mejor fotografía en el festival, algo con lo que estoy en desacuerdo. El director de fotografía Markus Förderer también debuta en el largometraje tras la realización de la fotografia en varios cortometrajes; la cuestión es que no basta con sobre saturar la imagen abriendo el diafragma para justificar el poco partido que le sacan a la idea de iluminación que presenta la película.


Sobre el argumento no hay mucho de que hablar, por lo menos se podrían haber molestado en mostrar algo mejor contado, no es necesario que fuera original, pero por lo menos que no fuera tan extremadamente previsible. Se quedan en el esquema básico, con una narrativa pobre y con escenas mal resueltas, por lo que muchas veces a la que haya algún momento de persecución o acción entre los personajes, no se termina de entender bien que está pasando y vas siguiendo el hilo porque la película es simple narrativa. Los trabajos en los decorados, la recreación de un mundo devastado por el calor extremo está bien construido, no es nada espectacular pero se agradece el esfuerzo, tanto por el departamento de arte y el equipo de localización. En está película donde el tópico El hombre es un lobo para el hombre se pretende resaltar con un tono realista, pero no terminan de conseguir un buen efecto, los movimientos de cámara son desconcertantes, mal ejecutados. También la falta de impacto en las partes supuestamente más duras dejan la sensación de indiferencia ante la acción.


Los pocos actores principales cumplen sin más, pero son personajes muy planos, desde el principio se procura crear un vinculo con el espectador, pero las acciones son tan forzadas que no consiguen crear empatía. Según avanza la película cada vez te importa menos lo que les ocurra a los personajes, no hay ningún tipo de intensidad, ni relaciones afectivas más allá de las pautas de las interpretaciones esquemáticas, no hay trascendencia dramática. Lo cual es una lastima, pues esta película necesitaba más carga dramática pero solo consigue la sensación de desilusión, terminas pensando que está desaprovechada y que podría haber sido mejor. No es una película horrible, pero por mucho premio a la mejor fotografía que se le haya otorgado, la verdad es que hay momentos lumínicos mal resueltos y pequeños errores de racord de luz. Aunque el mayor delito es no sacar partido a la idea global de luz que presenta la película, quedando solo en algo estético integrado con la narración plana de toda la película. Lo mejor de todo es su ajustada duración, aunque en algunos momentos llega incluso a cansar por la falta de inventiva en general.

New Kids Turbo


TÍTULO ORIGINAL: New Kids Turbo
AÑO: 2010
DURACIÓN: 87 min.
PAÍS: Holanda
DIRECTOR: Steffen Haars, Flip Van der Kuil
GUIÓN: Steffen Haars, Flip Van der Kuil
MÚSICA: Junkie XL
FOTOGRAFÍA: Joris Kerbosch
REPARTO: Antonie Kamerling, Reinout Oerlemans, Theo Maassen, Frank Lammers, Flip Van der Kuil, Hans Teeuwen, Steffen Haars, Nicole van Nierop, Huub Smit, Tim Haars, Lars Boekhorst, Annemieke Bakker, Patrick Stoof, Marco Maas, Jaap Spijkers, Ad van Kempen
PRODUCTORA: Comedy Central / Benelux Film Distributors / Eyeworks Film & TV Drama / Inspire Pictures / Dutch Media Pictures / 100% Halal / Eyeworks

Cinco amigos de 'Maaskantje' son despedidos a causa de la crisis económica. Desde ese momento deciden que no pagarán por nada.

New Kids Turbo es la adaptación cinematográfica de New Kids, una serie de televisión de nacionalidad Holandesa, parece que los países bajos empiezan a pegar fuerte. La serie nacida en el año 2007 consta de tres temporadas. Ahora sus creadores, Steffen Haars y Flip Van der Kuil guionistas y directores de la serie, también de la película y que a su vez también interpretan a dos miembros del grupo protagonista. Han decidido darse a conocer ampliamente con el formato del largometraje. No la he visto pero por lo que he leído, la serie era más bien una sucesión de sketches. Así que para realizarlo en este formato han conectado las descabelladas situaciones que nos brinda el grupo, con una linea argumental. Y que mejor que recurrir a la actualidad mundial, abordando sin restricciones morales, la situación laboral y socioeconómica que se vive en casi cada rincón del planeta, la famosa crisis.

El grupo formado por Richard Batsbak (Huub Smit), Barrie Butsers (Flip Van der Kuil), Rikkert Biemans (Wesley van Gaalen), Robbie Schuurmans (Steffen Haars), Gerrie van Boven (Tim Haars) resulta de lo más carismático y con gran personalidad, conjuntamente e individualmente. Es lo más parecido a juntar la indiferencia social de los personajes de Trainspotting con la sublime idiotez de los protagonistas de la serie inglesa The Young Ones, por aquí conocida como Els Joves, puesto que la daban en Tv3.


En lo que al ámbito del Festival de Sitges se refiere, estamos, sin duda, ante la Tucker And Dale vs. Evil de este año. El único pero que se le puede poner a New Kids Turbo, en detrimento de la frescura y variedad en el nivel cómico de Tucker And Dale, es el recurrente abuso de alguna broma aislada, como la del camión, pero que está terriblemente bien enlazada al final de la película.
Así que las risas están aseguradas con esta disparatada y anarquista comedia. Su nivel gamberro, su sarcasmo y su humor totalmente desenfrenado, se haya por encima de todo, dando lugar a situaciones realmente divertidas que nos hará reír incluso en alguna de las recurrentes bromas. Gracias en parte a la presencia del grupo protagonista de forma conjunta tanto como individual, es absolutamente genial y con interpretaciones por encima de productos mucho más difundidos.


Personalmente la fisonomía de los personajes, me ha recordado a una derivación directa del estilo de los grupos de thrash metal alemán ochenteros. Aunque está claro que sus vestimentas y su estilo músical, que forma parte de la banda sonora a cargo de Junkie XL, que compuso un tema para la mítica Blade, no encajan en ese movimiento, solo es percepción personal.
El caso es que el resultado es muy positivo. La presentación de cada uno es rápida a la par que graciosa. Cada uno de ellos entra fluidamente en escena y sin rodeos previos. Acto seguido se plantea la situación argumental, el despido progresivo del grupo en sus trabajos, y se da paso sin más concesiones al desparrame y la diversión. Es un no parar de principio a fin.
Como era de esperar el largo está funcionando bien, allí donde se distribuye. Por lo tanto ya se encuentran en post producción de New Kids Nitro, con fecha de estreno para diciembre de este mismo año. Mejores efectos especiales, guarreria y mayor desenfreno humoristico, incluso hay zombis de por medio. Por lo visto en el trailer parece una especie de Fast And Furious mucho más gamberra que la saga protagonizada por Vin Diesel.
Aún con los apocalípticos retrasos de presentación, hay que ver como se enrollan los invitados y el cansancio acumulado tras dos infames capítulos de Femme Fatale, previos a la proyección que todos esperábamos, me lo pase realmente bien. En definitiva, tampoco se me ocurre nada más que poner, yo la recomiendo. Ahora bien si no os gusta, espero que no me lo reprochéis.


Halloween 2011: Klownsasesinos y Horror Market

Vampiros, momias, brujas, zombies, fantasmas y demás seres de ultratumba...como bien sabréis se acerca Halloween y tenemos eventos por partida doble, para pasar un fin de semana terrorífico. En primer lugar el sábado día 29 de octubre la página Web Klownsasesinos ha organizado una proyección de películas y cortometrajes .


The Descent, del británico Neil Marshall (Dog Soldiers, Doomsday). Un grupo de espeleólogas se verán atrapadas en una cueva...pero no están solas.


Gothic and LolitaPsycho, de la mano de los productores de Machine Girl ¿os suena?, si es así, ya os podéis hacer una idea de lo que os vais a encontrar en esta película. Yuki, una lolita gótica que pretende asesinar a una banda yakuza para vengar la muerte de sus padres, y lo hará con métodos nada ortodoxos.


El Regreso de los Muertos Vivientes, dirigida por DanO´Bannon. Surgida a raíz del éxito de la saga de G.Romero. En clave de comedia nos relata la invasión de un pequeño pueblo a mano de sus propios muertos. Cuando el terror no declinaba ante la comedia, ambos géneros iban de la mano. Posiblemente la mejor comedia zombie de todos los tiempos.


Y para rematar la faena dos cortometrajes Alastor, dirigido por Rafa Dengrá. Nos sumergirá en la locura de un asesino un tanto especial. Y Metal Creepers, de Adrián Cardona (Morid Hijos de puta), y La Oscura Ceremonia (La verdad sobre el caso de la Moneda Hipnotizadora) unieron sus fuerzas para traer al mundo este 'hijo', que fue proyectado en primicia en el pasado Festival de Sitges. Un grupo de Glam Metal llamado Megamuerte, recibe unas partituras que les conduciran al estrellato, pero no de la forma que ellos habían pensado.

¿Dónde y cuando?
29 de Octubre a las 20:00 horas ENTRADA GRATUITA!!!
Societat Coral Espiga de Les Corts
C/ Joan Gamper 30 (junto a Illa Diagonal) Barcelona
Metro L3 Les Corts

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Y en segundo lugar el domingo 30 de octubre desde las 12h hasta las 22h, La Oscura Ceremonia vuelven con la segunda edición del Horror Market, un espacio en común con el público amante género de terror, monstruos, ciencia ficción, zombis, halloween, día de los muertos, la santa muerte, los disfraces, la caracterización, el cine de terror, el D.I.Y., el coleccionismo, los objetos de segunda mano y la cultura kitsch que relaciona al género.

Ven a ver, ven a comprar, ven a vender, ven a intercambiar, ven a degustar, ven a maquillarte, ven a entretenerte, ven a disfrutar, ven a horrorizarte.


¿Dónde y cuando?
30 de octubre desde las 12h hasta las 22h
Espai Jove La Fontana
C/. Gran de Gracia 190 Barcelona
Metro L3 Fontana
Entrada: 0,50€ descontable en cualquier compra en el Horror Market Mercadillo: Auditorio

Además a partir de las 17h se proyectarán películas en la Sala de Actos. De momento solo se conoce el primer título, nada más y nada menos que Los Munchies.


Este año las paradas son las siguientes:

Fashion killers: Hacen ropa, la reciclan y la customizan con un estilo vintage para vampiras y brujas, prendas únicas y complementos para un akelarre elegante y salvaje.

Club Cátala de Ciencia-Ficcio: Fantasía i Fandom. Venta de Merchandising de Ciencia Ficción.

Sweet Fangs: Cupcakes, galletas y bombones terroríficos.

Ugamuri FX: Venta de kits de supervivencia para Halloween compuestos de prótesis espeluznantes, aplicador, sangre, maquillaje. Venta de complementos y accesorios monstruosos. Demostraciones en vivo de aplicación de prótesis y caracterizaciones. Ven a maquillarte. Precios anticrisis! Sesiones especiales para niños.

Fenómenos Paranormales: Venta de libros sobre fenómenos paranormales y novelas de misterio y terror. Miguel Ángel Segura responderá a todas tus preguntas sobre los mitos y realidad que existen con respecto a los fenómenos paranormales, la investigación y el periodismo de misterio.

Plasticine Fiends: Maquillaje especial para Halloween, ven a maquillarte al Horror Market

Chaparra Entertainment: Venta del fabuloso fanzine Amazing Monster, Dvd Chaparra Entertainment Triple Sesión, T-shirts, Teddy Bundys, Voodoo Dolls y vinilos de Motorzombis (100% pure Spanish Locobilly).

Far Away Handcrafted: Complementos artesanales, desde accesorios terroríficos horror, zombie, calaveras mexicanas coloridas hasta piezas mas delicadas de estilo pin up y vintage...

Macarrismo Ilustrado: Exposición y venta de ilustraciones y piezas limitadas: láminas firmadas y numeradas, postales, chapas, camisetas...

Más información en su web oficial.

20/10/11

Juan de los muertos


TÍTULO ORIGINAL: Juan de los muertos (Juan of the Dead)
AÑO: 2011
DURACIÓN: 94 min.
PAÍS: Cuba
DIRECTOR: Alejandro Brugués
GUIÓN: Alejandro Brugués
MÚSICA: Sergio Valdés
FOTOGRAFÍA: Carles Gussi
REPARTO: Alexis Díaz de Villegas, Jorge Molina, Andrea Duro, Jazz Vila, Eliecer Ramírez
PRODUCTORA: Coproducción Cuba-España; Producciones de la 5ta Avenida / La Zanfoña Producciones / ICAIC / Canal Sur / TVE

La Habana se llena de zombies hambrientos de carne humana. Se rumorea que los disturbios son causados por fuerzas al servicio de los Estados Unidos, pero nadie tiene respuestas. El pánico se apodera de la gente. Un héroe llega al rescate: Juan (Alexis Díaz de Villegas). Bajo el lema "Juan de los muertos, matamos a sus seres queridos", y por un módico precio, Juan se encarga de eliminar a los familiares infectados que uno tenga en casa.

Juan de los Huertos (está mal escrito, lo sé), es así como debería llamarse esta estúpida y anómala comedía zombi. Yo me pregunto ¿como es posible que una película plagada de bromas y zombis, no me haya hecho reír ni una sola vez en toda su duración?...ya no sé que pensar ¿seré yo que no me queda humor?...mientras yo estaba con cara impasible, la gente en la sala reía y aplaudía sin parar, rectifico, muy a menudo, que en este caso ya es demasiado e incluso denunciable.


Juan de los Huertos es la peor zombimedy que he visto en los últimos años. Tiene todas las carencias necesarias. Los efectos especiales son pésimos, realizados con after effects y unos resultados de nivel de preescolar. El maquillaje no está mucho más logrado, lo dejaremos en un rasurado aprobado. La puesta en escena y su mensaje moral en el desenlace, son de vergüenza ajena. Estaría dispuesto a perdonar todo esto si al menos el conjunto final hiciera reír, pero ni eso.
El guión es de lo más anodino, a modo de Cazafantasmas, la idea de crear una empresa de Cazazombies, parecía interesante, pero es un elemento que termina por importar más bien poco, muy poco. Se limitan a cazar zombis de la forma tradicional, de la misma manera que en cualquier película de zombis, tanto de comedia como de terror. Un engañabobos en un mercado saturado, con la finalidad de atraer a más público incauto, entre los que me hayo.
Y por último lo más importante, su nivel de humor es para niños de tres años. No pretendo insultar el coeficiente intelectual del público, pero ¿en serio reíais con el corazón o por simple compromiso?, de verdad que no lo entiendo. Me parece ofensivo que ni siquiera en su nivel humorístico, haya sabido lucir sus mejores galas, o como mínimo sostenerse entre lo interesante y divertido, realmente lamentable.


No sé muy bien donde habrán gastado el dinero público conseguido a través de la subvención ICO/ICCA. Si amigos, la película es una Coproducción con nuestro país, luego hay crisis. Visto los penosos resultados en efectos y maquillaje, una de dos; o la subvención no daba ni para ir a la tienda de los chinos, o se lo han gastado en drogas y mujeres, personalmente me declino por lo segundo.
La cinta contiene cierta crítica sociopolítica hacia la situación vivida en el pasado y el presente de Cuba, si bien el resultado es totalmente descafeinado. El punto sarcástico está comedido y autocensurado constantemente. El resultado se queda en una versión ideal para un pase en Disney Channel. No han sido capaces de arremeter con todas las consecuencias y desparpajo necesario. Deberían aprender de Edgar Wright.


El nivel de interpretaciones es realmente flojo. En su promoción parecía que los personajes iban a resultar carismáticos y aportar cualidades propias del mundo del videojuego. Juan, Lázaro, Camila, Vladi, La China y El Primo. Seis personajes han hecho falta para crear este equipo, supuestamente divertido. Pero ninguno de ellos llega a poner los huevos sobre la mesa, haciéndose de notar lo suficiente.
He leído opiniones en que comparaban a Lázaro (Jorge Molina)y Juan (Alexis Díaz de Villegas)con los enormes e incomparables Shaun (Simon Pegg) y Ed (Nick Frost), la pareja cómica de Shaun of the Dead. En serio, si Lázaro y Juan se montaran en el Halcón Milenario y activando el hipermotor viajaran a través del hiperespacio, mientras Pegg y Frost viajaran en un Simca 1000, ni siquiera así les darían alcance. Realmente compararlos, es como hacerlo entre un Ferrari y un Seat 600, ambos tienen cuatro ruedas, pero 300 CV de diferencia.

Floja en todos sus aspectos: técnicos, guión, efectos especiales, puesta en escena, maquillaje y lo más importante, el irrisorio e infantiloide humor. Una irremediable zombimedy, digo irremediable, puesto que ya se ha hecho. Y aunque seamos capaces de olvidarla, visionando maravillas como Shaun of the Dead, siempre estará en algún expositor de la Fnac.