30/12/12

Los miserables

Los miserables dirigida por Tom HooperTÍTULO ORIGINAL: Les Misérables
AÑO: 2012
DURACIÓN: 152 min.
PAÍS: Reino Unido
DIRECTOR: Tom Hooper
GUIÓN: William Nicholson (Drama: Victor Hugo)
MÚSICA: Claude-Michel Schönberg
FOTOGRAFÍA: Danny Cohen
REPARTO: Hugh Jackman, Russell Crowe, Anne Hathaway, Amanda Seyfried, Eddie Redmayne, Samantha Barks, Helena Bonham Carter, Sacha Baron Cohen, Aaron Tveit, Isabelle Allen, Daniel Huttlestone, Colm Wilkinson, Natalya Wallace, Michael Jibson, Bertie Carvel, Tim Downie, Marc Pickering, Patrick Godfrey, Killian Donnelly, Fra Fee, Gabriel Vick, George Blagden, Alistair Brammer, Charlotte Hope
PRODUCTORA:Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; Universal Pictures / Working Title

El expresidiario Jean Valjean (Hugh Jackman) es perseguido durante décadas por el despiadado policía Javert (Russell Crowe). Cuando Valjean accede a cuidar a Cosette, la pequeña hija de Fantine (Anne Hathaway), sus vidas cambiarán para siempre.

Dejando a un lado lo que supone la estrategia comercial por parte de la distribuidora, estrenar la película en fechas tan señaladas como las fiestas navideñas. Y al margen de cualquier espectador cinéfilo, resulta una estricta planificación de marketing de proporciones mastodónticas, más que la de El Hobbit.
Sin importar nada en absoluto lo demás, un plan urdido con un solo propósito, atraer al máximo de gente posible, mejorando la recaudación en el primer fin de semana, a menudo, el más optimo. Entrando en la producción, es otro tema, el merito habla en cada fotograma del film. Y hablando de distribución, es lógico querer recuperar la inversión realizada, pero en estas fechas lo que nos vamos a encontrar es un público de lo más variopinto y poco frecuente en las salas. El cinéfilo u aficionado a los musicales hubiera ido a verla en cualquier mes del año, sin importar la fecha de su estreno.

La película se basa en la novela de Víctor Hugo, escrita en el siglo XIX (y yo sin enterarme). La película, la novela no sé, cuenta a su manera la revolución francesa del siglo XVIII. Digo a su manera, puesto que el núcleo de la historia no deja de ser un romance con tintes dramáticos y todos sus tópicos. ¿Es malo eso? No, sus elementos están bien dispuestos, aunque no resultan especialmente novedosos, la película tiene otros elementos mucho más destacables.

La parte de la revolución, es tan solo una de las varias subtramas que nos encontramos a lo largo de sus 150 minutos, no excesivos, pero tampoco imprescindibles. Esos pequeños episodios entre personajes, algunos de los cuales, aparecen paulatinamente en la historia, a la vez que se van integrando con el resto de personajes y en la historia, aunque no todos ellos se acaban entrelazando.
El momento de la revolución toma la forma de cara al desenlace del film, un desenlace que guarda relación directa con la búsqueda personal de Jean Valjean, la redención. El tratamiento que se le otorga a dicha revolución, es muy acorde con la situación política/social actual. Aunque visto en pantalla no resulta tan funesto como en la vida real, su mensaje y denuncia es captado sobradamente por el espectador.

Anteriormente a ésta versión musical, dirigida por Tom Hopper - desconocido para mí- y con guión de William Nicholson (El Primer Caballero, Gladiator) -ya entiendo porque Russell Crowe está en el reparto- la obra original fue relanzada en 2010 coincidiendo con el vigesimoquinto aniversario del musical en los teatros. Además, la novela cuenta con cerca de treinta adaptaciones cinematográficas, y pensar que luego nos quejamos porque nos hacen un remake de tal o cual película. Si el autor levantara la cabeza, seguramente la volvería a agachar.
Aunque, me consta que de semejante alto número de adaptaciones a la pantalla, la de Hopper es la única orquestada. Entre todas ellas figuran algunas TV movies, series televisivas e incluso algunos cortometrajes. Así que posiblemente, además de ser la novela con más adaptaciones en toda su historia, también sea la más heterogénea.


Obviando todos esos detalles, la película brilla en muchos aspectos. Despuntando muy por encima, en las interpretaciones, su conseguida ambientación y por supuesto su banda sonora, bastante primordial en un musical. Es cierto que sus melodías son algo recurrentes (sucedía también en Sweeney Todd de Tim Burton), pero sin denigrar a éstas, diré que se encuentran perfectamente asociadas a sus personajes.
La banda sonora ha sido escrita por los responsables del musical Claude-Michel Schönberg y Alain Boublil, por lo tanto –aunque no estoy seguro- diría que los temas son los mismos que los de la ya mítica obra teatral.

La narrativa también se merece elogios, amén de algún tedioso momento. Sin perder el hilo argumental, algunos pasajes me han resultado un tanto anodinos, respecto a otros realmente emocionantes u épicos. Una montaña rusa de densas emociones, que se torna en breves secuencias menos emocionantes, no confundir con aburridos. En una escena te atrapa fuertemente y en la siguiente te suelta de una manera un tanto frívola. Ese, es para mí, el punto por el cual el film no llega a ser todo lo redondo que debería.

La lograda, casi excelente, ambientación y recreación de sus escenarios perfectamente representados en los que no se han descuidado detalles, al igual que la indumentaria de sus personajes, se encuentran realmente bien integrados en los cromas a la hora de completar los sets o planos muy generales. Bastante inevitable en el cine actual, ya que los costes de producción se reducen considerablemente en la construcción parcial de un set de rodaje, frente a la de uno completo. Pero el resultado es más que notable. Una urbe francesa recreada bajo la más estricta y decadente pobreza, escenarios que nada tienen que envidiar a esos excelentes barrios marginales en la adaptación de El Perfume.

No menos destacable es el apartado de maquillaje, las excelentes caracterizaciones del reparto, incluido los extras, lo confirman. Otorgando a todos ellos una credibilidad absoluta. Aunque desde luego toda esa elaboración no serviría de nada, sin las brillantes interpretaciones de los actores. La fusión de ambas es el mejor mazo de cartas del que dispone la película y lo juega sin miedo alguno a perder.

En las interpretaciones todos andan brillantes, excepto Russell Crowe, que en comparación con el resto queda eclipsado. Le pone emotividad y se esfuerza en aparentar ser muy malo para poner al público en jaque, pero desgraciadamente no lo consigue.
Incluso los pequeños debutantes Isabelle Allen y Daniel Huttlestone, que interpretan a la versión infante de Cosette y el pequeño revolucionario Gavroche, respectivamente. Ambos se marcan unas interpretaciones muy por encima de lo que nos ofrece el actor de Gladiator, que no lo hace mal, pero resulta tan poco expresivo (casi menos que Nicolas Cage), mientrasque los demás actores se dejan la piel en cada plano y cada frase.

Por lo visto en el tráiler solo doblan los diálogos, una tranquilidad, pero por si acaso, he ido a verla en versión original. Realmente no sé muy bien lo que habrían hecho con las canciones, puesto que son los propios actores los que cantan y tararean todas las frases, se vuelve indispensable verla en V.O.S.E para saborear correctamente sus interpretaciones, ya que el énfasis se ve muy realzado.
Ante el dramatismo que rezuma la mayor parte del film, el momento cómico, lo representan Thénardier y Madame Thénardier, interpretados por el polifacético Sacha Baron Cohen y la oscura y morbosa (estancada en su propio estilo) Helena Bonham Carter, respectivamente. La pareja se pone en la piel de los dueños de una taberna, una pareja muy gypsi, que se dedica a desvalijar a sus clientes sin ninguna compasión. Entre ambos se crea una fuerte química y aportan un punto cómico muy moderado, pero sin perder el toque de acidez/sarcástico de los bajos fondos en los que se recrea la acción.

Por encima de todos ellos encontramos a Hugh Jackman en el papel principal, el del preso Jean Valjean. Es sorprendente el registro interpretativo del actor australiano. Lo mismo te hace papeles que no requieren un gran esfuerzo interpretativo como en Van Helsing o Lobezno (mi mutante favorito) en X-Men, que de repente te hace papeles como en La fuente de la vida de Darren Aronofsky o El truco final de Christopher Nolan, demostrando sobradamente su talento como actor, sin mencionar la gran interpretación de Los miserables.

En el reparto femenino tenemos a Anne Hathaway, me rio de los que no les convenció como Selina Kyle en The Dark Knight Rises donde la descubrí plenamente. Tan solo había visto dos de sus anteriores trabajos, uno como la reina blanca en Alicia en el País de las Maravillas de Tim Burton y la otra en Brokeback Mountain de Ang Lee, pero eran papeles bastante menos destacables. Después de ver el momento que se marca aquí interpretando a Fantine, un papel escueto, pero de carga muy intensa. Confío en la actriz plenamente, si no desvía su carrera, con el tiempo creo que será tan reconocida como Natalie Portman o Marion Cotillard.


Por exigencias de la historia, Hathaway no aparece todo el tiempo que quisiéramos. El relevo lo toma Amanda Seyfried, interpretando a Cosette, la hija de Fantine en su etapa adulta. Que también lo hace muy bien, pero Anne Hathaway deja el listón muy alto con su interpretación. Y de Amanda Seyfried solo he visto Jennifer's Body  así que tampoco encuentro argumentos en los que apoyarme fuertemente, salvo la interpretación que nos muestra en Los miserables.
Por último, Eddie Redmayne (Black Death) en el papel de Marius junto a Samantha Barks en el papel de Éponine, que ha participado en la versión del 25º aniversario del musical, interpretando ese mismo papel. Cierran el romance, acercando el conjunto al thriller pasional. Muy destacable la interpretación de Redmayne, que como el resto, tiene su particular y brillante momento para lucirse en la historia.

Resta decir que si no te gustan los musicales, no vayas. No hay, más de cinco diálogos hablados, estos son tarareados antes de dar paso a las canciones. Nunca he sido fan incondicional de los musicales, pero en estos últimos años, he visto unos cuantos que me han gustado, este entra en la lista. Por eso, me sigue doliendo esos pequeños momentos funestos que se me han hecho algo tediosos respecto a otros, empañando así un poco el conjunto global. Por el resto de aspectos, reverencias no me faltan.

Puntuación

20/12/12

Cinebasura de Diciembre y Basumatón fin de año

Mañana viernes 21 de diciembre del 2012 a las 22:45 (si hemos sobrevivido al calendario Maya) tenéis cita ineludibe en #cinebasura con Mil Gritos Tiene la Noche, el clásico de Juan Piquer Simon.


Recordado mayormente por obras como Supersonic Man, La Grieta o Slugs. En 1982 se pasó a la moda de los slasher con Mil gritos…, conocida en todo el mundo (ejem) como “Pieces”. Violencia y sangre, diálogos sin sentido, desnudos frontales: toda una joya para el amante del género y la explotation.

Será a partir de las 22.45 horas en www.canalplus.es/cinebasura y para clientes en Canal+ Xtra a través del audio Dos.

Y para cerrar el año como se merece, en Nochevieja #BASUMATÓN!!!!! ¿Quién quiere ir a un cotillón o de fiesta en casa de un amigo con el frío que hace y habiendo maratón de #cinebasura?.
Maratón sin concesiones, todas seguiditas El Aparecido, La conquista de la tierra perdida, 2019. Tras la caída de Nueva York y Mil Gritos Tiene la Noche.



Todo ello Gratis! En streaming! y abierto a vuestros comentarios en www.canalplus.es/cinebasura!


Actualización: Debido a una incidencia técnica, no podremos ofrecer el maratón de #Cinebasura, el #basumatón, a través de internet el próximo 31 de diciembre como os contamos en la anterior nota. El maratón se podrá ver a través de Canal+ Xtra.

Cutre Con II

Si te gusta el cine caspa, eres de Madrid o piensas viajar a la capital el 19 enero del 2013 (si pasamos de éste viernes 21 de diciembre), estás de enhorabuena. La web Cine Cutre vuelve éste año con la segunda edición de la Cutre Con, el festival de películas "cutres" de Madrid.


Las peores películas del mundo se exhibirán con carácter gratuito el 19 de enero en el Centro Cultural Casa del Reloj de Madrid. Paseo de la Chopera, 6, Metro Legazpi.

Una maratón gratuita de películas cutres de culto, con las que se quiere rendir homenaje a filmes guerrilleros con los que reír hasta llorar.
Tras la exitosa experiencia piloto en 2011, el evento regresa al mismo emplazamiento casi un año después.

Una extensa programación arrancará a las 11:00 horas y que mantendrá en sus butacas a los fans acérrimos del subgénero durante casi 12 horas.

Mariachis, vampiros de poliespán, alienígenas de baratillo, litros de ketchup y ninjas rockeros serán los protagonistas de una maratón intensiva con exóticas películas venidas de la India, México y Estados Unidos.

Cutre Con II constará de dos etapas diferentes. La “Sesión Matiné”, desde las de 11:00h a 14:00h, sesión que será rematada a partir de las 12:30 horas con la proyección sorpresa de un título, aún por determinar, pero que la organización prevé ofrecer en primicia española uno de las películas que recientemente se ha convertido en un auténtico fenómeno entre los aficionados al cine de serie Z.

El evento se reanudará a la 16:00 horas, cuando dará comienzo el segundo tramo del festival, con el pase de tres de los filmes más representativos del cine subterráneo de todos los tiempos, alternando con otras actividades de carácter más participativo como concursos o sorteos.

Las películas todavía se encuentran por confirmar, pero estaros atentos a su web oficial, en breves días serán anunciados los títulos.

15/12/12

El Hobbit: un viaje inesperado

El Hobbit dirigida por Peter Jackson
TÍTULO ORIGINAL: The Hobbit: An Unexpected Journey
AÑO: 2012
DURACIÓN: 169 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Peter Jackson
GUIÓN: Fran Walsh, Philippa Boyens, Peter Jackson, Guillermo del Toro (Novela: J.R.R. Tolkien)
MÚSICA: Howard Shore
FOTOGRAFÍA: Andrew Lesnie
REPARTO: Martin Freeman, Ian McKellen, Richard Armitage, James Nesbitt, Aidan Turner, Graham McTavish, Jed Brophy, Stephen Hunter, Ken Stott, John Callen, Adam Brown, Dean O'Gorman, William Kircher, Peter Hambleton, Mark Hadlow, Hugo Weaving, Andy Serkis, Sylvester McCoy, Cate Blanchett, Christopher Lee, Elijah Wood, Ian Holm, Barry Humphries, Jeffrey Thomas, Lee Pace, Conan Stevens, Bret McKenzie
PRODUCTORA: Co-producción USA-Nueva Zelanda; Warner Bros. Pictures / MGM / New Line Cinema / WingNut Films

En compañía del mago Gandalf y de trece enanos, el hobbit Bilbo Bolsón emprende un viaje a través del país de los elfos y los bosques de los trolls, desde las mazmorras de los orcos hasta la Montaña Solitaria, donde el dragón Smaug esconde el tesoro de los Enanos. Finalmente, en las profundidades de la Tierra, encuentra el Anillo Único, hipnótico objeto que será posteriormente causa de tantas sangrientas batallas en la Tierra Media.

Hace ya una década que Peter Jackson nos dejó a la gran mayoría babeando con El Señor de los Anillos, la adaptación de la novela de J.R.R Tolkien, que abreviaré en adelante ESDLA. Después de muchas peleas con la productora, que claro miedo al fracaso en taquilla quería contar los tres libros en dos películas, acabó cediendo a la insistencia del director. Así fue como Jackson, finalmente pudo llevar la adaptación cinematográfica al mismo número de películas que libros, tres.

Yo siempre pensé y lo seguiré haciendo, que tras finalizar el estreno de El Retorno del Rey, tercera parte de la trilogía, es cuando se tendría que haber llevado a cabo la adaptación de El Hobbit, en lugar de hacer King Kong. Por muchas razones; ahorro en los costes de producción, tonalidad fílmica respecto a la trilogía (que a pesar del avance tecnológico, han respetado bastante), y sobre todo, acortar la espera de pasear otra vez por la Tierra Media, llegué a creer que nunca la rodaría.
Pero como dice el dicho “más vale tarde que nunca”. Llega tardía y con sus muchas polémicas en torno a su rodaje; el abandono de Guillermo del Toro en la dirección –no dudo de su talento, aunque para mí es lo mejor que pudo pasar- , los 48fps, o el formato trilogía son algunas de las desdichas más puestas en boca de todos.

Como fan de ESDLA, para mí la mejor trilogía que ha parido la industria del cine. Antes de que me peguéis, diré que, para gustos colores. Aún con todos los contras y malos augurios, no podía obviar su estreno. La segunda parte se estrenará el 13 de diciembre de 2013 y llevará por título El Hobbit: La desolación de Smaug y el 18 de julio de 2014, la tercera El Hobbit: Partida y regreso.

Hacer tres partes era lo más cuestionable y criticado, incluso por un servidor. Más aún, cuando inicialmente se habían previsto rodar solo dos, forzándose a rodar más y nuevas escenas para ello. Peter Jackson defiende y argumenta que se han dado cuenta en la sala de montaje, que rodando más material, habría suficiente para tres films. Estas declaraciones e intenciones han sido lo que más polémica ha generado entre los fans ¿Cómo un libro de 300 páginas podía llegar a tres partes? El Señor de los Anillos consta de 1800 páginas, y fueron la misma cantidad que se pretende con El Hobbit.


Ahora que ya la he visto, sigo sin aprobarlo pero comprendo a Jackson. Es sencillo, el libro de ESDLA se extiende en explicaciones, en ocasiones demasiado. Por el contrario, El Hobbit relata algunas secuencias en apenas unos párrafos -a lo sumo en un par de páginas- se abordan muchos temas de simple pasada, sin profundizar en ellos, como el personaje de Radagast, el Nigromante o la decadencia del pueblo de los Enanos. Esto último sirve de prólogo al film para ponernos en situación, con una narrativa diferente y algún cambio cronológico respecto al libro.
La parte de Radagast, es una de las más fantasiosas y chocante frente al tono salvaguardado en la trilogía. En la película, esos detalles ínfimos del libro (El Hobbit) que se tocan de pasada, pueden suponer una escena con una batalla, escape y descanso, pero en ningún momento hay sensación de que esté sobrando escena, ni se torna aburrida. Ahora bien, se nota una carencia en la intensidad emocional que se adquiría fácilmente con la trilogía original.
También hay que tener en cuenta que hay muchas cosas en ESDLA que fueron abreviadas, unificadas u omitidas. Lo cierto es, que si se hubiera contado todo lo que aparece en el libro, ESDLA daba para otra película más, aunque mucho me temo que cinematográficamente hablando el ritmo argumental se hubiera quebrado por la mitad.

Luego teníamos los desdeñables 48 fps, el doble de los 24 frames actuales. Velocidad determinada en los inicios del cine, considerando ésta la más adecuada a la capacidad retentiva del ojo humano. En la Comic Con (creo) se proyectaron unos minutos con la nueva y obsesiva velocidad de 48 fps, que Peter Jackson defiende a capa y espada. Sin embargo, las opiniones en general fueron poco favorables.

Yo he decidido ir a verla en este nuevo formato, para opinar con coherencia. Un formato que disgustará a algunos y alegrará a otros. Un servidor, que está en contra de la nitidez absoluta, de hecho, no abogo a favor del bluray. Se tiene que quitar el sombrero, realza el 3D como nunca he visto antes. Es tan real como estar in situ en mitad del rodaje, viendo a los actores y entorno con tus propios ojos. Sin embargo, nada es perfecto. Esa visión tan real, pierde naturalidad en los movimientos de los actores, adoptan una celeridad surrealista en planos detalle, sobre todo, al coger objetos o dejarlos.
En resumen; gana realidad visual de los personajes y decorados, pero no en la ‘capacidad motriz’, los movimientos de los personajes son muy irreales, realmente paradójico. De todas formas, al igual que el 3D, no resulta imprescindible para disfrutar del cine, por mucho que se empeñen los directores y productoras.

Muchos hablan que el afán de Jackson por estirar tanto el argumento, es puramente recaudatorio, cierto, pero yo creo que también hay una parte de orgullo propio en todo ello. Él ama todo ese universo creado por Tolkien y que menos que querer cerrarlo de la mejor forma posible, contando todo lo posible sobre sus personajes, ciudades o situaciones. Sin duda, un deleite para los que nos quedamos con más ganas de Tierra Media después de ESDLA.
Hay secuencias que están extraídas de los apéndices o del Silmarillion, ambos escritos por Tolkien. Aunque alguna de ellas, sospecho que es de cosecha propia de los guionistas del film, Fran Walsh, Philippa Voyens, Guillermo del Toro y el propio Jackson. En general las partes del libro son bastante fieles a éste, sin embargo hay cambios minuciosos en esta entrega, que supongo se acrecentarán en las venideras. No hay que olvidar que la trilogía también sufrió cambios en la narración y la supresión de algunos personajes fusionándolos con otros, aunque el cambio más drástico residía en el epílogo del libro, los que lo hayáis leído sabréis de que hablo. Así que en realidad los cambios son un mal menor, mientras no varíen el propósito en la historia.


La cuestión es que por ahora, las partes ajenas al libro de El Hobbit, están de lo más logradas, incluso en ocasiones, mejores a las del propio libro; como el concilio entre Elrond, Gandalf, Galadriel y un personaje que no esperaba encontrarme. Una charla que hace referencia directa a algunos de los acontecimientos que están por llegar. También hay detalles sutiles que los más acérrimos seguidores agradeceremos profundamente, refuerzan ese vinculo que prometían entre ambos libros. Claro qué, el título debería ser El Hobbit y las desventuras de la Tierra Media, pues aunque las partes del libro son fieles, el film narra muchas cosas que en éste no aparecen, y eso, que apenas recoge los seis primeros capítulos del libro.

¿Dónde se resiente el conjunto para mi gusto? en el tono cómico que le han imprimido al film, además de algunos momentos demasiado sobrecargados en la acción, y demasiado irreales, como la caída del puente con los enanos surfeando entre las rocas. Aunque los enanos tienen fama de ser habilidosamente patosos en tierra firme y dicha escena es fiel al libro, visualmente es más próxima a cualquier película de Disney. Claro qué, esas pequeñas manchas (para algunos no lo serán) lo compensan otras situaciones, escenarios, personajes y el placer de pasear por la Tierra Media una vez más.

El tono de humor es muy semejante a los momentos que tenía Gimli en ESDLALas Dos Torres con el asedio de los Wargos, pero elevados al cubo. Un humor claramente de cara al cine familiar, qué hará más o menos gracia. En mí caso, poco, fue lo menos agradable de la trilogía. Aunque dichas escenas son fieles representaciones de las escenas del libro, en éste no resultan tan extremadamente tontunas como en el film. Suerte que por lo menos han sabido repartirlas para no saturar al espectador. Por otro lado, tenemos grandes momentos como el de los acertijos entre Bilbo y Gollum o la breve aparición de Frodo y al auténtico Bilbo (Ian Holm) en el prólogo. Aunque he de reconocer que Martin Freeman lo clava, visual e interpretativamente.


A medida que avanza el film se torna más oscuro e intrigante, pero no alcanza ese tono oscuro y siniestro de la trilogía. Claro, que aquí la Tierra Media no se encuentra asediada por miles de orcos y un señor Oscuro que promete someter a todas las razas a una eterna oscuridad, es una misión un poco menos peligrosa. Aunque supongo que en la siguiente se volverá un más con la aparición total de Smaug, no llegará al mismo nivel.
Un factor diferente, también lo encontramos en la propia tonalidad del libro, mientras que ESDLA era mucho más maduro y cercano al mundo real, aún con sus toques mágicos, no era tan fantasioso como El Hobbit. Seña que Jackson aprovecha para dar un toque mucho más imaginativo y cercano al género fantástico infantil, estilo La historia interminable y productos similares. Al fin y al cabo el libro es para niños.

La caracterización de todos los personajes está hiper-mega-currada, los ya conocidos y los nuevos. La diferencia física entre enanos es notable, y permite identificarlos con claridad, sin embargo, el peso del protagonismo recae sobre Thorin, Fili, Kili y Balin, del resto te olvidas fácilmente. Supongo que irán tomando más protagonismo más adelante, siendo un poco más coral en las dos entregas siguientes, de lo contrario, no entenderé porque se los han currado tanto estéticamente a todos y cada uno de ellos.
Los escenarios siguen siendo una gozada visual, Rivendell en pleno solsticio de verano y el esplendor de un pueblo que no piensa en zarpar a las tierras, es muy grande. Esos planos aéreos de las montañas de Nueva Zelanda, que dejan ver una inmensidad inconmensurable, lo dicho, una gozada para la retina.

La banda sonora no me ha cautivado tan intensamente como lo hicieran los tres discos enteros que orquestaban ESDLA. No por ello voy a negar que Howard Shore ha realizado un buen trabajo, y ha conseguido un tema bastante emblemático, el que cantan los enanos en casa de Bilbo antes de partir. Una pegadiza melodía que se usa a lo largo del film para representarlos, tal como hacían con La Comunidad del Anillo. Lo que no me ha terminado de encajar, es algún re-aprovechamiento de las melodías de ESDLA, no todas han encajado tan bien. Por ejemplo, el tema de los Nazgul llegando a Bree, no me ha terminado de convencer en la confrontación entre Thorin y el Orco Jefe a lomos del Wargo.

En resumen, una película mucho más fantástica y menos bélica que no alcanza la épica de la trilogía. Y aunque tampoco lo hace el libro hasta su desenlace, no significa que no haya acción, pero las batallas son bastante esquemáticas. Un agradable paseo y retorno al mundo Tolkiano, pero sin la intensidad emocional ni pragmática de ESDLA. Esperemos que en las siguientes, insufle algo más de vida en ese aspecto.

Puntuación

11/12/12

Bloody Christmas Market 1ª edición

Se acercan las fechas navideñas y La Oscura Ceremonia celebra una nueva edición del mitico Market, conocido comunmente por sus dos habituales vertientes, Horror Market y Trash o Market. 
La organización ha decidido sumarse a los días que nos deparan y nos trae un especial  de dicha festividad anual. En su primera y seguro que no la última edición, lleva por nombre Bloody Christmas Market.


Un espacio común en el que podrás encontrar ese regalito original para Navidad o Reyes. El evento se celebrará el domingo 23 de Diciembre 2012 desde las 12h hasta las 21:30h en el Casal Jove La Fontana C/. Gran de Gracia 190 Metro L3 Fontana, Barcelona.

Entrada: un juguete nuevo ó 0,50€



De manera habitual habrá Djs pinchando exitos de la época y algún que otro hit navideño
Y como de costumbre en el Auditorio se proyectarán películas a partir de las 16h. En primer lugar Noche de paz, noche de muerte (1984) de Charles E. Sellier Jr. Clásico slasher navideño en el que Billy, a los cinco años presencia cómo un hombre disfrazado de "Santa Claus" asesina brutalmente a sus padres. Años después, el joven, trastornado por su pasado, inicia una serie de macabros crímenes disfrazado como el asesino de sus progenitores.

Y en segundo lugar Navidades Negras (1974) de Bob ClarkDurante el descanso de Navidad, las chicas de una fraternidad se preparan para retornar con sus familias, pero antes deciden hacer una fiesta. Durante la misma, las jóvenes reciben llamadas extrañas de un acosador, quien hace sonidos escalofriantes y se oyen diferentes voces, así como frases obcenas. Posteriormente, una de las chicas desaparece... película de la que se hizo un remake en el año 2006 dirigida por Glen Morgan, productor de Destino Final.

Algunos de los stands confirmados son los siguientes Far Away Handcrafted, Sweet and Sour Axessories, Huesitos, The Monster Museum, Smarelda Villalobos Custom Clothing, Entremosaicos, y la web KlownsAsesinos.

Para más info web oficial.

26/11/12

Luces rojas

Luces rojas dirigida por Rodrigo CortésTÍTULO ORIGINAL: Red Lights
AÑO: 2012
DURACIÓN: 119 min.
PAÍS: España
DIRECTOR: Rodrigo Cortés
GUIÓN: Rodrigo Cortés
MÚSICA: Víctor Reyes
FOTOGRAFÍA: Xavi Giménez
REPARTO: Cillian Murphy, Sigourney Weaver, Robert De Niro, Elizabeth Olsen, Toby Jones, Joely Richardson, Leonardo Sbaraglia, Craig Roberts, Burn Gorman
PRODUCTORA: Coproducción España-USA; Nostromo Pictures / Antena 3 Films / Cindy Cowan Entertainment

Una parapsicóloga y su ayudante intentan desacreditar a un vidente que ha recuperado el prestigio después de haber pasado treinta años sumido en el olvido; el problema consiste en que el cerebro casi siempre nos transmite una imagen distorsionada de la realidad.

Luces rojas es el tercer largometraje de Rodrigo Cortés. Después de la justa presentación que supuso Concursante, su debut. El cineasta elevó su estatus con su segundo largometraje, Buried. Un gran y efectista ejercicio, en el que Cortés se hizo con las riendas, solventando muy bien la papeleta, en parte, gracias a la interpretación de Ryan Reynolds y el guión de Chris Sparling, a pesar de contar con la misma premisa que cierto momento de Kill Bill y el doble capítulo de CSI titulado Danger Grave, ambos trabajos dirigidos por Quentin Tarantino.

Al igual que en su opera prima, Rodrigo Cortés escribe el guión. Pero viendo en qué momento adolece Luces rojas, su desenlace, empiezo a pensar que Cortés quizás necesite coescribir sus guiones. Lo escrito de su puño y letra, guarda una buena premisa y desarrollo hasta llegar al desenlace, momento en el que se pierde en un oscuro y profundo mar egeo. A saber lo que hubiera sucedido con Buried si lo hubiera escrito él solo.


Respecto a la interpretación de Ryan Reynolds en Buried, me cuesta creer que sea el mismo actor que interpreta a Green Lantern dirigido por Martin Campbell (Casino Royale, Escape de Absolom), una vez más se demuestra que la dirección de actores es de suma importancia en el resultado final.

Así pues, tras Buried el listón estaba alto, pero nada impedía que Luces rojas no cumpliera un mínimo de leyes y óptimos resultados. Es cierto, que no pretende superar ni parecerse en nada a su predecesora, de hecho, el film sigue estando bien desarrollado y la forma en que Cortés plasma el guión, a pesar de algunos tópicos y clichés en torno a los personajes principales, es efectiva, la historia se desenvuelve con soltura y de forma intensa atrapando al espectador en una trama bastante suculenta y enigmática.

Quizás el mayor atractivo del film sea que Cortés aborda las historias de fantasmas y perturbaciones psíquicas desde un punto muy técnico, buscando el fraude o la veracidad del asunto. Totalmente acertado en un panorama cinematográfico saturado de posesiones y exorcismos. Se nota una buena elaboración en el producto y una buena estructura en el guión, además de una solida base de conocimientos previos sobre el tema a tratar. Cortés se ha informado bastante bien sobre todos los entresijos y trucos, acercando el conjunto más a la telequinesis que a lo espiritual. Pero como he dicho el desenlace no es óptimo y hace perder fuerza al conjunto.

El film goza de un reparto de primera con actores de la talla de Robert de Niro, Sigourney Weaver o Cillian Murphy, sin duda, un reclamo tanto para los cinéfilos empedernidos como para el público estándar.

De Niro interpreta al profesor Simon Silver, su sola presencia resulta tan enigmática como perturbadora, que no reside únicamente en su interpretación, sino a su escueta y lograda caracterización facial. De Niro se ha venido a menos en los últimos años, aceptando papeles de menor prestigio, algo que en mi opinión no es malo. Su época dorada pasó y dejó grandes títulos; Taxi Driver, El Padrino II, Los Intocables de Elliot Ness, El Cabo del Miedo, Heat o Jackie Brown.
Es cierto que sigue haciendo cosas medianamente destacables, algunas con más fortuna que otras, como la saga Los Padres de Él, El escondite, Asesinos de elite o la presente Luces rojas, pero se ha convertido en un mercenario que acepta casi cualquier trabajo que le propongan. Comedias como Noche de fin de año o Todos están bien, o papeles como el senador en Machete de Robert Rodríguez, de la que no tengo nada que objetar.


El contrapunto a Silver lo pone la escéptica Margaret Matheson, interpretado por la legendaria Sigourney Weaver. Y su no tan escéptico ayudante Tom Buckley, interpretado por Cillian Murphy.
Murphy es un actor con una carrera mucho más escueta que la de Sigourney, qué ya andaba en 1979 cazando Aliens en el espacio. Murphy empezó su carrera como actor a las puertas del siglo XXI, sin embargo, nada tiene que envidiarle a una de las mejores heroínas que ha existido en el cine de ciencia ficción.
Weaver ha trabajado con directores de la talla de Ridley Scott o James Cameron, pero Murphy lo ha hecho con uno de los directores actuales más reconocidos, Christopher Nolan. Su personaje de Espantapajaros en la trilogía de Batman (BeginsDark KnightDark Knight Risesy su estupenda interpretación en Origen, serán reconocidas durante muchos años en la historia cinematográfica actual.

El triunvirato de actores solventan la situación en más de una escena, consiguiendo que el ritmo y la tensión del film no decaiga. El personaje de Murphy tiene más relevancia de la que en principio parece, motivo principal motivo por el que el film adolece y nos deja un sabor agridulce en su desenlace. Un final más previsible para algunos y menos para otros, pero igualmente poco sorprendente. Su fallo es querer hacerlo tan sumamente rocambolesco y abrupto, que en lugar de sorprender nos escupe fuera de la película.
En un papel menor tenemos a Elizabeth Holsen (Amor y Letras, Silent House) que no tiene mucha relevancia en la historia, participa en una pequeña y escueta subtrama amorosa y su papel no va más allá de poner su preciosa cara. Como secundario tenemos al poco reconocido pero gran actor Toby Jones, que casi siempre actúa en papeles de similar categoría, pero aporta un carisma especial allí por donde pasa, y aquí no será menos. Encontramos trabajos destacables en su filmografía como La Niebla de Frank Darabont,  Capitán América: El primer vengador, El desafío - Frost contra Nixon o la reciente Berberian Sound Studio vista en el Festival de Sitges 2012.

Víctor Reyes dota al film de las notas musicales necesariamente efectivas en cada momento. Reyes ya orquestó los dos anteriores films de Cortés y parece que así seguirá siendo, ya es bien cierto el dicho “si algo funciona para que cambiarlo”, sino que se lo digan a Tim Burton y Danny Elfman.

En definitiva, Cortés nos presenta un portentoso thriller que atrapa al espectador, pero que adolece en sus últimos minutos al intentar sorprender al espectador con un intrínseco final, una lástima que por tan pocos minutos el film no termine de solventar la situación debidamente.

Puntuación

19/11/12

Cinebasura proyecta: 2019 Tras la Caída de Nueva York

Este viernes 23 a las 22:45 de noviembre vuelve Cinebasura con la proyección 2019 Tras la Caída de Nueva York (1983) de Sergio Martino, responsable de productos como La Montaña del Dios Canibal o La Isla de los Hombres Peces.

La película es una explotation italiana y trata sobre la hecatombe nuclear que sucede sobre la faz de la tierra y un puñado de seres humanos logran sobrevivir. La película es un cruce entre El Planeta de los Simios, 1997 Rescate en Nueva York y Mad Max, pasado por el filtro de Los Nuevos Barbaros de Enzo G. Castellari.

La proyección contará con los habituales Paco Fox y Viruete, pero además estará una estrella de las retransmisiones deportivas de Canal+, agitador de las madrugadas NBA y víctima de eso que llaman #dormiresdecobardes … El grandísimo IÑAKI CANO (@icano14)!

Como siempre, peli para todos y comentarios disponibles. Y para los old school en Canal+ Xtra a través del audio Dos. Podéis visionarla en este enlace.

16/11/12

The ABCs of Death

ABC's of DeathTÍTULO ORIGINAL: The ABCs of Death
AÑO: 2012
DURACIÓN: 129 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Angela Bettis, Hélène Cattet, Ernesto Díaz Espinoza, Jason Eisener, Bruno Forzani, Adrián García Bogliano, Gadi Harel, Thomas Cappelen Malling, Yoshihiro Nishimura, Banjong Pisanthanakun, Simon Rumley, Tak Sakaguchi, Marcel Sarmiento, Yûji Shimomura, Srdjan Spasojevic, Timo Tjahjanto, Andrew Traucki, Nacho Vigalondo, Jake West, Ti West, Ben Wheatley, Adam Wingard, Jorge Michel Grau, Jon Schnepp, Lee Hardcastle
GUIÓN: Simon Rumley, Ti West, Kaare Andrews, Simon Barret, Srdjan Spasojevic, Dimitrije Vojnov
MÚSICA: Varios
FOTOGRAFÍA: Harris Charalambous, Karim Hussain, Nicolás Ibieta, Nemanja Jovanov, Antoine Marteau
REPARTO Dallas Malloy, Kyra Zagorsky, Peter Pedrero, Fraser Corbett, Lucy Clements, Joshua Diolosa
PRODUCTORA: Drafthouse Films / Magnet Releasing / Timpson Films

26 letras. 26 directores. 26 maneras de morir. La idea no puede ser más simple: a cada cineasta se la adjudica una letra, y se le da total libertad para crear un cortometraje en el que la muerte juegue un papel destacado. De esta manera, se construye una antología de cadáveres exquisitos que supone, sin ninguna duda, uno de los proyectos más ambiciosos que el género ha conocido en toda su historia cinematográfica (no en vano, la producción ha atravesado quince países diferentes). El objetivo: ofrecer una panorámica ora divertida, ora siniestra, que sirva para definir todo aquello que le ha ocurrido al terror en los últimos diez años..

Hablar de ABC’s of Death a favor o en contra es complicado y peliagudo. Realzar sus virtudes o sus defectos es muy personal. Al constar de 26 micro-historias independientes y diferentes entre sí, tendríamos que centrarnos en realizar una opinión concreta sobre cada una de ellas. Algo que va a ser difícil, porque ha pasado un mes desde que la visioné y no recuerdo bien las que menos me gustaron, evidentemente.
Igualmente, sería una opinión tan dispar que no quedaría claro si el conjunto ha gustado o no. También hay que tener en cuenta los diferentes gustos de cada espectador, algo que incrementará esas diferencias. Lo que está claro, es que lo que decía Nacho Vigalondo (uno de los directores participantes) durante la presentación de la cinta “la historia más larga dura 4 minutos, por lo que si os parece una mierda, tranquilos se acabará enseguida y pasamos a la siguiente”.


La película carece de continuidad argumental, el único nexo de unión entre las 26 historias, es la temática; la representación de la muerte. En la ficción, la muerte se representa como un símbolo, un ente con sotana negra y guadaña, pero en la realidad es intangible, algo que todos tememos.
Bajo puntos de vista totalmente diferentes, cada director representa su visión de la muerte e imprime su estilo haciendo uso de una letra del abecedario. De forma que nos encontramos con historias muy dispares; pasando por el terror, cómicas, gore, bizarras, algunas que hacen buen uso de la tensión. Así pues, recomendar la cinta globalmente es difícil y poco factible, puesto que los gustos de cada espectador pueden variar bastante.

Las historias que para un servidor pueden ser las peores, para otro pueden ser las mejores, y viceversa. Como en casi todas las películas de historias, salvo Creepshow y poco más, la opinión favorable o desfavorable es muy dispar, en ocasiones, arrojando diferencias abismales.


La verdad, es que como no voy a hablar sobre las historias de manera independientemente, poco más puede decir, tan solo destacar las que a mí personalmente más me gustaron; Jason Eisener con la Y en Youngbuck, Xavier Gens con la X en XXL, Lee Hardcastle con la T en T Is for Toilet, Simon Rumley con la P en Pressure, Marcel Sarmiento con la D en Dogfight, Nacho Vigalondo con la A en Apocalypse y por último Adam Wingard con la Q en Quack.
T for this Toilet, ya la había visto, puesto que fue el ganador del concurso que organizaron para incluir una historia amateur en el conjunto.

Teniendo en cuenta que me han gustado solamente 7 de 26, una media bastante pobre, mi valoración sería pésima. Aparte de las que he mencionado, había otras que se dejaban ver, pero que no trascendían a un ámbito destacable. La ventaja es que se pasa volando, y aunque la media es baja, las que destaco lo hago con fervor. Recomendable como simple curiosidad.

Puntuación

15/11/12

Horrorvision 2012

La Oscura Ceremonia sigue con su festival anual de cine, Horrorvisión. Nos encontramos en su cuarta edición, que como cada año se celebra nada más empezar diciembre, concretamente este año, el 30 de noviembre y 1 de diciembre.


Las películas confirmadas para esta edición son Nekromantik, Der Todes King (aquí conocida como El Rey de la Muerte), Inbred (vista hace dos ediciones en el Festival de Sitges), Inside the Whore, Manborg, Zibahkhana, y Gorgo.

La programación queda repartida de la siguiente manera, Viernes 30 de Noviembre:

18:00 ​Bloque 1 de Cortometrajes a Competición
Devil Share Dir.: Loki Kumar Delhi, India 2012
EL EXILIO DEL PARÁSITO Dir.: Darío Pérez Barcelona, España 2011
TILL DEATH DO US PART Dir.: Julian Lara Estados Unidos 2012
ZONA DE CAZA Dir.: J.O. ROMERO Barcelona, España 2012
EL LAMENTO DEL PESCADOR Dir.: James J. Wilson Barcelona, España 2012
KILLERS POR EL MUNDO Dir.: ANGEL M. SALO Zaragoza, España 2011
Tous les hommes s'appellent Robert Dir.: Marc-Henri Boulier Paris, Francia 2010


19:00 Inside the Whore, Dir.: Reinert Kiil, 2012, Noruega, 90 min. V.O.S.E.
Durante el rodaje de la película de Noruega Hora (en Castellano "La puta") de Reinart Kiil un montón de cosas misteriosas sucedieron en el set. Esta es la historia que lo que pasó realmente.

​20:30 Zibahkhana (Hell’s Ground), Dir.: Omar Khan, 2007, Pakistan, 77 min. V.O.S.E.
En su camino a un concierto, un grupo de adolescentes que se desvía por culpa de una protesta política se encuentra con una familia de psicópatas sedienta de carne.

22:00​ Bloque 2 de Cortometrajes a Competición
Don Quijote y los Demonios Dir.: Simón Fariza Valencia, España 2012
Fist of Jesus Dir.: Adrián Cardona, David Muñoz Ibiza, España 2012
Scout Killer : Juramento Sangriento Dir.: Joel Badia Soler Barcelona, España 2012
BARIKU LIGHT Dir.: Asier Abio Bilbao, España 2011
Grietas Dir.: Juan Bodi Valencia, España 2011
Badfellas Dir.: Antonio Souto Fraguas Madrid, España 2011
The 40 Foot Turtle Dir.: Jacinto Piniella Moris Madrid, España 2012
ABC Monsters Dir.: Gael Roda Loire Atlantique, Francia 2012


23:00 Der Todesking (El Rey de la Muerte), Dir.: Jörg Buttgereit, 1990, Alemania, 74 min. V.O.S.E.
Siete episodios, cada uno llevado a cabo en un día diferente de la semana, sobre el tema del suicidio y la muerte violenta.

​00:30 Manborg, Dir.: Steven Kostanski, 2011, Canadá, 60 min. V.O.S.E.
Un soldado vuelve a la vida como un cyborg, y lucha junto a un grupo de aventureros contra hordas de demonios en un futuro distópico.

Sábado 1 de Diciembre
16:00
Festival Invitado: Zinema Zombie Fest (Colombia). Una hora de cortometrajes de terror realizados en Colombia y LatinoAmerica.

17:00​ Bloque 3 de Cortometrajes a Competición
Curiosity Kills Dir.: Sander Maran Randvere, Estonia 2012
CABBAGEMINCER Dir.: Vadim Viner St-Petersburg, Federación Rusa 2011
Broadcasting the Dead Dir.: Muaré González Guijarro Murcia, España 2012
Oscuro Resplandor Dir.: Rafa Dengrá Barcelona, España 2012
GAPING DEAD Dir.: CRISTIAN FONT SORIANO Valencia, España 2012
SHOOT FOR THE MOON Dir.: Casandra Macías Gago Madrid, España 2011
Sink Hole Dir.: Greg Hanson Brooklyn, Estados Unidos 2011


​18:00 Gorgo, Dir.: Eugène Lourié, 1961, Reino Unido, 78 min. Proyección en 16mm. V.O.
Marineros codiciosos capturan un lagarto gigante frente a la costa de Irlanda y lo venden a un circo de Londres. Entonces la madre del monstruo aparece.

​19:30 Entrega de Premios: Concurso de Cortometrajes Horrorvision.

Como invitado especial tendremos a Jörg Buttgereit, director de clásicos del cine gore "Nekromantik" (1987) y su secuela "Nekromantik 2" (1991), así como de otras joyas del cine alemán más insano como son "El Rey de la Muerte" (Der Todes King, 1990) o "Schramm"(1994).
20:00 Entrega de Premio Honorifico Horrorvision: Jörg Buttgereit. Encuentro y charla con el director.


​21:00 Nekromantik, Dir.: Jörg Buttgereit, 1987, Alemania, 75 min. V.O.S.E.
Un barrendero que limpia después de un accidente espeluznante trae un cadáver a casa para que él y su esposa disfruten sexualmente del muerto, pero queda consternado al ver que su esposa prefiere el cadáver sobre él.

​22:30 Se proyectará el cortometraje El Martillo de las Brujas. 2012, España, 6 min. dirigido por los organizadores del festival, Sol Charlotte y J. Oskura Nájera.
Nina es una chica que ha crecido escuchando los consejos de sus padres y abuelos para no caer victima de la brujería... El cual pude ver en la sección Brigadoon de la edición del Festival de Sitges de éste año y puedo decir que como cuento, funciona a la perfección.

​23:30 Como el año pasado el espectáculo de Lucha Libre repite para deleítarnos en un gran combate sudoroso, más y mejor.
El colectivo SWA nos da un espectáculo de Lucha Libre de Horror, rudos y técnicos, saltos y llaves.... Vuelve el Horrorvision Trash Wrestling Federation!!!!
​

​00:30 Película Cierre del Festival
Inbred, Dir.: Alex Chandon, 2011, Reino Unido, 90 min. V.O.S.E
Cuatro jóvenes delincuentes y sus trabajadores pasan un fin de semana en la remota aldea de Mortlake, Yorkshire, que presumen de ser autosuficientes. Un malentendido accedintal entre los visitantes y los aldeanos se convierte rápidamente en una pesadilla delirante y sangrienta.

El evento se realizará en el mismo sitio de cada año Auditorio Les Basses ​
C/. Teide, 20 (Entrando por la plaza de atrás)Metro L5: Vilapicina. Barcelona - España

Para más info dirigirse a su web oficial web oficial.

11/11/12

The King Of Pigs

The King Of Pigs dirigida por Yeun Sang-hoTÍTULO ORIGINAL: Dae gi eui wang
AÑO: 2011
DURACIÓN: 97 min.
PAÍS: Corea del sur
DIRECTOR: Yeun Sang-ho
GUIÓN: Yeun Sang-ho
MÚSICA: Been Eom
SONIDO: Lee Jun-bae
FOTOGRAFÍA: Animation
REPARTO: Yang Ik-june, Oh Jeong-se, Kim Hye-na, Park Hee-von, Kim Kkobbi
MONTAJE: Lee Yeun-jeong, Yeun Sang-ho
DISEÑO DE PRODUCCIÓN: Woo Je-kuen
PRODUCTORA: INDIESTORY INC.

Kyung-min y Jong-suk no pueden tener vidas más dispares: el primero es un hombre de negocios y el segundo es un escritor sin empleo que se descarga con su mujer. Ambos se encuentran una noche, para recordar cuando eran adolescentes e iban al instituto, donde eran acosados por sus compañeros y donde conocieron a Kim Chul, el único capaz de defenderles. Relato de calado profundamente violento, The King of Pigs es uno de los mejores ejemplos de lo que debe ser la animación para adultos: dura y compleja, dispuesta a remover la conciencia del espectador.

Dirigida por el animador surcoreano Yeun Sang-ho presenta su debut como director de largometrajes, King of Pigs debutó en el Festival Internacional de Cine de Busan, celebrado del 6 al 14 de Octubre donde recibió una buena acogida en la ciudad coreana. He tenido la oportunidad de verla en el pasado Festival Internacional de Sitges 2012. La película es descrita como un reflejo inquietante de la sociedad contemporánea, de una violencia explicita que intentará desafiar y entretener al público internacional. El tipo de animación, la temática que toca, y sobre todo, la forma elegida para abordar estos elementos, están pensados para dicho propósito.


Una propuesta accesible de forma genérica, más allá de fronteras y en lo que puede ser un mayor o menor gusto por la animación. Un factor de rechazo puede darse, porque a modo personal, haya quien no le guste ese tipo de animación, aparte de la temática. En ese caso, daría igual si la película está realizada con un tipo de animación u otra.
Un factor de promoción para la película es que cuenta para uno de los personajes con la voz de Yang Ik-jun, director, escritor y protagonista de Breathless, no confundir con el título en inglés de la obra maestra dirigida por Jean-Luc Godard en 1960. Ésta se trata de una película del 2008 que cosechó mucho éxito.

Volviendo al tema, sin duda, el atractivo de la película es la apuesta por un forma feísta, factor importante para crear el sentimiento que se trabaja durante toda la película. Esa forma está diluida por toda la película, en la animación, en los colores, los personajes, los diálogos, los sonidos, la trama etc. Es una película que desprende cierto malestar, pues muestra un contenido bastante duro.


Esta película contiene una fuerte carga de violencia psicológica, aparte de la física, y retrata de forma oscura y desesperanzadora una realidad de frustración. El fracaso como elemento primordial que rodea a los personajes, encargados de mostrar una dura crítica social y política, aplicable en diversas culturas.
La banda sonora de la película está compuesta, por el también debutante en su campo, Been Eom. Ha compuesto una pieza que acompasa el leit motiv de la película.

Una fuerte apuesta de nuevos talentos que emergen, merece la oportunidad del visionado con el beneficio de la duda, y sin ningún tipo de complejos. La película sorprende por sí sola, es un mordisco directo a la yugular imposible de dejar a nadie en la indiferencia.


Puntuación

Robo-G

Robo-G dirigida por Shinobu YaguchiTÍTULO ORIGINAL: Robo Jî
AÑO: 2012
DURACIÓN: 111 min.
PAÍS: Japón
DIRECTOR: Shinobu Yaguchi
GUIÓN: Shinobu Yaguchi
MÚSICA: Miki Yoshino
FOTOGRAFÍA: Katsumi Yanagijima
REPARTO: Naoto Takenaka, Yuriko Yoshitaka, Mickey Curtis, Takehiko Ono, Gaku Hamada, Tomoko Tabata, Emi Wakui, Chan Kawai, Junya Kawashima
PRODUCTORA: Toho Company / Fuji Television Network / Altamira Pictures Inc.

Ota, Kobayashi y Nagai han construido un androide que deben presentar en una feria robótica. Pocos días antes de la exhibición, su creación se cae fatalmente por la ventana. Sin tiempo para construir un nuevo robot, solo se les ocurre una solución para no quedar como unos perdedores: contratar a alguien que pueda introducirse en la carcasa del robot. Su “mejor” candidato es Suzuki, un anciano entusiasmado ante la posibilidad de tener una actividad con la que matar el tiempo.

Siguiendo con las películas que hemos ido, en este caso disfrutado, durante el recién Festival de Cine Fantástico y de Terror Sitges 2012; es el turno para una dulce comedia titulada: Robo-G. Escrita y dirigida por Shinobu Yaguchi, cineasta que conduce su trayectoria a través de comedias con toques de humor negro. No conozco lo suficiente su filmografía, pero tras documentarme, parece que con Robo-G confluyen varios aspectos de sus anteriores películas, pero con un tono más clásico en lo que comedia se refiere.


El guión de Robo-G funciona en la medida de su concepción, en todo momento se mantiene ese tono de comedia, con pocos personajes y sin ningún tipo de excentricidad, pero no por ello falto de contenido. Se muestran diversos temas sociales en consonancia con Japón, se hace una muestra de cómo afecta la tecnología en la sociedad, tanto en el ocio como en lo laboral, así como un pequeño repaso a diversas presiones laborales. También muestra el lado melancólico que suscita la situación de la tercera edad, todo en conjunto a un mensaje positivista sobre la superación personal. No es una película de comedia alocada, es suave, te mantiene una sonrisa en la cara. Tampoco es una película que procure tocar la fibra haciendo uso de la melancolía, no se ha explotado esa faceta, aunque en algunos momentos se aproxime.


Lo más gracioso de la película son las situaciones que irán atrapando a los personajes en berenjenales que pondrán a prueba su ingenio para salir del paso. Se conecta muy rápido con todos los personajes, pero en especial, quien consigue meternos en su bolsillo, es su protagonista, el anciano que se tendrá que introducir en la carcasa del robot. Interpretado por Mickey Curtis, actor y cantante japonés nacido en Tokio en 1938, borda el papel desde su primera aparición y consigue resultar entrañable hasta el final de la película. Su papel de viejo cascarrabias medio sordo que no termina de aceptar que es un anciano, sencillamente, es lo mejor de la película. Mención para la versión que realiza el actor en los créditos finales de la canción Mr. Roboto del grupo Styx.
El resto del reparto, sin duda, está a la altura de las circunstancias, desde los tres técnicos que diseñan al robot sin tener ni idea de robótica; su jefe, que los presiona para utilizar el robot para fines comerciales, hasta la estudiante de ingeniería robótica que se termina subiendo al carro. Personajes bien diseñados con los que resulta muy agradable pasar el rato que dura la película.


Bueno, según lo comentado en el anterior párrafo, quien obtiene el rol de autentico protagonista es el propio robot, o la carcasa de éste. Un diseño fantástico que desde el primer momento que lo ves, quieres que sea tu amigo robot.
La fotografía de la película es muy luminosa, llamativa y alegre. No hay ningún alarde de grandiosidad, ni desarrollo a destacar, pero es correcta y no se realza, ni despista, sobre la faceta de la película que más importa, en este caso, la historia. Pero hay planos muy interesantes en conjunto con la iluminación, también está muy bien rodada la forma de mostrar al robot en determinados momentos.
 La banda sonora está planteada de la misma forma, siendo la versión del tema Mr. Roboto el eje principal de atención. Un pequeño "pero" que puede achacarse a la película, es que, aún teniendo un buen ritmo, por su tramo final hay algunos minutos que quedan algo vacíos, pero no es ningún problema que afecte a su calidad, tan sólo es una apreciación personal. El conjunto final de la película es bueno en términos generales y cuando termina, la escena final contiene y consigue el objetivo de la película, dejarte con la sonrisa en la boca.

Puntuación

10/11/12

Qué pelo más guay

Qué pelo más guay dirigida por Borja EcheverríaTÍTULO ORIGINAL: Qué pelo más guay
AÑO: 2012
DURACIÓN: 82 min.
PAÍS: España
DIRECTOR: Borja Echeverría
GUIÓN: Santiago Molero, Rulo Pardo, Borja Echeverría
MÚSICA: Iván Ruíz
FOTOGRAFÍA: Alexander del Barco
REPARTO: Santiago Molero, Rulo Pardo
PRODUCTORA: José Manuel Tenorio

Fran y Eddie son dos gánsters de poca monta que pretenden vender una maleta repleta de droga. Para ello, han preparado un encuentro con un comprador en una peluquería abandonada a las afueras de la ciudad. Las cosas tomarán un giro imprevisible cuando uno de ellos entre en el baño y se encuentre inmerso en un viaje temporal. El otro, por su parte, iniciará un meta-viaje por la propia película.

Después de unos días un tanto ajetreados, vuelvo a la carga con los últimos films que me quedaban por reseñar de la edición del Festival de Sitges 2012.

Qué pelo más guay es la adaptación cinematográfica de la obra de teatro realizada por la compañía Sexpeare. Obra que lleva el mismo título del film y que se estrenó en el año 2002. A día de hoy todavía viene representándose. Y durante estos diez largos años se ha paseado por múltiples escenarios, al parecer, ha cosechado una buena legión de fans, convirtiéndola en obra de culto, al menos así lo proclaman sus autores. Aunque, yo ni siquiera había oído hablar de ella. Por lo tanto, imagino que la mencionada legión, será en realidad, un reducido y especializado sector del público.

La película está dirigida por Borja Echeverría, que junto a Rulo Pardo y Santiago Molero, los protagonistas de la película y de la obra de teatro, han escrito durante años el guión del film. Adaptando y perfeccionando los detalles y los gags de la obra al ritmo y lenguaje cinematográfico, con la finalidad de que el espectador se implicara en todo lo que les sucede a los protagonistas.


Aunque no esperaba un gran producto, lamento decir, que si esperaba algo un tanto más original y descacharrante. Pero no ha sido así, no he conectado demasiado bien con el tipo de humor, bastante estándar y previsible en más de una ocasión.
Además de encontrar referencias en las interpretaciones a los míticos Martes y 13 -sobre todo en el caso de Molero- a los que considero inimitables. La influencia de Millán Salcedo y Josema Yuste ha sido aderezada con el surrealismo de los chicos de La hora chanante, pero sin la magia de ambos. Dejando al espectador una combinación de gags poco fructíferos, lo cual no significa que no tenga momentos risueños, aunque en mí no consiguiera tal efecto.

Parece que la intención era crear algo tan risible como Zoolander, sin embargo, han terminado por hacer una psicodélica obra teatral, basada en la ciencia ficción de Regreso al futuro con premisa del cine blaxplotation, un maletín lleno de droga. Aunque se han esmerado en adaptar la obra, la esencia que desprende el film no tiene un ritmo cinematográfico adecuado. Sus escenarios, su puesta en escena, las interpretaciones y su desarrollo son como ver la propia obra grabada en video.

Sus intérpretes son estereotipos cómicos de las buddy movies, similares a Starsky y Hutch o Vincent y Jules de Pulp Fiction. Santiago Molero (Gente Pez, Águila Roja) es Fran, el poli bueno y un tanto ingenuo. Mientras que Eddie, interpretado por Rulo Pardo (Gente Pez, Arte de Roubar) es el macarra, que además, hace de negro sin serlo, el punto de surrealismo está servido.
Y aunque le ponen ilusión, y sus interpretaciones son correctas sobre un escenario, no en un plató, se mueven tal y como si estuvieran en la propia obra de teatro, resultando poco realistas en la pantalla.


No voy a cuestionar que como obra de teatro no funcione, pero en el caso del film creo que el surrealismo y la desconstrucción que se empeñan en hacer de la película, derivan en un final sorpresivo pero poco novedoso, en el cual, realizan un meta análisis del propio film, momento que no juega a favor del conjunto.

Se abusa en demasiadas ocasiones de los mismos efectos sonoros, lo mejor parado es la banda sonora realizada por Iván Ruiz, que ha orquestado varios cortometrajes y series de tv, pero no conozco ninguna obra destacable que me sirva de referente a la hora de hablar de su talento.

Echeverría nos deja un film descafeinado con gags para el público estándar, sin aportar ese punto de acidez. Lamento hablar así de mal de la película, tanto en la presentación que realizaron el director y sus dos protagonistas, como en el propio film, la ilusión se respira por cada poro, pero Qué pelo más guay no es para mí.

Puntuación

1/11/12

Programación Cotxeres de Sants 2012

Después del Festival de Sitges ¿cual es el evento cienmatográfico más importante de Catalunya?. Pues La Maratón de Cine de Terror de Sants (o lo que es lo mismo Cotxeres de Sants). Aunque los veteranos ya sabéis que se trata de un evento único y muy diferente al resto de festivales cinematográficos, hay gente que a día de hoy después de 24 ediciones, todavía no.

La interactuación verbal del público con las proyecciones puede resultar impertinente y exacerbar la paciencia de más de uno, sobre todo para los que no 'entren' en la misma dinámica que sostiene el resto del público, pasar una noche divertida. El que quiera ver las películas tranquilamente, que lo haga en su casa.


Este año se celebra del 12 al 17 de noviembre. Como todos los años, entre semana, de lunes a jueves, se proyectarán cortometrajes, el viernes los finalistas y la primera película. Y el sábado vendrá lo gordo, ambas maratones, la de sala de A, la grande y la B, la pequeña, solo para gente muy curtida en el arte y espiritu del festival; el jolgorio más aberrante.


Pero para ir calentando motores, el sábado día 10 de noviembre a las 21:00h, tenemos La Mini-Marató.  Entrada Gratuita.
La mini maratón ha sido absorvida por el organizador de Cine The Warrior, nos dará una lección de cine caspa entre algunos cortos y pajareos mentales de los asistentes, podremos ver la película Ninja Condors 13. Pero no es la décimotercera parte, es que el comando de ninjas se llama así.
Recordad que el evento previo de Cortos para Cortos ha sido suprimido de la agenda del festival.

Pero ya vamos con el plato fuerte. El Viernes 16 a las 23,15 h, después de conocerse los ganadores del concurso de cortometrajes, veremos The Collector Dir. Marcus Dunstan E.U.A. (2011) 87 min.


Y el Sábado 17, las maratones. Una noche larga, tal como su sección indica.
Sala A (o grande)

  
 

21.00 h Los Vengadores Dir.: Joss Whedon. EUA, 2012. 140 min.
23.40 h Noche de MiedoDir.: Craig Gillespie. EUA. 2012. 102 min.
01.40 h [•REC]³ Génesis Dir. Paco Plaza. Espanya. (2012). 73 min.
03.10 h Devil Inside Dir.: William Brent Bell. EUA. (2012). 83 min.
04.20 h Película sorpresa!.

Sala B (o pequeña, además es cierto)

  
  

21.00 h Beverly Hills Vamp Dir: Fred Olen Ray, EUA, 1989 / 88 min.
22.33 h Película sorpresa (mejor dicho, peliculón!!)
00.03 h Holocausto Robot Dir: Tim Kincaid, EUA, 1986 / 79 min.
01.28 h Eliminator Dirs: Tim Ritter/Yale Wilson, EUA, 1986 / 90 min.
3.03 h Fin de semana de pesadilla Dirs.: Henri Sala, EUA-Anglaterra-França, 1986 / 85 min.
Y para cerrar, cortesía de su organizador, la película castigo:
4,30 h Sortilegios Dir: Fabrice A. Zaphiratos, EUA, 1983 / 85 min.

Más información sobre los cortometrajes, sinopsis, precios, lugar etc. entrar a la web oficial