31/1/12

Spooky Cinema 13

El día 14 de febrero es el día de los enamorados, más conocido como San Valentín. Y al igual que algunas películas de terror, dedican su argumento a la Navidad. Éste día tan celebrado por los enamorados, también tiene su rinconcito en el mundo del cine de terror.

La Oscura Ceremonia rinde 'homenaje' a esa celebración, con un San Valentín de muerte, con sus proyecciones habituales que traen por título Spooky Cinema, y que ya va por la decimotercera edición.


Las películas serán (como no) San Valentín Sangriento, 1981 (My Bloody Valentine). Y de la que ya se hizo un remake en 2009 y en 3D.
La original la dirige George Mihalka y trata sobre los habitantes de una pequeña localidad minera deciden celebrar el día de San Valentín por primera vez en 20 años. Se dejaron de organizar festejos porque en esa fecha, dos décadas atrás, se produjo un accidente en la mina, debido a que los responsables de la seguridad de la misma se encontraban en la fiesta. El único minero superviviente mató a los culpables y advirtió a la ciudad de que nunca se volviera a celebrar San Valentín...

Seguiremos en la brecha (y no me refiero a la que pueda hacer Cupido) con Los asesinos de la luna de miel, 1970 (The Honeymoon Killers ) del director Leonard Kastle.

Basada en un hecho real acaecido en los años cincuenta, la película relata la sangrienta trayectoria criminal de una pareja, Martha y Ray, que se conoció a través de una agencia matrimonial. Su objetivo son mujeres solteras o viudas solventes a las que Ray corteja para deshacerse de ellas posteriormente.

La proyección será el Domingo 12 de febrero de este año, se entiende, a las 17h. Entrada gratuita.
¿Dónde? en ESPAI JOVE LA FONTANA . C/ Gran de Gracia 190, Metro L3 La Fontana.
Barcelona.

También habrá cortos, trailers, videos relacionados con san Valentín y un cupido terrorífico.
Stands, golosinas terroríficas de regalo y muchas sorpresas mas...

29/1/12

Proyección Hellraiser Revelations

Franquicias cinematográficas, han habido y siempre habrán. Pesadilla en Elm Street, Viernes 13, Halloween y más actualmente Saw o Destino Final.

Hellraiser es una de ellas, nada menos que con ocho entregas. Recientemente para variar, se planeaba un remake de la primera entrega, que es la única que un servidor ha visto. Por temas de conservar derechos se hablaba de realizar una versión más anódina (supongo que será ésta), digo esto basándome en opiniones mayormente desfavorables sobre ella, yo no la he visto, pronto saldremos de dudas. El Buque Maldito aprovechando que su director Victor García es de aquí, presenta el SÁBADO 11 DE FEBRERO 2012 a las 18h. la proyección de la película "Hellraiser: Revelations" con la presencia del director.

"Hellraiser: Revelations" es la novena entrega de la mítica saga Hellraiser creada por el director Clive Barker.
Por primera vez, un film de dicha franquicia, ha sido dirigido por un realizador estatal, el catalán Víctor García que estará con nosotros para hablarnos del título programado y de su trabajo en EE.UU. al frente de películas como "Return to house on haunted hill" (2007) o "Reflejos 2" (2010).





Entrada gratuita.

Centro Garcilaso
C/. Garcilaso, nº103
Barcelona
Sagrera L1-L5

Millenium: Los Hombres que no Amaban a las Mujeres


TÍTULO ORIGINAL: The Girl with the Dragon Tattoo
AÑO: 2011
DURACIÓN: 158 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: David Fincher
GUIÓN: Steven Zaillian (Novela: Stieg Larsson)
MÚSICA: Trent Reznor, Atticus Ross
FOTOGRAFÍA: Jeff Cronenweth
REPARTO: Daniel Craig, Rooney Mara, Christopher Plummer, Stellan Skarsgård, Robin Wright Penn, Steven Berkoff, Yorick van Wageningen, Goran Visnjic, Geraldine James, Joely Richardson, Embeth Davidtz, Alan Dale, Inga Landgré, Mats Andersson, Eva Fritjofson, Donald Sumter, Elodie Yung, Ulf Friberg, Julian Sands
PRODUCTORA: Columbia Pictures / Scott Rudin Productions / Yellow Bird Films

Esperando poder distanciarse de la acusación de difamación que pesa sobre él, el periodista Mikael Blomkvist se traslada a una isla remota en el norte de Suecia donde la muerte aún no resuelta de una joven atormenta a su tío cuarenta años después. Alojado en una cabaña de la isla donde el asesino puede estar aún rondando, la investigación de Blomkvist le lleva a dibujar los secretos y mentiras de esta poderosa y rica familia junto a una rara aliada, la tatuada y hacker punki, Lisbeth Salander...

Además de encontrar totalmente innecesaria ésta nueva versión cinematográfica basada en el best seller de Stieg Larsson, que conforma una trilogía y recientemente ya se ha llevado en su totalidad a la gran pantalla.
Eso hace que muy a pesar de las buenas críticas mi desinterés por ésta nueva versión, fuera total, aún teniendo detrás a un director solvente como es David Fincher. Finalmente un escueto comentario, que afirmaba mucha más violencia que en la original, ha conseguido lo que no ha hecho cualquiera de las mejores extensas críticas, he decidido ir a verla.

No ha sido mucho más explicita que la anterior, aunque un poco sí. Igualmente me quito el sombrero, y ojala no hubiera visto nunca la versión sueca, ya que el factor sorpresa que contiene la historia se ha perdido, es más, se podrían haber ahorrado la versión sueca.
La línea argumental es calcada, pero ésta la encuentro mucho mejor narrada y mejor montada, mucho más dinámica, y solamente siendo superada en algo más de diez minutos en duración, respecto a la sueca, algo extraño siendo europea la original y estadounidense la nueva, y que habitualmente suele ser al revés.

La complejidad de la historia es la misma que en la versión sueca, muchos personajes y quizás demasiadas historias paralelas con un intrincado esquema, que requiere estar bastante atento, aunque eso es lo interesante de esta película y lo que la diferencia de muchos otros thrillers.
Referente a la fidelidad de la novela no puedo dar opinión, ya que no la he leído, ni creo que lo haga, dado que mi afición a lectura es prácticamente nula. Eso sí, he leído opiniones que afirman ser mucho más fiel a la novela la que aquí nos ocupa, que no la versión sueca. Yo argumentalmente no noto una gran diferencia, imagino que debe ser por pequeños detalles o evolución de algunos personajes.


Las interpretaciones están realmente logradas. Comparar creo que es algo trivial, puesto que se ‘mueven’ en otro registro. Hablando de Lisbeth Salander, teníamos a Noomi Rapace en la versión sueca y cierto que lo hacía muy bien, pero se me ha hecho más creíble la interpretación de Rooney Mara, por su demacrado aspecto y su puesta en escena mucho más ‘dejada’. Noomi resultaba demasiado bella para el papel que interpretaba. Aunque como he dicho comparar es algo inútil, cada una lo hace a su manera. Y en el caso de Daniel Craig en el papel de Mikael Blomvkist, se aprecia mucho más la degradación del personaje, apenas se afeita, las ojeras y demacrado rostro hacen mella en él. En la sueca Michael Nyqvist, no se le veía tan absorbido por la investigación, ni moral ni físicamente.
El resto de personajes son meros peones, incluso Erika Berger la socia y abogada  de la revista Millenium interpretada por Robin Wright, cobra aquí tanto protagonismo como en la versión sueca, cosa que se agradece, ya habrá tiempo para ello en las posteriores entregas. La familia en cuestión están todos en su lugar, pero solo se van moviendo según lo requiere la historia, no destacan demasiado, lógico, son los sospechosos, hay que desviar la atención. Realizado a propósito para centrar mucho más la atención del espectador en Mara y Craig que al fin y al cabo son los protagonistas absolutos, tanto en ésta como lo deberían haber sido en la sueca.


El guión es mucho más sólido y aunque tiene que abordar tres hilos argumentales, el montaje se hace más dinámico que en la versión sueca, lo entrelaza mucho mejor y no deja tantos cabos sueltos, que en la sueca se ataban en los últimos minutos.
La banda sonora es bastante arrítmica, muchas veces son sonidos ambientales los que adornan la escena en cuestión. Ahora bien el tema inicial, junto a unos créditos dignos de una película de 007 y enfundados en el traje de Venom (el de Spiderman), ponen la piel de punta. Anuncian una película controvertida y poco fácil de digerir, refiriéndonos a las escenas de abuso sexual, claro.

Ahora solo falta ver si la continuaran, puesto que no está teniendo el éxito que esperaban. Y en caso de hacerlo a ver si Fincher se pone detrás de las cámaras, además de mejorar la segunda que me parece el altibajo de la trilogía sueca. En la versión sueca las secuelas fueron dirigidas por Daniel Alfredson, en lugar de Niels Arden Opley que dirigió la primera. Esperemos que no nos dejen con la miel en los labios y que sea Fincher el que complete la re-trilogía.


25/1/12

4ª edición de Cine de Alcantarilla

Este próximo viernes 28 de enero se celebra en Murcia la cuarta edición de Cine de Alcantarilla, y como su nombre bien indica, es un festival que recoge cortometrajes de la escena 'underground'.


Este año los cortometrajes proyectados serán los siguientes:

8 (Raúl Cerezo, España)
108.1 FM radio (Angelo y Giuseppe Capasso, Italia)
Alastor (Rafa Dengrá, España)
All that glitters (Owen Tooth, Gran Bretaña)
CTIN! (Cyrille Drevon, Francia)
Decapoda Shock (Javier Chillón, España)
Metal creepers (Adrián Cardona y J. Oskura Nájera, España)
Teufelsnacht/ Night of the devil (Wolfgang Böhm y Florian Puchert, Alemania)
Time’s up, Eve (Patrick Rea, EEUU)
Two horrifying tales to be scared on Halloween (Philippe Toupin y Charlotte Beaudoin, Canadá)
Uroboros (Mario Escudero Hern, España)

Se contará con la presencia de Nacho Cerda, 'promotor' de las dobles sesiones bajo el nombre de Phenomena y realizador de Aftermath, pieza convertida de culto entre los fans del terror. También estará Dani Moreno cortometrajista (Martians Go Home, Amazing Mask) y fanzinante de la escena Barcelonesa.

Para más información dirigirse a su web oficial.

24/1/12

The Mechanic


TÍTULO ORIGINAL: The Mechanic
AÑO: 2011
DURACIÓN: 92 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Simon West
GUIÓN: Richard Wenk, Lewis John Carlino
MÚSICA: Mark Isham
FOTOGRAFÍA: Eric Schmidt
REPARTO: Jason Statham, Ben Foster, Donald Sutherland, Tony Goldwyn, Mini Anden, Christa Campbell
PRODUCTORA: Millennium Films / Nu Image Entertainment GmbH

Arthur Bishop (Jason Statham) es un asesino profesional de élite, con un estricto código y un talento único para eliminar limpiamente a sus víctimas. La muerte de su amigo y mentor Harry (Donald Sutherland) le obligará a replantearse sus métodos, sobre todo cuando Steve (Ben Foster), el hijo de Harry, le pida ayuda para saciar su sed de venganza. Bishop empieza a entrenar a Steve y a enseñarle sus letales técnicas, pero las mentiras y los engaños amenazan con convertir esta alianza en el mayor de sus errores.

Simon West director de la chiflante Con Air, la correcta Cuando Llama un Extraño o la interesante La Hija del General entre otras, y que actualmente se encuentra inmerso bajo la dirección de Los Mercenarios 2. Nos deleitó el año pasado con esta cinta de acción rabiosa pero sin grandes epopeyas visuales. El cine de acción que más me gusta y que cada día se hace menos, en pro de grandes desproporciones visuales, a cual más absurda parece ser que tiene que ser mejor, y no siempre lo es.

La dejé escapar en taquilla y ahora me arrepiento, pues me lo he pasado en grande. Quizás sea por que no esperaba demasiado de ella. Pero lo cierto es que muestra al Statham que más me gusta, el metódico, dinámico y planificado, muy similar al de Transporter. De hecho la cinta aun siendo americana, tiene cierta esencia de cine europeo, la podría haber firmado el mismísimo Luc Besson de Leon, El Profesional.

Lo que desconocía, además del director, hasta realizar esta crítica es que la cinta es un remake de 1972 con el mismo titulo, The Mechanic, protagonizado por Charles Bronson y aquí renombrado Fríamente…sin motivos personales. Es evidente que si desconocía este dato, no he visto la original. Aunque salvo la línea argumental, me temo que poco tendrán que ver entre si.
Es una cinta de acción por lo tanto tiene cosas que no son creíbles, pero guardando la compostura dentro de ciertos limites, no como en el cine de el actual Michael Bay o Timur Bekmambetov en películas como Wanted.



The Mechanic tiene un sello muy propio de la década de los 90, la cual para mí fueron diez años realmente gloriosos para el cine de acción. Ello no significa que ahora no se hagan buenas cintas.
Pero lo más importante es que no olvida el hilo narrativo, algo que sucede mucho en el cine de acción actual. Una historia de ‘espías’ que no esconde nada, tampoco lo intenta, pero que mantiene sobradamente nuestro interés.
El apartado actoral es excelente, la química que se crea entre Jason Statham y Ben Foster que lo vimos en el remake de El Tren de las 3:10, es genial. Contamos con el gran Donald Sutherland, pero se puede contar como un cameo, pues su tiempo en escena es relativamente corto.
Statham es cierto que tiene un rol fijo como es el caso de Van Damme, pero lo considero un buen actor en su campo, aunque no siempre se le saca el jugo, como en Crank que es demasiado desmesurado e incontrolado. Claro, que como he dicho a mí me gusta cuando el rol, aunque siempre sea el mismo, se asemeja al de Transporter, y aquí lo hace.


Mark Isham que ha orquestado Le Llamaban Bodhi, pasando por el remake de The Crazies e incluso La Niebla de Frank Darabont. Crea un score sin demasiadas alabanzas pero que se ajusta a cada momento de la película. Desde el momento de más acción, el de suspense, hasta el más ‘trágico’ o momento de venganza.
Una notable película que me recuerda, que a veces hay que arriesgar en los visionados, aunque a priori no parezcan muy interesantes.

22/1/12

El año pasado en Marienbad

Título original: L'annèe dernière à Marienbad
Año: 1961
Duración: 91 min.
País:  Francia
Director: Alain Resnais
Guión: Alain Robbe-Grillet
Música: Francis Seyrig
Fotografía: Sacha Vierny
Reparto: Delphine Seyrig, Giorgio Albertazzi, Sacha Pitoeff, Françoise Bertin, Luce Garcia-Ville, Pierre Barbaud
Productora: Coproducción Francia-Italia

En un barroco hotel, un hombre intenta persuadir a una mujer casada, de que abandone a su marido y se fugue con él. Se basa en una promesa que ella le hizo cuando se conocieron el año anterior, en Marienbad, pero la mujer parece no recordar aquel encuentro.



Con esa escueta sinopsis se puede resumir el argumento de El año pasado en Marienbad, pero resulta que la película no trata de eso, de hecho la película no se sustenta sobre su argumento, solo sería un referente sobre el que se construye, quizás, la película que puede resultar más enigmática de la historia del cine. Resulta enigmática sobre todo por el fascinante juego que presenta, puede que sea una de las películas más activas para quienes se adentren en sus entrañas.


Es una película que crea miles de interpretaciones, depende de quien la vea y el momento en que la vea la experiencia puede ser distinta, siempre se pueden descubrir nuevas cosas. Se podría decir que El año pasado en Marienbad es la película perfecta, porque puede tratar sobre lo que quieras, aunque en mi opinión, la película trata sobre la incertidumbre. De todos modos, que trate sobre la incertidumbre es tan incierto como cualquier interpretación sobre la película, así que, lo mejor es dejar los prejuicios a un lado, cualquier tipo de influencia, opinión y expectativa... respirar hondo, ver la película y dejarse llevar.


Lo cierto es que no resulta una película convencional, tiene más de cincuenta años, pero sigue siendo tan moderna que resulta difícil de abarcar. En su momento estuvo adelantada a su tiempo, pero es como si aún estuviera adelantada al tiempo, pero... ¿Qué es el tiempo? Ahí es donde El año pasado en Marienbad plantea el juego, la percepción del tiempo cuando se mezcla con nuestros recuerdos, a la vez que estos se mezclan con nuestra imaginación. De forma constante, ya sea durante o tras el visionado, es inevitable pensar en algún tipo de lógica o interpretación, pero sólo porque necesitamos agarrarnos a un argumento; la clave de la película son las sensaciones que suscita. Al no resultar una película convencional se convierte en una película difícil de recomendar, pero a la vez, es una película extremadamente recomendable. Dicen que el cine es el séptimo arte, pero un arte muy joven que aún puede explorar muchos caminos y diferentes vías de expresión. En la actualidad el cine está asumido como si sólo existiera una forma de entenderlo, pero sólo es uno de los caminos por los que el cine se desarrolló; puede que nunca sepamos que más ofrecerá el cine, en caso de ser necesarios muchos años para que se desarrollen otros caminos, por desgracia, ya no estaremos físicamente para disfrutar de ello.


Durante El año pasado en Marienbad veremos que las cosas no son como parecen ser, al igual que en la vida, las cosas terminan siendo como se recuerdan. Si lo que recordamos queda influido por nuestra incontrolada imaginación, el pasado será variable y los recuerdos un nuevo presente que desconocemos. Para la realización de esta película, se dice que el director Alain Resnais siguió al pie de la letra el guión escrito por Alain Robbe-Grillet, pero el guionista indicó que la conversión a imágenes y sonidos es algo totalmente propio de Resnais. Cuando se terminó la película, los productores no querían estrenarla, pues pensaron que sería un fracaso económico y que resultaba una burla hacía el posible público, aunque yo creo que eso es subestimar al público. Durante los seis meses que la película permaneció inédita se pensó que nunca se estrenaría, así que, Alain Robbe-Grillet y Alain Resnais realizaron exhibiciones privadas para directores, filósofos y escritores buscando apoyo. De ese modo consiguieron presentar la película en el festival cinematográfico de Venecia, donde fue galardonada con el León de Oro. A partir de ahí los productores pensaron que quizás si podría resultar rentable y la película se llegó a estrenar en los cines comerciales.


"...una vez más recorro estos pasillos, a través de estos salones, estas galerí­as, en este edificio de otro siglo, inmenso, lujoso, barroco, lúgubre, donde pasillos interminables suceden a otros pasillos silenciosos, desiertos, sobrecargados de un decorado sombrí­o y frí­o... "

21/1/12

Appaloosa


TÍTULO ORIGINAL: Appaloosa
AÑO: 2008
DURACIÓN: 107 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Ed Harris
GUIÓN: Ed Harris, Robert Knott (Novela: Robert B. Parker)
MÚSICA: Jeff Beal
FOTOGRAFÍA: Dean Semler
REPARTO: Viggo Mortensen, Ed Harris, Renée Zellweger, Jeremy Irons, Timothy Spall, Ariadna Gil, James Gammon, Cerris Morgan-Moyer, Tom Bower
PRODUCTORA: Warner Bros. Pictures / New Line Cinema / Groundswell Productions
WEB OFICIAL: http://welcometoappaloosa.warnerbros.com/

En 1882, dos amigos, el sheriff Virgil Cole (Ed Harris) y su socio Everett Hitch (Viggo Mortensen), reciben el encargo de proteger y pacificar una ciudad sin ley, que está dominada por un despiadado y poderoso ranchero, Randall Bragg (Jeremy Irons). La llegada de Allison French (Zellwegwe), una atractiva viuda, amenaza con destruir la larga amistad entre los dos amigos.

Hace tiempo que el Western murió como género, de tanto en tanto y con cuenta gotas, aparecen películas con esa estética y la reminiscencia de sus características. Tan solo en contadas ocasiones aparece la película que si se puede incluir dentro del difunto género. Appaloosa es una película que lo consigue, destaca sobre otras y dispone de su propia identidad. Es la segunda película de Ed Harris como director, en la que también interpreta uno de los papeles protagonistas y participa en el desarrollo del guión. La verdad es que el resultado es muy bueno, Appaloosa está bien hilvanada, no contiene sorpresas y todo está pensado en su justa medida.


Hay muchos aspectos positivos en está película, pero creo que su mayor acierto está en alejarse de lo grandilocuente y las pretensiones. Es una película cuidada en muchos aspectos, incluso puede que demasiado, han cuidado muchos detalles, han caracterizado muy bien a los personajes y creo que Renée Zellweger es el error. El tono de la película está muy bien construido, los personajes están trabajados y las actuaciones son contenidas, al servicio de sus personajes y de la película. Hay buenos actores, muy carismáticos, pero en esta película no realizan interpretaciones sobresalientes, nadie destaca por encima de nadie por ese motivo, todos lo hacen bien. Ahí es donde entra el conflicto, dentro del contexto todo tiene como un aura de suciedad, los actores por muy guapos o atractivos que puedan ser, están caracterizados acorde con dicho contexto y época. Entonces tenemos a Renée Zellweger interpretando un personaje con ciertas características, se puede decir que ella resulta lo peor de la película, pero sin embargo, su cara, su interpretación, su caracterización... encaja con la tonalidad de la película, dentro del contexto está bien elegida y es lo que requiere ese personaje. Es curioso, pero la elección es correcta, pero puede que lo sea tanto que sobre pasa lo que esperamos y cruza la línea, dando como resultado una mancha en el conjunto final de la película.


La principal atracción de la película es la construcción del dúo protagonista, es una especie de Dos hombres y un destino pero apuntando hacía otra dirección. Viggo Mortensen lo hace muy bien, Ed Harris está genial, actuaciones contenidas pero tan efectistas como se espera por el tipo de personajes que interpretan. En algunos momentos Ed Harris está encuadrado de tal forma que nos hará pensar en Clint Eastwood, pero no hay ningún tipo de comparación ni para bien ni para mal, aunque sea inevitable pensar en ello. Como director consigue plasmar un estilo muy marcado, con referencias sutiles de otras películas, incluso en algunos momentos utiliza una pequeña aura de Spaghetti Western que le sienta genial al conjunto final. Jeremy Irons también está muy bien elegido, puede que incluso desaprovechado para lo que puede ofrecer, pero no es algo malo, pues lo que tiene que hacer lo hace bien. Una pequeña curiosidad es la aparición de Ariadna Gil, es un pequeño papel, pero a raíz de coincidir con Viggo Mortensen en el rodaje de Alatriste fue elegida por Ed Harris, según él, por la buena combinación profesional entre ambos.


La banda sonora compuesta por Jeff Beal no es la más excepcional, pero está muy bien, puede que haya quien no le guste nada, pero en general, la banda sonora tiene un carisma extraño; está acorde con la película, llena de épica contenida. Al resto de aspectos les ocurre lo mismo, no hay destellos de grandeza, todo está bien hecho para construir un tono, para transmitir unas sensaciones, pero sin esperar aplausos por ello, se podría hablar de modestia. Puede que la película mereciera más puntuación, quizás el paso del tiempo se la proporcione. Toda la épica y profundidad emocional de los grandes Westerns, están diluidas y disipadas en la gran mayoría de los actuales intentos por recrear el difunto género, pero Appaloosa consigue aprender de ello y utilizarlo a su favor. La película también dispone de varios momentos cómicos, no para provocar una carcajada, pero si una pequeña sonrisa; tampoco no hay un dramatismo extremo, ni una épica desmesurada. Todo es un cúmulo de elementos mezclados de una forma muy sensata, sin salidas de tono. Puede parecer que a la película le falte algo, pero no hay que pensar de ese modo, tiene lo justo para lo que pretende, como indico al principio, no hay ninguna pretensión... pero el resultado es muy bueno.

17/1/12

La piel que habito



TÍTULO ORIGINAL: La piel que habito
AÑO: 2011
DURACIÓN: 117 min.
PAÍS: España
DIRECTOR: Pedro Almodóvar
GUIÓN: Pedro Almodóvar (Novela: Thierry Jonquet)
MÚSICA: Alberto Iglesias
FOTOGRAFÍA: José Luis Alcaine
REPARTO: Antonio Banderas, Elena Anaya, Marisa Paredes, Jan Cornet, Blanca Suárez, Bárbara Lennie, Eduard Fernández, Roberto Álamo, José Luis Gómez, Fernando Cayo, Susi Sánchez
PRODUCTORA: El Deseo S.A.
WEB OFICIAL: http://www.lapielquehabito.com/
PREMIOS 2011: Premios Goya: 16 nominaciones, incluyendo Mejor película y director
2011: Globos de Oro: Nominada a mejor película de habla no inglesa
2011: Festival de Cannes: Premio de la Juventud. Nominada a la Palma de Oro
2011: Premios del Cine Europeo: 2 nominaciones, mejor bso y diseño de producción
2011: Premios de la Crítica de Washington (WAFCA): Mejor película extranjera
2011: Critics Choice Awards: Nominada a Mejor película extranjera

Desde que su mujer sufrió quemaduras en todo el cuerpo a raíz de un accidente de coche, el doctor Robert Ledgard, eminente cirujano plástico, ha dedicado años de estudio y experimentación a la elaboración de una nueva piel artificial con la que hubiera podido salvarla. Para poner en práctica este hallazgo revolucionario es preciso carecer de escrúpulos, y Ledgard no los tiene.

La piel que habito es una de esas películas que pueden contener lo mejor y lo peor en sus entrañas, es cierto que estuvo apoyada por una gran campaña de marketing y eso resulta un arma de doble filo. Pedro Almodóvar no es un realizador que sea santo de mi devoción, pero tiene virtudes y saber hacer, lo cierto es que gracias a él se cosechó una mayor difusión mundial del cine español . Se puede decir que esta película es muy personal y fácil que consiga división de opiniones.


Creo que la publicidad que se utilizó para promocionar la película estaba muy bien pensada, te gustara o no el cine de Almodóvar, daban ganas de ver la película. Se exageró mucho en que este proyecto es un cambio de registro en la carrera del director y la visión del cine de terror a través de su mirada. La verdad, creo que la película sigue desarrollando temas en común con el resto de sus películas, incluso se podría hablar de un empaque o tipo de puesta en escena similar, lo que la diferencia son las pequeñas pinceladas de thriller con una cercanía a lo que se podría definir como terror psicológico. Pero la película dispone de más carga dramática que otra cosa, algún pequeño desahogo en forma de gag cómico y una sutil utilización del suspense, que no me queda claro si su insuficiente desarrollo es intencionado para nunca llegar a serlo.


La piel que habito es la adaptación de la novela Tarántula del escritor Thierry Jonquet, cuyo argumento varía respecto a la interpretación de Almodóvar, aunque mantienen los principales personajes y algunas de sus motivaciones. La trama que confecciona La piel que habito es rebuscada, no termina de ser original pero si lo suficiente diferencial para destacar, lo mejor de todo es que no se pretende buscar el golpe de efecto en el típico giro argumental, ni sorprender a nadie. Desde el principio se trabaja de forma visual lo que sería la vuelta de tuerca, de ese modo el subconsciente sabe cual será y lo que se desarrolla en la película no es el contenido, sino la forma. Puede que incluso sea demasiado obvio, pero repito que la película no se sostiene sobre el golpe de efecto, escapa de esos estereotipos y se adentra en otros terrenos. Ahí es donde creo que se entremezclan grandes aciertos cinematográficos con soluciones que no me han gustado nada.


Seguro que Almodóvar tomó determinadas decisiones con un sentido, aunque las virtudes de está película chocan de frente con algunos recursos espantosos; como el mostrar en inserto de imágenes aquello que están contando por dialogo, como por ejemplo, la maravillosa secuencia en la que Marisa Paredes mantiene una conversación con Elena Anaya junto al fuego, muy bien elaborada aunque para mi gusto mancillada con los insertos mencionados. Las actuaciones también son un punto y aparte, algunas están muy bien, otras no son convincentes. Está la posibilidad de que las actuaciones que no están tan bien, en conjunto con algunas situaciones que provocan un resultado postizo, sean premeditadas para representar lo falso, lo artificial y la superficialidad, temas que se tratan en la película. Pero también es posible que eso sea lo que hay y se trate de un error en la película, en todo caso quien lo debe saber es Pedro Almodóvar.


Hay un gran trabajo en los planos, muchos están muy cuidados, guardan una coherencia y crean resonancias con otros. Pero lo que consigue esa ambientación desconcertante y de aura oscura, es la fotografía de José Luis Alcaine y la banda sonora de Alberto Iglesias, una buena combinación que roza lo estridente pero se mantiene siempre dentro de la sutileza. Los personajes principales están bien desarrollados e interpretados, el problema se puede presentar en los secundarios, que sin ser innecesarios, su aportación al argumento es pequeña, necesaria pero no contundente. Luego están esos desvaríos tonales, aunque se pueda justificar ese tono de excentricidad visual, hay algunos momentos que siguen resultando algo estúpidos, por suerte, contenidos. Hay un gran trabajo de arte con muy buenas ideas, así como de localización, con claras diferencias entre espacios que consiguen transmitir el efecto que pretenden. Como he comentado, la película contiene muy buenos propósitos, en cambio dispone de otros que rebajan el resultado final. Cada persona opinará de forma distinta, pero en mi humilde opinión, hacen que la película no consiga el suficiente nivel. De todos modos, no se puede negar que su resultado es pintoresco, provocador, de un cineasta que dentro de ciertos límites, hace lo que quiere.

16/1/12

Black Death


TÍTULO ORIGINAL: Black Death
AÑO: 2010
DURACIÓN: 102 min.
PAÍS: Sección visual
DIRECTOR: Christopher Smith
GUIÓN: Dario Poloni
MÚSICA: Christian Henson
FOTOGRAFÍA: Sebastian Edschmid
REPARTO: Sean Bean, Kimberley Nixon, Eddie Redmayne, Carice van Houten, David Warner, Andy Nyman, Tim McInnerny, John Lynch, Johnny Harris, Tygo Gernandt, David Masterson, Marianne Graffam
PRODUCTORA Coproducción Reino Unido-Alemania; Egoli Tossell Film

A mediados del siglo XIV, Inglaterra se ve asolada por la terrible Peste Negra. En un mundo apocalíptico, dominado por las supersticiones, el joven monje Osmund recibe el encargo de conducir a Ulric, un temible caballero, y a su grupo de mercenarios a un pueblo próximo a un pantano, en el que, según los rumores, los muertos vuelven a la vida.

El director de aquel simpático slasher titulado Creep y la disparatada comedia de terror Desmembrados, después del fiasco que para un servidor supuso Triangle; volvió con esta aventura medieval en el 2010. Estrenada en el Festival de Sitges se me pasó visionarla y me ha ido quedando en el tintero hasta hoy. Smith nos presenta una alegoría medieval de cuidada y buena estética, pero de la que se podría haber extraído mucho mas jugo a su historia.
De esta parte su mensaje final es lo más interesante, aunque oscilante durante toda la película, su posición es firme en su desenlace. No me refiero a la opinión de las creencias u opiniones que tienen los personajes, que si quedan claras cuales son, sino al mensaje que nos queda a nosotros, los espectadores. Que hasta su desenlace no vemos muy clara su posición, y que finalmente se ‘declara’ en contra de la religión. Al menos esa ha sido mi interpretación.

Alguna de las batallas ocultan un poco las justas coreografías de los personajes con el movimiento oscilante de la cámara, es cierto que no es un pecado y no es la única película que usa este recurso; pero resulta curioso que con lo cuidada que ha sido toda la recreación de escenarios, vestimenta, maquillaje etc.…no se haya medido un poco más ese aspecto. Aunque no es una película de grandes batallas, de hecho solo hay un par, el nivel de violencia no es grandioso aunque también cumple bien, con unos buenos efectos especiales, de sangre real, no digital.


El apartado actoral cumple bastante bien, la apariencia y el rol de cada miembro, aunque se encuentra por debajo de Sean Bean completan bien el grupo. Bean es la voz cantante, lastima que la similitud visual con Boromir nos recuerde constantemente a su rol de Capitán de Gondor en El Señor de los Anillos.

La pieza ha sido orquestada por Christian Henson, un viejo conocido del director, que ya orquestó Triangle y Desmembrados. No destacan piezas importantes que perduren en nuestras mentes, como pueden ser las melodías realizadas para otras películas medievales, como podrían ser Braveheart o El Señor de los Anillos, pero ambientan bien la época y el toque oscuro que tiene la película.

La historia no está mal construida aunque si que se echa en falta un poco más de profundidad, lo cual no significa que perdamos el interés en lo que va a suceder en la siguiente escena, pero si algo se le puede reprochar a la cinta, es la 'consistencia' argumental. Luego tiene un giro, que no se llega a ver antes, al menos yo no, pero no resulta especialmente sorpresivo.


En fin, la película está bien realizada, hay una buena elaboración en todo lo visual, pero no tiene una historia que podamos analizar meticulosamente, el principal motivo de ello, es que se le pueden sacar demasiadas pegas viniendose abajo todo el conjunto, algo injusto teniendo en cuenta las buenas intenciones y pocas pretensiones. El entretenido rato y la posición en su mensaje final en contra del cristianismo, bien merece sus tres estrellas. Una película para ver sin exigirle demasiado.



12/1/12

Candidaturas de la 26ª edición de los premios Goya


El 19 de Febrero se celebrará la edición de los premios Goya 2012 contando con la siguiente lista de candidaturas

MEJOR PELÍCULA
Blackthorn
No habrá paz para los malvados
La piel que habito
La voz dormida

MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN
Arrugas
Cartago Nova
Papá soy una zombi
The little wisher

MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL
30 años de oscuridad
El cuaderno de barro
Escuchando al juez Garzón
Morente

MEJOR PELÍCULA EUROPEA
Jane Eyre
Melancolía
The Artist
Un dios salvaje

MEJOR PELÍCULA IBEROAMERICANA
Boleto al paraíso
Miss bala
Un cuento chino
Violeta se fue a los cielos

MEJOR CORTOMETRAJE DE FICCIÓN ESPAÑOL
El barco pirata
El premio
Matar a un niño
Meine Liebe

MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL ESPAÑOL
Alma
Nuevos tiempos
Regreso a Viridiana
Virgen negra
MEJOR CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN ESPAÑOL
Birdboy
Ella
Quién aguanta más
Rosa

MEJOR DIRECTOR
Mateo Gil (Blackthorn)
Pedro Almodóvar (La piel que habito)
Benito Zambrano (La voz dormida)
Enrique Urbizu (No habrá paz para los malvados)

MEJOR DIRECTOR NOVEL
Paula Ortiz (De tu ventana a la mía)
Kike Maíllo (Eva)
Paco Arango (Maktub)
Eduardo Chapero Jackson (Verbo)

MEJOR GUIÓN ORIGINAL
Blackthorn
Eva
No habrá paz para los malvados
Midnight in Paris

MEJOR GUIÓN ADAPTADO
Arrugas
Katmandú
La piel que habito
La voz dormida

MEJOR ACTOR PROTAGONISTA
José Coronado (No habrá paz para los malvados) Antonio Banderas (La piel que habito)
Daniel Brühl (Eva)
Luis Tosar (Mientras duermes)

MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA
Elena Anaya (La piel que habito)
Verónica Echegui (Katmandú)
Salma Hayek (La chispa de la vida)
Inma Cuesta (La voz dormida)

MEJOR ACTOR DE REPARTO
Juan Diego (23-F La película)
Lluís Homar (Eva)
Juanjo Artero (No habrá paz para los malvados)
Raúl Arévalo (Primos)

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO
Maribel Verdú (De tu ventana a la mía)
Pilar López de Ayala (Medianeras)
Ana Wagener (La voz dormida)
Goya Toledo (Maktub)

ACTOR REVELACIÓN 
Jose Mota (La chispa de la vida)
Marc Clotet (La voz dormida)
Adrián Lastra (Primos)
Jan Cornet (La piel que habito)

ACTRIZ REVELACIÓN
María León (La voz dormida)
Blanca Suárez (La piel que habito)
Michelle Jenner (No tengas miedo)
Alba García (Verbo)

MEJOR MONTAJE
Blackthorn
Eva
La piel que habito
No habrá paz para los malvados

MEJOR MÚSICA ORIGINAL
Blackthorn
Eva
La piel que habito
No habrá paz para los malvados

MEJOR CANCIÓN ORIGINAL
De tu ventana a la mía
La voz dormida
Maktub
Verbo

MEJOR SONIDO
Blackthorn
Eva
La piel que habito
No habrá paz para los malvados

MEJOR DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA
Blackthorn
Eva
La piel que habito
No habrá paz para los malvados

MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA
Blackthorn
Eva
La piel que habito
No habrá paz para los malvados

MEJOR DIRECCIÓN DE PRODUCCIÓN
Blackthorn
Eva
La piel que habito
No habrá paz para los malvados

MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO
Blackthorn
La piel que habito
La voz dormida
No habrá paz para los malvados

MEJOR MAQUILLAJE Y/O PELUQUERÍA
Blackthorn
Eva
La piel que habito
No habrá paz para los malvados

MEJORES EFECTOS ESPECIALES
Eva
Intruders
La piel que habito
No habrá paz para los malvados

11/1/12

Metal Warriors en Valhalla Club de Rock

¿Te crees un tipo duro?¿te gusta vestirte con taparrabos y blandir espadas al aire al son de los riffs de los mismísimos Manowar?...pues esta es tu proyección. Que trae por título Metal Warriors, organizada por el blog Nekrofilmicos, reúnen lo 'mejor' de la espada y brujería, que si bien no ha gozado de tanta fama como los zombies, el slasher o las posesiones demoníacas, si que tuvo su momento de gloria en los años 80,  que a la sombra de las populares entregas de Conan protagonizadas por Arnold Schwarzenegger, salieron muchas películas 'similares' llegando incluso a catalogarse de género cinematográfico, entre comillas.


La proyección como casi siempre consta de dos películas. En primer lugar The Sword and The Sorcerer (dir: Albert Pyun, 1982), mejor conocida como Cromwell, el Rey de los Bárbaros. Y para los más guerreros sedientos de sangre, en segundo lugar tendremos a Ator, El Poderoso (dir: Joe D’Amato – Ator L’Invincibile, 1982). ¿Dónde?...en el lugar habitual, Valhalla Club de Rock en c/Tallers 68 (Barcelona) metro L1 universitat.


Para más información o posibles represalias por semejante puñalada que nos espera con ésta sesión, dirigíos a su Web.

9/1/12

Los amantes regulares



TÍTULO ORIGINAL: Les amants réguliers
AÑO: 2005
DURACIÓN: 178 min.
PAÍS: Francia
DIRECTOR: Philippe Garrel
GUIÓN: Philippe Garrel, Marc Cholodenko, Arlette Langmann
MÚSICA: Jean-Claude Vannier
FOTOGRAFÍA: Willy Lubtchansky (B&W)
REPARTO: Louis Garrel, Clotilde Hesme, Eric Rulliat, Julien Lucas, Nicolas Bridet, Mathieu Genet, Raïssa Mariotti, Caroline Deruas-Garrel, Rebecca Convenant, Marie Girardin, Maurice Garrel, Cecile Garcia Fogel, Marc Barbé, Nicolas Maury
PRODUCTORA: Maïa Films / Arte France Cinéma
PREMIOS 2005: Venecia: León de Plata: Mejor Director y Premio a la contribución técnica
PREMIOS 2006: Premios del Cine Europeo: Premio FIPRESCI

Paris, Mayo del 68. Una auténtica batalla se libra en las calles entre policía y manifestantes. Envuelto en humo y sonido de sirenas,  el joven François ve a Lilie, a la que conocerá un año después. Tras los disturbios queda una revolución perdida, como las esperanzas de un grupo de jóvenes por cambiar el sistema. El mundo que habían querido construir se irá desmoronando, poco a poco se van apagando y entran en una etapa de desencanto amortiguada por el opio.

Esta película es como si se hubiera quedado encerrada en una burbuja hermética al paso del tiempo, conservando la esencia de la época que refleja. Sin embargo, está realizada en el 2005 y consigue una especial sensibilidad a la hora de mostrar la revolución Francesa del 68, así como sus consecuencias. La cuestión es que tales hechos no están muy alejados de nuestra situación actual, la película habla de una situación vivida hace casi 50 años y no es descabellado pensar que la historia siempre se repite.


El contexto histórico de la película y como cuenta el después de la revolución a través de los jóvenes protagonistas, puede hacer pensar en Los soñadores de Bernardo Bertolucci del 2003, pero hay diferencias en la visión que ofrece cada una, excepto el protagonista, que en ambas películas es Louis Garrel, hijo del director Philippe Garrel. Al igual que está ocurriendo ahora, la crisis que declinó la revolución en Francia en 1968 estuvo precedida tras una década de prosperidad económica, luego con un gran crecimiento del desempleo y las grandes huelgas del sector obrero, llevó la situación hacía una confrontación civil iniciada por grupos de estudiantes en contra de una sociedad de consumo.


Mayo del 68 fue una revolución que fracasó como tal, pero transformó no solo la sociedad Francesa, de forma global inició una liberación de costumbres generacionales, disolución de autoritarismos cristianos en la enseñanza, reconocimiento en los derechos de la mujer, así como un cambio en las relaciones sociales y explosión en todos los campos del arte; en ese periodo es donde más se extiende Los amantes regulares. El paso del 68 al 69 es donde el grupo de jóvenes protagonistas dejan atrás las guerrillas callejeras, se adentran en la exploración del arte, el primer amor, el sexo libre y el consumo de opio entre otras sustancias; todo esto arrastrando una frustración que creará un abismo que los engullirá poco a poco.


Como expone todo esto Philippe Garrel en los tiempos que corren supuso todo un riesgo, un atrevimiento para la generación que nos toca vivir, donde cada vez más el consumo rápido y la impaciencia abruma todo pensamiento libre, así como la placentera degustación o aceptación de cualquier arte. La película está rodada en un blanco y negro que consigue transmitir la esencia de una época pasada. La utilización de las luces y los encuadres, planos largos, repeticiones, todo lo necesario para recrear el interior de unos jóvenes que buscan una alternativa personal. Es ahí donde la película se recrea, juega con la ausencia como elemento dramático y las elipsis a través del racord para potenciar sentimientos. La historia de amor que cuenta la película es muy intensa, la relación entre los personajes es muy conmovedora y las sensaciones que produce, muy dispersas.


Durante la primera parte de la película seremos espectadores de la revuelta del 68, veremos a los protagonistas presenciar una serie de hechos que más tarde repercuten en su vidas. El desarrollo que más parte ocupa en la película es otra revolución, la personal, una revolución que también hemos vivido, estamos viviendo o viviremos, la revolución de nuestras propias vidas. En ese momento es cuando parece suspenderse el tiempo y los protagonistas viven de un modo contemplativo, revolucionarios sin ideales, es el amor lo único que puede otorgar un sentido a una vida que se vacía poco a poco. La película muestra un drama interior que golpea de forma contundente hacia su público. Los amantes regulares no es una película fácil, está concebida con unas intenciones más allá de las comerciales y el simple entretenimiento, como se acostumbra en la gran mayoría de los casos. Es una película larga, pausada, sin ningún tipo de excentricidad, es una película hipnótica y para verla es bueno disponer de predisposición, olvidar el tiempo, las prisas, el estrés... el miedo.

6/1/12

Art Directors Guild Awards 2012



Las películas nominadas desde el apartado de dirección artística, así como la persona que se ocupó de la dirección de arte, que optan por la estatuilla dorada.

NOMINACIONES GREMIO DE DIRECCIÓN ARTISTICA AMERICANA 2012

PELÍCULA CONTEMPORÁNEA
Drive - Beth Mickle
La boda de mi mejor amiga - Jefferson Sage
Los descendientes - Jane Anne Stewart
Los hombres que no amaban a las mujeres - Donald Graham Burt
Tan fuerte, tan cerca - K.K. Barrett

PELÍCULA DE ÉPOCA
Anonymous - Sebastian Krawinkel
Criadas y señoras - Mark Ricker
El topo - Maria Djurkovic
La invención de Hugo - Dante Ferretti
The Artist - Laurence Bennett

PELÍCULA FANTÁSTICA
Harry Potter y las reliquias de la muerte: Parte 2 - Stuart Craig
Capitán América: El primer Vengador - Rick Heinrichs
Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio - TBD
Piratas del Caribe: en mareas misteriosas - John Myhre
Cowboys & Aliens - Scott Chambliss

Screen Actors Guild Awards 2012


Esta es la lista de las nominaciones dentro del apartado de interpretación para el 2012. Este año el premio honorífico será para la actriz de 74 años Mary Tyler Moore.


NOMINACIONES SCREEN ACTORS GUILD 2012

MEJOR ACTRIZ PRINCIPAL
Glenn Close por Albert Nobbs
Meryl Streep por La dama de hierro
Michelle Williams por My week with Marilyn
Tilda Swinton por We need to talk about Kevin
Viola Davis por Criadas y señoras


MEJOR ACTRIZ DE REPARTO
Bérénice Bejo por The Artist
Janet McTeer por Albert Nobbs
Jessica Chastain por Criadas y señoras
Melissa McCarthy por La boda de mi mejor amiga
Octavia Spencer por Criadas y señoras


MEJOR ACTOR PRINCIPAL
Brad Pitt por Moneyball
Demián Bichir por A Better Life
George Clooney por Los descendientes
Jean Dujardin por The Artist
Leonardo DiCaprio por J.Edgar

MEJOR ACTOR DE REPARTO
Armie Hammer por J. Edgar
Christopher Plummer por Beginners
Jonah Hill por Moneyball
Kenneth Branagh por My week with Marilyn
Nick Nolte por Warrior

MEJOR REPARTO 
Criadas y señoras
La boda de mi mejor amiga
Los descendientes
Midnight in Paris
The Artist

MEJORES ESPECIALISTAS
Cowboys & Aliens
Destino oculto
Harry Potter y las reliquias de la muerte: Parte 2
Transformers 3
X-Men: Primera Generación

PREMIO HONORÍFICO 
Mary Tyler Moore

5/1/12

Pingu The Thing

¿Recordáis aquella serie de animación, realizada en stop motion y protagonizada por una familia de pingüinos?. Pues a veces salen joyas como ésta. Para los que no lo reconozcáis....la película representada es la de La Cosa (segunda opinión aquí) de Jhon Carpenter, que fue un remake de El Enigma de otro Mundo y que recientemente se ha realizado un remake/precuela.



4/1/12

Producers Guild Awards 2012


NOMINACIONES GREMIO DE PRODUCCIONES AMERICANAS 2012

Poco a poco avanzamos hacia una nueva edición de la celebración de los premios Oscar, no es nada significativo pero no deja de ser un evento muy llamativo dentro del mundo del cine. De momento se han publicado la lista dentro del apartado de producción.

MEJOR PELÍCULA
Caballo de batalla
Criadas y señoras
La boda de mi mejor amiga
La invención de Hugo
Los descendientes
Los hombres que no amaban a las mujeres
Los idus de marzo
Midnight in Paris
Moneyball: Rompiendo las reglas
The Artist

MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL
Beats, Rhymes & Life: The travels of a tribe called quest
Bill Cunningham New York
Project Nim
Senna
The Union

MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN 
Cars 2
El gato con botas
Kung Fu Panda 2
Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio
Rango

2/1/12

Capitán América

TÍTULO ORIGINAL: Captain America: The First Avenger
AÑO: 2011
DURACIÓN: 125 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Joe Johnston
GUIÓN: Christopher Markus, Stephen McFeely (Cómic: Joe Simon, Jack Kirby)
MÚSICA: Alan Silvestri
FOTOGRAFÍA: Shelly Johnson
REPARTO: Chris Evans, Hugo Weaving, Hayley Atwell, Tommy Lee Jones, Sebastian Stan, Stanley Tucci, Toby Jones, Dominic Cooper, Neal McDonough, Richard Armitage, David Bradley, Kenneth Choi, Natalie Dormer, Derek Luke, JJ Feild, Bruno Ricci, Samuel L. Jackson
PRODUCTORA: Marvel Studios / Paramount Pictures

Nacido durante la Gran Depresión, Steve Rogers creció como un chico enclenque en una familia pobre. Horrorizado por las noticias que llegaban de Europa sobre los nazis, decidió enrolarse en el ejército; sin embargo, debido a su precaria salud, fue rechazado una y otra vez. Enternecido por sus súplicas, el General Chester Phillips le ofrece la oportunidad de tomar parte en un experimento especial. la "Operación Renacimiento". Después de administrarle el “Suero Super-Soldado” y bombardearlo con “vita-rayos”, el cuerpo de Steve se hace perfecto. Posteriormente, es sometido a un intensivo programa de entrenamiento físico y táctico. Tres meses después, recibe su primera misión como Capitán América. Armado con un escudo indestructible y su inteligencia para la batalla, el Capitán América emprende la guerra contra el mal.

Marvel siempre ha predominado en número de adaptaciones a la gran pantalla, en cuanto a personajes de sus cómics se refiere. Capitán América, uno de sus personajes más impopular (comparado con otros), pero no por ello menos conocido, era la cuenta pendiente. Aunque ya se hizo una versión hace algunos años, hacía falta trasladarlo de una forma moderna y estilizada, como se ha venido haciendo con muchos de sus otros éxitos en los últimos años, como X-Men, Thor o Iron Man.

La verdad es que me la llegaron a recomendar tan mal que al final no fui a verla al cine, quizás, por ello ha conseguido entretenerme lo suficiente. No me ha parecido una gran película pero he pasado un buen rato viéndola, una película cumplidora. De unos años hacia aquí se han adaptado multitud de cómics con formas y diseños muy cuidados, más acordes con la realidad a pesar de la ficción, algo que me parece perfecto si se mantiene la esencia del traje y diseños originales.

En Capitán América lo han conseguido hacer bastante bien sin caer en el ridículo. La película contiene la creación del personaje, así que para los fans acérrimos del cómic hay un proceso de ‘adaptación’ con un primer traje que está clonado de la viñeta, demostrando lo ridículo que puede llegar a ser el uniforme, sin duda yo me quedo con el traje definitivo, el tiempo de las mallas pasó.

El reparto es solvente, y aunque no es una cinta que requiera grandes y elocuentes interpretaciones, se agradece que cada uno esté en su sitio. Chris Evans se pone en la piel del Capitán América, y este tipo de personaje no le viene de nuevo precisamente, ya trabajó en películas similares como Los 4 Fantásticos o Scott Pilgrim contra el mundo, que si bien, esta última no era estrictamente de superhéroes, se asemejaba bastante en algunos momentos.

El villano es Hugo Weaving que ha realizado papeles tan diferentes entre sí que lo considero realmente fascinante y polifacético. Desde el agente Smith en Matrix pasando por Elrond en El Señor de los Anillos, siguiendo por V en V de Vendetta y terminando por el papel de Johann Schmidt en la que aquí nos ocupa.

Aunque, pienso que su papel de villano no se ha exprimido lo suficiente, podrían haberlo pintado mucho más malvado de lo que termina siendo. Es cierto que el protagonista es el Capitán América, pero ¿desde cuándo ha de verse un villano relegado de su supremacía ante el héroe? Hay que ver el caso del Joker en El Caballero Oscuro.

En papeles secundarios tenemos a dos pequeños titanes como son Tommy Lee Jones (Men in Black, Space Cowboys) en el papel de coronel Chester Philips que intentará hacer la vida imposible al Capitán, pero éste ira a su bola. Toby Jones (La Niebla) interpreta acertadamente al Dr.Arnim Zola el súbdito de Johann. Y por supuesto, no podía faltar el romance de turno con la chica guapa, Peggy Carter encarnada por la actriz Hatley Atwell (La Duquesa) que enamorará al enclenque Steve Rogers, aún después de la transformación a Capitán América, seguirá colado por ella. Es la primera vez que veo actuar a Hatley Atwell y, salvo su primera aparición en la que noquea rápidamente a un soldado, no hace mucho más que pasear su refinado cutis y esplendorosas curvas, aunque cumple bien su cometido en la historia.


Al finalizar la película, igual que en las últimas adaptaciones de Iron Man, Thor etc. hace acto de presencia Samuel L. Jackson como Nick Furia para enlazar al Capitán América con la película de Los Vengadores, que actualmente está en postproducción. La película no tiene un trasfondo argumental, ni sólidos pilares. Pero si un elaborado diseño de pre-producción y postproducción. Todo tiene un aire muy retro-futurista, un contraste realmente logrado.

Respecto a la historia, estamos ante un producto de consumo rápido, pero se agradece la historia mínimamente decente con un hilo argumental que se puede seguir, no como Transformers que es un desfile de mareantes efectos especiales. La misión no es novedosa, cierto, viene a ser la misma que en Rambo II. Además, encontramos muchas más referencias, un gran collage de elementos de las películas de 007, el prologo de El Laberinto del Fauno o ciertas dosis de Indiana Jones y la última cruzada.

Derrocha patriotismo, pero por algo se llama Capitán América, aunque en algunos momentos se hace alusión a la ineficacia y maldad de la guerra, una sátira a la inversión en armamento, de forma sutil, pero efectista al fin y al cabo.


Joe Jhonston que tiene a sus espaldas trabajos como Jumanji, la reciente relectura de El Hombre Lobo con Benicio del Toro e incluso esa clásica comedia ochentera Cariño, he encogido a los niños. Jhonston se pone a la dirección y sale airoso de un propiciado desastre que se auguraba al visionar el tráiler, y que confirmaban algunos allegados tras haberla visto el film, bajo mi opinión, la suya es errónea.

Alan Silvestri compositor del score de clásicos como Abyss, las secuelas de Regreso al futuro o Depredador II, orquesta sin alzar las notas en exceso una pieza que sigue bien los momentos, tanto en la acción como en los diálogos.

Christopher Markus y Stephen McFeely, guionistas de la saga de Narnia, realizan un guión simple pero sin vacíos argumentales. La acción está bien repartida durante la película y no satura, han dejado el hueco justo y necesario para que la historia fluya, cosa que me sorprende, pues aunque la primera entrega de Narnia me gusta, no es habitual que con la presión de la productora en un producto tan comercial de Marvel, haya salido tan decente metraje. La película es un buen cómputo de logrados efectos especiales con una historia bien hilvanada, que sin ser nada del otro mundo, está bien repartida entre la acción y el espectáculo visual.

Puntuación