29/4/12

Los Vengadores



TÍTULO ORIGINAL: The Avengers
AÑO: 2012
DURACIÓN: 135 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Joss Whedon
GUIÓN: Joss Whedon (Historia: Joss Whedon, Zak Penn)
MÚSICA: Alan Silvestri
FOTOGRAFÍA: Seamus McGarvey
REPARTO: Robert Downey Jr., Chris Evans, Mark Ruffalo, Chris Hemsworth, Scarlett Johansson, Jeremy Renner, Tom Hiddleston, Samuel L. Jackson, Cobie Smulders, Clark Gregg, Gwyneth Paltrow, Stellan Skarsgård, Stan Lee, Harry Dean Stanton
PRODUCTORA: Marvel Studios / Paramount Pictures

Cuando un enemigo inesperado surge como una gran amenaza para la seguridad mundial, Nick Fury, director de la Agencia SHIELD, decide reclutar a un equipo para salvar al mundo de un desastre casi seguro. 

Lo primero que quiero es mostrar mi disconformidad, no para con la película, sino con el poco respeto que hay en las salas. Hoy menos que nunca, la desinformación no es una excusa para saber si la película, es o no, apropiada para la edad de tu hijo. Si llevas a tu hijo a ver una película para adultos, al menos pon orden en su comportamiento. El jolgorio y los continuos ‘ssshhh’, han formado parte de la película como si vinieran integrados en la pista de audio. Así que a partir de ahora, seré aún más estricto de lo que ya soy, a la hora de elegir los pases. Estoy de acuerdo en que Los Vengadores es una ‘fiesta’ de película, con lo que algunas risas y aplausos, son incluso necesarios, lamentablemente la sala parecía la feria de abril.

Por suerte no es una película profunda y reflexiva, que vaya a dejarnos pensativos o transmitirnos profundas sensaciones, requiriendo nuestra total concentración en ella. Es un espectáculo realizado para el lucimiento propio de los personajes, por lo que el barullo de la sala me ha incomodado pero no me ha repateado el bazo en exceso.

La película se recarga de tópicos, pero en realidad de otra forma no funcionaría. Sin embargo he de decir que a pesar de ello me ha sorprendido gratamente. Es bastante más inteligente de lo que me esperaba inicialmente, por eso decía que no es recomendable para edades muy tempranas. Tiene momentos en los que el público infantil disfrutará de lo lindo, sin embargo los diálogos en ocasiones tienen demasiados tecnicismos y verborrea, enfocado claramente al público algo más adulto.


Los Vengadores nacieron en contrapartida a La Liga de la Justicia de DC que unió a sus mayores creaciones en una serie de volúmenes. Así, que Marvel hizo lo propio con las suyas creando Los Vengadores.
A lo largo de su trayectoria que comenzó en 1963, sufrieron algunos cambios de formación. Y en el 2002 se lanzó la versión ‘Ultimate’, una actualización de personajes y estética más acorde con la actualidad. Para la película han elegido a Iron Man, Capitán America, Thor, Hulk, La Viuda Negra y Ojo de Halcón.
La fidelidad al cómic no la puedo corroborar, aunque los fans aseguran que la película bebe mucho de esta etapa.
Lo que si puedo asegurar, es que la película guarda mucho la tónica visual, respecto a las últimas adaptaciones que se han hecho del universo Marvel. Si te gustaron Iron Man, El Capitán América o Thor es poco probable que ésta no te agrade. El efecto contrario, sería algo excepcional y realmente extraño. El planteamiento de la película es muy semejante al de Thor. La parte visual está más centrada e influenciada por Iron Man, con muchos gadgets y tecnología punta y la parte armamentística es propia de Capitán América.

La parte visual es su mayor reclamo, no hay duda. Mucha pantalla verde y muchas horas de tarjeta gráfica. No distingues lo que es real de lo que no, pero como resultado nos deja un gran diseño de producción.
Bien que no solo se centra en esto, también se propone destacar la remarcada personalidad (defectos y virtudes) de cada uno, y lo consigue bastante acertadamente. La química y la rivalidad entre los seis personajes, cada uno más orgulloso, vanidoso y egocéntrico que su propio compañero, dispara la tensión y rivalidad durante la primera hora como un par de Uzi’s.
Una hora que dedica a poner las cartas sobre la mesa, ya no digo presentando a los personajes pues a estas alturas de una u otra manera ya están presentados casi todos en anteriores películas, más bien reuniendo al equipo es lo que hace básicamente Nick Furia (Samuel L. Jackson). Que por cierto queda muy por debajo del egocéntrico Iron Man, en cota de pantalla e interpretación. Esa primera hora aprovecha muy bien a cada personaje y sus cualidades, para confrontarlos (sobretodo entre Tony Stark y Steve Rogers) entre si, en una primera parte. Y unirlos en una segunda, la hora y media restante. Sí! la película dura dos horas y veinte minutos, pero a mí se me han pasado más rápido que los vuelos de Iron Man. Ojala se me pasaran igual de veloces las horas en el trabajo.


Cuando el equipo se ve obligado a dejar el orgullo a un lado, es cuando el despliegue pirotécnico comenzará sin parangón, para dejarnos atónitos en una secuencia de brillantes efectos especiales, pero sin perder el pulso visual. Una secuencia final en el que cada uno de ellos lucirá su presencia con gran esplendor, igualando el protagonismo que al principio de la cinta está algo descompensado. El momento del travelling de 360 grados al equipo completo, palote total me ha puesto.
Aunque con el tiempo, seguro será recordada con mucho más cariño por los infantes de la actualidad, que no por los adultos. Y posiblemente se convierta en un referente para ellos, cuando sean adultos. Tal y como lo son para nosotros Masters del Universo o Superman, entre otras.

Se han currado un hilo argumental bastante coherente, pero como se suele decir, ni tanto ni tan poco. Se encuentra por encima del consumo rápido estándar, pero no alcanza la genialidad que reclamábamos. Algunas opiniones, aún reconociendo la supremacía de lo realizado por Nolan con Batman, ya ponía a Los Vengadores relativamente cercana a éste. Yo, antes de verla ya tenía claro que lejos estaría, y en efecto así es. Ello no significa que no la haya disfrutado, o deba menospreciarla. Pero ha sido de una manera totalmente distinta.

El punto débil de la película lo encontramos en el villano, Loki, el hermano de Thor, que ya apareció en la obra de Kenneth Branagh. Y qué lamento decir, le sucede lo mismo otra vez, no está a la altura de las circunstancias. Tom Hiddleston se pone en la piel del villano, y no lo hace nada mal, pero su propia cara hace que no te lo creas en el papel de malo. ¿Os imagináis a Orlando Bloom como un ultra villano, no verdad?, yo tampoco.
Pues eso es lo que le pasa a Tom. Un ser que promete la destrucción de la tierra pero no impone el temor a su paso. Aún girando en torno a éste el ‘leitmotiv’ de la película.
No hace justicia a la puesta en escena que se curra cada uno de los vengadores. Ni siquiera Scarlett Johansson (que bien se mantiene fisicamente) como La Viuda Negra y Jeremy Renner como Ojo de Halcón, siendo estos dos los más flojos del equipo, no quedan eclipsados en ningún momento por Loki. La cajita azul (se me ha olvidado el nombre) que abre el portal a los Cithauri los aliados de Loki, es un mcguffin como la copa de un pino. Lo que importa es desplegar la artillería visual a toda costa y con el cubo, se lleva a cabo. Pero podría haber sido una mandarina.

Robert Downey Jr. como Iron Man, Chris Evans en el Capitán America y Chris Hemsworth como Thor, ya han gozado cada uno de su propia película, para hacerse así con el control del personaje. Aquí ya juegan en casa, todos ellos se mueven con soltura y naturalidad. Por el contrario Hulk está interpretado por Mark Ruffalo en lugar de Edward Norton que se puso en la piel de el hombre verde, en la versión de Louise Leterrier del año 2008. Como Bruce Banner (la versión humana), no tiene momentos destacables, y transformado se asemeja mucho a la versión de Norton, digital 100% repartiendo hostias. Un momento muy bueno para él es el intento de coger el martillo de Thor del suelo.

La forma de invasión a nuestro planeta me ha recordado mucho a Stargate, por lo de portal dimensional. Pero vamos que Josh Whedon viniendo de las series televisivas como Buffy o Firefly realiza un buen ejercicio, en la dirección y el guión. Un detalle es que ha escrito la historia de Cabin in the Woods, una película de terror por estrenar, que promete marcar una pauta a seguir, como El Cubo o Matrix. La cuestión es que Whedon ha sabido exprimir bien a cada personaje, sin sacrificar protagonismo a ninguno de ellos al finalizar la cinta. El nivel cómico de la cinta me preocupaba, pero no es excesivo ni gratuitamente ridículo, las bromas verbales tienen su punto positivo y sarcástico, tanto si conoces al personaje como si no.

La banda sonora de Alan Silvestri (Depredador, Abyss) realza la potencia de la puesta en escena, ya que el guión, a pesar de su lucidez, no da para mucho más que el entretenimiento. Una película que contentará a los amantes de lo fantástico y los fans de los cómics.

Asylum Blackout

TÍTULO ORIGINAL: Asylum Blackout
AÑO: 2011
DURACIÓN: 85 min.
PAÍS: Francia
DIRECTOR: Alexandre Courtès
GUIÓN: Jerôme Fansten
MÚSICA: Christophe Chassol
FOTOGRAFÍA: Laurent Tangy
REPARTO: Ruper Evans, Kenny Doughty, Joseph Kennedy, Dave Legeno, Marcus Garvey
PRODUCCIÓN: Wassim Beji

George, Max y Ricky tienen un grupo. Como tantos otros músicos, deben compaginar su pasión con otro trabajo que les permita pagar el alquiler. Hacer de cocineros en un centro psiquiátrico de máxima seguridad no parecía mala idea: podían trabajar juntos, les dejaba tiempo para ensayar y la seguridad del centro aseguraba el mínimo contacto con los internos... Hasta que, una noche, una fuerte tormenta deja sin electricidad el edificio, desactivando todos los dispositivos de seguridad. Los tres amigos se verán atrapados en la cocina, sin barreras que los separen de los perturbados, convertidos ahora en una turba descontrolada y violenta.

Asylum Blackout es el título definitivo para la película que en un principio se tituló The Incident y se proyectó el pasado Festival de cine fantástico Sitges 2011. Es el debut de Alexandre Courtès en la dirección cinematográfica, sus anteriores trabajos son videoclips de grupos muy conocidos como Daft Punk o U2. En cierto modo relaciona su experiencia profesional hasta la fecha con el cine y ofrece una película que parece que relacione el mundo de la música con el cine, la puesta en escena puede hacer pensar en Airheads de 1994, salvando las diferencias, claro está. Hay que puntualizar que Asylum Blackout anteriormente The Incident no pretende ser una comedia, aunque eso es lo que parece de primeras.


Al final parece que le quieren dar un lavado de cara a la película o puede que sea por motivos comerciales y legales, la cuestión es que el proyecto tira hacia delante consiguiendo una fecha de estreno en cine para Estados Unidos fijada para el 4 de Mayo del 2012, no será un estreno a gran escala, pero se podrá visionar en pantalla grande. También han alcanzado un acuerdo comercial con una cadena de televisión Norteamericana de cine independiente, la Independent Film Chanel, que a través de su canal de pago también emitirá la película el mismo día. La película no me gustó en absoluto, pero sobre gustos no hay nada escrito y respeto a quienes tengan una opinión contraria; de todos modos, para quienes estén detrás de la producción, el director y todo el equipo técnico que esté detrás de la película, es una suerte que su proyecto haya conseguido distribución.


No voy a perder mucho tiempo pensando en esta película, tampoco se lo quiero hacer perder a nadie, así que, advierto que esta película es un fiasco en toda regla. La sinopsis y el comienzo de la película parecen que sean el de una película de terror con toques de comedia, pero poco a poco vas descubriendo que pretenden ir en serio. Los personajes son un fracaso, no hay nada creíble, ni en su diseño ni en las actuaciones, todo en esta película está creado a fuerza de estereotipos, pero si utilizas un estereotipo fílmico con agudeza puedes salir bien parado, la cuestión es que este no es el caso. Nos encontramos ante una película absurda, que pretende conmover, impresionar e impactar, pero no lo consigue. Me sorprende que tras la proyección que vimos en el Festival de Cine Fantástico Sitges 2011 hubieran personas que defendían la película; no vamos a entrar en discutir sobre gustos personales, pero la película no se la recomiendo a nadie. Todo un incidente, cuando la película terminó no daba crédito, otra más al saco de la basura.

Puntuación

27/4/12

Freakland es inminente

Hace algún tiempo os hable de un proyecto independiente, que nacía de algunos de los integrantes de Festerror, en el que aportaríamos nuestro granito de arena, colaborando con alguna crítica.
Se trata de un fanzine en el que colaboran diferentes autores, fanzinantes, cortometrajistas etc... una gran habitación que reune a la más casta legión de cinefilos, llamada Freakland, e aquí la explicación más extensa.


Bien, pues por fin se ha hecho realidad, ya se puede adquirir el primer número en pre-venta a través de Tyrannosaurus Books. Constará de 72 páginas en formato A5 apaisado, con interior estucado mate de 150gr blanco y negro, portada 170gr laminado brillo, fresada. Será publicado en Mayo. Esta edición en pre-venta está limitada a 150 ejemplares y contendrá una tradding card Ticket "Demons" de regalo. El precio es de 5 euros. Lo podéis adquirir en el siguiente enlace.

25/4/12

The Artist



TÍTULO ORIGINAL: The Artist
AÑO: 2011
DURACIÓN: 100 min.
PAÍS: Francia
DIRECTOR: Michel Hazanavicius
GUIÓN: Michel Hazanavicius
MÚSICA: Ludovic Bource
FOTOGRAFÍA: Guillaume Schiffman (B&W)
REPARTO: Jean Dujardin, Bérénice Bejo, James Cromwell, John Goodman, Penelope Ann Miller, Missi Pyle, Malcolm McDowell, Joel Murray, Ed Lauter, Beth Grant, Bitsie Tulloch, Ken Davitian
PRODUCTORA: Wildbunch / La Petite Reine / Studio 37 / La Classe Américaine / JD Prod / France3 Cinéma / Jouror Production / uFilms
WEB OFICIAL: http://weinsteinco.com/sites/the-artist/
PREMIOS 2011: 5 Oscars: Mejor película, director, actor (Dujardin), BSO, vestuario. 10 nomin.
2011: 3 Globos de Oro: Mejor película comedia/musical, actor (Dujardin) y BSO. 6 nomin.
2011: 7 premios BAFTA, incluyendo mejor película, director, guión original. 12 nomin.
2011: 6 Premios Cesar, incluyendo mejor película y director. 10 nominaciones
2011: Festival de Cannes: Mejor actor (Jean Dujardin)
2011: Independent Spirit Awards: Mejor película, director, actor y fotografía. 5 nominaciones
2011: Critics Choice Awards: 4 premios, incluyendo mejor película. 11 nominaciones
2011: Festival de San Sebastián: Premio del público
2011: Premios del Cine Europeo: Mejor banda sonora. 4 nom., incluyendo mejor película
2011: Premios Goya: Mejor película europea
2011: Satellite Awards: Mejor dirección artística. 5 nominaciones, incluyendo mejor película
2011: Producers Guild of America: Mejor película
2011: Premios de la Crítica de Washington (WAFCA): Mejor película
2011: Directors Guild of America (DGA): Mejor director
2011: Screen Actors Guild: Mejor Actor (Dujardin) Nominados Actriz secundaria, reparto
2011: Círculo de críticos de Nueva York: Mejor película y director
2011: Festival de Hampton: Mejor película (Premio del público)
2011: Festival de Sevilla: Premio del público
2011: Nominada Premios David di Donatello: Mejor película de la Unión Europea

Hollywood, 1927. George Valentin es una gran estrella del cine mudo que goza de un esplendoroso éxito. Pero, con la llegada del cine sonoro, su carrera corre peligro de quedar sepultada en el olvido. Por su parte, la joven actriz Peppy Miller, que empezó como extra al lado de Valentin, se convierte en una estrella del cine sonoro.

The Artist es una producción que consigue llegar a ser un pequeño fenómeno, una película recolectora de premios que destaca sobre todo por su formato. En la actualidad hay un gran estancamiento cinematográfico a nivel general, no solo por el aluvión de remakes innecesarios, aún se hacen buenas películas, pero lo que más divulgación tiene son las grandes producciones, películas vacías con el único propósito de recaudar dinero; fomentan la más absoluta abstracción del público mayoritario y rebajan las virtudes de lo que se denomina séptimo arte. Por algún motivo se sustituye la calidad cinematográfica por la calidad audiovisual en lo que efectos digitales se refiere, opino que es un virus que lleva extendiéndose de forma lenta, provoca desidia y conformismo en los espectadores. Ahora, respeto que cada persona disfrute con aquello que quiera, pero crítico la falta de exigencia general, así como el conformismo en el que toda la sociedad está sumergida. Esto no quiere decir que The Artist vaya a ser la píldora mágica que solucione esto, en cierto modo es una película que también está pensada para disfrutar de un placentero entretenimiento y reposar en la evasión momentánea; pero dista de los llamados blockbusters y comedias de turno. Habiendo estado en las carteleras comerciales bastante tiempo, es cuando se puede confirmar que su calidad es muy superior a la media de los estrenos mayoritarios.


Es curioso que precisamente ahora se haya rodado una película simulando el periodo mudo, digo simulando pues en realidad la película no es muda, se tendría que decir que es casi muda; aunque han respetado elementos como la relación de aspecto rodando la película con un ratio 4:3 desafiando la imposición meramente comercial del 16:9. Durante el estreno de la película hubieron casos aislados de quejas en cines comerciales por tratarse de una película en blanco y negro casi muda, eso es el resultado de la infección de la que hablaba anteriormente. La intención del director Michel Hazanavicius ha servido para que mucha gente haya visto una película de tales características por primera vez en su vida, quizás se estreche un poco la distancia existente entre un gran porcentaje de aficionados y aficionadas al cine con los inicios de este. La cuestión es que The Artist entusiasma a la crítica y al público por igual, la película más que estar pensada como si fuera una realización del periodo mudo, es una representación de una época pasada en la que se hacía cine de otra forma. No es un homenaje a las películas de las primeras décadas del cine, es un homenaje a la nostalgia de una época pasada de la industria cinematográfica. En cierto modo, su éxito en Estados Unidos es comprensible, pues elogia y mitifica al cine clásico americano, pero más allá de tal apreciación, la película dispone de muchas cualidades que justifican su éxito.


Es evidente que The Artist no inventa nada, ni es original, pero está cargada de grandes momentos que en conjunto consiguen una puesta en escena cautivadora. Cada plano está trabajado para transmitir y narrar, como ocurría con las películas de las primeras décadas desde la invención del cine, solo disponían de la imagen para transmitir. The Artist retrata lo que supuso el paso del cine mudo al sonoro, aunque no hace demasiado hincapié en ello y se centra más en una historia de amor simpática. La narrativa de The Artist está desarrollada más cercana a la actual pero representando una película muda, no consigue la emotividad ni la forma de hacer que tenían las películas por aquel entonces, si quisiera hacerse pasar por una autentica película muda no lo conseguiría. Ese punto negativo también reside en su guión, una historia bien contada con los elementos de por aquel entonces, pero no llega a la emotividad necesaria. Se queda más cerca de una sencilla historia de amor llena de tópicos con una fuerte carga de inocencia, algo descafeinada para el énfasis que pretende en algunos momentos. Una buena elección de la película es el dúo protagonista, consiguen transmitir mucho por su expresión corporal, sus miradas y gestos, ambos hacen un buen trabajo, al igual que el elenco de secundarios con mención especial al perro adiestrado; un recurso fácil para sonsacar sonrisas, pero muy efectivo y bien utilizado en la película.


La banda sonora compuesta para la película por Ludovic Bource es muy interesante, dispone de gran variedad de formas que se utilizaban en el cine mudo, pero siguiendo el ritmo de la película e intensificando algunos momentos dramáticos jugando con ventaja; como ocurre cuando utilizan el tema de Vertigo, que se utilizó en la película homónima de Alfred Hitchcock en 1958. Por lo general la banda sonora cumple su función, en algunos momentos resulta algo monótona, pero acompaña muy bien a la narración de la película. Al final The Artist resulta ser una curiosidad muy interesante por cuando se ha rodado, a conseguido cautivar a un gran número de espectadores como a la crítica especializada y resulta una experiencia agradable; podría haber resultado una experiencia mucho más intensa, pero se agradece su propuesta. Depende de como entienda el cine cada persona le dará un valor determinado al hecho de que en la actualidad se haya rodado una película que órbita de la esencia del autentico cine; se podrá disfrutar en mayor o menor grado, pero está claro que The Artist se disfruta por su conjunto y forma más que por su contenido por si solo. Una película agradable, que te dibujará una sonrisa y dejará una sensación de bienestar al finalizar, está pensada para ello, así que... si opinas que la película no es un tostón, si has disfrutado con ella y la sensación del cine mudo, no dudes en realizar un paseo por todas esas películas que constituyen los pilares de cine tal como lo conocemos.

23/4/12

Human Centipede Anonymous, terapia de grupo.

Terapia de grupo: Es un tratamiento terapéutico de naturaleza psicológica que se proporciona a los pacientes que lo necesiten de manera grupal, para mejorar su salud mental y calidad de vida. Existen diferentes tipos de grupos, el más conocido es alcohólicos anónimos. Pero podemos encontrar muchas 'temáticas' desde grupos para superar la depresión o la ansiedad, trastornos de la personalidad, enfermedades crónicas o superar traumas. Ahí es donde entra el post que prescribo hoy, no pretendo hacer broma sobre los grupos que van en serio, pero me he encontrado esto por la red y he sentido la necesidad de publicarlo. ¿Qué pasaría si las victimas de un Human Centipede sobrevivieran?. Pues seguro que necesitarían ayuda psicológica, para superar dicho trauma.

Así es como Benjamin Berman, cortometrajista amateur, nos muestra con su corto Human Centipede Anonymous, lo que sucedería en dicha terapia. Resta decir que es de una forma un tanto cómica, y es que lo cierto la creación de Tom Six hay que tomársela con cierto sentido del humor.
Tan solo hay una pega, que está en inglés sin subtítulos. Aunque los diálogos están bastante bien vocalizados, además de ser muy gráfico. Así que por pocas nociones de inglés que tengamos, se entiende bastante bien.

22/4/12

La Semana del Asesino


TÍTULO ORIGINAL: La semana del asesino
AÑO: 1972
DURACIÓN: 90 min.
PAÍS: España
DIRECTOR: Eloy de la Iglesia
GUIÓN: Eloy de la Iglesia, Antonio Fos, Robert Oliver
MÚSICA: Fernando García Morcillo
FOTOGRAFÍA: Raúl Artigot
REPARTO: Vicente Parra, Emma Cohen, Eusebio Poncela, Vicky Lagos, Lola Herrera, Ismael Merlo, Ángel Blanco, Charly Bravo, Manuel Clavo, Antonio Corencia
PRODUCTORA: Atlas International Film

Un joven que trabaja como carnicero mata accidentalmente a un taxista. Su novia quiere avisar a la policía, y entonces él se ve obligado a matarla también, así como a todos aquellos que suponen para él una amenaza...

Gracias a la proyección organizada por El Buque Maldito, he podido ver por primera vez esta obra de los inicios de Eloy de la Iglesia, más recordado y reconocido por algunos de sus últimos trabajos como El Pico o Navajeros, dedicados a la movida quinqui madrileña de la década de los 80.
Y es que Eloy siempre ha tratado de reflejar en sus trabajos temas actuales que generaran cierta polémica, pero no con la finalidad de captar la atención del publico, sino de denunciarlo. Y que mejor medio que hacerlo con su afición, el cine.

La Semana del Asesino retrata la violencia desde un punto de cierta inocencia y bondad, una batalla a muerte entre el bien y el mal. Dicen que el asesino no nace, se hace. Aunque yo creo, que es algo que ni siquiera los mejores psiquiatras son capaces de vislumbrar.
Eloy da un discurso sobre el miedo, y la capacidad de éste 'sentimiento' a inducir el asesinato. Marcos encarnado por Vicente Parra, (que guarda cierto parecido con Logan) es un tipo completamente normal, tiene su trabajo, una novia algo menor que él, pero vamos...lo corriente en el concepto de una vida estandar.

Pero un incidente con un taxista despierta en él, lo que dicen que todos llevamos dentro, el lado oscuro. Pero él no es malo, su propio miedo es más poderoso que su propia voluntad, afectando su cordura para distinguir entre el bien y el mal. Un temor que desencadena una matanza sin precedentes. Un sentimiento tan primitivo o más que el descubrimiento del fuego, lo iran transformando poco a poco en un asesino en serie, tal como pudiera ser Ted Bundy o Jeffrey Dhamer. Marcos no llega a la altura de éstos, pero sufre de la misma precariedad mental, que cada uno de ellos tenía en su perturbada mente, en su caso, el temor a ingresar en prisión, prima por encima de todo. Aunque todos tienen una cosa en común, el asesinato.

La película no tiene una puesta en escena demasiado buena, al menos vista hoy, que todo es coreografiado a la perfección. Los efectos han envejecido bastante, pero la película se hace entretenida y su historia funciona muy bien, a pesar de todo. Que al fin y al cabo es lo que cuenta, ya que con el paso de los años todas las películas envejecen, y una buena historia es lo que hace ver una película con buenos ojos, aún teniendo varias décadas a sus espaldas. Solamente en la parte central decae un poco el interés, durante apenas diez minutos. Pero una vez entra en escena, el padre de Paula, la cosa rueda de nuevo.

La interpretación de Vicente Parra es notable, su expresividad te deja atónito y su mirada es profunda y oscura, tal como es su personaje. Sin duda es el que lleva el peso en la historia, para eso es el protagonista, pero no siempre el protagonista luce gala y presencia debidamente en la historia.


La historia construida por Eloy, y guión co escrito junto a Antonio Fos, que ya trabajó con Eloy un par de años antes en El Techo de Cristal, por cierto tampoco he visto, tiene una buena narrativa y guarda en su haber elementos muy propios del cine de suspense, en cierta manera influenciados por Hitchcock y su Ventana Indiscreta. Como buen cineasta Eloy adquiría referencias de otros maestros, quien diga que no se inspira en otros realizadores, miente.
Pero como era habitual en Eloy, la película toca un tema tan candente para su época como es la homosexualidad. Hoy, es un tema bastante aceptado en la sociedad, para la época en que se rodó, en pleno franquismo, la censura era muy estricta, incluso algo como eso se consideraba delito. Así que la obra, como tantas otras, sufrió serios recortes.
Entre la relación entre Marcos y Néstor el vecino que busca algo más que una simple amistad. Las primeras secuencias, en su acercamiento se hacen extrañas, y su mayor encuentro es muy onírico y surrealista, queda todo muy sugerido, a la par que claro y neutral. Néstor estaba interpretado por Eusebio Poncela que trabajó con Ivan Zulueta en El Arrebato y años más tarde con directores de la talla de Alex de la Iglesia en 800 Balas Juan Carlos Fresnadillo en Intacto.

En la violencia de las muertes también hubo tijera, cosa curiosa, ya que la escena del matadero se dejó intacta, mientras que las agresiones a personas si fueron cortadas en la versión patria. Prácticamente absurdo que sufriera tales recortes, que hoy casi provocan risa ver semejantes muertes, ya que están muy influenciadas por obras de la época y no muestran nada grotesco más allá del giallo que tan de moda estaba en esa época. Los primeros planos de cuchillos y algún degollamiento en primerísimo plano, con esa recalcitrante sangre roja como el sol de poniente en un atardecer de otoño. Pero vamos nada que fuera para escandalizarse, cuando otras, por más sufrían menos. Pero ya se sabe que los comités de censura, son cuantas pocas veces inverosímiles.

La música se apoya mucho en los sonidos ambientales, como el pasar de un reloj, niños jugando al balón o el propio crujir de las paredes. Sonidos que resultan mucho más perturbadores y malsanos, que el mejor score de terror con picos instrumentales que asusten o pongan nervioso al espectador. También hay espacio para la música, pero el resultado no es propio del terror, es muy urbano y terrenal.


La película tuvo dos versiones, ya no solo por censura, sino por llegar al publico extranjero. Tuvo su versión en inglés y que titularon The Cannibal Man, precisamente el trailer solo lo he encontrado en el idioma se Shakespeare. Título no demasiado propicio, pues él no se los come. Aunque si lo analizamos, toca el tema de una forma indirecta y algo más macabra. Pero esto me recuerda a los cambios de título que sufrimos a veces por aquí, y luego no corresponden a lo mostrado en la película. Sin embargo gracias a la versión extranjera se ha podido hacer un montaje especial para la proyección, que abarca las escenas cortadas, en la edición americana no se cortó tanto en violencia, pero si en otros aspectos como el trato político o laboral, el cual tiene también su parte del pastel. Parte en la que el empresario del matadero tiene una charla con Marcos, escena en la que Eloy ya denunciaba irónicamente el trato al trabajador. Eloy falleció en el año 2006, pero si viera la situación actual, las manos a la cabeza se llevaría. Entre ambas copias se ha realizado un montaje lo más fiel posible al original.

La película tiene un ritmo pausado, y su puesta en escena no es su fuerte, pero el mensaje final es potente y carismático. A envejecido pero se deja ver bastante bien.

21/4/12

Industrial Bloodbath Movies

Industrial Bloodbath Movies es una iniciativa emprendida por el creador de la ultredemente serie Clenchas de Cortex y con la colaboración de La Oscura Ceremonia y Gracia X-treme Maniac.


Si quitamos la palabra movies es más apropiado para un grupo de grindcore, pero bajo ese título se proyectarán dos películas Taxidermia de György Pálfi y Martyrs de Pascal Laugier.
La cita es el Domingo, 29 de abril de 2012 a las 18:00. En el Espai Jove La Fontana (C/Gran de Gràcia, 190 Fontana). Barcelona Metro Linea 3 Fontana. ENTRADA GRATUITA.




Taxidermia  es que es una película un tanto extraña que vi hace mucho tiempo, pero recuerdo gratamente a la par que vagamente. Nos relata la historia de tres generaciones de una familia establecida por casualidad en Europa del Este. La del abuelo, un hombre algo torpe que se convierte en capitán durante la segunda Guerra Mundial; la del padre, un deportista de alto nivel; y finalmente la del hijo, un taxidermista. Las tres contadas por el miembro más joven de la familia. El surrealismo y los hechos históricos se mezclan en su imaginación, creando así una especie de cuento de hadas realista.

Y Martyrs es una punta del boom que sufrió el terror francés con obras como A L'interieur, Alta Tensión o Frontieres y que personalmente encuentro un tanto sobrevalorada. La obra de Pascal Laugier nos sitúa en Francia, una noche a comienzos de 1970. Lucie, una niña perdida hace un año, es descubierta andando por una carretera. Está en un estado catatónico y es incapaz de decir nada de lo que le ha sucedido. Los policías no tardarán en encontrar el lugar donde ha estado presa: un antiguo matadero... ¿Qué pasó en aquel lugar? ¿Cómo consiguió la chica escapar?

Como parte de la organización y del público asistente es asiduo al Festival de Cotxeres, es la propia organización la que avisa que "Se permite los gritos e insultos a la pantalla". Por lo tanto resulta recomendable haberlas visionado previamente.

20/4/12

Tarantino desde abajo

Los planos contrapicados no son exclusivos, ni los inventó Tarantino, pero sin duda es el mayor amante de esta técnica. En todas y cada una de sus obras, usa dicha perspectiva varias veces. Lo mejor es que no cansa. ¿Será porqué le otorga una gran dimensión al personaje? ¿O porqué tiene la cualidad de saber usarla en el momento justo?. Sea como sea, aquí una recopilación de esos momentos a lo largo de su filmografía.

18/4/12

Títulos de crédito emblemáticos

Dejando a un lado, si la película nos gusta más o menos. La integración del sello del estudio de cine con los títulos de crédito de la película, lamentablemente, es un recurso utilizado poco frecuentemente. Pero cuando se hace, durante un breve espacio de tiempo se crea una magia especial.

Desde la web The Back Row se han currado un pequeño recopilatorio con algunos de esos comienzos 'especiales'. Disfrutenlo.


Los títulos son los siguientes Serenity, Batman Forever, Moulin Rouge, Kung Fu Panda, Conspiracy Theory, Sunshine, Sherlock Holmes, Scott Pilgrim vs. The World, Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull, Gone in 60 Seconds, Van Helsing, Charlie's Angels: Full Throttle y Mars Attacks!

17/4/12

ESPAI VO. 8ª PRIMAVERA CINEMATOGRÀFICA


L'Espai V.O es un proyecto que desde 1997 muestra con varios pases películas de autor en versión original cada Martes de todo el año excepto festivos. En la actualidad se puede disfrutar de las proyecciones en los cines Filmax Granvia ubicados en el centro comercial Gran Vía 2 de L'Hospitalet (Barcelona). Durante las Fiestas de la Primavera de L'Hospitalet se celebra la 8ª Primavera Cinematogràfica y del 19 al 26 de Abril del 2012 habrán pases de diferentes películas en versión original a un precio muy interesante.


Hay un bono de 10€ para poder ver todas las películas, cada entrada individual costará 5€ y se pueden adquirir en el mismo cine. Las películas que se proyectan son:

THE ARTIST


SHAME


L'ILLUSIONNISTE


A DANGEROUS METHOD


ET MAINTENANT, ON VA OÙ?


BEGINNERS


ANOTHER EARTH


PARA MÁS INFORMACIÓN

16/4/12

Battleship


TÍTULO ORIGINAL: Battleship
AÑO: 2012
DURACIÓN: 131 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Peter Berg
GUIÓN: Erich Hoeber, Jon Hoeber
MÚSICA: Steve Jablonsky
FOTOGRAFÍA: Tobias A. Schliessler
REPARTO Taylor Kitsch, Liam Neeson, Alexander Skarsgård, Brooklyn Decker, Josh Pence, Rihanna
PRODUCTORA: Universal Pictures / Film 44 / Hasbro / Stuber Productions

En plena 'celebración' de unas maniobras de la marina, en la que participan varios países, pero el protagonismo es para EE.UU y Japón. De repente se verán 'invadidos' por una raza alienigena que ha llegado a la tierra, en respuesta a una señal enviada por los propios humanos. Una épica aventura de acción que transcurre en el mar, el cielo y la tierra, y en la que nuestro planeta lucha por sobrevivir contra una fuerza muy superior.

La imaginación no está siendo el punto fuerte de la industria en estos últimos tiempos, pero en este caso, es todo lo contrario. Porque Battleship es la adaptación al cine del popular juego de mesa Hundir la flota de la compañía Hasbro, responsables del Monopoly o Trivial Pursuit. Esperemos que esto no se convierta en la punta del iceberg que acabe en adaptaciones a tutiplén. Para los que no hayáis tenido infancia, el juego era un tablero alfanumérico para dos jugadores, cada oponente disponía de una flota naval. El objetivo era ir hundiendo estratégicamente los navíos del oponente.

Solo el hecho de pensar en adaptar este juego era tan sorprendente como enfermizo. Nutrir un guión con semejante premisa, era impensable. Yo cuando me enteré, flipaba, no me lo podía creer. Pero como todo, ahí quedó la cosa….más tarde salió el trailer de rigor y el pilar de hormigón que sustentaría el guión era una invasión alienígena. Y aunque siempre me han gustado, incluso Independence Day me gusta, sí, ¿que pasa?. Cuando visioné el trailer, al ver el excesivo parecido con Transformers, un gran escalofrío recorrió mi espalda. No por que estuviera mal hecho, todo lo contrario, sino porque lo realizado por Michael Bay con los Autobots y los Decepticons, me resulta extremadamente mareante. Y todo apuntaba a más de lo mismo, por lo tanto mi ‘curiosidad’ se vio mermada, la intención era dejarla para verla en casa, pero si lo piensas bien, una película como ésta, lo que ante todo tiene es espectacularidad. Y para gozarla bien, nada mejor que una pantalla de cine.

Así que finalmente he decidido ir a verla en una sala, muy a pesar de las malas opiniones que se está llevando. Cierto que la película es para verla un poco en modo standby. Aunque ya me gustaría que la historia de Skyline se la hubieran currado la mitad de lo que se han esmerado con esta. Eso sí, los que esperen encontrar una gran historia que te deje pensando tras su visionado, mejor se queden en casa.


El guión corre a cargo de los hermanos Hoeber (Whiteout, Red), solo he visto la primera, y precisamente no era ninguna garantía. Pero puedo decir que para un producto de estas características, no les ha quedado nada mal. Han sabido recrear el juego y sostener un hilo argumental, no demasiado complejo, pero tampoco para nivel de retrasados mentales.
El orgullo yanqui y su patriotismo, puede convertirse en un handicap, depende para quien. Se desprenden cual vapor tóxico por toda la cinta, resultando hasta risible por momentos. Pero estamos ante una película bélica en la que los protagonistas son los Estados Unidos de America, y al principio su rival es Japón, más tarde ante un enemigo común, la unión hace la fuerza. Así que ese patriotismo lo encuentro completamente normal, incluso necesario para que la película funcione en ciertos momentos. En Independence Day, hasta el presidente se montaba en un caza por su país.

Al principio se puede hacer un poco monótona en el sentido de que estamos deseando ver a los alienígenas (su diseño) y su espectacular despliegue de armamento. En ese aspecto, puede pecar de aburrida, que no lo es, ya que la primera media hora se dedica a presentar los personajes. Pero bueno que la película dura dos horas y los que (como servidor) esperéis  fuegos artificiales los vais a tener. La presentación de los personajes es algo extensa, ya que luego no será relevante en la historia, pero no está mal conocerlos un poco, ya que si aportará cierta dinámica en la relación entre ellos, cuando se sientan realmente invadidos.
Los personajes están muy estereotipados, su personalidad está bien construida pero resulta un tanto convencional. Las relaciones entre ellos, son un constante deja-vu, y las situaciones/relación han sido vividas en miles de películas, pero que carajo, funcionan perfectamente ¿acaso no es lo habitual en la vida real?...odio, amor, crisis de identidad, envidia etc..son cosas que sin darnos cuenta vivimos diariamente nosotros mismos.
Cuando recuperan a la flota del geriátrico, es de risa, pero jo…. es emotivo, casi tanto como Space Cowboys, y llamarme ñona si queréis, me da igual.
Algo que reprocharle, es dejar cabos sueltos durante demasiado rato, como por ejemplo, los navíos que quedan fuera del campo de batalla casi hasta el final. Cuando reaparecen casi ni te acuerdas de ellos.


Peter Berg dirige la cinta por una autopista, su duración no resiente el conjunto. Ya que el montaje está bien repartido entre la acción y sus diálogos, que no son de una chispa atroz, pero resultan bien distribuidos. Berg es responsable de una chispeante comedia de finales de los 90, llamada Very Bad Things y caída injustamente en el olvido. Más reciente hizo Hancock con Will Smith, fue una lastima, empezaba bien y flojeaba a partir de la mitad.

Hablando de Battleship, lo mejor es que ha sabido encontrar la forma de que se parezca al juego, los combates se basan en la técnica, nada de disparar sin ton ni son. Incluso hay un momento que SPOILER están sin radar y mediante boyas meteorológicas (toma ya!) FIN SPOILER encuentran la manera de detectar las naves alienígenas, ese momento es idéntico al juego de mesa. A mí me ha hecho esbozar una sonrisa al recordar las partidas de pequeño. Para mí lo han sabido llevar a cabo y hacerlo bastante bien, teniendo en cuenta lo poco sustancial que resultaba realizar una historia mínimamente coherente con semejante premisa. Por ejemplo El Cluedo también ha tenido su adaptación al cine, sin embargo es un juego que de por si tenía un argumento más sugerente y un abanico de personajes con los que crear una historia con un argumento, la propia investigación criminal.

En el reparto tenemos a Liam Nesson, un mero reclamo ya que apenas sale un cuarto de hora en toda la cinta, pero cuando lo hace, impone. Pedazo de actor, se meta donde se meta, nadie puede decir lo contrario. Nesson interpreta el almirante Shane el oficial superior de Hopper (Taylor Kisch) y su hermano Stone (Alexander Skarsgård). Kisch a dado el salto a Hollywood con la reciente John Carter, y la no demasiado lejana X-Men Orígenes: Lobezno. Su interpretación se encuentra en lo justo, no rebasa ninguna línea, si tenemos en cuenta que es el principal protagonista. A Skarsgård lo vimos en Melancolía de Von Trier y también sale en el reciente remake Perros de Paja. Su momento lo tiene ganado al principio de la cinta al forzar a su hermano Alex a alistarse con él en la marina, luego va cediendo el protagonismo a éste y finalmente desaparece de la historia.
Sam Shane (Brooklyn Decker) es una fisioterapeuta de la Marina y novia de Hopper; no hace nada en toda la película (aparte de enseñar pechuga) casi hasta el final que pone su grano de arena, para cortar la invasión por parte de los aliens. Yo de verdad creo que estas hembras no las engendran de forma natural, las fabrican en probetas.
La suboficial Raikes es especialista en armas y está encarnada por Rihanna, si, si…la cantante se ha metido a actriz, muy mona ella, pero no le pega el papel de tía dura. Yo hubiera puesto a la veterana en ese rol, Michelle Rodríguez. Que ha demostrado en Avatar, Invasión la Tierra o la saga Fast And Furious lo bien que se le da.

Creo que ha quedado claro que el punto fuerte de la película es su espectacularidad. Independientemente te guste o no, decir que no está bien hecho sería de necios. El diseño de los alienígenas, recuerda mucho al juego Halo. Pero su fisonomía es una mezcla del troll de las cavernas que creó Jackson para Lord of the Rings, fusionado con Hellboy y los bichos de Descent, al menos así me lo ha parecido. La cuestión es que tanto con su armadura como sin ella, me han resultado plenamente carismáticos, cosa que les faltaba a los de Invasión la Tierra o los de Independence Day.

El apartado sonoro es igual de bueno que en Transformers, sin embargo en el visual predomina muy por encima lo realizado por Berg. Hay mucho artificio, sí, pero no marea como lo hace Bay. Nada de mover incesantemente al operador de cámara.

La banda sonora a cargo de Steve Jablonsky sintetiza bien la parte visual de la película. Como tema destacable mientras se preparan para el primer asalto, suena casi por completo el Thunderstruck de AC/DC, para mí el mejor tema del grupo. Momento sencillamente genial y disfrutable como pocos.
Steve tiene experiencia en el Blockbuster, ha trabajado con Bay en La Isla y Transformers, piezas similares, con lo que el resultado es muy acertado. Pero también ha tocado el terror, con el remake de La Matanza de Texas o Pesadilla en Elm Street: El Origen. Así que figura como candidato a ponerle notas al remake de Suspiria de Dario Argento. Si señores, aquí no va a quedar títere con cabeza…

Vamos que ya pueden decir misa, pero para mí ha sido un buen compendio para el concepto que tengo yo de una invasión extraterrestre.


14/4/12

Saturday the 14th Strikes Back



TÍTULO ORIGINAL: Saturday the 14th Strikes Back
AÑO: 1988
DURACIÓN: 75 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Howard R. Cohen
GUIÓN: Howard R. Cohen
MÚSICA: Parmer Fuller
FOTOGRAFÍA: Levie Isaacks
REPARTO : Ray Walston, Avery Schreiber, Patty McCormack, Jason Presson, Julianne McNamara , Rhonda Aldrich, Daniel Will-Harris, Pamela Stonebrook
PRODUCTORA: New World Pictures

Una familia se muda a una misteriosa mansión donde pronto empiezan a pasar cosas extrañas.

Ayer era viernes 13 y decidimos rendir homenaje publicando la crítica de uno de los clásicos del terror que marcó un antes y un después sin siquiera pretenderlo. Un referente a seguir durante las décadas pasadas y las venideras, en efecto hablo de Viernes 13.

A la sombra de ésta, Howard R. Cohen (que no hermano de los Cohen) en un futuro fue responsable de ‘joyas’ como Space Riders o Deathstalkers IV, debutó como director y guionista en 1981 con Sábado 14, una terrorífica comedia provechosa del título creado por Cunningham, pero con una sorpresiva vuelta de tuerca en el título, que él sabía sobradamente, atraería al público más curioso e incauto, puesto que la obra rodada en Cristal Lake estaba teniendo un éxito atroz.
Sin embargo, la obra de Cohen lejos estaba de convertirse en un hit del terror, ya que prácticamente era una comedia, esto lo digo guiándome por el trailer, ya que día de hoy todavía no la he visto. Aunque su valoración no es precisamente lo que me haga perder el tren por verla.


Pero bueno, centrémonos, hoy es sábado 14 y siguiendo la estela dejada ayer en el blog. Aprovecho para rendir homenaje a este curioso día que también tiene su propia película. Pero lo haré con la secuela dirigida por el propio Cohen, si señores hay secuela. Parece ser que a éste le pasó lo mismo que a Mark Neveldine y Brian Taylor con Crank, que no se quedaron satisfechos, y varios años después tuvieron que llevarla al extremo auto parodiándose a si mismos, aún más. Eso mismo es lo que hizo Cohen con su obra, coger el argumento típico de casa encantada y pervertirlo, aún más si cabe.

La original tenía tintes cómicos, así lo augura el trailer, pero la secuela es plena y puramente spoof movie, aunque estoy casi seguro de que la original era mucho más graciosa.
El spoof se ha convertido en género propiamente dicho, y tuvo su época dorada con títulos del estilo como Agarralo Como Puedas, Top Secret o Aterriza Como Puedas, entre otros. Años después la industria intentó revitalizar este subgénero con Scary Movie, la cual la recuerdo con cariño, pero que nos dejó una ristra de secuelas bastante flojas, y ello trajo sucedáneos como Superhero Movie, Casi 300 o Disaster Movie (no confundir con Disaster! hecha con muñecos, esa si que está bien) son spoof's que ni siquiera he visto, tan solo con ver el trailer me dan nauseas.
No es que las obras perpretadas durante los 80 e interpretadas por el gran y fallecido Leslie Nielsen fueran mucho mejor, pero al menos el humor era plenamente absurdo, tanto, que irremediablemente tenían su gracia. Ahora las bromas son demasiado estándar y en ocasiones bobaliconas, propias para poner el cerebro modo off. ¿Que esperaban señores?, me hago mayor y quieras o no, eso también influye.

Volviendo a la película, lo cierto es que su duración se agradece, ello no quita que a partir de media película la cosa ya no es que cae en picado, eso lo hace casi desde el primer minuto, sino que además empieza a hacerse pesada. Como una spoof que es, no esperaba grandes interpretaciones ni un manido argumento, pero si una sucesión de bromas cuanto menos ingeniosas y que no fueran tan previsibles como lo son. Véase el cubo de yeso ultrarrápido o el bolso en la cabeza de Linda, la hermana de Eddie, son irrisorias.


Referente al título, no sé la original, pero la secuela no tiene ningún punto de referencia o parodia a la saga de Jason Vorhees. Y eso que a estas alturas (1988) Cohen ya disponía de secuelas suficientes como para parodiar al personaje o sus situaciones. Aquí solo veremos que el amigo de Eddie lleva una máscara de hockey, que no se parece en nada a la de Jason.
Pero Cohen aprovecha para encasquetarla sin ningún tipo de justificación, ya que en la original no pudo. Recordemos que la mítica máscara apareció en la tercera entrega de la saga (aunque muchos la asociamos desde el principio) y Sábado 14 salió apenas meses después de la primera parte del asesino de Cristal Lake. La segunda ‘justificación’ a su inadecuado título es que el cumpleaños de Eddie cae en sábado 14, el día que vendrá el mal a dominar el mundo. Pero bien podría haberse llamado 5 de mayo, daría lo mismo.

El argumento por llamarlo de alguna forma, la mejor característica de una spoof es carecer de él, es la llegada del anticristo en cuerpo de vampiro adolescente, el típico apocálipsis premonizado. Pero para referencias claras y concisas, suenan The Gate, House y Ghoulies. Claro, que tonterías varias y referencias a otras obras de la misma década, encontraremos durante todo el metraje. La pena es que no tienen ni un ápice de humor.
Un pastiche de ideas y referencias a otras películas (con numerito musical incluido) que nos deja con un palmo de narices. Lo mínimo que se espera de una película que se dedica a parodiar, es algo de ingenio, bien sean referencias, personajes u escenas de obras que han gozado del éxito en el momento de su estreno, o bien que con el paso del tiempo se han convertido en obras de culto, algo que sin duda ésta no hará jamás. Lo único que me ha parecido gracioso son dos voces del doblaje. Eddie (Jason Presson) doblado por Salvador Aldeguer la voz de Murdock del Equipo A y Bert (Daniel Will Harris) doblado por Eduardo Moreno, que hace lo propio con Gwildor en Masters del Universo.

Pero bueno tenía que rendir homenaje al sábado 14, así que no me ha quedado más remedio que sufrir una penitencia, para que ustedes se libren. El resumen es, qué como cualquier spoof estamos ante una maratón de chistes y escenas conectadas con pinzas de tender, pero su punto fuerte, el ingenio y humor absurdo no tiene gracia. Dejando una fallida spoof movie que no ha sabido encontrar bromas adecuadas al nivel de lo esperado.


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13/4/12

Viernes 13



TÍTULO ORIGINAL: Friday the 13th
AÑO: 1980
DURACIÓN: 95 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Sean S. Cunningham
GUIÓN: Victor Miller
MÚSICA: Harry Manfredini
FOTOGRAFÍA: Barry Abrams
REPARTO: Betsy Palmer, Adrienne King, Harry Crosby, Laurie Bartram, Kevin Bacon, Robbi Morgan, Mark Nelson
PRODUCTORA: Paramount Pictures
PREMIOS: 1982 Festival de Sitges: Sección oficial largometrajes a concurso
1980: 2 nominaciones a los Premios Razzie: Peor película y actriz sec. (Betsy Palmer)

Varios jóvenes pasan sus vacaciones en un campamento de verano, reabierto recientemente, y en el que unos años antes murió un joven ahogado en el lago. Tras el suceso, encontraron a todos los monitores muertos.

Nada nuevo que decir sobre la película que inició una de las sagas más famosas en el género de terror, en concreto, el slasher. Sean S. Cunningham dirigió una película que se convirtió en todo un éxito, es el inicio sin pretenderlo, de lo que luego terminó convirtiéndose en un símbolo con entidad propia, uno de los personajes más conocidos en el terror, Jason Voorhees. El guión escrito por Victor Miller, sin ser nada del otro mundo, más bien se trata de un guión flojo, consiguió marcar un modelo que se sigue repitiendo hasta la saciedad. Viernes 13 es uno de los pilares base del cine de terror de la década de los ochenta, Sean S. Cunningham había trabajado en la producción de La última casa a la izquierda dirigida por Wes Craven en 1972, película que ya aprovechaba el filón de Bahía de sangre de Mario Bava en 1971. Tras el éxito que supuso poco después La noche de Halloween dirigida por John Carpenter en 1978, llegó Viernes 13.


La película está sobre valorada de una forma extrema, aunque es lógico, pues el tiempo la convirtió en un clásico dentro del género. Inició y marcó unas pautas que se siguen repitiendo sin ton ni son, como si no pudiera ser de otra forma, lo cual tiene cierto merito. En su momento la película creó impacto, aunque siendo una producción mediocre, si la vemos con perspectiva resulta que dispone de elementos admirables dentro de los margenes del género de terror, acentuando como se indica antes, en el slasher. Fue el inicio de un fenómeno que se convirtió en una explotación comercial para la productora Paramount Pictures.


Esta película es de las que consigue que construyas un buen recuerdo de ella con el paso del tiempo, pero en realidad la película está muy por debajo de cualquier buen recuerdo que pueda generar. El guión es tan pobre que funciona precisamente por esa sencillez, recoge todos los elementos más superficiales de Halloween de John Carpenter y se puede decir que los transporta al lugar y momento adecuados. La visión del director en conjunto con el cámara Braden Lutz consigue algunos momentos interesantes; lo mismo ocurre con la iluminación propuesta por el director de fotografía Barry Abrams, muy simple, llana, pero con algún momento a resaltar. Es una película que cuenta con varios elementos que en conjunto consiguen funcionar por momentos, pero no nos engañemos, la película es mala, incluso lenta y aburrida, pero ahí está, es Viernes 13.


La banda sonora de Harry Manfredini es más que mítica, en especial por el efecto sonoro rítmico que nos acompaña durante la película para augurar la muerte de los personajes que deambulan por Crystal Lake. El efecto de audio proviene de las primeras sílabas de Killer Momi (Mátalos Mamá), al pronunciarlas en el micrófono con un efecto de eco se crearon esos inquietantes suspiros rítmicos que de forma automática se asocian a la película, con el tiempo directamente al personaje de Jason. Otro elemento característico es el mítico campamento sangriento conocido como Crystal Lake, artífice de múltiples inspiraciones. En ese recóndito lugar es donde los personajes van perdiendo la vida, personajes interpretados de una forma que roza lo amateur, por ende entre otros motivos consiguió la película dos premios Razzie, en concreto por la actuación de Betsy Palmer; curioso que renegara de la película, aunque podamos verla en muchas fotos haciendo gala del éxito que proporciona la franquicia, el cual transcendió su interpretación. Otra curiosidad es la aparición de un joven Kevin Bacon, víctima de una de las muertes más características en la película, algo que da paso al tema de los efectos especiales.


El nombre de Tom Savini es de sobras conocido dentro del genero del fantástico y el terror, fue el encargado de coordinar el apartado de efectos especiales en Viernes 13. Fue uno de los primeros en ser contratados, aunque sea evidente la evolución del trabajo que realizó en la película en comparación con otras producciones más actuales, hay que decir que en su momento el resultado final fue muy efectivo, incluso ahora hay algunos pequeños efectos que siguen sorprendiendo. Consiguió, gracias a la caracterización y maquillaje, un buen golpe de efecto con el carismático final de la película que a día de hoy sigue impactando aunque lo hayas visto mil veces. Te deja con ese regusto mohoso de las profundidades de Crystal Lake.

12/4/12

Escalofrío


TÍTULO ORIGINAL: Escalofrío
AÑO: 1978
DURACIÓN: 83 min.
PAÍS: España
DIRECTOR: Carlos Puerto y Juan Piquer Simón
GUIÓN: Carlos Puerto
MÚSICA: Librado Pastor
FOTOGRAFÍA: Andrés Berenguer
REPARTO: Ángel Aranda, Sandra Alberti, Mariana Karr, José María Guillén, Manuel Pereiro, Luis Barboo, José Pagán, Isidro Luengo, Ascensión Moreno, Carlos Castellano
PRODUCTORA: Almena Films / Cinevisión

Una pareja que está esperando un hijo, deciden ir a dar una vuelta con su perro. Por casualidad se cruzan con otra pareja, Bruno y Berta, que les invita a pasar la tarde en su casa. Una vez allí, comenzarán a sucederse hechos extraños.

Argumento escueto para el debut en el mundo del largometraje para Carlos Puerto, bajo el apadrinamiento de Juan Piquer Simón, un conocido cineasta de género fantástico en nuestro país. Juan Piquer Simón colaboró de forma parcial en la dirección de algunas escenas, así como en diversos aspectos de la producción de la película. La intención estaba clara, aprovechar el filón de películas de la misma década relacionadas con posesiones, satanismo y sectas, mezclado con el destape. En su momento obtuvo la calificación S, una película que cosechó más éxito en su distribución internacional.


Escalofrío se consideró una película erótica con tintes de terror, aprovechó un buen momento para tratar un tema como el satanismo, que por entonces y de forma universal, captaba mucha atención. Como curiosidad, la película dispone de un prologo introductorio a la ambientación y tono del que hará gala todo el metraje; parte de su gracia es que está narrado por el doctor Jimenez del Oso, conocido por entonces por tratar temas de ocultismo y parapsicología. Escalofrío es una película que no manejó un gran presupuesto, pocos actores y localizaciones. La película se podría decir que es mala, aunque interesante en cierto modo; tiene sus aciertos y momentos que están bien rodados, pero termina siendo algo aburrida y repetitiva. La banda sonora está compuesta por Librado Pastor, que ya trabajó en otras producciones como Mil gritos tiene la noche, consigue unas melodías simples que ayudan a potenciar la ambientación de la película, ayuda mucho.


Las actuaciones de los pocos personajes a interpretar están bien, convincentes para el tipo de producto y su año de producción, con actores que ya disponían de un largo recorrido como Ángel Aranda. La película también contó con la presencia de Sandra Alberti para dar el toque erótico, en conjunto de Mariana Karr; ambas son el reclamo del destape llevado a escenas de sexo algo más explicito, sobretodo en su momento. La propuesta de la película es interesante, pero incluso con su ajustada duración termina siendo algo tediosa, así como previsible. El guión está lleno de diálogos absurdos, situaciones inverosímiles y repetitivas. Lo más atractivo de la película reside en el tono característico de la década de los 70 para hablar de ocultismo y satanismo, pero con ración extra de teta. La iluminación de Andrés Berenguer tiene algunos momentos interesantes, pero por lo general es muy simple y no consigue narrar ni transmitir demasiado. Después de Escalofrío el director y guionista Carlos Puerto dirigió cuatro películas más, tres de ellas también firmó el guión. Cine erótico satánico desde la España de finales de los 70, no se trata de una gran película, pero es una curiosidad que más allá de nuestras fronteras adquirió cierto estatus siendo más conocida como Satan's Blood.

El Convento del Diablo


TÍTULO ORIGINAL: The Convent
AÑO: 2000
DURACIÓN: 84 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Mike Mendez
GUIÓN: Chaton Anderson
MÚSICA: Joey Bishara, Joseph Bishara
FOTOGRAFÍA: Jason Lowe
REPARTO: Joanna Canton, Richard Trapp, Dax Miller, Renée Graham, Liam Kyle Sullivan, Megahn Perry, Jim Golden, Chaton Anderson, Adrienne Barbeau, Kelly Mantle, David Gunn, Oakley Stevenson, Larrs Jackson, Coolio, Bill Moseley
PRODUCTORA: Alpine Pictures

El colegio femenino de St. Francis fue cerrado hace décadas debido a una horrible historia que allí sucedió. Una joven llamada Christine al parecer asesinó a varias monjas y un sacerdote, y ahora vive aislada en una de las casas del pueblo. El convento sirve de marco para innumerables leyendas, y tradiciones como pintar las letras del colegio en la torre antes de comenzar el juego de la hermandad escolar. Un grupo de amigos decide ir al viejo edificio para realizar la pintada y de paso tener allí una pequeña fiesta. Pero aparece una pareja de policías, y los jóvenes deben irse del lugar, dejando allí sola a una de las chicas. Cuando regresen, se encontrarán con que terribles fuerzas habitan el lugar...

Es indiscutible que para hacer cine bueno hay que tener talento, pero para hacerlo malo, también. Mike Méndez se pone tras este subproducto pseudo-vampirico-demoniaco del que cualquier amante de la serie B, Z o incluso peor, debería sentirse avergonzado. Más vale no hayamos comido recientemente, no porque nos vaya a revolver el estomago con repugnantes escenas, sino por su mal desarrollo, su lamentable puesta en escena, su infantiloide guión, y sus diálogos paupérrimos que ni siquiera hacen gracia. Los personajes no ayudan nada en ese aspecto, su ausencia de carisma brilla más que el sol en pleno agosto. Están bien estereotipados para el género que plasma en pantalla, pero su falta de personalidad consigue que ninguno de ellos nos caiga en gracia o lo detestemos, más habitual esto ultimo.


Méndez es responsable de títulos como The Gravedancers con Dominic Purcell (Prison Break), la cual no he visto pero no me han dado buenas referencias. Y Mega Spider, monster movie que actualmente está en post-producción, pero que tan solo ver el póster, todo apunta a la calidad perpetrada por la productora Asylum. Así que si le sumo The Convent, creo que no volveré a ver ninguna película de éste señor, al menos siendo consciente que él es su autor.

Hacer serie B o inferior, serie Z, es un arte igual o más que hacer una buena película. Una película puede ser mala, pero si tiene cualidades que merezcan la pena, puede obtener nuestra absolución e incluso el beneplácito y pasar a formar parte de nuestra colección personal, subiéndola a un pedestal. Ahí tenemos a Jhon Carpenter con 1997 Rescate en Nueva York, 2013 Rescate en L.A o Golpe en la Pequeña China , todas son para mí, grandes pilares en mi videoteca. En un plano más underground, que sería más cercano a lo que nos propone Méndez, tenemos ejemplos como Troll, Terrorvision o Killer Klowns from Outer Space, son malas, pero todas tienen algo en común, sus personajes y sus situaciones. Los personajes desprenden una esencia que los hace distinguidos, y las situaciones que nos brinda cualquiera de ellas en los momentos más inesperados son tan carismáticas y risibles que son dignas de elogios, aunque la película sea mala a rabiar.


Méndez intentó crear algo similar a lo que otros hicieron sin pretender, el talento se forja, no se compra. Para que os hagáis una idea lo que vendría a ser Hobgoblings para Gremlins lo es The Convent para Demons de Lamberto Bava. Parece que sea un intento de homenajear (por no decir plagiar), digo parece, ya que está enfocado a la más pura comedia americana, con tintes spoof en algún aislado momento y el esquema que le imprimiría el propio Carpenter.
Hasta ahí todo sería coherente si tuviera algo destacable. Sin embargo ni técnicamente, ni argumentalmente tiene nada que valga la pena. Lo único salvable es la parte del artesanal maquillaje y se lo cargan plenamente en post-producción metiéndole por doquier, lo que yo llamo el efecto de videoclip Marilyn Manson, no sé si tiene algún nombre técnico, yo lo defino de esa manera. Supongo que la finalidad es disimular los posibles fallos del látex y prótesis. Pero Méndez debería pensar que ahí está el encanto de una serie B o Z, que sería más propio del caso de ésta. El mencionado efecto consiguió sacarme de quicio, ya que es algo que soporto menos todavía que la cámara con parkinson, ahora lo hubiera preferido mil veces.

Los actores dan pena, no son creíbles, pero carecen del carisma y personalidad. Es bastante amateur. Lo único en lo que cumplen es que desde el primer minuto todos merecen ser decapitados, tal y como debe de ser en una película de estas características. Ni siquiera la fugaz aparición de Bill Moseley (Los Renegados del Diablo) como uno de los dos policías, salva la papeleta.
Joshep Bishara responsable de la orquestación de películas como 11-11-11, Insidious o Night of the Demons, lo que no es garantía por 5 años con piezas y mano de obra incluida. Le pone la melodía a la cinta más propicia para Mortal Kombat, y aunque en algún aislado momento cambia de registro y suena al Carpenter de El Príncipe de las Tinieblas, no la salva del desastre con su estupido humor.

The Convent es una película que ni siquiera en un ambiente festivo tal como es el que se respira en las proyecciones del Valhalla Club de Rock (que ahí es donde la vi) con comentarios firmados por los mejores asistentes de Cotxeres de Sants. Ni siquiera así libró de la tortura a mis neuronas. Y eso que no me esperaba nada especial.

8/4/12

Programación I Festival de Cortometrajes en HD

Hace algún tiempo que anunciábamos el nacimiento de un nuevo festival de cortometrajes, organizado desde la web No es cine todo lo que reluce.


Pues a escasos días de su inicio, dan a conocer la programación.

* Amarillo limón
Director: Felipe Garrido Archanco
Reparto: Carlos Álvarez Nóvoa, Josefina Calatayud, Rubén Sánchez Vicente
Duración: 4'

* ¿De qué se ríen las hienas?
Director: Javier Veiga
Reparto: Javier Veiga, Toni Acosta, Carlos Hipólito, Chiqui Fernández, Millán Salcedo y Beatriz Ayuso
Duración: 24'

* error0036
Director: Raúl Fernández Rincón
Reparto: Paco León
Duración: 12'

* Je Déteste
Director: Juan Manuel Aragón
Reparto: 8' 13"

* Llámame Parker
Director: Peris Romano
Reparto: Gorka Otxoa
Duración: 3'

* Lone-illness
Directora: Virginia Llera
Reparto: Javier Rey, Cristina Pascual
Duración: 11'

* Mexican cuisine
Director: Fran Guijarro
Duración: 4'

* Noches
Director: Herminio Cardiel
Reparto: Nana Rodríguez y Ángel Martín
Duración: 7' 42"

* Nuestro pan
Directora: Emma Sánchez
Reparto: Ángel Savín, Val Núñez y Kikín Fernández
Duración: 4'

* Paranoicos
Director: Luis Mª Morillo (Luis Vil);
Reparto: Unai Ruiz, Silvia Castillo, Aaron Obeso, Esther Arroyo y Luis Garayo
Duración: 12'

* Segunda luna de miel
Directora: Sara Losa
Reparto: Sara Losa
Duración: 3'

* Sin mirar atrás
Director: Antón González
Reparto: Javier Villalba, Daniel Retuerta, Victor Merchán, Susana Garrote y Sergi Méndez
Duración: 8'

* Tierra estéril
Directora: Irene Garcés
Duración: 3' 45"

Próximamente se dará a conocer los cortos seleccionados de los pases correspondientes a los días 21 y 28, entre los que saldrán los cortos galardonados que se proyectaran en la gala de clausura del 3 de mayo.

A partir de mañana se podrán adquirir las entradas y abonos. El precio de las entradas matinales es de 2€, y el de la gala de clausura es de 4€. También saldrán a la venta un número limitado de abonos con un coste de 6€ que dará acceso a las tres sesiones matinales así como a la gala de clausura y su posterior fiesta de despedida.

Las entradas y abonos las podéis adquirir en Valladolid en:
Cinebox Vallsur (C.C. Vallsur. C/ Camino Viejo de Simancas s/n)
Maral Copy (C/ Marina Escobar, 6)

7/4/12

Los contratiempos de The Human Centipede 3

Hace unos días salió una noticia que parecía hacer peligrar el futuro rodaje de The Human Centipede 3. Qué como sabréis por aquí le seguimos la pista. Las anteriores, First Sequence y Full Sequence nos parecen bastante grandes.

Pues bien Dieter Laser que había sido confirmado en el reparto para repetir su papel de Dr. Hieter junto a Lawrence R. Harvey en el de Martin. Al parecer el primero tuvo algunas discrepancias con Tom Six en cuanto al guión se refiere, al parecer abandonó el proyecto.


La productora de Tom (ósea su hermana) demandó al actor por incumplimiento de contrato, pero este no ceso en sus opiniones personales, y salió en su propia defensa con estas declaraciones..."Es muy simple. Me encantó la idea cuando se me contó y firmé el contrato con la promesa de tener un guión en 4 o 6 semanas. Sin embargo, este me llegó medio año después y no me gustó cómo se había desarrollado la historia ya que no podía identificarme con el personaje en la forma que había sido escrito. Así que me dediqué un día y una noche a realizar una serie de sugerencias en el guión pero parece que a Tom no le ha hecho gracia...".

A seis semanas del rodaje, parecía que todo fuera marketing viral. Sin embargo Laser ha desaparecido del cast, y aunque todavía no está confirmado en su lugar ya suena un nuevo nombre, Udo Kier. No me parece una mala elección, pero sustituir a Laser rompe bastante el esquema visual. Esperemos que la tercera entrega esté a la altura correspondiente, cerrando la saga con buen pie.

6/4/12

ABC Monsters

ABC Monsters es un homenaje a los monstruos clásicos, aunque alguno de ellos sea más actual. Sin duda una buena y amena de aprenderse el abecedario, aunque al ser en Inglés falte alguna letra tan característica de nuestro alfabeto como es la ñ. De todas formas no se me ocurre ninguno con ésta letra.

Dirigido y animado por Gäel Roda. Y producido por La Pompadour, una productora de televisión fundada en 2010 por tres socios que vinculan las competencias en escritura, dirección de arte, diseño y producción.

La finalidad del simpático corto, es que mediante la letra y otros detalles infográficos o sonoros, adivinemos a cual monstruo se refiere. Aunque la mayoría son bastante fáciles, he de confesar que a un servidor le han faltado cuatro por adivinar. Que lo disfruten.