28/5/12

Más material promocional de The Dark Knight Rises

Sigue llegando material promocional de The Dark Knight Rises. En primer lugar, dos nuevos pósters, uno de Batman y otro de Catwoman. También tres nuevos banners de Catwoman, Bane y Batman. Y por último un tercer TV spot. En general el material cada vez es menos novedadeso, por lo que resultan menos impactantes, señal de que se guardan la artillería pesada para los días previos al estreno, 20 de julio. Aunque ya se ha anunciado que en los MTV Movie Awards 2012 del 3 de junio presentarán nuevas escenas en uno de los descansos de la gala.






Palmarés de la Sección Oficial del 65º Festival de Cannes


Finaliza otra edición del festival de Cannes, la nueva película de Michael Haneke consigue el consenso del jurado y le otorgan la Palma de Oro a la mejor película.

Palmarés de la Sección Oficial del 65º Festival de Cannes

Palma de Oro a la mejor película: Amour de Michael Haneke
Gran premio del jurado: Reality de Matteo Garrone
Premio al mejor director: Carlos Reygadas por Post tenebras lux
Premio al mejor actor: Mads Mikkelsen por The hunt
Premio a la mejor actriz: Cosmina Stratan y Cristina Flutur por Beyond the hills
Premio al mejor guion: Beyond the hills de Cristian Mungiu
Premio especial del jurado: The Angels share de Ken Loach
Palma de Oro al mejor cortometraje
: Sessiz-Be Deng de L. Rezan Yesilbas
Cámara de Oro a la mejor ópera prima:Beast of the southern wild de Benh Zeitlin



AMOUR de Michael Haneke

26/5/12

Catwoman tiene su huevo de pascua


Parece que los posters expuestos en las salas de cine de The Dark Knight Rises (la versión online no lo llevan) contienen un suculento huevo de pascua, mediante un código QR. Para los que no sepáis lo que es un código QR, son esos códigos cuadrados muy habituales hoy en día en el marco públicitario.

Una vez escaneados con un lector de códigos, muy util llevar uno instalado si tienes un smarthphone, te conducen a una página web, bien sea en forma de artículo o imagen, como es el caso.
Un póster de Catwoman, 'escondido' en la web oficial, y que al igual que el de la máscara rota de Batman, resulta un tanto revelador.
Podéis verlo en el siguiente enlace http://www.thedarkknightrises.com/catwomanbig.jpg.

Crash


TÍTULO ORIGINAL: Crash
AÑO: 1996
DURACIÓN: 100 min.
PAÍS: Canadá / Estados Unidos
DIRECTOR: David Cronenberg
GUIÓN: David Cronenberg (Novela: J.G. Ballard)
MÚSICA: Howard Shore
FOTOGRAFÍA: Peter Suschitzky
REPARTO: Holly Hunter, James Spader, Deborah Kara Unger, Elias Koteas, Rosanna Arquette, Peter MacNeill
PRODUCTORA: Fine Line
PREMIOS 1996. Cannes: Premio especial del jurado

Una noche, James Ballard sufre un accidente automovilistico, su coche se estrella contra el de Helen y ambos son ingresados en un hospital. Lo sorprendente es que inmediatamente después del choque los dos experimentaron una extraña atracción mutua. A partir de entonces, la vida de James se precipitará hacia un mundo oscuro y prohibido, dominado por el peligro, el sexo y la muerte.

Crash es por antonomasia la película más chocante de David Cronenberg, repudiada y despreciada por un gran porcentaje de personas. La película tiene la particularidad de no caer en medias tintas, si te gusta te gusta mucho, si por lo contrario te disgusta, conseguirá que la odies. En mi opinión es buena señal, lo importante para una película es no dejar indiferente, que te remueva algo por dentro, que cree en tu interior algún tipo de sensación aunque no la sepas expresar; en el caso de Crash hay que decir que cumple de sobras. A quienes no les gusta la película suelen tener en común que en su interior florecen sentimientos de desprecio, asco y repulsión; comunes adjetivos que utilizan para describir la película. Resulta curioso que una película que su tonalidad se mueve por esas tesituras tuviera que provocar otro tipo de sensaciones, la película cumple con su propósito, inquietar, escandalizar... una colisión directa. Por lo contrario, el hecho de que la película te guste no quiere decir que no despierte en tu interior ese tipo de sentimientos, pues algo en común que une tanto a quienes la repudian como quienes la disfrutan, es que consigue desconcertar.


La película está basada en la novela homónima de James Graham Ballard de 1973, por lo que he investigado, en algunos aspectos es más explicita que la adaptación cinematográfica pero en conjunto no tan atrevida. Al igual que ocurre con la adaptación de El almuerzo desnudo, Cronenberg introduce al autor de la obra que adapta en la acción, en este caso el personaje de James Spader tiene el mismo nombre que el escritor de Crash y nos guiará por ese desangelado y aséptico mundo que Cronenberg nos muestra. La novela parece contener una vía por la que David Cronenberg puede desarrollar todos aquellos elementos que trabaja en sus películas, pero de forma mucho más sutil. La transmutación que sus personajes siempre sufren es en esta ocasión interna, aunque su dolor interno vaya quedando reflejado en sus cicatrices externas. Para poder mostrar eso hay un gran trabajo de encuadre, iluminación, sonido y arte, un conjunto de ideas que pasan desapercibidas, pero están ahí y son elementos que enriquecen la película. También se trata el concepto conspiranoico reflejado en como muestra la sociedad, un mundo de tonalidades azules, frío como el metal, donde el ritmo de vida incesante provoca que nada sea suficiente. Ahí es donde se desarrollan los personajes a través del sexo, comportamientos violentos que desembocan hacia perversiones en las que para sentir algo hay que rozar el límite, la delgada línea que nos separa de la muerte. Una serie de personajes que se entrelazan entre ellos, un choque de fuerzas que provoca el nacimiento de algo nuevo, la mecanización de la consciencia humana reflejada en la molicie autosatisfacción a la que se prestan.


El reparto está muy bien seleccionado empezando por James Spader, parece que haya nacido para este tipo de papeles. Deborah Kara Unger realiza un trabajo sensacional, su templanza y frialdad es el contrapunto a toda la sensualidad y lascividad que contiene su personaje. Holly Hunter es el motor que provoca la activación de la acción, conlleva a una reacción y termina contaminada por la sordidez. Elias Koteas es la personificación de la perversión, adquiere el papel de mentor acompañado de Peter MacNeill y Rosanna Arquette en papeles más secundarios, pero son la perfecta caracterización de la degeneración en la que los protagonistas van profundizando. La actuación de los actores es la ideal para la película, su dirección es muy precisa, el juego de miradas, las expresiones indolentes, la forma en la que dialogan, todo está pensado para la construcción del tono de la película, que en su conjunto final consigue provocar una serie de sensaciones que distan mucho de lo agradable.


La fotografía de la película es otro punto y a parte, la dirección fotográfica de Peter Suschitzky es tan sutil como desbordante. No se basa solo en conseguir tonalidades azuladas y combinaciones de colores fríos combinados con una tonalidad cromática más cálida como contrapunto, va mucho más allá, desde sombras y luces expresivas, hasta sutiles reflejos sobre los personajes. Está pensado para crear conceptos, despertar sensaciones y construir ideas; todas relacionadas con la temática de la película, tan integradas que no destacan por encima de otros elementos. La banda sonora compuesta como de costumbre por Howard Shore es inquietante y perturbadora, no despierta especial emotividad, más bien es ecléctica en función a la película, contiene aquello que se quiere transmitir al público pero que resulta de difícil asimilación por lo abrupta que resulta la propuesta.


A parte de recibir un premio especial del jurado en Cannes, la película consiguió en los premios Genie de 1996, lo que vendría a ser el equivalente de los Oscar en Canadá, los premios a la mejor fotografía, mejor dirección, mejor montaje, mejor guión adaptado, mejor montaje sonoro y la Bobina de Oro; también consiguió una nominación en 1998 por parte de la Motion Picture Sound Editors al mejor montaje sonoro. A partir de su estreno, la película sufrió censura en gran parte del mundo, en Estados Unidos sufrió recortes y en Inglaterra directamente se prohibió su estreno. Lo curioso es que en España se pudo ver la versión íntegra, es posible que tal como están las cosas en la actualidad ni la estrenasen. Crash es una película complicada para recomendar, no porque resulte compleja para su entendimiento, aunque si lo puedan ser las re-lecturas que ofrece, es una película de la que si escarbas sacas mucho más de lo que piensas, sobre todo por la calidad cinematográfica que esconde. También es cierto que para disfrutar de muchos de los elementos de Crash tienes que conocer el recorrido de Cronenberg y tener una cierta afinidad, pero eso no es excusa para quedarse en la superficie de Crash, hay que indagar más, levanta su capó y toquetea su motor, te mancharás, pero descubrirás cosa nuevas.

25/5/12

Banners promocionales de The Dark Knight Rises

Sin duda alguna, las esperanzas puestas en el cierre de la trilogía sobre el personaje de Batman, iniciada por Christopher Nolan en 2005, son muy altas. Y Warner Bros quiere arrasar en taquilla, el estreno está cerca, muy cerca. Así que la promoción del film se acrecenta por momentos. No pretendo hacerme repetitivo, pero dada mi impaciencia y esperanzas depositadas en ella, siento la impetuosa necesidad de compartir todo el material gráfico que vaya saliendo. La película se estrena el 20 de julio en nuestro país y EE.UU, el resto de fechas las desconozco, pero seguro que no te costará encontrarla en la red.

Tras el tercer póster y la primera y segunda tanda de pósters de los personajes, además de dos spots para televisión, ahí van seis banners, disfruten y no se muerdan las uñas.






La vida de nadie


TÍTULO ORIGINAL: La vida de nadie
AÑO: 2002
DURACIÓN: 103 min.
PAÍS: España
DIRECTOR: Eduard Cortés
GUIÓN: Eduard Cortés, Piti Español
MÚSICA: Xavier Capellas
FOTOGRAFÍA: José Luis Alcaine
REPARTO: José Coronado, Adriana Ozores, Marta Etura, Roberto Álvarez, Adrián Portugal, Laura Conejero
PRODUCTORA: Enrique Cerezo P.C. / Antena 3 / Canal +

Emilio Barrero (José Coronado) en apariencia es un hombre de éxito. Economista del Banco de España, tiene una buena esposa, un bonito chalet y un hijo que le admira. Está a punto de cumplir 40 años, y su esposa Ágata (Adriana Ozores) le está preparando una sorpresa; pero la sorpresa se la va a llevar su familia, porque la vida de Emilio Barrero está basada en la mentira. Cuando Rosana (Marta Etura), una encantadora estudiante aparece en su mundo, el precario equilibrio que mantiene su existencia se desmorona.

Opera prima del director Eduard Cortés que obtuvo gran éxito y reconocimiento, se estrenó en la 48ª edición del Festival Internacional de Cine de Valladolid consiguiendo premio a la Mejor Actriz para Adriana Ozores y nominación a la Espiga de Oro para para Eduard Cortés. Al siguiente año de su estreno obtuvo tres Nominaciones a los Goya, aunque no consiguió ninguna estatuilla, estando Adriana Ozores nominada como mejor actriz, Marta Etura como actriz revelación y Eduard Cortes por dirección novel. La película está basada en un caso real del francés Jean-Claude Romand quien engañó durante años a toda su familia hasta que no pudo seguir con la mentira y terminó matándolos. No he destripado el desenlace de la película pues se evitó este final, en palabras del propio director, por ser excesivamente dramático para la película.


Eduard Cortés comenzó su carrera con algunos cortos y trabajando en series televisivas hasta su debut en cine con el largometraje La vida de nadie en el 2002. En la actualidad se estrenó su nueva película The Pelayos y tiene anunciada otra titulada ¡Atraco!, ambas también basadas en personajes y hechos reales. La vida de nadie ya tenía a sus espaldas y de forma muy reciente otras películas que abordan el mismo caso, la francesa El empleo del tiempo dirigida por Laurent Cantet en el 2001 y el mismo año de su estreno la co-producción entre Francia, España y Suiza L'adversaire, dirigida por Nicole Garcia. La cuestión es que Eduard Cortés adaptó el caso a nuestro país reflejando la sociedad Madrileña.


La vida de nadie está contada sin caer en lo excéntrico, se aleja de provocar carcajada involuntaria para mantener de forma dosificada una tensión casi constante. Creó alguna que otra división de opiniones por su final, hay quien lo tacha de cobarde y hay quien lo realza como el más apropiado. La cuestión es que resulta algo previsible, pero funciona en la película. También hay que decir que la fotografía de José Luis Alcaine funciona mucho mejor que el final durante toda la película, sin resultar una fotografía destacable mantiene una coherencia y en algunos momentos realza la escena. Este director de fotografía a sido nominado a los Goya en muchas ocasiones habiendo sido premiado con el Goya a la mejor fotografía en cuatro certámenes por las películas: El sueño del mono loco, Belle Époque, El pájaro de la felicidad y El caballero Don Quijote.


Donde la película tiene su mayor potencial es en los actores, un buen casting de Carlos Manzanares bien dirigidos por Eduard Cortés. Como protagonista tenemos a José Coronado, que en los últimos años está demostrando que cada vez es mejor actor. Adriana Ozores borda su papel como ingenua esposa que confía ciegamente en su marido, lo mismo ocurre hasta cierto punto con Marta Etura en el personaje que interpreta, ambas actrices lo hacen muy bien. Como secundario destacado tenemos a Roberto Álvarez, reconocido actor con una amplia trayectoria profesional. La vida de nadie es un gran debut, sin ser una película brillante consigue mantener la atención, crea expectativas que en mayor o menos grado consigue satisfacer y algún momento de tensión dramática muy logrado.

24/5/12

TV Spot's de The Dark Knight Rises

Dos spots televisivos para el estreno del año, se repiten las secuencias de los trailers, pero también hay algunas nuevas imagenes que me han dejado totalmente agotado y más nervioso todavía, así que solo voy a decir. 20 de julio.


Team America, la policía del mundo


TÍTULO ORIGINAL: Team America World Police
AÑO: 2004
DURACIÓN: 98 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Trey Parker, Matt Stone
GUIÓN: Trey Parker, Matt Stone, Pam Brady
MÚSICA: Harry Gregson-Williams
FOTOGRAFÍA: Bill Pope
REPARTO: Animation
PRODUCTORA: Paramount Pictures

Team America, una policía mundial encargada de mantener el orden y la estabilidad en el mundo, se entera de que un ambicioso dictador está repartiendo armas de destrucción masiva a los terroristas.

Trey Parker y Matt Stone son los creadores de South Park, la mejor serie de animación de todos los tiempos. Así que a estas alturas, poco o nada puedo decir a su favor, que ellos mismos no hayan demostrado ya. Para definirlos rápidamente, diré que son dos grandes genios del humor. Esta pareja, se meten con todo lo que se les ponga delante, la iglesia, el gobierno, los actores, temas actuales, cantantes, racismo, la sociedad, el terrorismo y un largo etcétera de asuntos, personas y lugares. Lo hacen de una forma directa, sin remilgos y sin miedo a posibles represalias, forma que nadie parece atreverse a igualar.

Por supuesto que esto ha hecho que les caigan demandas, sobre todo del colectivo de actores de Hollywood, pero ellos apechugan, y se acogen a la primera enmienda. Así qué ahí siguen, riéndose de todo y de todos. Con perdón de Los Simpson o Padre de Familia, que tiran la piedra y esconden la mano, para mí quedan totalmente barridas por South Park, su humor y su sarcasmo son inigualables. La serie arrancó en 1997 y debido a su éxito se ha comercializado mundialmente, aunque aquí llevamos un retraso considerable en la edición del DVD. En 1999 se hizo un largometraje, South Park: Bigger, Longer,Uncut, y les quedó muy bien. Pero consiguió que mucha gente se hiciera una opinión errónea, quedándose con un concepto totalmente equívoco de la serie, alegando que solo eran cuatro niños diciendo tacos, y South Park es mucho más que eso, pero no hablemos más de ella qué nos desviamos del tema.

Aunque no es su primera incursión en el cine, ya debutaron con Orgazmo, se puede decir que en 2004, fue a lo grande. Con un presupuesto de 30 millones de dólares se lanzaron de cabeza a la piscina con ésta divertida comedia, protagonizada únicamente por marionetas. La escala es de 60 cm, que representa una persona de 1,80.
La película parodia el cine de acción y las superproducciones hollywoodienses, en la que América siempre sale victoriosa. Su argumento arremete contra la conspiración gubernamental y el terrorismo islámico. Un guión que no resulta original, pero si su manera de enfocar las tópicas situaciones, desengaños amorosos, traición, crisis de identidad etcétera. Escrito por ellos mismos, con cierta modestia declaran, que es una mierda, pero a mí me hace descojonarme con todas y cada una de sus descabelladas situaciones. Los personajes son estereotipos del género que parodia, y los clichés se suceden cual producción de Hollywood con un cero en el cerebro del guionista. Pero creo que a todos os hará reír de principio a fin, con las reacciones y situaciones que sus personajes y el propio Team America nos brindarán.



Todos los escenarios son recreados artesanalmente y con un nivel de detalle nada envidiable a las superproducciones, e incluso mejor que éstas. Ya sólo el hecho de atribuirle el mérito, al crear un escenario desde cero, replicas exactas de localizaciones mundiales sobradamente conocidas como la Torre Eiffel, el canal de Panamá o el monte Rushmore, entre otros, la hace mayor y más grande.
Muchas piezas que decoran los escenarios, como lámparas, mecheros, vasos….vamos cualquier objeto de atrezzo, son realmente pequeños y están muy bien hechos. La vestimenta y los pequeños detalles de los personajes, también están realmente elaborados, dando un toque personal a cada uno de ellos. Y los efectos especiales son creme de la creme de la vieja escuela, fuego, agua y disparos que puedes ver en pleno rodaje, nada de pantallas verdes, el cielo u otros trozos ‘etéreos’ son un simple fondo de papel, pero que quedan muy bien integrados. Y atencion a elementos como las panteras, solo con pensarlo, me meo de la risa.

La película no cuenta con actores famosos, bueno en realidad sí, las marionetas de esos actores, entre los cuales hayamos a Alec Baldwin, Samuel L. Jackson, Matt Damon, Susan Sarandon etcétera de la que se llevarán una buena parte sarcástica del pastel. La intención de Parker y Stone era contar con la colaboración de éstos, aunque ninguno dio señales de vida, ni mostró interés en el proyecto, así que tal como hacen en la serie, las voces en la mayoría de personajes principales fueron puestas por el propio Parker y Stone y adonde no llegaban estos, están algunos actores de series televisivas. En el doblaje esto no importa demasiado, pero hay que reconocer que está muy bien doblada, captura la esencia de cada personaje.

Para crear las expresiones faciales de los personajes, el interior de las cabezas fueron realizadas con animatronics. Y en algunos personajes tuvieron, como el Kim Jong-il, tuvieron que hacer más de una para recrear dos expresiones demasiado opuestas, el enfado y la risa, teniendo en cuenta el tamaño de la cabeza. Los movimientos no dejan de ser marionetas, pero están realmente bien coordinados, y quedan realmente acorde con el tono de la película. La dificultad del equipo que dirige a éstas era realmente para sudar. En algunas escenas con varios personajes extremadamente juntos, evitar que se liaran los hilos, era una ardua tarea. Un aplauso para la habilidad de los titiriteros y para todo el equipo del diseño de producción, que realizan un estupendo trabajo.


El nivel de humor y su manera de meterse con todo y con todos, es totalmente equiparable al de la serie. Con lo cual si estas familiarizado, vas a disfrutar y mucho.
La banda sonora a cargo de Harry Gregson-Williams, dota a la película de un toque personal, a la vez que sabe acompañar muy bien las escenas dramáticas, que las hay, aunque provoquen cierta gracia por el tono paródico en que se toman. Williams que ha trabajado en películas como Imparable o Última Llamada, encaja muy bien los temas con las escenas de acción, al estilo de las superproducciones de Jerry Bruckheimer, como La Roca, Bad Boys o Black Hawk. Y aunque la película no es un musical, tiene algunos temas vocales dignos de numerito musical, que le dan un toque similar a dicho ‘género’. Si eres seguidor de South Park, no se te hará extraño, ya que a veces suelen aderezar sus capítulos con canciones.  Las canciones también han sido dobladas, y aunque son mejores en versión original, han sabido captar la esencia de los temas bastante bien.

Una película totalmente recomendable para la gente que no tenga problemas con el sarcasmo y el desfase crítico en cualquier aspecto de la vida, sin duda para gozar principio a fin, yo personalmente me parto de risa.

23/5/12

Más pósters de The Dark Knight Rises

Esta misma mañana ya lo avisaba, la tercera y última entrega del Batman creado por Christopher Nolan, se acerca, y muchos estrenos importantes también, así que hasta el día de su estreno la promoción va a empezar a ser más medíatica que nunca. Para que la gente que todavía no ha tomado el debido interés en la película, lo haga. Ahí van tres posters más.


Pósters de personajes de The Dark Knignt Rises

Ayer informaba sobre un nuevo póster, y parece que empieza la promoción de la película a lo fuerte, de aquí a su estreno, creo, que van a llegar muchas pildoras. Puesto que en esas fechas hay muchos estrenos punteros y tras el éxito que ha tenido Los Vengadores, la película de Nolan ha de hacerse de notar entre el público.



22/5/12

Tercer póster de The Dark Knight Rises

La tercera parte y cierre de la saga de Batman iniciada por Christopher Nolan en 2005 con Batman Begins y seguida por el Caballero Oscuro en 2008. El cierre promete ser épico, y en todo este tiempo, pósters y trailers que han ido lloviendo con cuentagotas, han aumentado esas ansias por ver el cierre de esta saga, aunque la productora por su cuenta ya planea un reboot del personaje. Resta decir asunto innecesario.

A escasos dos meses de su estreno, y que promete ser el mejor del año. Llega el tercer póster que deleita a nuestras pupilas.


Para los que viváis en otro mundo y no sepáis de que va, ocho años después de los hechos narrados en El caballero Oscuro, el líder terrorista Bane siembra el pánico en Gotham, poniendo en jaque a los oficiales de policía. Batman tendrá que entrar de nuevo en acción para acabar con él.

Y está protagonizada por Christian Bale, Tom Hardy, Anne Hathaway, Liam Neeson, Michael Caine, Gary Oldman, Joseph Gordon-Levitt, Marion Cotillard, Morgan Freeman, Juno Temple, Matthew Modine, Josh Pence, Nestor Carbonell, Brett Cullen, Tom Conti, Aidan Gillen.

El estreno en nuestro país se iguala con el de estados unidos, el 20 de Julio.

19/5/12

Imparable


TÍTULO ORIGINAL: Unstoppable
AÑO: 2010
DURACIÓN: 101 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Tony Scott
GUIÓN: Mark Bomback
MÚSICA: Harry Gregson-Williams
FOTOGRAFÍA: Ben Seresin
REPARTO: Denzel Washington, Chris Pine, Rosario Dawson, Ethan Suplee, Elizabeth Mathis, Kevin Dunn, Jessy Schram, Meagan Tandy, Kevin Chapman, David Warshofsky, Jeff Wincott
PRODUCTORA: 20th Century Fox / Prospect Park / Scott Free Production

Un experimentado ingeniero de ferrocarriles (Denzel Washington) está a punto de ser despedido de su empresa, pero antes conoce al novato (Chris Pine) que lo va a sustituir. La situación cambia cuando un tren lleno de un peligroso combustible empieza a saltarse estaciones a toda velocidad poniendo en peligro la vida de miles de personas.

Su título no es del todo cierto, pero argumentalmente y técnicamente sí, resulta Imparable. Dejando a un lado mi pasión de pequeño por el mundo ferroviario que ciertamente con los años se ha ido derivando en otras aficiones.
La película a parte de estar rodada con gran pulso y una fotografía excelente, que refleja muy acertadamente el mundo decadente que le ha tocado vivir a Frank, el desmoronar de los veteranos en una empresea. Interpretado por un gran Denzel Washington que se hace con las riendas del personaje desde el primer minuto. Mostrando un total control de la situación en cada momento, en la propia actuación y en el contexto de su personaje, evitar la catástrofe, mostrando con gran presencia al perro viejo que representa. Chris Pine se pone en la piel de Will, el compañero de marras que le encasquetan a la fuerza, y que completa la actuación de Denzel, ofreciendo una lucha verbal y rivalidad de conocimientos entre ambos, pero la experiencia es un grado. Frank no se va a dejar amedrentar por un niñato recién salido de la escuela.

De Washington poco se puede decir a su favor, hará mejores o peores películas, unas gustarán más otras menos, como le sucede a casi todos los actores. Pero si su cache está en 20 millones de dólares es por algo. A Pine solo lo he visto haciendo de capitán Kirk en Star Trek de J.J Abrams y en Infectados de Aléx y David, los hermanos Pastor. Y aunque reconozco que aquí vuelve a hacer bien su papel, además de haber sido elegido por el propio Denzel Washington fue quien pidió que fuera éste el que le acompañara en su travesía ferroviaria, yo habría puesto a Paul Walker (Fast To Furious), que además le encuentro cierto parecido fisico con Pine. Claro, que según he leído la productora pidió a Denzel y Tony que bajaran su sueldo, para llevar a cabo la película, el status de Walker habría jodido todo el asunto.

La película sufrió retrasos en la pre-producción, que empezó en 2004. Y no comenzó su rodaje hasta 2009, en los hechos que se basa sucedieron en Toledo (Ohio),  un tren de 47 vagones, sin conductor que estuvo fuera de control durante 66 millas, a lo largo de tres condados, en el sur de Estados Unidos. Aunque nadie resultó herido en el accidente. Imagino que en la película está aderezado (productos inflamables) y con situaciones algo mas tensas que en la realidad.


No he visto la filmografía completa de Ridley Scott, tampoco la de su hermano Tony Scott, peron en ambas encuentro altibajos. Sin embargo de lo que he visto de ambos directores, en general, encuentro un nivel más equitativo y de calidad lineal en la carrera de Tony, que no en la de Ridley. Quitando que Tony tiene en su firma El Ultimo Boy Scout, una de las mejores películas de acción (con perdón de La Jungla de Cristal). Ridley tiene algunas obras que superan a las de Tony, como Alien o Black Hawk, cierto, pero su carrera no es tan estable como la de Tony. Aunque algunos me lapiden por ello, es lo que pienso.


La película sabe aprovechar mucho y bien la relación entre ambos protagonistas, que serán intervenidos y ayudados por Connie, la encargada de la central de vías, interpretado por Rosario Dawson. Que pudimos ver en Death Proof de Quentin Tarantino. Si Washington y Pine, consiguen hacerte creer a sus personajes con una naturalidad asombrosa, Dawson les hace una dura competencia.
Las historias personales de Frank y Will consigue mantener la atención y sirven bien su proposito, no aburrir en demasía al espectador. Son bastante tópicas y encajarían mucho mejor en cualquier drama familiar para la televisión, pero funcionan a la perfección con el argumento principal de la película, el tren descontrolado. Aparte de algo tienen que hablar en su ardua tarea, detener el tren.


Si tuviera que sacar un fallo, diría que me patina un poco la relación con las hijas de Frank, no vienen muy a cuento, y luego las reacciones en el desenlace de la historia, SPOILER en el que parece no haber pasado nada grave, es propia de un cuento de la Disney, fueron felices y comieron perdices. FIN SPOILER. Por otro lado me parece la reacción correcta en el mundo real, aunque no tanto en la película.

Scott aprovecha la cámara y la mueve con gran habilidad para recrear la sensación de velocidad, está claro que es imposible rodar a la velocidad real que representa que va el tren. Y la banda sonora realizada por Harry Gregson Williams que ya ha trabajado con éste en Deja Vu o Asalto al Tren Pelham 1 2 3, no es que destaque con una personalidad propia, como los trabajos de Howard Shore o Hans Zimmer, me parece un score muy estándar encajable en cualquier película de acción comedida, como es el caso, pero que funciona bien en un argumento como el que el guionista Mark Bomback (La Jungla 4.0, La Lista) adapta una historia real, dramática, pero tan poco sustancial, como es un tren descontrolado, a no ser que acabará trágicamente, y como he dicho no hubo que lamentar heridos, así que no fue el caso.

Una buen thriller basado en una historia real, con elementos que recordarán a una fusión de Speed y El Tren del Infierno, pero con una notoriedad propia. Aunque intuyamos como acaba mantendrá los dedos de los pies en tensión hasta el final.

17/5/12

Especial 1º Aniversario Terror en el Valhalla

Hace ya un año que el blog Nekrofilmicos en colaboración con Valhalla Club de Rock organizó un pase, que posteriormente se convirtió en una cita casi mensual, como la de las mujeres. Durante ese año se han tocado casi todos los géneros y temáticas, desde el slasher, la comedia y el terror pasando por la navidad o las posesiones demoníacas, entre otras.


El espíritu era totalmente cotxeriano, y ésta vez no será menos, admitiendo e incitando los propios organizadores a comentar y reír en voz alta, por lo que se recomienda que si queréis ver las pelis tranquilamente, os las visionéis en vuestras casas.

Como he dicho, ha pasado un año, situando el evento en su primer aniversario. Y para éste mes de mayo han decidido hacer algo especial para celebrarlo por todo lo alto, cambiándolo al sábado, pero solo será esta vez, así que no empecéis a tocaros.

Tenéis una cita ineludible el día 26 de mayo a las 19 horas que se proyectará The Return of the Living Dead, seguido de un concierto a las 21 horas a cargo de The Ripping’s, una banda de la zona barcelonesa que realiza versiones del grupo The Misfits. Y aunque no soy seguidor de la banda de Nueva Jersey, he de decir que la versionean jodidamente bien.


Después del concierto el bar seguirá abierto hasta las 3 de la madrugada con una sesión de la mejor música punk y rock de los 70’s,80’s y 90’s. Y todo por el absurdo preció anticrisis de 5 € con consumición y palomitas incluidas. Además toda la peña que venga disfrazada de Zombie tendrá un regalo, ¿alguien ha dicho sexo gratis?....ahí lo dejo...

Entonces sin más dilaciones os convocamos a manifestaros en el Valhalla Club Rock, en el C/Tallers nº 68 el próximo sábado 26 de Mayo a partir de las 18:30. Metro‘Universitat’ L1 y L2 o ‘Catalunya’ L1 o L3

13/5/12

Shame


TÍTULO ORIGINAL: Shame
AÑO: 2011
DURACIÓN: 99 min.
PAÍS: Reino Unido
DIRECTOR: Steve McQueen
GUIÓN: Steve McQueen, Abi Morgan
MÚSICA: Harry Escott
FOTOGRAFÍA: Sean Bobbitt
REPARTO: Michael Fassbender, Carey Mulligan, James Badge Dale, Nicole Beharie, Jake Richard Siciliano, Hannah Ware, Alex Manette, Chris Miskiewicz, Jay Ferraro, Anna Rose Hopkins, Eric Miller
PRODUCTORA: Film4 / UK Film Council / See-Saw Films
PREMIOS 2011: Festival de Venecia: Copa Volpi al Mejor actor (Fassbender), Premio FIPRESCI
2011: Premios BAFTA: Nominada a mejor film británico y actor (Fassbender)
2011: Globos de Oro: Nominada a Mejor actor dramático (Fassbender)
2011: Festival de Sevilla: Mejor director, mejor actor (Michael Fassbender) (ex-aequo)
2011: Satellite Awards: 6 nominaciones, incluyendo mejor película y director
2011: Independent Spirit Awards: Nominada a Mejor película extranjera
2011: British Independent Film Awards: Mejor actor (Fassbender). 6 nominaciones.
2011: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor actor (Michael Fassbender)
2011: Critics Choice Awards: Nominada a mejor actor (Fassbender) y actriz sec. (Mulligan)

Brandon (Michael Fassbender) es un treintañero neoyorquino, trabaja en una importante empresa de Manhattan, es una persona solitaria con serios problemas para controlar y disfrutar de su vida sexual. Su metódico modo de vida en conjunto con su compulsiva adición al sexo se verán alterados al recibir la inesperada visita de su hermana Sissi (Carey Mulligan).

Shame es el segundo largometraje del director Steve McQueen, quien tras su debut con Hunger repite con Michael Fassbender en el papel protagonista. Una película que recauda premios y nominaciones, sobre todo para Fassbender, que a parte de ser en la actualidad lo que se dice, el actor de moda, demuestra que no solo es una moda y que depende del proyecto en el que participe puede ofrecer mucho talento. En el caso de Shame, de momento, nos brinda con su mejor actuación para mi gusto; respecto a otras películas que he visto en las que aparece como protagonista, es en Shame donde destaca de sobremanera.


Steve McQueen inició su interés por la filmación con proyectos experimentales proyectados en exposiciones y galerías, películas minimalistas proyectadas en varias paredes en espacios reducidos; la canalización de su trabajo viene acompañada con influencias anunciadas por él mismo de personajes como Andy Warhol y Buster Keaton, así como lo que supuso para el cine la nouvelle vague. Con su primer largometraje consiguió reconocimientos, muchos premios en diversos festivales y buenas críticas; ahora con Shame parece repetir éxito colocándose en el punto de mira de la expectativa cinematográfica de cara a lo que pueda ofrecer en un futuro. Por otro lado tenemos a Michael Fassbender, inició su temprana carrera en la serie televisiva Band of Brothers, cuya producción ejecutiva contaba con Steven Spielberg y Tom Hanks; realizando papeles en diferentes series, donde debutó en cine fue en la adaptación de la novela gráfica 300 de Frank Miller dirigida en 2006 por Zack Snyder. Su primer papel como protagonista fue precisamente con Steve McQueen en Hunger, aunque aparezca en muchas otras películas en papeles secundarios, cada vez está consiguiendo más trabajos con personajes de relevancia. En Shame también tenemos la interpretación destacada de Carey Mulligan, con un personaje de vital importancia para activar la acción narrativa de la película; está joven actriz también inició su carrera en televisión siendo en el 2005 cuando debutó en cine con la película Orgullo y prejuicio. El año pasado también pudimos verla en la sorprendente película Drive, pero es en Shame donde rompe su rol respecto otras actuaciones de personajes más dulces y cariñosos, en la película de McQueen nos muestra un personaje desequilibrado lleno de desasosiego; al igual que ocurre con Brandon, es más inquietante y desalentador lo que no se muestra de ellos potenciando así la relación que hay con el espectador.


Shame es una película que impacta, no puede dejarte indiferente, desde su inicio te agarra, te va apretando y no te suelta hasta el final. Su visionado requiere de atención, concentración e implicación, no es una película complicada de entender, pero quizás si de degustar. Su temática para el cine sigue siendo tabú, pues habla sobre una adicción, muchas películas tratan esta temática, pero cuando se trata de adicción al sexo en otras películas no había mucho más que escenas gratuitas. El tratamiento y la forma del medio para llegar al publico es lo mejor de Shame, la forma en la que está rodada y montada es espectacular y en muchos momentos se consiguen imágenes con mucha fuerza. En su desenlace y la posterior moraleja es donde se pueden crear controversias, pero es cierto que hay varios elementos que pueden dar diferentes interpretaciones, de tal modo que no se termina de determinar la posición o ideología de Steve McQueen respecto a la temática que trata. Lo mejor de todo es que la película permite distintas interpretaciones y requiere más de un visionado para profundizar más en la posterior reflexión que pueda provocar.


La banda sonora está compuesta por varias canciones de diferentes interpretes, destaca la versión de la famosa canción New York, New York interpretada por la propia Carey Mulligan en una secuencia donde su emotividad viene dada de forma indirecta por lo que antes menciono, aquello que no se muestra ni se cuenta de los personajes tiene su eco durante el desarrollo de la película de forma desgarradora. La melodía principal compuesta para la película por Harry Escott es la guinda del pastel, es en el tema titulado Unravelling donde alcanza su máximo esplendor y consigue emocionar dentro de la contextualización de la película; da mucha más fuerza a las imágenes y consigue agrupar la esencia global. La fotografía a cargo de Sean Bobbitt, quien también dirigió la fotografía de Hunger, consigue un equilibrio entre las tonalidades frías y cálidas, aunque siempre decantado hacia lo desalentador. La diferencia que muestra de la Manhattan de día respecto con la vida nocturna de la ciudad está muy remarcada, el tratamiento en general y como puntualiza algunos momentos aislados están en perfecta sincronía con el desarrollo de la película. Shame es muy precisa, meticulosa en muchos aspectos y arriesgada en otros, el guión firmado por Abi Morgan y el propio Steve McQueen está bien desarrollado y su lenta progresión hacia el clímax final dosifica muy bien la acción y la emoción. Shame no necesita mucho dialogo para contar lo que vemos, las imágenes en su conjunto hablan por si solas y en muchas ocasiones la película juega con narrar a través de las sensaciones que provoca.

2ª edición del Trash-o-Market

El próximo 27 de Mayo vuelve La Oscura Ceremonia con la segunda edición del Trash-o-Market. En este espacio encontrarás diferentes paradas con artículos terroríficos, ropa, películas, merchandising, artículos de maquillaje y un sinfin de cosas relacionadas con el cine de género y la serie b.


Trash-O-market pretende dar la oportunidad de promover lo que te gusta, lo que haces o encontrar aquello tan raro que digas waooohh!! Es un mercadillo donde podrás encontrar, intercambiar, degustar, contar, promover, conocer o disfrutar de una tarde de domingo. En la sala de abajo será el mercadillo y de la mano de dos dj's se pinchara musica para ambientar la sala.
Y en la sala de arriba se proyectarán dos películas, ambas de patinadores. Thrashin'(1986) de David Winters. En la que Josh Brolin (todos tenemos un pasado) es Corey Webster, un chaval que aprovecha el verano para acercarse hasta la gran urbe de Los Ángeles para labrarse una carrera como patinador profesional. Allí conocerá a Chrissy, la hermana de otro skater, jefe de una banda rival, los temibles Daggers. 
Y Roller Blade(1986) de David G. Jackson. En el futuro los rebeldes se enfrentan a los estados fascistas y un grupo de patinadores llamados ''Rollar Blade'' seran encargados de enfrentarse a los capitalistas. Un argumento que no está muy lejos de la realidad que está viviendo la población.


¿Dónde? En Espai Jove La Fontana. C/ Gran de Gracia 190 Barcelona. Comenzará a las 16h y finalizará a las 21:30h. Entrada 0,50€ centimos. Para más info sobre las paradas etc. dirigirse a su web oficial.

12/5/12

X-Men: Primera generación


TÍTULO ORIGINAL: X-Men: First Class
AÑO: 2011
DURACIÓN: 131 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Matthew Vaughn
GUIÓN: Jane Goldman, Ashley Miller, Jamie Moss, Josh Schwartz, Zack Stentz (Historia: Bryan Singer)
MÚSICA: Henry Jackman
FOTOGRAFÍA: John Mathieson
REPARTO: James McAvoy, Michael Fassbender, Kevin Bacon, Jennifer Lawrence, January Jones, Jason Flemyng, Rose Byrne, Oliver Platt, Nicholas Hoult, Álex González, Lucas Till, Zoë Kravitz, James Remar, Matt Craven, Rade Serbedzija, Michael Ironside, Laurence Belcher, Bill Milner, Beth Goddard, Morgan Lily, Caleb Landry Jones, Edi Gathegi, Ray Wise, Hugh Jackman
PRODUCTORA: 20th Century Fox / Marvel / Bad Hat Harry Productions

Antes de que los mutantes se dieran a conocer y adoptaran los nombres de Profesor X y Magneto, los jóvenes Charles Xavier (James McAvoy) y Erik Lehnsherr (Michael Fassbender) empezaban a descubrir sus poderes. No había animadversión alguna entre ellos, sino que los unía una sincera amistad y el deseo de trabajar juntos y entrenar a un grupo de jóvenes mutantes para evitar el Armagedón nuclear. Su enemigo común: el malvado Sebastian Shaw (Kevin Bacon), un mutante con el que Erik tiene una cuenta pendiente.

Sirviéndose de la escena rodada magníficamente por Bryan Singer hace ya más de una década para la primera parte de X-Men. Matheew Vaughn que demostró sobradamente lo que es capaz de hacer en el mundo de los superhéroes en la gran pantalla, con esa joya titulada Kick Ass, sustituye a Brett Morris que hacía de joven Magneto, por Bill Milner el niño de Son of Rambow, y vuelve a rodar dicha escena calcando cada plano, pero además la extiende para mostrarnos lo que pasaba justo después del incidente con la valla.
Poco se puede decir sobre la interpretación de Milner frente a la de Morris, ya que aunque la escena está extendida, el rato en escena es muy breve. En el trozo añadido no hace mucho más que demostrar el verdadero potencial de sus verdaderos poderes, y mostrar su predisposición por el lado oscuro. Lo cual hace mucho más creíble y justificable su futuro personaje, Magneto.
La presentación es básicamente la misma que la realizada por Synger, pero se comprende mucho más el motivo de su posterior odio hacia los humanos. También se nos presenta al infante profesor Xavier, que en la obra de Synger no se proyectaba ningún dato al respecto. Ese momento me resulta escueto, pero veremos alianzas sorprendentes e inigualables, y como la inocencia de Xavier y Mística logran su amistad.


Tras las presentaciones infantiles con un salto en el tiempo nos sitúa en plena guerra fría y se da paso a los actores adultos, Michael Fassbender en el papel de Magneto. Qué aunque ya busca venganza, todavía se hace llamar Erik.
James McAvoy se pone en la piel del profesor Xavier, que aquí todavía camina y tiene pelo. La película mantiene un paralelismo con sus dos personajes principales, el enfrentamiento entre dos titanes con poderes sobrenaturales. Hace referencia a un enfrentamiento entre las dos grandes potencias mundiales, EE.UU y Rusia, disputas gubernamentales que pueden dar lugar a una guerra nuclear. Xavier intentará que eso no ocurra y durante las dos horas restantes de película será un no parar de conocer nuevos mutantes, y vivir conspiraciones politicas, que no dejan decaer en ningún momento nuestro interés con subtramas estupidas. Un gran ejercicio en forma de autentico begins, no como el justo y raso aprobado sobre Lobezno, en la que no se aprovechaba lo suficiente el personaje, y mira que el personaje da juego...

Volviendo a los actores, nombrar a Fassbender y su cualidad interpretativa es una mera formalidad, ya que ahora mismo se encuentra en el ojo del huracán, no paran de llegarle trabajos a sus manos, demostrando una polivalencia inusual, que pocos han conseguido. Algunos trabajos lo demuestran, ya pasados como Malditos Bastardos de Q.Tarantino, Centurión de Neil Marshall, 300 de Zack Snyder. Otros más recientes Shame y Un Método Peligroso de David Cronenberg y algunos futuros como Prometheus y The Conselour, ambos de Ridley Scott.
El gran Ian McKellen bordaba el papel de un Magneto venido a menos y en horas un tanto bajas. Fassbender lo hace de una forma pletorica y lleno de esplendorosa vigoridad que irradia el poder de la juventud. De McAvoy no puedo dar fructíferas referencias pues solo he visto la ridícula Wanted y Las Crónica de Narnia: El León, la Bruja y el armario en la que hacía un papel secundario, de fauno irreconocible.


La manera de conocerse Erik y Xavier, es totalmente casual, pero desde ese mismo momento entablan una lograda y fortificada amistad, que bien se irá debilitando conforme avance la película, en gran parte debido a los quehaceres de los humanos y la negativa influencia de Sebastian Shaw, otro mutante que desea la guerra. Shaw encarnado por el gran Kevin Bacon, un actor caído en el olvido injustamente. Uno de sus últimos papeles reconocidos, creo que fue en El Hombre Sin Sombra de Paul Verhoeven, ya que otros como el de mafioso en Super o en Sentencia de Muerte de James Wan, en la que es un padre de familia que busca venganza. Desgraciadamente son películas que no han gozado de una excesiva repercusión entre el público mayoritario.

Con perdón de Los Vengadores, debo decir que lo realizado por Vaughn le da mil vueltas argumentalmente a lo realizado por Whedon. Me ha parecido un ejercicio inteligente y rabioso a más no poder, sin alcanzar a Nolan, claro. Una juega en campo de hierba y la otra en cemento puro.
En cuestión de efectos especiales se queda un poco justa.
Están bien hechos, pero me temo que algunas llamaradas, las alas del Angel Salvador, encarnada por la hija de Lenny Kravitz o los efectos de tele transportación de Azazel encarnado por un irreconocible Jasón Flemyng (Snatch Cerdos y Diamantes), pasarán factura mucho años antes que a Los Vengadores, que ésta si que gana en ese campo, con unos efectos especiales mucho más elaborados y una mayor inversión de tiempo y dinero, al menos en resultados así me lo ha parecido.
Pero bueno que a mí igualmente me han gustado los efectos, no son tan grandilocuentes, no digo que no hayan flipadas como la del submarino, pero todo está mucho más comedido, y en consonancia con su elaborado argumento.

Veremos nacer el grupo y su división en buenos y malos, excepto Xavier y Magneto, el resto de los personajes no serán los mismos que en las obras de Synger, pero algunos asemejan sus poderes a aquellos. Aunque se centra en la evolución de ambos, también veremos la explicación de cómo 'nace' Bestia que usaron para una floja tercera entrega dirigida por Brett Ratner. También veremos los motivos que llevan a Mística a unirse a Magneto cuando éste reniega de Xavier.
La banda sonora acompaña muy bien a todo el conjunto, realizada por Henry Jackman que ya trabajó en la orquestación de Kick Ass, conoce la manera de trabajar de éste, y se nota en los resultados.

Una buena y elaborada explicación de los orígenes de los X-Men tal y como los adaptó Synger. Obras (las dos partes) que personalmente no encumbro, pero que bajo mi punto de vista, salvo lo realizado por Burton con Batman, Synger fue el primero en adaptar los superhéroes con la estética que hoy conocemos, dejando de lado las mallas y la lycra, para realizarlo de un modo moderno sin caer en el ridículo. Es probable que con el tiempo lo hubiera hecho otro director, pero fue éste el que marcó un antes y un después a seguir en las adaptaciones de los superhéroes tal y como las conocemos hoy día, y eso es meritorio.

10/5/12

Resacón 2, ¡ahora en Tailandia!


TÍTULO ORIGINAL: The Hangover Part II (The Hangover 2)
AÑO: 2011
DURACIÓN: 102 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Todd Phillips
GUIÓN: Scot Armstrong, Craig Mazin, Todd Phillips
MÚSICA: Christophe Beck
FOTOGRAFÍA: Lawrence Sher
REPARTO: Zach Galifianakis, Bradley Cooper, Ed Helms, Justin Bartha, Paul Giamatti, Jamie Chung, Ken Jeong, Todd Phillips, Mike Tyson, William A. Johnson, Jeffrey Tambor
PRODUCTORA: Touchstone Pictures / Green Hat Films / Legendary Pictures

Alan (Zach Galifianakas), Stu (Ed Helms) y Phil (Bradley Cooper) vuelven a despertarse en otra habitación de otro hotel, y para no perder la costumbre en esta ocasión tampoco recuerdan nada. Esta vez sólo saben que están en Tailandia, adonde han viajado, junto a Doug (Justin Bartha), para asistir a la boda de Stu.

Phil, Stu, Alan y Doug vuelven cargados a tope, inmersos en una amnésica bacanal de drogas, sexo y violencia. Y a pesar de encontrarse con varios hándicaps, y la falta de brillantez y frescura (por eso de la novedad) que albergaba la primera parte, se puede afirmar que segundas partes si fueron buenas.
Tood Phillips que obtuvo cierto status en las comedias para adultos con la primera parte y aquella simpatica Salidos de Cuentas, con Robert Downey Jr que formaba pareja con el propio Zach Galifianakis que aquí interpreta el papel del inestable Alan.
Tood ha sabido aprovechar las vicisitudes del argumento y las virtudes, o mejor dicho defectos, de los personajes que ya conocemos, o deberíamos si hemos visto la primera, y los eleva por encima de lo cordial y la sensatez humana. Para no aportar nada novedoso, le ha salido bien la jugada. Ya veremos que sale de esto, pues tiene una tercera entrega en camino, parece que le ha cogido el gustillo, ¿creéis que quemará el formato?.


Salvo la localización y algunos pequeños detalles como la unión de Mr. Chow al grupo durante más rato o que sea Stu el que se va a casar en lugar de Doug, la película en géneral no sufre demasiados cambios que digamos, cierto. Pero son cambios que por lo menos dotan al conjunto un minusculo cambio. La unión de Chow da virilla al grupo en pro de la ausencia más prolongada de Doug. Aunque Alan (Zach Galifianakis) se sirve solo para acaparar la atención del espectador y de los personajes en la película. Y que Stu sea el futuro novio y cobre el protagonismo, es un acierto por parte de los guionistas, aprovechando mucho mejor al futuro novio en la reconstrución de los hechos en la noche de la despedida.

Aunque respetan el esquema de su antecesora, y preservan mucho el tono general, dan rienda suelta al personaje de Stu (Ed Helms) que sacará la bestia que lleva dentro, más aún, y protagonizará momentos realmente bizarros e incluso un poco desagradables.
Muchos de los gags pueden sonar algo clónicos, debido en parte a los puntos tan en común que tiene con la primera, salvo las mayores salidas de tono en la noche de desmadre, que me han parecido bastante menos comedidos, Phillips ha cogido cierta confianza con el público y no se corta un pelo a la hora de degenerar la famosa resaca.


Para mantener la línea de protagonismo que tenían en la primera, Doug pasa a ser el sensato del grupo, con un par de apariciones fugaces en las que intentará rescatar al grupo de la deficiente espiral que andan metidos, su cota de pantalla es muy similar a la primera, recordad que en es aquella aventura desaparecía durante buena parte de la historia. Aquí ese papel, recae en Teddy el hermano de la futura esposa de Stu, al que perderán de vista, la misión viene a ser la misma que con Doug en la primera, recuperarlo antes de la boda. Por eso decía que pueden parecer clónicos algunos de los gags.

La historia sigue el mismo desarrollo, y aunque carece de la frescura de la primera entrega, en esta parte envía las situaciones a una dimensión mucho más guarra, no se corta un pelo en remarcar el desfase de su antecesora. Tan solo se resiente un poco en el desenlace cuando saca la moralina final, pero el conjunto se hace igual de simpático que en la primera parte.