30/6/12

Immortals


TÍTULO ORIGINAL: Immortals
AÑO: 2011
DURACIÓN: 110 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Tarsem Singh
GUIÓN: Charley Parlapanides, Vlas Parlapanides
MÚSICA: Trevor Morris
FOTOGRAFÍA: Brendan Galvin
REPARTO Henry Cavill, Mickey Rourke, Freida Pinto, Luke Evans, John Hurt, Stephen Dorff, Kellan Lutz, Isabel Lucas, Robert Maillet, Anne Day-Jones, Mark Margolis, Joseph Morgan
PRODUCTORA: Relativity Media / Virgin Produced / Hollywood Gang Productions / Atmosphere Entertainment MM

Un terrible peligro amenaza la Tierra: enloquecido por el poder, el brutal rey Hiperión (Mickey Rourke) ha declarado la guerra a los hombres. Después de reunir a un ejército sediento de sangre formado por soldados que él mismo mandó desfigurar, Hiperión quema Grecia mientras busca un arma de poder inconcebible: el legendario arco Epiro, hecho por Ares en el Olimpo. El hombre que posea ese arco podrá liberar a los Titanes, que están encerrados en el monte Tártaro desde el principio de los tiempos, y claman venganza. Sin embargo, en manos de Hiperión, el arco significaría la destrucción de la raza humana y la aniquilación de los dioses. Pero, como la ley prohíbe que los dioses se entrometan en los conflictos humanos, nada pueden hacer para detener al rey. Pero la esperanza renace cuando Zeus encomienda al campesino Teseo (Henry Cavill) la misión de acabar con Hiperión. Después de reunir a un grupo de hombres entre los que se encuentra la visionaria sacerdotisa Fedra (Freida Pinto) y el astuto esclavo Stavros (Stephen Dorff), el héroe se pondrá al frente de la rebelión.

Immortals es un preciosista cuadro realizado sobre pantalla verde y  pintado al óleo dorado, pero sin su correspondiente marco que lo defina como tal. Es una película realizada por el director Hindú Tarsem Singh, que sorprendió gratamente a la mayor parte del público con The Fall, incluso ésta se llevó el galardón a mejor película en el Festival de Sitges en 2007. Mí opinión personal, ni tanto ni tan poco. Era una buena historia a la par que emotiva, pero no la maravilla que muchos proclamaron.

Su primera película The Cell, tuvo el efecto contrario, según tengo entendido. Pero no voy a entrar en detalles, primero por que a día de hoy todavía la tengo pendiente y segundo por que no es la obra que aquí nos ocupa. Lo que si se ve claramente en el trailer que su estilo visual, sobretodo en la parte de la fotografía, y su estética de colores sobresaturados sigue estando presente a día de hoy.

Immortals no es novedosa, bebe directamente de películas como 300, Furia de Titanes, Troya e incluso algunas referencias en escenas aisladas a El Señor de los Anillos, como la escena del asalto a la gran muralla o el discurso del protagonista a sus guerreros humanos. Eso no debería ser algo malo si al menos el resultado fuera épico, algo que como mínimo debería cumplir sobradamente. En cambio nos queda una película de escenas bastante aisladas entre si, muy bonitas pera carentes de alma propia, como la pelea entre Dioses y Titanes o el supuesto épico óleo final en la batalla celestial. Estéticamente todo tiene un regusto a cartón piedra y plastico, aunque con la infinidad de efectos en postproducción, se disimula bastante.


Aunque la sinopsis sea tan extensa, el guión es muy resumible, una guerra entre dos reinos. Sorprende que hagan falta dos personas para ello, aunque peores cosas se han visto.

En el reparto cabe destacar a Mickey Rourke en el papel de Hyperion, que le va como anillo al dedo por su aspecto demacrado, pero creo que no está suficientemente aprovechado, laboralmente hablando. Muy similar a lo que pasó con su papel de villano en Iron Man 2. Ambos son papeles qué como villano deberían haber exprimido mucho más, es una lastima desperdiciar ese potencial.
John Hurt, el mitico actor de Alien, el octavo pasajero, hace un cameo sin importancia, ni excesiva relevancia en el contexto de la historia, SPOILER un dios no necesita disfrazarse para vigilar a un mortal FIN SPOILER, así que podrían haber eliminado su personaje que al fin y al cabo, lo único que hace es acto de presencia.
Teseo es Henry Cavill y se pone en el papel de héroe y líder de los humanos, su interpretación está dentro de lo correcto, pero hay momentos que tendría que transmitir más fuerza y poder sobre ellos, aunque su origen sea civil, no militar. A Cavill lo veremos en unos meses en la nueva versión de Superman, dirigida por Zack Snyder. Si la película triunfa, será su puerta a grandes oportunidades, en caso contrario puede resultarle bastante dañino para su carrera.


Stephen Dorf (Blade) es el macarra del ejercito formado por Teseo, y sin duda sus facciones son ideales para el papel que interpreta, que aún siendo muy pequeño, nada como pez en el agua. No diría tanto de Freida Pinto que no ofrece en su interpretación una digna concubina para Teseo. La hemos podido ver en Slumdog Millionaire, que con un papel algo más simple, si demostró mejores resultados.

Trevor Morris compositor mayoritariamente de series como Los Tudor o Los Borgia, ofrece un oscuro score de encefalograma plano, que aún cumpliendo con la tónica de la película se queda algo corto y falta de espíritu.
El resultado de toda ésta combinación de elementos, nos deja una película con escenas chulas y una bonita fotografía, aunque sea realizada mayormente sobre pantalla verda, pero con una historia un tanto vacía.

27/6/12

Spooky Redneck Party

El evento que hoy os presento no se trata de ninguna proyección, evento o noticia relacionada con el cine, pero ya que los organizadores son los mismos que los de las Spooky Cinema o Trash o Market entre otras actividades lúdicas que organizan durante todo el año, les daremos un poco de nuestro apoyo.


El evento promete ser lo más parecido a ir de visita a Pleasant Valley, el pueblo de la película de 2000 Maniacos. La fiesta se bautiza como (no) Spooky Redneck Party, se celebrará el Sábado 7 De Julio de 2012 a las 21:30H en Espai Jove Las Basses C/. Teide Nº 20 (entrando por detrás, siempre, siempre por detrás). Metro L5 Vilapicina.

El evento se compone de un concierto en el que actuarán The Booty Hunters, Retarded Rebel Reject y los Crazy Chicken. También habrá concursos ambientados con la música de los djs Andy Wild Deejay (Unga Unga!exoticlub) y J. Oskura Nájera (Eyaculación Post Mortem).



Y así mismo lo anuncian sus organizadores; "YEAHHHHHHHH Bienvenidos a la primera Spooky Redneck Party donde las botas, petos y el olor a estiércol son bien recibidos al ritmo de un buen Bluegrass!!! Campesinos, Vaqueros y Traileros estais todos invitados!!!. Habrá de todo: Perritos calientes, sandías, moonshine, hillbilly, country! Amarren sus puercos, perros, caballos y tractores en la entrada!

Los concursos serán muy acordes con la temática, y por supuesto tendrán premio sorpresa para sus concursantes:
- ¿Quien come 20 hot dogs en menos tiempo?
- ¿Quién escupe una semilla de sandía más lejos?

También se otorgará un premio a la a la chica con mejor estética Daisy Duke. Y otro al mejor Redneck del año!. Sugerencias: Petos, Camisas de cuadros, Botas, Tabaco de mascar, dientes grandes, Peluquines, trensas, botas!! el Mullet, ese maravilloso corte de pelo tan famoso entre los sureños:

Birras a 1,50€. Precios populares

Precios de la entrada Anticipada: 6€, Taquilla: 6€ para real rednecks (no vale disfraz mediocre) y
8€ para los chicos de ciudad.

26/6/12

Primeros títulos para Sitges 2012

Como cada año, en pleno verano ya suenan los primeros títulos e invitados para el Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya. Nos hayamos en su 45ª edición,  y se celebrará del 4 al 14 de octubre del 2012 y tendrá como temática, el fin del mundo, ya que la profecía Maya data éste mismo año como el fin de nuestra existencia. Y en una noticia anterior ya pudimos ver el poster, que me parece muy chulo respecto a otros años.

Al igual que el año pasado con Eva de Kike Maíllo, éste año también apuestan por el fantástico catalán con un director novel Oriol Paulo y su ópera prima El Cuerpo, qué inaugurará el Festival. Un thriller psicológico lleno de suspense protagonizado por Belén Rueda, José Coronado, Hugo Silva y Aura Garrido.


Un año más se apuesta por el cine catalán de género con títulos como Insensibles, de Juan Carlos Medina, y El bosc, lo último de Óscar Aibar. Asimismo, el certamen contará con el mejor cine fantástico de producción internacional, con películas de autores de primer nivel como David Cronenberg, Leo Carax, Tsui Hark y Jennifer Lynch, entre muchos otros.

El cine catalán será también uno de los protagonistas de la Sección Oficial del Festival, con dos títulos que optarán al Premio María a la Mejor Película, el principal galardón del certamen, basado en el popular personaje robótico del clásico Metrópolis, de Fritz Lang.
El primero es Insensibles, ópera prima de Juan Carlos Medina. La segunda película es El bosc, basada en un relato de Albert Sánchez Piñol que el mismo autor ha adaptdo para la gran pantalla, protagonizada por el actor norteamericano Tom Sizemore (Prison Break).

En la misma sección se podrán ver las últimas apuestas de directores como David Cronenberg, con Cosmópolis, protagonizada por Robert Pattinson y basada en la novela de Don DeLillo; asimismo Leo Carax, con Holy Motors, un bello homenaje al imaginario cinematográfico europeo, que bajo mi punto de vista será una de las rarezas del festival.


Tsui Hark y su epopeya en 3D Flying Swords of Dragon Gate, uno de los grandes éxitos locales del año en China; y Jennifer Lynch, hija del director David Lynch, y ganadora del Festival en 2008 , vuelve con un relato sobre un serial killer titulado Chained.


También el cine de género dará cabida en esta sección con Sinister (no confundir con el grupo de Death Metal) es lo nuevo de Scott Derrickson el director de El Exorcismo de Emily Rose, en la que Ethan Hawke se enfrenta a un terrorífico caso paranormal. The Possesion dirigida por Ole Bornedal y producida por Sam Raimi y Lovely Molly, la nueva película de Eduardo Sánchez, uno de los creadores de El proyecto de la bruja de Blair.


Pascal Laugier, director de Martyrs, presentará su nuevo trabajo The Tall Man, protagonizado por Jessica Biel.
Don Coscarelli (Phantasm) hará lo propio con John Dies at the End, con Paul Giamatti al frente de su reparto. El remake del clásico slasher americano de 1981, Maniac. Producida por Alexandre Aja (Alta tensión) y protagonizada por Frodo...uy! perdón...Elijah Wood.


En el apartado de apuestas más atípicas, destacan el gran éxito de Sundance y una de las sorpresas de la actual cartelera USA como es la comedia de ciencia ficción Safety no Guaranteed, de Colin Trevorrow, y la nigérrima comedia británica Sightseers, de Ben Wheatley (Kill List), una de las sensaciones de la Sección Quincena de los Realizadores del último Festival de Cannes.

La violentísima The Day, de Douglas Aarniokoski, o el filme de segmentos coreano Doomsday Book, codirigido por Kim Jee-wong (Encontré al diablo) y Yim Pil-Sung (Hansel and Gretel). Ésta última no será la única presencia del cine coreano en la programación, representado en la Sección Oficial también por Nameless Gangster, de Jong-bin Yun, una de las sensaciones del box-office de su país durante el presente año y un auténtico tour de force de su protagonista Choi Min-sik (Old Boy).


La Sección Oficial Panorama, aportará títulos de cine independiente como The Pact, de Nicholas McCarthy, un innovador y escalofriante relato de fantasmas que acaba de ser todo un éxito sorpresa en las taquillas del Reino Unido, y también Tower Block, de James Nunny y Ronnie Thompson, un film de horror real en torno al asedio al que un francotirador oculto somete a los inquilinos de un bloque de apartamentos.

La Sección Nuevas Visiones, dedicada a apuestas radicales, transgresoras o experimentales, tendrá en su apartado de ficción apuestas del nivel de Keyhole, la última producción de uno de los grandes autores del cine actual como es Guy Maddin, Mystery, de Lou Ye, o For Love’s Sake, de otro habitual del Festival como es Takashi Miike. En la parte documental, Nuevas visiones presentará trabajos tan prestigiosos como Room 237, de Rodney Ascher, obra que gira en torno al universo sugerido y generado por El resplandor, de Stanley Kubrick.


En Casa Asia, (sección que no es de mi devoción) dedicada al cine del continente asiático de género, abrirá sus puertas con Gang of Wasseypur, epopeya criminal india de más de cuatro horas de duración y que marca un hito en el cine de este país. Otros títulos serán Ace Atorney, de Takashi Miike, o la película de artes marciales Wu-xia, de Peter Chan.

Y Anima’t, sección que abandonó su espacio personal detrás del cine Retiro, hace ya algunos años, pero sigue dando guerra a sus fans. A parte de la habitual selección de cortometrajes, ofrecerá celebrados largometrajes como The King of Pigs, de Yeun Sang-Ho; la producción checa Alois Nebel, de Tomás Lunák, y The Suicide Shop, debut en el cine de animación del prestigioso realizador galo Patrice Leconte, concebida en un espectacular 3D. Además reivindicará la figura del animador japonés Sugii Gisaburo, colaborador íntimo del mítico Osamu Tezuka, presentando la premier de su último título, The Life of Budori Gusuko, así como alguno de sus trabajos previos y un documental sobre su obra.

Un año más, Sitges Family presentará una selección del mejor cine fantástico para los más pequeños, como la exitosa producción animada japonesa en 3D Naki on Monster Island, de Takashi Yamakazi.

Para los amantes de las emociones más fuertes y noctámbulas, Sitges ha preparado un programa de maratones donde se podrán ver, entre muchas otras películas, Zombie Ass, de Noburo Iguchi, y la británica Cockneys vs. Zombies, de Matthias Hoene.


Las proyecciones retrospectivas tendrán como protagonista el Cine de culto, con una selección de películas de género que a lo largo de los años han quedado atrincheradas en el imaginario popular. Esta retrospectiva ilustrará el libro de esta edición del Festival, dedicado precisamente al mundo de las cult movies.
Y todavía dentro del espectro retrospectivo, Sitges 2012 celebrará el centenario de Nikkatsu, el histórico estudio cinematográfico japonés, con una sesión doble dentro de la sección Mondo Macabro.

Seven Chances, realiza una sesión especial preparada por la Filmoteca en torno a la figura de Antoni Padrós, un sorprendente autor experimental catalán de los años 70 del que se proyectará su film Shirley Temple Story.

Filmin, el portal de cine on line del Estado español, ha llegado a un acuerdo con Festival para ofrecer mediante su plataforma algunos de los estrenos programados en la edición de este año. Dichas "premieres" se podrán ver en Filmin desde el día siguiente a su proyección en el Festival y durante un período determinado de tiempo. A ver si así se lanzan los portales de cine online.

En esta edición el Festival se alía con 3XL, el canal juvenil de TV3, para explorar el mundo fantástico de la BBC. Cadena que ha perfilado con gran éxito una extensa tradición del género fantástico, con series como Doctor Who o la visión de Sherlock, el personatge de Conan Doyle.
Y por octavo año, Sitges contará con el Jurado Carnet Jove, creado por primera vez en la edición del 2005. Los cinco jóvenes que forman el jurado serán los encargados de entregar el Premio Carnet Jove a la Mejor Película de la Sección Oficial Competición, y el Premio a la Mejor Película de la Sección Midnight Xtreme.

Más info Web Oficial.

25/6/12

La sombra de una duda


TÍTULO ORIGINAL: Shadow of a Doubt
AÑO: 1943
DURACIÓN: 108 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Alfred Hitchcock
GUIÓN: Thornton Wilder, Alma Reville, Sally Benson (Argumento: Gordon McDonnell)
MÚSICA: Dimitri Tiomkin
FOTOGRAFÍA: Joseph Valentine (B&W)
REPARTO: Joseph Cotten, Teresa Wright, MacDonald Carey, Patricia Collinge, Henry Travers, Hume Cronyn, Wallace Ford, Janet Shaw, Estelle Jewell, Eily Malyon, Ethel Griffies, Clarence Muse
PRODUCTORA: Universal Pictures
PREMIOS 1943: Nominada al Oscar: Mejor historia

A casa de sus familiares, en el tranquilo pueblo de Santa Rosa, llega un día el encantador tío Charlie, un seductor criminal que viaja de Filadelfia a California y al que la justicia va pisando los talones. Su sobrina Charlie, a pesar de que no sabe nada de sus actividades, no tardará en sospechar que su tío es el misterioso asesino de viudas al que la policía anda buscando.

Alfred Hitchcock es uno de los directores más conocidos, incluso por quienes no les gusta el cine. Con muchas películas realizadas a cada cual mejor, es curioso que un director de su envergadura, y no me refiero a su físico, nunca recibiera un Oscar al mejor director aunque estuvo nominado en cinco ocasiones.
Con esta película Hitchcock plantea una situación de tensión sin precedentes, donde las cosas no son lo que parecen. La película está basada en una historia del escritor Gordon McDonell. El excelente guión está desarrollado de forma minuciosa por Thornton Wilder, Sally Benson y Alma Reville, la mujer de Hitchcock, que en todas las películas le sirvió de apoyo. La construcción de los personajes, su arco temporal, están perfectamente definidos y explicados. La trama principal cuida todos los detalles posibles y consigue en pequeñas dosis aumentar el misterio y el suspense.


Todos los elementos que componen el guión y todos esos pequeños detalles que lo hacen tan bueno están plasmados en las imágenes de una forma minuciosa y muy pensada. Hitchcock era un maestro, pero incluso más de lo generalizado de forma popular. Observando con detenimiento los pequeños detalles puedes llegar a comprender la grandiosidad de su trabajo, pues las películas de Hitchcock están tan bien construidas y narradas que tienen la particularidad de hipnotizar, sigues el argumento de forma ensimismada. Sus películas van más allá del mero entretenimiento, por ese motivo es recomendable varios visionados y si es posible, de todas sus películas.


La fotografía en blanco y negro de Joseph Valentine, quien también trabajó con Hitchcock en otras películas como La Soga o Sabotaje, está ejecutada de forma perfecta, llena de matices. En muchos de los planos consigue narrar tanto el interior de los personajes como el entorno que les rodea y la situación en la que se encuentran.
Una recomendable película, al igual que todas las que forman la filmografía del director. Técnicamente pensada y realizada de forma sublime; La sombra de una duda no tiene el renombre que con el tiempo han adquirido las películas más conocidas de Hitchcock en su etapa Americana, pero está a la misma altura, como ocurre con muchas otras del cineasta Británico. A continuación dejo un fragmento de una interesante entrevista titulada El cine según Hitchcock que realizó François Truffaut al mismo Hitchcock donde hablan sobre La sombra de una duda.


François Truffaut: Sé que Shadow of a Doubt (La sombra de una duda) es de todos sus films el que usted prefiere. Creo, sin embargo, que si por desgracia desaparecieran todas sus restantes películas, Shadow of a Doubt daría una idea inexacta del «Hitchcock touch». En cambio, Notorious (Encadenados) dejaría una imagen más fiel de su estilo.

Alfred Hitchcock: No debería decir que Shadow of a Doubt es mi película favorita. Si me he manifestado a veces en este sentido es porque me doy cuenta de que esta película es satisfactoria para nuestros amigos los verosímiles, nuestros amigos los lógicos...

François Truffaut: ... y nuestros amigos los psicólogos...

Alfred Hitchcock: ... sí, y nuestros amigos los psicólogos. Es, pues, una debilidad por mi parte, porque si por un lado pretendo no preocuparme por la plausibilidad, por otro lado me inquieto por ella. ¡Sólo soy humano a fin de cuentas! Pero, seguramente, la segunda razón es el recuerdo tan agradable que guardo del trabajo con Thornton Wilder. En Inglaterra, siempre había conseguido la colaboración de las mejores estrellas y de los mejores escritores. En América no había sucedido lo mismo y había recibido negativas por parte de algunas estrellas y de algunos escritores que despreciaban el tipo de trabajo que me interesa. Por ello me resultó de repente muy agradable y satisfactorio descubrir que uno de los mejores escritores americanos estaba dispuesto a trabajar conmigo y a tomarse el trabajo en serio. Con Thornton Wilder habíamos trabajado de una manera muy realista, en especial para todo lo que concierne a la ciudad y el decorado. Habíamos elegido una casa y Wilder temía que fuese demasiado grande para un pequeño empleado de banca. Después de una investigación descubrimos que el tipo que habitaba esa casa se encontraba en la misma situación económica que nuestro personaje y entonces Wilder quedó satisfecho. Cuando volvimos a la ciudad, antes del rodaje, el tipo, tan contento de que su casa saliera en la película, la había pintado. Nos vimos obligados a pintarlo todo otra vez «de sucio» y, naturalmente, al acabar la película se lo volvimos a pintar todo de nuevo.

François Truffaut: Shadow of a Doubt es, con Psycho, una de sus raras películas en la que el personaje principal es el malo y el público simpatiza mucho con él, probablemente porque no se le ve nunca asesinando a las viudas...

Alfred Hitchcock: Probablemente, y además es un asesino idealista. Forma parte de esos asesinos que sienten en ellos una misión de destrucción. Puede que las viudas mereciesen lo que les ocurría, pero no era asunto suyo hacerlo. En la película se plantea un juicio moral, ¿verdad?, ya que Cotten es destruido al final, aunque sea accidentalmente, por su sobrina. Esto equivale a decir que no todos los malos son negros ni todos los héroes son blancos. Hay grises en todas partes. El tío Charlie quería mucho a su sobrina, pero no tanto como le quería ella a él. Sin embargo, ella ha tenido que destruirlo, pues no olvidemos que Oscar Wilde dijo: «Matamos a lo que amamos.»

20/6/12

The Green Lantern


TÍTULO ORIGINAL: The Green Lantern
AÑO: 2011
DURACIÓN: 105 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Martin Campbell
GUIÓN: Greg Berlanti, Michael Green, Marc Guggenheim, Michael Goldenberg
MÚSICA: James Newton Howard
FOTOGRAFÍA: Dion Beebe
REPARTO: Ryan Reynolds, Blake Lively, Peter Sarsgaard, Mark Strong, Tim Robbins, Angela Bassett, Temuera Morrison, Jay O. Sanders, Taika Waititi, Mike Doyle
PRODUCTORA: Coproducción EEUU-Australia; DC Comics / Warner Bros. Pictures

Hal Jordan (Ryan Reynolds), un piloto que prueba prototipos, adquiere superpoderes que le son concedidos por un extraterrestre moribundo. Gracias a ello es reclutado para una misión de paz intergaláctica...

Martin Campbell, director de Casino Royale y de la notable y olvidada Escape de Absolom nos castiga con este despropósito visual y argumental. Si te parecía que Daredevil era la peor adaptación de superhéroes de los últimos años, prepárate, porque ésta no anda muy lejos de quitarle ese puesto de honor.

Linterna Verde es un superhéroe poco habitual, en los cómics ha sido encarnado por varios personajes diferentes, ya que en realidad los poderes se encuentran en el anillo, no en el propio personaje, pasando el poder a cualquier personaje. A lo largo de su trayectoria cómiquera se han encarnado hasta siete personajes diferentes, cosa que no a todos los fans les gustó, y muchos de ellos acabaron dejando ‘aparcado’ a éste superhéroe. Pero el más famoso de todos ellos, fue Hal Jordan, y en consecuencia el elegido para protagonizar la película. En pleno auge y resurgir de la Marvel, era uno de los personajes más famosos de DC, que había tenido varias adaptaciones de animación, pero nunca con actores reales. Y he de decir que una de las versiones de animación, Linterna Verde: Primer Vuelo del año 2009, me gustó.

Como dicen en Andalucia, verde que te quiero verde, así es la película, pero ese verde brillante se escurre por el agujero del retrete. Y es que cuando Hal se pone el anillo no sabemos si estamos en una película de animación realizada íntegramente con pesimo CGI, hasta el traje es bastante cutre, o una película con actores reales cuando no lleva el anillo, sin embargo los trozos se entremezclan por momentos de una manera bastante insustancial.


Hal interpretado por un desaprovechadísimo Ryan Reynolds, que demostró sobradamente en Buried de Rodrigo Cortés de lo que es capaz de hacer a nivel interpretativo, aunque su personaje no tenga nada que ver, en la obra de Cortés a pesar de estar encerrado en un ataúd, hizo mucho más de lo que hace aquí. Aunque en mi opinión el conjunto visual y argumental limita sus dotes por las cuatro esquinas.

No sé como será el personaje en el cómic, pero aquí es un niñato del ejército, estúpido y engreído, además sus bromas no tienen gracia. Aunque eso habría que decírselo a los guionistas. Estoy de acuerdo en que una película de superhéroes contenga alguna broma puntual, por ejemplo Iron Man o Los Vengadores las tienen, pero las usan moderadamente y de forma consecuente. Incluso El Caballero Oscuro de Christopher Nolan con toda su seriedad y ‘oscuridad’, a su manera, tiene algún momento distendido para arrancarnos una sonrisa, como la escena de la Bat-pod reventando coches mientras los niños hacen ver que disparan.
Sin embargo en Linterna Verde, esas escenas son tan sumamente previsibles y estúpidas, como la de ponerse el traje delante de su amigo, o el entrenamiento de Hal en Oa, el planeta de los Lantern, escena realmente tontuna y vergonzosa.

La historia es muy sencilla, y explican la parte que casi todo el mundo sabe sin leer los cómics. Abin Sur se estrella en la tierra pero antes de su muerte, el propio anillo elije a Hal para pasarle su poder y unirse a los Green Lantern Corps, un grupo formado por especies de toda la galaxia para defender el universo. Hay dos cosas que me sorprenden, primero la bobalicona historia de amor entre Hal y Carol, interpretado por Blake Lively que no hace otra cosa que desviar la atención de la misión real de Hal. Todo superhéroe tiene algún romance, pero hay que saber integrarlo en la historia, cosa que aquí no hacen debidamente. Pero bueno para lo que hay que ver, mejor así. Y segundo que para escribir dicha historia hagan falta cuatro guionistas. Una historia carente de emoción y de épica, puesto que no es sumamente original, al menos que fuera emocionante, pues no lo es.


El doctor Hector Hammond se convierte en un semi-monstruo que sufrirá elefantismo interpretado por Peter Sarsgaard (La Huérfana), como malo no está a la altura de las circunstancias aunque su caracterización está bastante lograda, casi lo mejor de la película.
Y el verdadero malo tampoco lo está, su poder amarillo que contiene el miedo, se centra en la espectacularidad, un jefe final creado por CGI. El miedo poseé a uno de los creadores de los Green Lantern Corp, un cruce entre los marcianos de Mars Attack y los ancianos oráculos de 300. Una vez transformado, guarda una terrible semejanza con la mascota de Gamma Ray mezclado con el espíritu malvado de Darkness Falls, pero todo ello carente de épica y la verdadera maldad que representa. En un combate final entre Hal y éste, tan pobre y resuelto en un chasquido de dedos, un combate que no hace justicia ninguna a un esperado épico final.
Mark Strong (Rocknrolla) en el papel de Siniestro lo hace bastante mejor que el propio Reynolds, aunque lamentablemente no se le otorga el mismo protagonismo que a éste. Su caracterización es curiosa, me recuerda mucho a Dabla de Dragon Ball.
Los productores creyendo que iban a reventar taquilla, aunque no ha sido así, no podía faltar la presentación de un villano de cara a una segunda parte, que dudo que hagan. Así que al finalizar veremos un villano de cara a esa improbable segunda parte, -Spoiler- a cargo del propio Siniestro –Fin Spoiler-, poco importa que lo haya desvelado ya que se huele desde el primer minuto. Tim Robbins (Cadena Perpetua) hace un cameo como padre del doctor Hammond, pero nada destacable.

La banda sonora de James Newton Howard tiene momentos realmente buenos, qué de haber tenido unas mejores imágenes a las que acompañar, sería recordada de una forma bastante épica. Howard entre una larga lista de trabajosha aunado fuerzas junto a Hans Zimmer en Batman Begins y El Caballero Oscuro y otras producciones a su pleno cargo como La Joven del Agua o Soy Leyenda.

Visualmente el conjunto es extraño y carece de la brillantez verde, brilla en pantalla gracias a la fotografía, pero no en su guión.

19/6/12

Otro nuevo spot de The Dark Knight Rises

He perdido la cuenta, creo que es el sexto spot televisivo que lanzan para la televisión americana, la cual están bombardeando. La espera se acorta y con ella no paran de llegar spots televisivos. Con un montaje veloz para desvelar lo minimo, se descarga la artílleria pesada en éste. La verdad hablar sobre su reparto o argumenteo me dá pereza, si a estas alturas no sabes nada sobre esta nueva entrega, solo has de escribir el título en google y tendrás toda la información necesaria, está candente.


Actualizo el post, con un spot exclusivo para Nokia. Al parecer la marca de moviles quiere relanzarse al mercado aprovechando el éxito de la película.

16/6/12

Nuevo spot de The Dark Knight Rises

Ya no sé que más decir, que no haya dicho ya en post anteriores, cada vez pinta mejor. Estamos a un mes escaso de su estreno y sigue lloviendo material promocional que solo hace que aumentar mi impaciencia. Disfruten.


14/6/12

Following


TÍTULO ORIGINAL: Following
AÑO:  1998
DURACIÓN: 69 min.
PAÍS: Reino Unido
DIRECTOR: Christopher Nolan
GUIÓN: Christopher Nolan
MÚSICA: David Julyan
FOTOGRAFÍA: Christopher Nolan
REPARTO: John Nolan, Alex Haw, Lucy Russell, Jeremy Theobald, Jennifer Angel
PRODUCTORA: Next Wave Films / A. Syncopy Films production

Un escritor en sequía creativa decide seguir a la gente por la calle para poder inspirarse. Pero convertirse en un "voyeur" tiene sus riesgos...

No creo que sea el único, pero durante largo tiempo creí que Memento fue el debut de Christopher Nolan, sin embargo me equivocaba. Cuando éste aún cursaba sus estudios universitarios de lengua inglesa, su pasión por el cine, que ya le venía de bien pequeño, desde los siete años haciendo cortometrajes con sus juguetes. Fue esa afición la que propició su primer largometraje, con una ajustada duración, poco más de 60 minutos y un más que ajustado presupuesto de 6000 dólares, se enfrasco en Following, escrita, producida, dirigida y filmada por él, la fue rodando durante los fines de semana con ayuda de amigos y compañeros, de ahí que algunos salgan en ella.

Una vez terminada, en 1999 la presentó en el Hong Kong Film Festival, que aparte de darse a conocer, le sirvió para pedir financiación a la audiencia para su próximo proyecto, Memento. Obra con la que ya se dio a conocer a más gran escala, pues ésta le pondría en boca del público y abriría las puertas de Hollywood, para realizar Insomnio junto a Al Pacino y posteriormente comenzar la saga de Batman.

Salvando las diferencias argumentales, Following guarda ciertas similitudes con Memento. La realización es muy similar entre ambas, aunque ese estilo característico se ha mantenido en todas sus películas hasta la fecha, incluso con las entregas de Batman. Aunque la más comparable en muchos aspectos y este caso en concreto, es Memento. Esas similitudes entre ambas radican principalmente, en la puesta en escena y su montaje, aunque la forma de contar la historia no resulta temporalmente tan desestructurada como en Memento, se asemeja bastante en su estilo narrativo, aunque ambas son cintas de suspense, no lo comparten argumentalmente hablando. Following es una cinta bastante más clasicista que Memento.


Rodada enteramente en blanco y negro, aprovecha muy acertadamente las sombras, jugando con la iluminación de una forma totalmente natural. Dandole a la cinta el tono de misterio que necesita la propia historia, a la vez que un toque del clásico suspense. Qué preservando su propio estilo, se ve influenciada por el maestro de dicho género, Alfred Hitchcock.
A partir de media película, cuando se enmaraña la trama y se nos van dando las pistas sobre la función y la identidad real de cada personaje, dicha influencia se ve acrecentada. El argumento, me atrevo a decir que no es nada que no hayamos visto antes, pero su forma de narrarlo, es bastante personal. Nolan tiene su propio estilo, y su manera de hacer las cosas a día de hoy sigue siendo muy similar.


Following es un thriller de pocos, pero intensos personajes, basicamente se centra en tres personajes a la vieja usanza. Jeremy Theobald interpreta a una de las ‘victimas’ perseguidas. Theobald que ya participo en Doddlebug, uno de los cortometrajes de Nolan, se sumerge con gran credibilidad y asombrosa naturalidad en su papel de victima, a la vez que representa muy bien su rol real, el de sospechoso. Lucy Russell es la chica rubia, segundo fetiche de Cobb (curiosamente éste se llama igual que el personaje de Di Caprio en Origen), el escritor, encarnado por Alex Haw. Éste se obsesiona de tal manera con ambos que terminará por verse inmerso en una espiral de la que no se puede huir facilmente, situación en la que nada es lo que parece.

Theobald hace una aparición fugaz en Batman Begins y poco más. Mientras que Russell ha ido trabajando algo más que éste, aparte de aparecer también escuetamente en Batman Begins, sus apariciones se limitan a papeles mayormente secundarios, en alguna película francesa, El Imaginario del Doctor Parnassus de Terry Gilliam, o series y películas para televisión. Mientras que Alex Haw no me consta que haya realizado ningún trabajo más como actor. Los tres se encuentran en su primera película, y es sorprendente con que naturalidad actúan, casi inusual.


La música de David Julyan mantiene sobradamente la intriga y el mencionado suspense de la película. Julyan orquestó posteriormente para Nolan algunas de sus obras; Memento, Insomnio y El Truco Final, aunque también ha trabajado en películas de género como Eden Lake o The Descent. Al contar con tan ajustado presupuesto, Nolan realizó las labores de montaje junto a Gareth Heal, con un resultado bastante dinámico y con una narrativa tan interesante como entendible con un solo visionado. Digo esto pues en el caso de Memento hace falta algún visionado posterior si se desea apreciar algunos detalles que se pasan por alto la primera vez.

Como resultado nos queda un buen debut de Christopher Nolan que ya apuntaba buen hacer dentro del cine, y que sin haber pasado por una escuela de cine se ha convertido en uno de los directores con más renombre del panorama actual. Sin duda más de uno quisiera arrancar su carrera con un presupuesto tan ajustado y tan buenos resultados.

13/6/12

Angry Birds The Movie

El otro día hablé sobre las adaptaciones de videojuegos y el afan de alguna gente por ir un paso más allá. Si os pareció absurdo adaptar Tetris, lo vais a flipar con éste; Angry Birds The Movie (toma ya!), basado en el videojuego creado en 2009 por la empresa finlandesa Rovio Mobile. Como ya comenté son proyectos realizados por el propio público, así que no creo que lleguen a hacerlo, mientras no lo vea algún productor loco.


Angry Birds es un juego de puzzle en el que tienes que usar en una tirachinas gigante, para lanzar a unos pájaros con diferentes habilidades; algunas de ellas son explotar, dividirse en tres o hacer parábolas. La finalidad es derribar estructuras formadas por hierro, madera y piedra que protegen a unos cerdos que roban los huevos de los mencionados pájaros. En este caso hay un mínimo argumento al que poder agarrarse, pero vamos que no veo yo nada claro adaptar una película sobre ello, aunque tampoco lo veía con Battleship. Por suerte en ambos casos, son proyectos amateurs, aunque como lo vea algún loco productor, no me extrañaría que algún día lleguen a adaptarse.

11/6/12

Tetris ¿al cine?

El mundo del videojuego cada día está más ligado al cine, eso es un hecho. Dejando a un lado sus influencias dentro de películas que no son adaptaciones propiamente dichas, para mayor o menor fortuna, tenemos algunas que si lo son; como Resident Evil, Mortal Kombat, Alone in the Dark, Silent Hill, Street Fighter o Max Payne. Estos son claros ejemplos de una larga lista de adaptaciones de juegos a la gran pantalla. Incluso recientemente se estrenó Battleship basada en el juego de mesa Hundir la Flota.

Battleship podría ser la punta del iceberg a posibles adaptaciones de videojuegos sin un argumento propio en el que sustentarse. ¿Porqué pongo dicho ejemplo?, porque el post guarda relación con la absurdez de adaptar según que cosas.


A menudo la gente tiene ideas que probablemente no darían de si lo suficiente para realizar un largometraje, pero no por ello son menos simpáticas, e incluso mejores que muchos cortometrajes. Así nace éste trailer de Tetris, la película basado en el videojuego originalmente diseñado y programado por Alekséi Pázhitnov en la Unión Soviética. Tetris es el ‘padre’ de juegos como Puzzle Bubble o Jeweled. Pero tranquilos que es un proyecto realizado por gente muy fan del juego y de las películas de invasiones extraterrestres, así que mientras no lo vea un productor insensato, estamos a salvo de verlo en cines.


6/6/12

Spooky Cinema 15



La Oscura Ceremonia sigue con sus pases dobles Spooky Cinema. El próximo dia 17 de junio a las 18 horas vuelven con su décimoquinta edición. Como es habitual, dichas sesiones suelen ser temáticas, y puesto que ya se terminan las clases hasta septiembre.
Que mejor que celebrarlo con un especial horror en el instituto con las siguientes películas; primero Hello Mary Lou: Prom Night II dirigida por Bruce Pittman (1987). La sinopsis no difiere mucho del clásico slasher, Mary Lou Maloney, reina de la promoción de 1957 en el instituto Hamilton High, es asesinada por su novio la noche del baile de graduación. Treinta años más tarde regresa para vengarse.

Y en segundo lugar 13 Asesinatos y medio (1981), más próxima a la comedia que al terror y dirigida por Mickey Rose y Michael Ritchie. Nos cuenta la historia de Un asesino llamado The Breather que aterroriza a los estudiantes de la escuela secundaria. Siempre que el asesino encuentra a jovenes manteniendo relaciones sexuales, él les mata. Él tiene algunas lecciones que impartir, le gusta respirar pesadamente,y tambien le gusta hacer llamadas mientras habla a través de un pollo de goma.


El pase será en el Auditori Les Basses C/Teide 20 Barcelona Metro L5 Vilapicina. La entrada es gratuíta y se proyectarán cortometrajes y trailers. También habrá barra de bar a precios populares.

Satiricón


TÍTULO ORIGINAL: Fellini Satyricon
AÑO: 1969
DURACIÓN: 129 min.
PAÍS: Italia
DIRECTOR: Federico Fellini
GUIÓN: Bernardino Zapponi & Federico Fellini
MÚSICA: Nino Rota & Varios
FOTOGRAFÍA: Giuseppe Rotunno
REPARTO: Martin Potter, Hiram Keller, Lucía Bosé, Capucine, Alain Cuny, Max Born, Salvo Randone
PRODUCTORA: Les Productions Artistes Associés / Produzioni Europee Associati (PEA) / United Artists
PREMIOS 1970: Nominada al Oscar: Mejor director
1970 Nominada al Globo de Oro: Mejor Película Extranjera

En la Roma del siglo primero después de Cristo, dos estudiantes, Encolpio y Ascilto, discuten sobre su propiedad respecto al adolescente Gitone. El niño escoge a Ascilto, a partir de entonces, Encolpio emprende un viaje en el que volverá a encontrarse con Ascilto y vivirán una serie de aventuras y desventuras para conocer nuevos amores.

Fellini adapta el clásico Satyricon, escrito que se atribuye a Petronio Arbitro en el siglo I D.C. del que sólo se conservan algunos fragmentos. El texto sobrevivió a la edad media y el renacimiento, se pensó que los fragmentos conservados se derivaban precisamente de lo redactado por Petronio antes de morir; hasta 1664 no hubo la primera edición que incluía la fiesta de Trimalción, uno de los fragmentos más largos de lo que se conserva, siendo disponible para el público general. Poco después el Satiricón fue traducido a varias lenguas y se convirtió en uno de los bestsellers de la literatura occidental. En los escritos de Petronio se ironiza sobre la sociedad romana de la época de Nerón. Al igual que la adaptación cinematográfica de Fellini, la obra de Petronio habla de las desventuras del narrador, Encolpio, y su amante, un bello adolescente de dieciséis años llamado Gitón. A través de la novela, a Encolpio le resulta difícil hacer que Gitón le sea fiel mientras es constantemente seducido por otros. El amigo de Encolpio, Ascilto (quien parece haber tenido una relación previa con Encolpio), es otro personaje principal que desaparece de la narrativa debido a los textos perdidos.


Declaraciones del propio Fellini indican: "La gente quiere siempre entender, comprender las películas, pero frecuentemente esto no es lo más importante. Mi "Satyricon" ha de ser sentido, no entendido".

Fellini en diversas declaraciones al respecto ya comentó su fascinación desde pequeño por la obra de Petronio, pero su intención no era la de reconstruir esa época históricamente, sino recrear una obra incompleta y fragmentada creando un mundo libremente. En conjunto con el guionista Bernardino Zapponi, el guión que Fellini confeccionó era discontinuo como la obra de Petronio, pero también era hacer cine con los restos arqueológicos que le inspiraron. La construcción de Fellini Satyricon mezcla vanguardia y clasicismo, se trata de una superproducción que pasó por encima de las convenciones fundadas por el género peplum. La portentosa puesta en escena al estilo del teatro clásico griego se fusiona con contrastes cromáticos, actuaciones delirantes, escenografía y vestuario espectaculares. El director de fotografía Giuseppe Rotunno crea un ambiente enardecido, utiliza la profundidad de campo junto el uso del travelling que propone Fellini o el operador de cámara, para mostrar los espacios de tal manera, que mientras vemos la película es como si nos asomáramos a curiosear, contemplar los extraños rostros de los extravagantes personajes que deambulan por los espacios.


De este modo se va desarrollando la película, una serie de espacios en sucesión episódica que parecen independientes, pero son los engarces que unen los bloques cuya relación es por la presencia de algunos de los personajes comunes. La narrativa lógica convencional se disuelve para dar paso a una construcción mental de todo lo que va sucediendo para terminar derivando en sensaciones y emociones. La propuesta de Fellini es la de mostrar una época que al profundizar de forma sociológica en costumbres y comportamientos no conocemos mucho, así que todo está construido para que nos sintamos extraños, tal como nos sentiríamos si apareciéramos de súbito en la Roma del Siglo 1. Todos los escenarios están recreados, incluso muchos de los exteriores, la interpretación de los actores y la confección de los vestuarios y otros elementos desconciertan al igual que fascinan. Está película es ciencia ficción del pasado, algo único, en la actualidad el beneficio económico debe estar asegurado con poco margen de riesgo, por ese motivo esta película podría denominarse como una superproducción experimental.


Entre muchas nominaciones y premios la película cosechó una larga lista de conmemoraciones:

Academy Awards, USA
Nominado al Oscar en la categoria Best Director
Golden Globes, USA
Nominado al Golden Globe en la categoria Best Foreign-Language Foreign Film
Laurel Awards
Nominado al Golden Laurel en la categoria Best Foreign Film
Nominado al Golden Laurel en la categoria Star of Tomorrow, Male
Italian National Syndicate of Film Journalists
Ganador del Silver Ribbon en la categoria Best Production Design (Migliore Scenografia)
Ganador del Silver Ribbon en la categoria Best Cinematography, Color (Migliore Fotografia a Colori)
Nominado al Silver Ribbon en la categoria Best Costume Design (Migliori Costumi)
Nominado al Silver Ribbon en la categoria Best Supporting Actor (Migliore Attore non Protagonista)


Gran parte de los actores, entre ellos los protagonistas, eran desconocidos; algo que ayudaba a construir la recreación de ese universo que Fellini dotaba de elementos extraños. La banda sonora de Nino Rota también entra en esos parámetros, es exótica y visceral, se mezclan instrumentos convencionales con otros afro-asiáticos, hay algunos arreglos creados con sintetizadores que ofrecen una dimensión onírica. El argumento en esta película es relativo, aunque sin problemas se puede seguir la continuidad fragmentada, en conjunto la película ofrece una experiencia sensitiva. Una gran dirección por parte de Fellini con una mirada crítica en la reconstrucción de una Roma sin más dioses que la voluptuosidad y el dinero, una retrospectiva que puede aplicarse a la actualidad que nos pertenece, donde la misma mirada sátira atañe contra la injusticia y la desmesura de los poderosos. Fellini Satyricon es una película única, no hay nada parecido y vale la pena adentrarse en el delirante aunque hipnótico despliegue de artificios.

5/6/12

El gran Vázquez


TÍTULO ORIGINAL: El gran Vázquez
AÑO: 2010
DURACIÓN: 106 min.
PAÍS: España
DIRECTOR: Óscar Aibar
GUIÓN: Óscar Aibar
MÚSICA: Mastretta
FOTOGRAFÍA: Mario Montero
REPARTO: Santiago Segura, Álex Angulo, Manolo Solo, Mercè Llorens, Enrique Villén, Jesús Guzmán, Pere Ponce, Pep Sais, Jordi Banacolocha, Pere Vall, Itziar Aizpuru, Itziar Castro, Alberto Vidal, Hector Vidales, Lita Claver 'La Maña', Biel Durán, Carles Velat, Oriol Tramvia
PRODUCTORA: Distinto Films / Tornasol Films / Castafiore Films

Es primavera y Vázquez respira la vida a pleno pulmón. Sus personajes -las Hermanas Gilda, Anacleto, la Familia Cebolleta...- triunfan en los tebeos de la Editorial Bruguera. Mientras, el mejor dibujante de tebeos de España disfruta de lo que quiere cuando quiere, no paga nada, esquiva con ingenio a sus acreedores, burla y tima a sus jefes y se casa alegremente coleccionando una familia tras otra. Hasta que un gris contable de su editorial decide que debe pasar por el aro como todo hijo de vecino. No será tarea fácil: para el genial dibujante, la vida es una fiesta en la que hay que colarse si no te han invitado.

Manuel Vázquez Gallego creador de series como La familia Cebolleta, Anacleto, agente secreto o Las hermanas Gilda, fue uno de los dibujantes más famosos de nuestro país durante la década de los 60, pero también más polémico. Todos tenemos una vida privada, y detrás de éste maestro del lápiz se escondía lo que viene a conocerse vulgarmente por el término, un granuja caradura.
En su vida privada Vázquez se caracterizaba por su afición a los trapicheos económicos, que dejaban a los acreedores con dos palmos de narices. Vázquez le echaba morro a la vida, a base de engaños conseguía vivir ‘de gratis’. Pero no solo se le conocía en el ámbito económico, también tenía líos familiares dignos de las más intrincadas historietas en forma de viñeta cómica. Se sabe que tenía varias mujeres e hijos repartidos por diferentes barrios, claro, en desconocimiento de éstos propios, ahí está el merito de su jugada.

Oscar Aibar que ya me esbozó alguna que otra sonrisa con aquella comedia titulada Platillos Volantes, basada en hechos reales y protagonizada por Ángel de Andrés López (800 Balas) y el peculiar Jordi Vilches (El Robo más grande jamás contado), trabajó junto a Vázquez en la revista Makoki, y éste le contó varias anécdotas personales. Aibar quedó un tanto fascinado por dichas anécdotas, a partir de entonces empezó con un proceso investigación de dos años, entrevistando a familiares, amigos y algunas de las víctimas de los sablazos del dibujante. De esta forma, Aibar no tan solo dirige, también escribe el guión, aunque la película no llegó a realizarse hasta varios años después. La película nos ofrece un simpático biopicture sobre la vida de Vázquez, que no es la risión, pero consigue un tono bien divertido.


Aibar se centra en la decadencia de la carrera de Vázquez como dibujante en la editorial Bruguera y sus coletazos familiares, aunque alguna anécdota apunta que fue una licencia cinematográfica, casi todo lo relatado en la película era cierto. Además se incluye al personaje de Francisco Ibáñez, que tomó el relevo de Vázquez con sus personajes de Mortadelo y Filemón, influenciados claramente por éste, al que Ibáñez consideraba un maestro.

Santiago Segura se pone en la piel de Vázquez, papel que interpreta con soltura, puesto que alberga ciertas semejanzas con su personaje de Torrente, pillo y trampero. Aunque no llega a la vulgaridad e indecencia del ex-policía. Salvo la cara del actor, visualmente tienen pocas semejanzas, pero algunos rasgos interpretativos de Torrente están latentes en las acciones y trapicheos que Vázquez se trae entre manos. Vázquez es un moroso y timador, pero con presencia y elegancia, características de las que Torrente carece totalmente.
Aun así, como espectadores será casi inevitable no encontrar similitudes interpretativas entre ambos personajes. Algo que para mí no ha sido malo, todo lo contrario, el personaje de Vázquez requiere cierto nivel de pillaje y estrategia barriobajera, y si alguien sabe de eso a estas alturas tras cuatro entregas de Torrente, ese es Santiago Segura.


Manuel el padre de Vázquez, interpretado por Jesús Guzmán, no tiene mucho que envidiar al padre de Torrente interpretado por Tony Leblanc. No voy a comparar a Leblanc con Guzmán, puesto que ambos juegan en diferentes ligas, pero los dos se hacen con las riendas de su personaje, haciéndolo totalmente creíble a nuestros ojos. Esta relación refuerza la sensación de cierta similitud entre los personajes de Vázquez y Torrente, aunque el enfoque es diferente, la de Vázquez y su padre es una relación más dramática y menos humorística que la planteada en Torrente.
El personaje de Ibáñez interpretado por Manolo Solo (Celda 211, El Laberinto del Fauno), como en cualquier empresa sirve en bandeja el punto de rivalidad de Vázquez, aunque de una forma muy amigable y noble, esa rivalidad realmente es propiciada por las palabras de Peláez, un contable puesto por la empresa con la intención de hacer entrar en vereda las cuentas de la empresa y al propio Vázquez.
Segura y Solo, no se parecen físicamente a las personas que interpretan, Vázquez e Ibáñez, respectivamente, pero sus caracterizaciones están realmente logradas, amenizando esa carente similitud que había en un principio.
Enrique Villén (Crimén Ferpecto) se pone en la piel del redactor jefe, y si alguien podía hacer de jefe bondadoso e ingenuo, ese era Villén, sus propias facciones y su estrabismo no hacen otra cosa que acentuar las características necesarias del personaje, qué aún guiado por Peláez morderá el anzuelo en más de una ocasión. Peláez está encarnado por un excelente y brillante Alex Angulo (Día de la Bestia).

No estamos ante una comedia para llorar de risa, pero Aibar consigue repetir en mí esa sensación que me transmitió Platillos Volantes. El Gran Vázquez tiene algunos tintes dramáticos, pero no deja de ser una comedia y tiene algunos momentos bastante risueños, sobre todo cuando se encuentran en un mismo plano, Vázquez, González y Peláez.

Así que el conjunto final se hace simpático para ver una vez. Un curioso biopicture sobre uno de los dibujantes que más influencias a aportado a la viñeta patria.

4/6/12

Adelanto exclusivo The Dark Knight Rises en los MTV Movie Awards

Ayer por la noche se celebró los MTV Movie Awards y sus asistentes pudieron ver un pequeño adelanto sobre el mejor (cada día estoy más convencido de ello) y más esperado estreno de este año The Dark Knight Rises, el cierre de la trilogía de Batman de Christopher NolanPero gracias a la red, nosotros también podemos disfrutar casi al mismo tiempo que el público de la gala. Dicho adelanto contaba con nuevas y suculentas imagenes nunca vistas hasta ahora en algún trailer o spot.


La gala contó con la presencia de Christopher Nolan, Christian Bale, Gary Oldman, y Joseph Gordon-Levitt. El estreno se espera impacientemente en nuestro país, el 20 de julio.