31/7/12

Bonos del Festival de Sitges ya a la venta



Hoy martes 31 de julio se han puesto a la venta los abonos para la 45ª edición del Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, o lo que es lo mismo que Sitges 2012.

Se celebrará del 4 al 14 de octubre. La principal novedad de este año es la creación del Abono Auditori, un pase válido para acceder a las sesiones del Auditori del Hotel Meliá Sitges durante todos los días del certamen (excepto las galas de inauguración y clausura así como la maratón del 14 de octubre). Su precio es de 250 euros.

Los otros abonos que también empiezan a venderse hoy son la Butaca VIP (350 euros), que permite acceder a todas las sesiones durante todos los días del Festival (incluyendo galas de inauguración y clausura y la maratón del último día del certamen) con un asiento reservado en la mejor zona del Auditori y, con derecho a recibir la bolsa y el catálogo oficial, y el Abono Matinée (99 euros), que permite acceder a las sesiones del Auditori hasta las 15 horas (no incluye las sesiones del maratón del 14 de octubre).

Los tres tipos de abonos solo se podrán comprar a través de Telentrada de CatalunyaCaixa y se tendrán que canjear en las taquillas situadas en el Hotel Meliá Sitges por la acreditación (Abono Butaca VIP y Abono Auditori) o por las entradas correspondientes (Abono Matinée).




Otra de las novedades de Sitges 2012 es la posibilidad llevar impresas desde casa las entradas para acceder a las diferentes sesiones del certamen. Gracias a la utilización del sistema “Print at home”, los espectadores de Sitges 2012 que impriman la entrada (o que la descarguen en su dispositivo smartphone no tendrán que hacer cola en las taquillas del Festival. Esta opción no es válida para los diferentes tipos de abonos del certamen.

Este sistema incorpora a las entradas tres sistemas de seguridad para evitar posibles duplicidades y errores en la impresión: la identificación nominativa, el código de barras y el código QR.

Con la utilización del “Print at home” la organización de Sitges-Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya intenta mejorar la experiencia de los espectadores del certamen evitando molestas colas que se forman en las taquillas del Festival.

30/7/12

Doble cuerpo


TÍTULO ORIGINAL: Body Double
AÑO: 1984
DURACIÓN: 110 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Brian De Palma
GUIÓN: Robert J. Avrech, Brian De Palma
MÚSICA: Pino Donaggio
FOTOGRAFÍA: Stephen H. Burum
REPARTO: Craig Wasson, Melanie Griffith, Gregg Henry, Deborah Shelton, Dennis Franz, Guy Boyd, David Haskell, Rebecca Stanley, Barbara Crampton
PRODUCTORA: Columbia Pictures
PREMIOS 1984: Globos de Oro. Nominada a Mejor Secundaria (Melanie Griffith)
1984: Nominada a los Premios Razzie: Peor director

Jake, un actor de películas de terror, descubre a su mujer con su amante. Tras abandonarla, se instala en una lujoso apartamento que le ha dejado un compañero. Desde allí ve cómo cada noche una mujer desconocida monta un pequeño y morboso espéctaculo en su vivienda.

Brian De Palma es un cineasta cuyo nombre resuena con diversas consideraciones hacia su trabajo, siempre a estado muy menospreciado, sobre todo en Estados Unidos, aunque en ocasiones también lo han sobre valorado. Lo que no se puede negar es que su carrera es irregular, es un cineasta con un estilo peculiar que dispone de algunos trabajos que se han hecho un hueco en la historia del cine y por los que será recordado, aunque no sabemos si eternamente.


Brian De Palma es reconocido de forma extraña, arrastra una serie de fracasos comerciales reflejados tanto por la crítica especializada como por la recaudación en taquilla; de todos modos sigue trabajando y siempre con un porcentaje de publico a su favor. La verdad, es difícil posicionarse con este cineasta, pues en cierto modo puede ser un incomprendido con tantos aciertos como errores en sus trabajos. La cuestión es que los méritos que se le pueden atribuir hasta cierto punto son merecidos, pero también cuestionable su ética como realizador, pues su forma de trabajar es lanzando una mirada al pasado, llevarlo a su terreno y construir sus películas con lo que crea más conveniente. ¿Donde termina el homenaje y comienza el plagio? Brian De Palma no es un mal cineasta, pero aprovecha los inventos de grandes cineastas para repetirlos en unos contextos propios siendo esta su forma de asombrar. No hay nada de malo en ello, pero quizás precisamente por ello tampoco merezca mayores elogios que los que puedan proporcionar el gusto personal de cada persona.


Con Doble cuerpo se juega a las apariencias, al engaño... algo que De Palma acostumbra a desarrollar en sus películas, incluso forma parte de su trayectoria como cineasta. También está el estilo del voyerismo cinematográfico y el componente sexual dentro del genero que desarrolla. Su influencia en esta película está muy clara y también muy comentada, las dos películas de Alfred Hitchcock que se supone homenajea en Doble cuerpo saltan a la evidencia, pero fuera de comentar las similitudes argumentales, es más interesante hacerlo en como utiliza las formas que trabajaba Hitchcock para tratar los conceptos a desarrollar. Mostrar el artificio cuando se habla de las apariencias a través de los falsos fondos, la forma de mover la cámara o contextualizar el argumento hacia la inverosimilitud, pero claro, sin desmerecer a De Palma hay un abismo entre los dos cineastas. Doble cuerpo tiene sus virtudes, muchos encuadres trabajados, buenos movimientos de cámara, un trabajo de arte que destaca en muchos momentos, entre otras cosas no hay que olvidar que Brian De Palma sabe lo que se hace.


De todos modos, en mi opinión Doble cuerpo es una película mediocre que dentro de la década en la que se rodó, cuenta con los aciertos y despropósitos de los excesos. Aunque también digo que a modo personal la película no me desagrada, la verdad es que entretiene, dispone de secuencias que resultan hasta interesantes pese a que el conjunto final sea malo. Doble cuerpo tiene un popurrí variopinto, pasando por la serie B casposa del típico asesino, por el thriller erótico y desembocando en el metacine, todo adornado con el suspense para un final tan tramposo como efectivo. Esta es una de esas películas en las que piensas, ¿está mal hecha a propósito?. La película se mueve por unas tesituras en las que puedes pensar que el contenido se expresa a través de una forma consecuente con el argumento, pero... ¿siempre intencionado? Está película es una horterada simpática que para no odiarla, tienes que partir de la base de que no se la puede tomar en serio, pues es mejor pensar que no hay pretensiones ocultas más allá de una gamberrada cinematográfica con la que se puede llegar a pasar un rato divertido, pues la película es un autentico disparate.

29/7/12

60 edición del festival de cine internacional de San Sebastián


Del 21 al 29 de Septiembre se celebra la 60 edición del festival de cine internacional de San Sebastián. Se proyectarán una gran variedad de películas en las diferentes secciones que componen el festival. La sección oficial dispone selección de largometrajes de la producción cinematográfica mundial más reciente e inédita del año además del resto de secciones a concurso.


Competición internacional de primeras o segundas obras de sus directores. Todas ellas ejemplo de la producción cinematográfica mundial más reciente e inédita.
Un Jurado Internacional formado por cinco miembros será el encargado de entregar el Premio Kutxa-Nuevos Directores, patrocinado por Kutxa, colaborador oficial del Festival. El premio está dotado con 90.000 euros destinados al director y al distribuidor de la película en España.








Una sección abierta y heterogénea que tiene como finalidad ofrecer una muestra del cine más destacado e impactante del año.
Está estructurada en dos partes

Zabaltegi Perlas

Zabaltegi Especiales







Competición de los largometrajes latinoamericanos más interesantes del año, inéditos en España.
Estos títulos optan al Premio Horizontes, dotado con 35.000 euros destinados al director y al distribuidor español de la película ganadora, que será otorgado por un Jurado Internacional formado por tres miembros. 









El cineasta francés Georges Franju (12-4-1912 / 5-11-1987) será el protagonista de una de las retrospectivas que se programarán en la 60 edición del Festival de San Sebastián.
El ciclo programado por el Festival de San Sebastián permitirá recuperar la filmografía de Franju, precisamente en el año en que se cumple el centenario de su nacimiento.









La 60 edición del Festival de San Sebastián homenajea el décimo aniversario de su sección Cine en Construcción con un ciclo coorganizado con el Museo San Telmo, que recupera algunas de las películas que han sido presentadas a lo largo de estos años.

Very Funny Things. Nueva comedia americana es el título de la retrospectiva temática que el Festival de San Sebastián dedicará este año a las nuevas tendencias del cine de humor estadounidense. La comedia, un género que ya tenía una larguísima tradición en Hollywood, se ha visto revitalizada en las dos últimas décadas gracias a una mirada contemporánea en la que hay lugar para la irreverencia, la incorrección política y la sátira social.



También se podrá disfrutar de otras secciónes como:

MADE IN SPAIN
Sección no competitiva que integra una selección de películas, muestra del panorama del cine español del año, con producciones estrenadas o no en España, a las que el Festival ofrece una excelente plataforma para su difusión internacional.

ZINEMIRA
Sección dedicada al cine vasco, organizada por el Festival de San Sebastián con la colaboración del Departamento de Cultura del Gobierno Vasco, EITB, EPE/APV e IBAIA, Euskadiko Filmategia/Filmoteca Vasca y con el patrocinio de SERBITZU ELKARTEA.
  • Zinemira EstrenosSelección de estrenos mundiales de producción mayoritariamente vasca.
  • Zinemira PanoramaMuestra del panorama del mejor cine vasco del año, compuesta por producciones estrenadas en España o que han participado en otros festivales. El Festival ofrece para ellas una excelente plataforma para su difusión internacional.
  • Zinemira KimuakSelección de cortometrajes vascos del programa Kimuak, iniciativa del Departamento de Cultura del Gobierno Vasco y Euskadiko Filmategia/Filmoteca Vasca.
    Esta sección está restringida en exclusividad a los profesionales de la industria cinematográfica acreditados en el Festival.
  • Zinemira Restauraciones de Filmoteca VascaExhibición de obras del patrimonio cinematográfico del País Vasco, restauradas por la Euskadiko Filmategia/Filmoteca Vasca
CULINARI ZINEMA: CINE Y GASTRONOMÍA
Sección creada en colaboración con el Festival Internacional de Cine de Berlín y organizada conjuntamente con el Basque Culinary Center para unir el cine, la gastronomía y el desarrollo de diversas actividades relacionadas con la alimentación en los ámbitos de la educación, la ciencia y la agricultura. Consta de una selección no competitiva de propuestas cinematográficas relacionadas con la gastronomía que son acompañadas de cenas temáticas.

VELÓDROMO
Sección popular que acoge grandes estrenos, en sesiones multitudinarias, exhibidos en una sala acondicionada para 3.000 espectadores, con los más modernos sistemas de proyección y una pantalla gigante de 400 m².
Además, todas las mañanas, el Festival destinará el Vélódromo a un público infantil. A través de un programa concertado con ikastolas y colegios, preparará un programa exclusivo para que los escolares disfruten del cine en pantalla grande en euskara.

CINE INFANTIL
Sección no competitiva compuesta por estrenos de películas especialmente destinadas al público infantil.

ENCUENTRO INTERNACIONAL DE ESTUDIANTES DE CINE
El Encuentro reúne a estudiantes provenientes de escuelas de cine de todo el mundo, cuyos trabajos han sido previamente seleccionados, para que participen en proyecciones de sus cortometrajes, coloquios y master classes a cargo de profesionales de la industria. También se convoca un concurso de los cortometrajes presentados en el que los estudiantes, presididos por un cineasta de prestigio, elegirán la película ganadora del Premio Panavision. El jurado determinará también los nombres de los tres directores que podrán participar en el Short Film Corner del Festival de Cannes.

Para más información: www.sansebastianfestival.com

27/7/12

Sesiones de cortos previas al Festival de Sitges

Faltan apenas dos meses, para que otro año más el pueblo de Sitges inunde sus calles con miles de cinéfilos en busca de saciar sus ansias por el buen cine y el no tan bueno.

Como novedad y para calentar motores, previamente a las fechas del festival, la organización del certamen en colaboración con la Associació Turística de Platges de Sitges organiza dos proyecciones de cortos.

Las proyecciones serán al aire libre y se realizarán los dos primeros fines de semana de agosto. La primera será el viernes 3 de agosto en la playa de Terramar, mientras que la segunda está prevista para una semana más tarde –viernes día 10– en el puerto d’Aiguadolç.

En los dos pases, los asistentes podrán disfrutar de una mini maratón de cinco cortometrajes de terror, la mayoría con sello catalán o español. Además de calentar motores de cara al inicio del certamen, las sesiones de cine en la playa están pensadas para que el ambiente del Fantàstic esté presente en Sitges más allá de las fechas del Festival y, al mismo tiempo, para que cada vez haya más actos que se celebren en puntos neurálgicos de la localidad.

Viernes 3 de agosto, a las 23 horas, en la playa de Terramar


Akerbeltz: las brujas y el inquisidor, de César Urbina (ESP)
Crónica en clave de animación sobre la sistemática persecución de la presunta brujería por parte de la inquisición española.

Audacia, de Hatem Khraiche (ESP)
Fantasía infantil con reminiscencias de las producciones Amblin, los primeros cortos de Spielberg de los años 80.

Colour Bleed, de Peter Szewczyk (GB)
Corto que combina animación e imágenes reales para explicar la historia de una joven idealista de Europa del este que se cruza con una misteriosa mujer.


Indirizzo, de David Pérez (CAT)
Trabajo audiovisual de la factoría ESCAC que incide en el terror psicológico con toques dramáticos y sarcásticos diálogos.

Metal creepers, de Jordi Nájera y Adrián Cardona (CAT)
Historia delirante en tono humorístico con grandes dosis de rock&roll, macabras maldiciones y criaturas extravagantes a partes iguales.

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Viernes 10 de agosto, a las 23 horas, en el Puerto de Aiguadolç


La carte, de Stefan le Lay (FR)
Fantasía veraniega que gira alrededor de un mundo imaginario a partir de una postal de recuerdos.


Zombies and cigarettes, de Iñaki San Román y Rafa Martínez (ESP)
Versión española del Zombi de George Andrew Romero, con muertos vivientes que invaden un centro comercial.

Lo siento, te quiero de Leticia Dólera
Deliciosa historia de amor entre un joven muy especial y una bella pescatera, que supone el paso de la catalana Leticia Dólera ante las cámaras.


El principe de las basuras, de Francisco Antonio Peinado (ESP)
Brillante corto de animación en clave cyberpunk y ecos de Otom, en que la ficción y la realidad se entremezclan en una Sevilla post apocalíptica y perfectamente recreada.

Brutal relax, de Adrián Cardona, Rafa Dengra y David Muñoz (CAT)
Gore humorístico ubicado en la playa que se ha convertido en el corto más premiado del Estado español en los últimos años.

El hombre que sabía demasiado



TÍTULO ORIGINAL: The Man Who Knew Too Much
AÑO: 1956
DURACIÓN: 120 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Alfred Hitchcock
GUIÓN: John Michael Hayes
MÚSICA: Bernard Herrmann
FOTOGRAFÍA: Robert Burks
REPARTO: James Stewart, Doris Day, Brenda de Banzie, Bernard Miles, Ralph Truman, Daniel Gélin, Alan Mowbray
PRODUCTORA: Paramount Pictures
PREMIOS 1956: Oscar: Mejor canción
1956: Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro (mejor película)

Una familia americana, compuesta por el doctor Ben MacKenna (James Stewart), su mujer (Doris Day) y su hijo Hank, está pasando unas vacaciones en Marruecos. Tras la muerte de un espía en brazos de Ben, mientras visitaban el mercado de Marrakech, el matrimonio descubre que su hijo ha sido secuestrado. Sin saber en quién confiar, los MacKenna se ven envueltos en una angustiosa pesadilla que tiene que ver con una operación de espionaje internacional.

La fama de Alfred Hitchcock le precede por encima de todo, incluso sin haberse visto sus películas o gran parte de ellas, lo cual es un error. Aunque los gustos personales sean un concepto inatacable, es una lastima dejar de disfrutar con sus películas, sobretodo alguien que se considere cinéfilo o cinéfila. Las películas de Alfred Hitchcock te hacen fluir en los acontecimientos que ofrecen sus desarrollos argumentales, a parte, está la gran calidad cinematográfica a la hora de crear las películas.


El hombre que sabía demasiado es un remake de una misma película que realizó en 1934 en su etapa inglesa, la original la tengo pendiente y no las puedo comparar, pero algunos comentarios la consideran como un esbozo de lo que consiguió con su versión de 1956. Doy un voto de confianza en que las dos versiones son muy buenas, pero si nos centramos en la versión que nos atañe ahora, es una película que realizó con más medios, mayor presupuesto y más experiencia cinematográfica; no es que sea una garantía de éxito, pero no hay que dudar del tito Alfred, pues hasta sus películas más flojas son buenas películas. Para esta ocasión pudo disponer de un reparto de gran proyección comercial y la actuación del habitual James Stewart es esplendida; en toda la película transmite esa sensación de paz dentro de lo abrupto que puede llegar a ser su comportamiento en algunas ocasiones, y a la vez, consigue arrancarte más de una sonrisa en algunas situaciones cómicas. Por otro lado, la actriz y cantante Doris Day realiza una gran interpretación, en algunos momentos destaca igual e incluso más que el carisma de Stewart, uno de los momentos míticos es cuando canta la canción que ganó el Oscar titulada Whatever Will Be, traducida como Que será, será, compuesta por Jay Livingston y Ray Evansque.


El hombre que sabía demasiado es una película de intriga familiar con una trama de espionaje internacional, consigue atraparte y hacerte pasar por muchos momentos emocionantes, el suspense y la intriga están muy bien manejados pero gracias a los momentos cómicos se consigue un respiro para luego retomar el hilo principal. Un thriller muy bien elaborado donde la maestría de Hitchcock rebosa por todas partes, un perfecto equilibro entre la comedia familiar y lo sórdido de la trama de espionaje. Una película considerada obra maestra, para mi gusto personal hay otras mucho mejores, aunque El hombre que sabía demasiado consigue hacerse muy amena y contiene impactantes secuencias difíciles de olvidar; pasando por el gran inicio en Marrakech hasta la gran secuencia muy bien trabajada del teatro Royal Albert Hall del Reino Unido.


La fotografía de Robert Burks ayuda a realzar la calidad de la película, rodada en Technicolor con unos colores llamativos y bien utilizados, consigue en muchos momentos que la calidad de los encuadres sea aún mayor. La banda sonora de Bernard Herrmann es espectacular y trepidante. El compositor saltó al cine tras trabajar en la radio y conocer a Orson Welles, con quien colaboró en la adaptación radiofónica de La Guerra de los Mundos de H.G.Welles que causó un gran impacto quedando como un hito radiofónico. En 1955 inició su relación con Hitchcock en la película The Trouble With Harry? traducida como Pero... ¿Quién mató a Harry? y a partir de ahí fue un habitual compositor para el cineasta. En esta versión de El hombre que sabía demasiado incluso realiza un cameo apareciendo como director de orquesta en la mencionada secuencia del Royal Albert Hall. El guionista John Michael Hayes, también habitual en muchas películas de Hitchcock,es el encargado de guionizar esta nueva versión y hay que decir que todos los detalles están muy bien atados y reforzados con buenas subtramas, personajes y situaciones secundarias muy divertidas. El hombre que sabía demasiado es muy recomendable, no acostumbra a ser una de las películas que más se recuerde de Hitchcock, pero dispone de todos los elementos que la convierten en una gran película de imprescindible visionado.

26/7/12

In Time


TÍTULO ORIGINAL: In Time
AÑO: 2011
DURACIÓN: 109 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Andrew Niccol
GUIÓN: Andrew Niccol
MÚSICA: Craig Armstrong
FOTOGRAFÍA: Roger Deakins
REPARTO: Justin Timberlake, Amanda Seyfried, Vincent Kartheiser, Cillian Murphy, Johnny Galecki, Olivia Wilde, Alex Pettyfer, Matt Bomer, Rachel Roberts, Elena Satine, Yaya DaCosta
PRODUCTORA: New Regency / Strike Entertainment

Ambientada en una sociedad futura. El hallazgo de una fórmula contra el envejecimiento trae consigo no sólo superpoblación, sino también la transformación del tiempo en moneda de cambio que permite sufragar tanto lujos como necesidades. Los ricos pueden vivir para siempre, pero los demás tendrán que negociar cada minuto de vida, y los pobres mueren jóvenes. Después de conseguir, por casualidad, una inmensa cantidad de tiempo Will Salas (Justin Timberlake), un joven obrero, será perseguido por unos policías corruptos conocidos como "los guardianes del tiempo". En su huida Will tomará una rehén (Amanda Seyfried), una joven de una familia adinerada.

Andrew Niccol, el director de El Señor de la Guerra, nos trae en la dirección y el guión (que podría pulirse mucho más), una obra de ciencia ficción que podría haberse convertido en un referente como Matrix u Origen, sin embargo la película se pierde en una huída constante por parte de los dos protagonistas. Una buena idea desaprovechada, como le sucede a DayBreakers, La Criatura Perfecta u tantas otras. Que las dos menciones son de vampiros, lo sé, pero bien partían de una idea interesante para perderse en una tonta historia.

La película funciona bien en su planteamiento y es bastante crítica con la sociedad actual, dónde los ricos condenan a los menos afortunados a una vida de pobre servidumbre. Su punto de originalidad no es avasallante, ya que solo se limita a cambiar el dinero por tiempo, pero es un buen reflejo de nuestras verdaderas vidas, vendemos nuestro tiempo a cambio de una moneda. La cuestión es ¿está bien compensado ese tiempo que ya no recuperaremos? Niccol simplifica ese concepto y convierte el tiempo en la moneda de cambio, todo se compra con tiempo de vida propia, pudiendo llegar a ser inmortal si se dispone de un buen fondo de años, clara metáfora de las grandes cuentas bancarias de las que unos pocos disponen.


Pero ese planteamiento, principalmente interesante, se disipa en el momento que Will Salas (Justin Timberlake) recibe gratuitamente una buena dosis de tiempo extra, casi infinita. A partir de ahí la película se desinfla con la aparición de Silvia Weys (Amanda Seyfreid), que encarna a la hija de un magnate, y de Raymond Leon (Cillian Murphy) un agente del estilo Smith de Matrix, pero desperdiciado injustamente en cada momento.
Claro está, que no es culpa del actor, éste ya ha demostrado su talento en buenas manos como las de Christopher Nolan en Batman Begins y Origen.
El abanico de personajes secundarios se podría haber exprimido mucho mejor, el reflejo de las altas esferas no queda demasiado bien diferenciado, digamos, que no se nota un gran escalafón social, salvo por vivir ocho zonas más lejos de la urbe, a la que no puede acceder si no dispone de un buen número de horas para gastar en cada frontera.

La película es un buen reflejo de los ciudadanos adinerados de nuestro mundo, gente que no gastaría su fortuna ni en dos vidas enteras. Pero la parte crítica no se exprime lo suficiente, ni se enzarza en una gran pelea social.

Las interpretaciones de la pareja se ve mermada por una insulsa historia de amor y una huída al estilo del agente 007, pero carente de emoción u empatía hacia sus roles. Sin embargo, ahí tenemos a Milla Jojovich y Bruce Willis en El Quinto Elemento que también tienen un idílico romance y se pasan huyendo más de media película, pero con gran diferencia, logran empatía y emoción en el espectador.


Timberlake (Black Snake Moan, La Red Social) no consigue hacer creíble su personaje de antihéroe sistemático, incluso Keanu Reeves con su inexpresividad facial se me hacía más creíble. Las motivaciones de Salas son triviales y su rabia contra el poder monetario es inerte, si tenemos en cuenta el trágico destino que sufre su madre, escena de lo más tonta y poco emocionante.

La presencia de Seyfried (Jennifer’s Body) nos alegra la vista por que está buena, pero su papel de niña pija mona y su posterior reconversión al lado rebelde, no pegan ni con cola. En su primera etapa lo único creíble es su vestido. Y Cillian Murphy (Origen) ya he dicho que se encuentra desperdiciado, no desata su potencial, ni como actor, ni en su rol. Y no supone un verdadero reto para Salas, como pudiera ser la rivalidad Smith Vs Neo en Matrix.
La banda sonora no ayuda a resaltar ningún aspecto destacable, que hay bien pocos. Algo raro viniendo de Craig Armstrong, que ha orquestado un musical como Moulin Rouge, que personalmente no me agradó pero la banda sonora era de calidad.

Una vez más se echa a perder una buena idea que podría haber dado mucho de sí, en pro de una persecución/huida constante y carente de emoción. Quizás debería haberse llamado Lost in Time, por aquello de pérdida de tiempo.

Puntuación

21/7/12

El caballero oscuro: La leyenda renace


TÍTULO ORIGINAL: The Dark Knight Rises (Batman 3)
AÑO: 2012
DURACIÓN: 164 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Christopher Nolan
GUIÓN: Christopher Nolan, Jonathan Nolan (Historia: Christopher Nolan, David S. Goyer. Personajes: Bob Kane)
MÚSICA: Hans Zimmer
FOTOGRAFÍA: Wally Pfister
REPARTO: Christian Bale, Tom Hardy, Anne Hathaway, Michael Caine, Gary Oldman, Joseph Gordon-Levitt, Marion Cotillard, Morgan Freeman, Juno Temple, Matthew Modine, Josh Pence, Nestor Carbonell, Brett Cullen, Tom Conti, Aidan Gillen, Cilliam Murphy, Liam Neeson
PRODUCTORA: Coproducción USA-Reino Unido; DC Entertainment / Legendary Pictures / Warner Bros. Pictures

Han pasado ocho años desde que Batman desapareciera en la oscuridad, convirtiéndose, en ese instante, de héroe en fugitivo. Al asumir la culpa por la muerte de D.A. Harvey Dent, el Caballero Oscuro lo sacrificó todo por lo que considera, al igual que el Comisario Gordon, un bien mayor. La mentira funciona durante un tiempo, ya que la actividad criminal de la ciudad de Gotham se ve aplacada gracias a la dura Ley Dent. Pero todo cambia con la llegada de una astuta gata ladrona, que lleva a cabo un misterioso plan. Sin embargo, es mucho más peligrosa la aparición en escena de Bane, un terrorista enmascarado cuyos despiadados planes para la ciudad hacen que Bruce regrese de su autoimpuesto exilio.

El jueves tuve la suerte de asistir al prestreno de El Caballero Oscuro: La Leyenda Renace, la última entrega de Batman dirigida por Christopher Nolan, que conforma una trilogía junto a Batman Begins y El Caballero Oscuro. Aunque debido a las obligaciones laborales, asuntos personales y posteriores visionados que tenía programados para el día de su estreno (entradas compradas incluidas), antes de saber que sería uno de los afortunados en asistir al prestreno, me ha sido imposible antes plasmar mi opinión.


Empezaré diciendo que si los dioses existieran, Nolan sería uno de ellos. Así que ya queda clara mi opinión. Aunque he de confesar que el jueves, mi primera impresión fue grata, no consiguió calar tan profundamente como lo hizo en su momento la segunda parte. A pesar de toda la promoción, no sabía bien por donde irían los tiros exactamente, algunas de las cosas sueltas que me imaginaba, se cumplen durante la película, pero no tenía una idea clara de lo que me iba a encontrar. Lo que me dejó un sabor agridulce fue el preconcebido final que me había construido yo en mi propia mente, en parte, a causa de las frases promocionales, declaraciones de Nolan y algunos de los actores, un final que se corresponde con el mio, pero que se cumple solo en parte de manera conceptual, no extrictamente como lo imaginaba.

La guinda ofrecida al final de todo, me gustó como estaba hecha e incluida, pero hubiera preferido que no saliera, tanto por posibles continuaciones, como por drámatismo argumental. Ahora que la he visto dos veces más, acepto barco y a pesar de que sigo pensando que se lo podrían haber ahorrado (todavía me queda el resquemor de que no acabara como yo pensaba), está realmente bien integrado. El destino de Batman y Bruce Wayne es correcto con la propuesta al inicio de la película. Toda esta disconformidad era un tema muy personal por una ida propia mal concebida, que no influye negativamente en la película.


A nivel interpretativo casi todos los actores son conocidos, los veteranos de las anteriores entregas tienen su papel asumido y consolidado, como es el caso de Christian Bale y Gary Oldman. Ambos han evolucionado y muestran un aspecto un tanto decrépito, gracias a las logradas caracterizaciones que hacen que nos creamos su propia decadencia.
En los nuevos roles importantes, tenemos a tres pesos pesados que vienen de trabajar con Nolan en Origen, por lo que ya conocen la forma de trabajar de éste y lo exigente que puede llegar a ser, pero luego los resultados son excelentes. Joseph Gordon Levitt en el papel de Jhon Blake, la mano derecha de Gordon que realiza una evolución correcta del personaje, adquiriendo experiencia rápidamente. Marion Cotillard interpreta a Miranda Tate una miembro que se hace un importante hueco en el consejo de industrias Wayne. Y por último Tom Hardy, se pone en la piel de Bane, y mientras que interpretativamente no supera al Joker en El Caballero Oscuro, no olvidemos que la máscara le resta mucho margen a la ora de mostrar expresiones, aún así lo consigue en más de una ocasión, corporalmente y verbalmente, aun estando la voz doblada un tanto por debajo de lo esperado, y eso que yo no soy prejuicioso con los doblajes. A la espera de verla en versión original, he de reconocer que sobretodo la escena inicial del avión resulta un tanto chocante, porque acentúa las palabras de una forma que parece gallego, luego ya se normaliza y aunque suena un tanto artificial, resulta igual de imponente, muy acorde con su físico. Pero lo que está claro es qué como malo resulta mucho más efectivo, el Joker representaba el caos y para él todo era diversión, mientras que Bane es destructor, es más terrorífico el Joker por lo imprevisible que podía ser, sin embargo Bane impone un respeto que también acojona lo suyo.
Lucius Fox sigue suministrando gadgets a Batman, aunque esta vez solo le presenta a The Bat, el vehículo aéreo, los demás gadgets ya los conocemos sobradamente, salvo el inhibidor de luz, que resulta sorprendente. Michael Caine sigue aconsejando a Wayne, pero tendremos entre ambos una charla realmente épica y emotiva. Ambos personajes siguen apareciendo poco, pero se comen la pantalla cuando lo hacen, además de tener un peso importante en la historia, en cuanto a determinaciones se refiere. Anne Hathaway se pone en el papel, presuntamente, de Catwoman. Digo presuntamente ya que en ningún momento de la película se refieren a ella por dicho nombre, sino como su verdadera identidad, Selina Kyle. Su personaje es una mezcle de Robin Hood y Lupín. Aunque muchos dirán que no les convence, para mí sus cambios de personalidad y su fluidez en cada escena la convierten en una compañera/enemiga perfecta.


Argumentalmente es más lineal y con menos entresijos que El Caballero Oscuro, pero hay que estar atento porque Nolan sigue en su línea, cuenta muchas cosas. Esta entrega es muy similar al caso de Origen, con cada visionado gana puntos y algunos detalles ganan consistencia entre si, puesto que siempre se te escapa algún detalle por muy atento que estés, pero en posteriores visionados lo terminas de atar.

La banda sonora no puedo decir más, que Hans Zimmer ha sabido captar la esencia en cada una de las tres películas. Adecuando los temas  a unas notas realmente militares y potentes que realzan la destrucción y la planificación de todo el numerito que monta Bane y sus mercenarios. Y aunque me la imaginaba más artificiosa y con más destrucción, Nolan ha vuelto a usar conceptos entre personajes que aprovechan muy bien el contexto, como el martirio que Bane le infrinje psicologicamente a Batman.

El montaje de la cinta sigue el esquema de la segunda parte, algunas escenas son omitidas, ya que se intuyen sobradamente, si estás acostumbrado a su forma de contar la historia no tendrás mayores problemas.
Los efectos especiales siguen siendo creíbles, ya que Nolan utiliza lo digital para retocar y mejorar, pero todo lo que puede rodar físicamente, lo rueda. En resumen, para mí, lo ha vuelto a conseguir, mantiene el personaje de Batman, pero realiza una película con elementos que no encontramos en las anteriores, así como pasó con la segunda respecto a la primera. Decir que es mejor que El Caballero Oscuro no se puede, sencillamente porque no se puede hacer mejor, para mí esta tercera parte está a la misma altura, aun siendo diferentes entre si.

18/7/12

El ilusionista


TÍTULO ORIGINAL: L'illusionniste (The Illusionist)
AÑO: 2010
DURACIÓN: 76 min.
PAÍS: Francia
DIRECTOR: Sylvain Chomet
GUIÓN: Sylvain Chomet, Jacques Tati
MÚSICA: Sylvain Chomet
FOTOGRAFÍA: Animation
REPARTO: Animation
PRODUCTORA: Coproducción Francia-Reino Unido; Django Films
WEB OFICIAL: http://www.patheinternational.fr/en/fiche.php?id_film=577
PREMIOS 2010: Oscar: Nominada a la Mejor película de animación
2010: Premios Cesar: Mejor película de animación
2010: Premios del Cine Europeo: Mejor film de animación
2010: Globos de Oro: Nominado al Mejor largometraje de animación
2010: Satellite Awards: Nominada al Mejor largometraje animado
2010: NBR - National Board of Review: Mención especial (Sylvain Chomet, Jacques Tati)
2010: Premios Annie: 5 nominaciones, incluyendo mejor película, director y guión
2010: Asociación de Críticos de Los Angeles: Finalista a mejor largometraje de animación

A finales de la década de los 50 un viejo mago trata de no defraudar a una niña convencida de que sus trucos de magia son reales. Segunda película del director de "Bienvenidos a Belleville", basada en un guión de Jacques Tati que nunca fue producido.

L'illusionniste es el segundo largometraje del animador, guionista y director Sylvain Chomet tras Les triplettes de Bellevilley del 2003 y el corto con el que debutó titulado La vieille dame et les pigeons de 1997. La elección de la animación como motor expresivo está acompañada de una marcada estética muy alejada de las películas de animación, la gran mayoría digitales, que inundan las salas de cine. El éxito comercial está algo vetado para Sylvain Chomet, se aleja del tipo de películas de animación con la que la industria alimenta al público infantil y adulto que los acompaña, quizás por la exigencia por parte de Chomet hacia ellos; algo que en la actualidad parece contar con un rechazo.


Es una lastima como películas de este tipo quedan eclipsadas en nuestras carteleras, en su promoción y en su distribución, puede gustar más o puede gustar menos, pero L'illusionniste merece el esfuerzo que exige tanto por adultos como por los más pequeños y pequeñas. El tipo de animación y la elección cromática evocan de forma irremediable a lo añejo, lo artesanal... aunque la película utiliza de forma ocasional y con sentido, un poco de animación tridimensional. Lo mejor de todo es que la película se apoya en lo visual, apenas hay diálogos y la música, en esta ocasión compuesta por el propio Sylvain Chomet, está utilizada de forma precisa y justificada.


El guión de la película está firmado por Chomet y Jacques Tati, pues su adaptación está trabajada a partir de los pilares de un guión que nunca llegó a ser producido del propio Tati, celebre actor y realizador de obras como Les vacances de M. Hulot de 1953, Mi tío de 1958 o Playtime de 1967. El guión de Tati fue escrito como reconciliación con una hija a la que no llegó a conocer. Sylvain Chomet consigue atrapar la esencia de las películas de Tati, tanto en la utilización cromática como en el concepto de inadaptación a un mundo que se mueve en un estado de perpetuo cambio y la mímica como la forma de un humor visual y melancólico. L'illusionniste es una película que homenajea al cine, a una época pasada, pero sobre todo las relaciones humanas; una de esas historias agridulces que en sus 76 minutos de duración condensa mucho más de lo que parece.

14/7/12

La Fuente de la Vida


TÍTULO ORIGINAL: The Fountain
AÑO: 2006
DURACIÓN: 96 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Darren Aronofsky
GUIÓN: Darren Aronofsky & Ari Handel
MÚSICA: Clint Mansell
FOTOGRAFÍA: Matthew Libatique
REPARTO: Hugh Jackman, Rachel Weisz, Ellen Burstyn, Sean Patrick Thomas, Donna Murphy, Mark Margolis
PRODUCTORA: Warne Bros. Pictures / Regency Enterprises

Un hombre (Hugh Jackman) realiza dos viajes: uno al pasado, a la España del siglo XVI, y otro al futuro, al siglo XXVI. Su objetivo es salvar la vida de su esposa enferma de cáncer, pero para ello tendrá que encontrar el legendario árbol de la vida cuya savia proporciona la inmortalidad.

Darren Aronofsky es conocido por madurar largo tiempo sus proyectos y su forma controvertida de abordar el romance y el drama entre dos personajes, tratando los hechos de una forma abiertamente oscura, además de un tanto especial. Incluso en El Luchador, historia sin recovecos argumentales, como puedan hallarse en otras de sus obras, trata la historia de una manera melancólica. Claros ejemplos de a lo que me refiero, los encontramos en Cisne Negro y Réquiem por un Sueño, mucho más trágicas y sin ese punto de gloria que alcanza Ram, el luchador, interpretado por Mickey Rourke.

Actualmente Aronofsky se encuentra inmerso en fase de pre-producción de su próximo trabajo, Noah, que tratará sobre el diluvio universal contado en la biblia y de la que Noé, fue el encargado de construir un Arca para albergar en ella un macho y hembra de cada especie animal y así asegurar su perpetuidad. Aunque confío en Darren, tengo serias dudas sobre el proyecto, qué al parecer será realizado por todo lo grande, en plan superproducción familiar.

Volvamos a la película que nos ocupa. Hugh Jackman interpreta a un obsesivo médico que desea hallar la cura de una de las peores enfermedades de nuestro siglo, el cáncer. Pero sus motivos van más allá de lo profesional, internándose en lo personal y corroyendo su propia alma, puesto que su propia esposa es una victima de dicha enfermedad.


La historia que nos muestra Aronofsky no alcanza el nivel de profesionalidad que tienen otros de sus trabajos, argumentalmente hablando, aunque si lo hace estéticamente, con una fotografía excelente y unas imágenes tan preciosistas como visualmente cautivadoras, aunque yo he necesitado un par de visionados para discernir si esos pasajes aparentemente oníricos significaban algo más que un simple videoclip, aunque el final sigue dejando una puerta abierta a la libre interpretación de cada espectador.
Los mencionados pasajes no serían nada si no fueran acompañados de un tema estelar y simplicista eternamente cautivador, creado por Clint Mansell que ha hecho lo propio en todas las películas de Darren, especialmente en Réquiem por un Sueño. Tema que ha sido utilizado para orquestar trailers de futuros trabajos que aún no disponen de banda sonora e incluso anuncios televisivos, convirtiendose en un referente músical. Sin embargo, el tema realizado para esta particular y personal visión de la lucha entre la vida y la muerte, nada ha de envidiar al de Réquiem.

Aunque su manera de contar la historia sigue siendo peculiar, desde un punto de vista muy onírico, nos muestra las inquietudes de Tom, interpretado por Hugh Jackman. Mayormente conocido por su papel de Lobezno en X-Men, éste nos demuestra que es capaz de algo más que sacar garras, y al igual que ha hecho Michael Fassbender en su carrera, no se estanca en un género en concreto. Jackman interpreta tres papeles en la película, pero todos tienen algo en común sensibilidad de culpa y tormento, ya que son su misma versión pero en un mundo imaginario; el del médico que supone la realidad, el monje son sus devaneos mentales sobre la culpa que le atormenta hasta convertirlo en pura obsesión y por último el misionero, su forma de imaginar el libro que su esposa escribe antes de morir, y que da titulo a la película, The Fountain, aunque aquí el título traducido fue algo más revelador.


Jackman realiza perfectamente sus tres papeles, aunque el peso por historia recae sobre su yo real, el médico experto en su campo y como marido, aunque esta labor incompleta es la que le llevará por un camino de amargura y pesar. La reflexión que nos ofrece Aronofsky, no es la cura o el descubrimiento de ésta, nos cuenta que debemos aprovechar ese tiempo que se nos concede de vida, pero no con nosotros, sino para con nuestros seres queridos.
Rachel Weisz interpreta a Isabel la esposa de Tom. La actriz de londinense ha trabajado junto a directores de la talla de Alejandro Amenábar en Ágora o Danny Boyle en Sunshine, estuvo y se llevó la nominación al Oscar a mejor actriz por El Jardinero Fiel. Su papel resulta tan creíble para nosotros como para su marido, aunque éste no le haga ni caso, Weisz demuestra profesionalidad, y con pocos diálogos, sus expresiones faciales nos convence de una realidad tan cierta como la vida misma, como cuando se ve sola al salir a jugar en la nieve, la obsesión de Tom por salvarle la vida no le deja saborear otras sensaciones y momentos, su obsesión es más poderosa que la propia compañía de élla, el libro escrito por Isabel le hace encontrar un paralelismo entre la realidad y la ficción, la finalidad encontrar la cura a costa de una 'ceguera' sentimental.

Quitando Pi, fe en el Caos, de la cual no entendí absolutamente nada, sus demás obras me gustan todas, pero creo que La Fuente de la Vida es la película más floja de Aronofsky, ya que no consigue esa carga dramática que pretende, eso si visualmente es extremadamente cautivadora. Si te gustan sus películas no está de más que la veas.

13/7/12

Sitges 2012, se confirman nuevos títulos

Ayer, jueves 12 julio, en el FNAC del Triangle de Barcelona se anunciaron más títulos para esta cuadragésima quinta edición del Festival de Sitges, que se celebrará del 4 al 14 de octubre.

Titulos como The ABCs of death, V/H/S, Antiviral, Excision o You’re next se encuentran confirmados dentro de su programación.


Como ya comentamos anteriormente también David Cronenberg y su hijo Brandon pondrán la nota de color en Sitges con su presencia artística y física. Mientras el padre presenta el oscuro drama Cosmopolis, con el mediático Robert Pattinson en cabecera del reparto, su hijo Brandon debuta con Antiviral, una historia que retrata la obsesión de una adolescente que se dedica a vender virus de celebridades a sus enfermizos fans.

Pero agarrense que vienen curvas, el Festival también contará con la presencia de la última película de Dario Argento, Drácula 3D. Artífice de obras consideradas de culto/maestras como Suspiria Profondo Rosso. A sus 71 años el director estará presente en Sitges durante la presentación de ésta particular versión de Drácula. Producida por Enrique Cerezo y protagonizada por Thomas Kretschmann, Rutger Hauer, Asia Argento, Marta Gastini y Unax Ugalde.


Ahora bien, si de lo que se trata es de contentar a los seguidores más fervorosos, esta misión le corresponde a The ABCs of death, algo así como Paris Je Taime pero a lo bestia y con fantaterror en lugar de romances. La cinta reúne 25 directores de todo el mundo –todos ellos, evidentemente, vinculados al cine fantástico y de terror– y les adjudica una letra del alfabeto. Su reto: escoger una palabra a partir de esa letra y, como si fuese una cadena creativa, rodar un cortometraje basado en la muerte que tenga la palabra seleccionada como eje central. ¿Revolución o bodrío?, recordemos el fracaso del año pasado con The Theatre Bizarre.

En una línea similar, V/H/S también es el resultado final de una convención de directores de antología, entre los que se encuentran Adam Wingard, David Bruckner o Ti West (House of the Devil, Inkeepers). Cada uno de ellos se ha encargado de uno de los diferentes cortos que conforman esta película coral, basada en un grupo de delincuentes chapuceros que son contratados para recuperar una cinta de vídeo. Un cadaver rodeado de antiguas cintas VHS es el punto de partida de una historia que, a medida que va avanzando, se vuelve cada vez más espeluznante. ¿Planteamiento estilo Saw?.

Igualmente violenta, aunque con un punto más cómico y surrealista, llega el film Excision, escrito y dirigido por Richard Bates. El argumento se centra en una estudiante perturbada que como única meta tiene triunfar en el campo de la medicina, tal y como le ha inculcado su controladora madre. Esto la llevará hasta situaciones extremas, en las que tendrá que superar el rechazo social que genera sus fantasías sexuales y su afición a la cirujía macabra. Una obra sangrante y delirante que muchos han definido como una Carrie dirigida por John Waters.


Y, finalmente, You’re next. Un sugerente título en el que Adam Wingard, uno de los directores de V/H/S toma el subgénero slasher y lo gira como la piel de un conejo para transformar completamente las historias de psicópatas. La historia empieza con una familia que se reúne para celebrar el aniversario de boda de los padres. A partir de aquí, la irrupción de una banda de asesinos con intenciones misteriosas les fastidiará la fiesta.

Para más info Web Oficial.

10/7/12

Nuevo spot de The Dark Knight Rises

En nuestro país la promoción está siendo algo escueta en comparación con EE.UU en la que no paran de llegar spots televisivos, entrevistas en magazines y multitud de imagenes e información en torno a The Dark Knight Rises, el que promete ser el estreno del año y una de las películas más recordadas durante décadas. A excasos días de su estreno, el 20 de julio, sale un nuevo spot con nuevas imagenes entre las que vemos un punto de humor (sin perder los papeles) en torno a Bruce Wayne, para el que no pasan los años en balde.

XXIII Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián


Se publica el cartel oficial de la XXIII Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián que se celebra del 27 de octubre al 2 de noviembre en la capital donostiarra. La imagen del cartel está protagonizada por el showman Mario Vaquerizo y rinde homenaje a la figura del personaje Drácula.

Durante la semana de cine fántastico de San Sebastián se podrá disfrutar de una exposición sobre el mítico personaje creado por Bram Stoker gracias a la Colección Luis Gasca-Gipuzkoako Foru Aldundiaren bilduma.
También se rinde homenaje a los 100 años de la productora Universal, habrá una muestra representativa de los clásicos dentro del género fantástico de los años 30 y la proyección de películas como El increíble hombre menguante (1957), Tiburón (1975), E.T., el extraterrestre (1982) o Regreso al Futuro (1985).

Para más información: www.donostiakultura.com

6/7/12

El Pueblo de los Malditos


TÍTULO ORIGINAL: Village of the Damned
AÑO: 1995
DURACIÓN: 98 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: John Carpenter
GUIÓN: David Himmelstein (Novela: John Wyndham)
MÚSICA: John Carpenter, Dave Davies
FOTOGRAFÍA: Gary B. Kibbe
REPARTO: Christopher Reeve, Kirstie Alley, Linda Kozlowski, Mark Hamill, Meredith Salenger, Michael Paré, Lindsey Haun, Thomas Dekker, Karen Kahn
PRODUCTORA: Universal Pictures

Durante unas horas todos los habitantes de Midwich, un tranquilo pueblo costero, pierden el conocimiento. Poco tiempo después, se produce otro inquietante y extraño fenómeno que parece estar relacionado con aquel desmayo: la mayor parte de las mujeres de Midwich se han quedado embarazadas. El médico de la localidad (Christopher Reeve), cuya mujer también está encinta, y una cientifica (Kirstie Alley), enviada por el gobierno, deciden estudiar el caso a partir del momento en que los niños empiezan a mostrar una conducta tan sobrenatural como inhumana.

Jhon Carpenter junto a David Cronenberg y Wes Craven, definidos como las tres C fue uno de los directores en el ojo del huracán de los fans del terror, con obras tan buenas como Christine, El Principe de las Tinieblas o La Cosa. Luego tenemos obras menos conocidas como En La Boca del Miedo o Están Vivos e incluso la que hoy nos ocupa, El Pueblo de los Malditos, caídas injustamente en el olvido.

La película está basada en la novela The Midwich Cuckoos de Jhon Wyndham y ya tuvo una adaptación en blanco y negro, dirigida por Wolf Rilla en 1960. Al igual que con el remake de La Cosa, Carpenter supo captar la esencia de la película original y sobretodo el suspense e intriga. Con guión de David Himmelstein, que curiosamente no volvió a trabajar hasta 2002 en 9 Días de Joel Schumacher, nos plantea la historia de forma casi calcada a la original, con lo que no tuvo que hacer mucho trabajo adicional.

Es curioso que nos quejemos tanto de los remakes actuales, en parte se entiende que no nos gusta ver mancillar obras de nuestra infancia/adolescencia. Pero creo que mucha gente de la que vieron la obra original en su infancia, pensarían lo mismo durante la década de los 80, cuando el auge de los remakes subió como la espuma, aunque no siempre se anunciase a bombo y platillo, como se hace actualmente.


Adornado con unos efectos especiales minimalistas y comedidos, además de cumplidores para su época, nos deja un pequeño ejército de niños cabrones que quieren acabar con sus progenitores humanos, puesto que su verdadero padre queda a la libre interpretación del espectador, ¿experimento del gobierno, extraterrestres, el demonio? Los límites los pone nuestra propia imaginación, aunque en la película se apoya la vida fuera de este planeta.
No es la única obra que pinta a los niños como el mismísimo diablo, por una u otra causa, a lo largo de la historia del cine los niños han cobrado cierto protagonismo en el ámbito el mal. Y se ha demostrado múltiples veces que si se hace bien, puede dar más acojone que cualquier icono del terror como puedan ser Leatherface, Jason o Michael Myers, tíos corpulentos armados y con ganas de masacrar. Ejemplos de ello serían Los Chicos del Maiz, The Children, Quien Puede Matar a un Niño o La Profecía, entre muchas otras, pero en este caso es más inquietante que terrorífico, aunque ambas van cogidas de la mano.

En el apartado interpretativo todos cumplen bastante correctamente. Caras conocidas, solo algunas, Christopher Reeve será quien empiece a sospechar de todo el asunto, y aunque su papel como Superman es un pequeño lastre que no se quita de encima, similar al de Elijah Wood con Frodo. Su interpretación como médico del pueblo está más que bien y creíble. Un rol algo estereotipado, como el de Ed Harris en La Tienda, pero bastante efectivo en su contexto. Si alguien podía hacer el papel de mala, esa era Kristie Alley de la serie Cheers, su profunda y enigmática mirada ya nos deja ver que no jugará limpio, así que no lo considero ningún spoiler. Cumple bien, aunque los malos seguirán siendo los niños. Y en caras reconocibles sin tener que consultar tenemos a Mark Hamill, el joven Luke en Star Wars, aquí se enfunda el traje de reverendo justiciero, aunque su cota de pantalla es bien escasa, pone la guinda de violencia al conjunto.


La segunda fila de actores, algo menos conocidos Linda Kozlowski (Cocodrilo Dundee), Michael Paré que trabajó en películas de cierto renombre para su época como El Experimento Filadelfia o Calles de Fuego, ha terminado haciendo productos televisivos como Komodo Vs Kobra. Aunque no destacan sobre nadier, cumplen bien el papel de lugareños.

La banda sonora corre a cargo, como en la mayoría de sus películas, al propio Carpenter, con su característico estilo minimalista influenciado por el western, nos orquesta la pieza con unos acordes muy pausados e intrigantes, que realzan el misterio y la verdadera intención de los enigmáticos niños, intenciones que serán fatales para el pueblo de Midwich.

La ambientación y la presentación del pueblo juegan un papel importante en los hechos que están por acontecer después de nueve meses. Se nos presenta un pueblo amigable en el que todo el mundo se conoce y se saluda debidamente. Muy propio de las novelas de Stephen King. Un aspecto que aún con un ajustado presupuesto de 22 millones de dólares, obtiene una buena cinta de suspense con pinceladas de terror. Si algo se le podría achacar es ciertos momentos con sabor a producto televisivo y su falta de de explicación en el paso del tiempo, el espectador tiene que intuir los lapsos de tiempo. Pero para mí cumple mucho mejor que otros productos actuales.

Es cierto que Jhon Carpenter tiene películas que no son mayoritariamente para el público convencional, como 1997 Rescate en Nueva York, 2013 Rescate en L.A o Golpe en la Pequeña China, pero pese a quien le pese son grandes películas para el fan. Y esperemos que tras el encargo que ha supuesto de The Ward en su filmografía, vuelva a hacer lo que mejor sabe y lo que sus fans esperamos. La película entró ese mismo año en Festival de Sitges en la Sección oficial largometrajes a concurso y por otro lado fue nominada a los Premios Razzie por peor remake o secuela. No entiendo muy bien como una película tan notable como el Pueblo de los Malditos, ha caído en el olvido. Parece que gusta mucho o nada.