31/10/12

Grabbers

Grabbers dirigida por Jon WrightTÍTULO ORIGINAL: Grabbers
AÑO: 2012
DURACIÓN: 94 min.
PAÍS: Reino Unido
DIRECTOR: Jon Wright
GUIÓN: Kevin Lehane
MÚSICA: Christian Henson
FOTOGRAFÍA: Trevor Forrest
REPARTO: Richard Coyle, Ruth Bradley, Russell Tovey
PRODUCTORA: Coproducción Reino Unido-Irlanda; Forward Films / High Treason Productions / Samson Films

Un idílico pueblecito pesquero irlandés está siendo invadido por monstruos de gigantescos tentáculos que vienen desde las profundidades del mar. Pronto descubrirán que a las criaturas no les gusta el sabor que les da a las personas el alcohol con lo que para enfrentarse a ellas y sobrevivir deberán pasarse el mayor tiempo posible borrachos.
 
El cine proveniente de Reino Unido, en éste caso, concretamente de Irlanda, está pegando fuerte en los últimos años. Este año hemos tenido en el Festival de Sitges 2012 varias obras del país anglosajón que sin duda merece la pena ver, como Sightseers  o Tower Block, que junto a la aquí presente, se suman a otras de la anterior edición como Attack the Block o Inbred.
Dirigida por Jon Wright, que yo sepa ningún parentesco guarda con Edgar Wright, el director de Arma fatal, sin llegar a la genialidad de éste, tampoco tiene nada que envidiarle.

Después de dirigir tres cortometrajes y el largometraje Tormented, fácilmente olvidable y poco resultón, influenciado por El tren del terror. Jon Wright regresa con un film bastante simpático y divertido. Con guión de Kevin Lehane, que firma con Grabbers su primer trabajo de múltiples paginas, anteriormente solo había escrito guiones para algunos cortometrajes.

Grabbers es una de esas películas que después de ver el tráiler no daba dos duros por ella, la vi en la maratón del último día por simple curiosidad. Al igual que muchas veces los tráilers consiguen engañarnos positivamente, también lo pueden hacer negativamente, aunque esta no sea su intención.
Lo que a primera vista más resintió mi retina, al visionar dicho avance, fueron los efectos digitales, los encontré algo paupérrimos y poco elaborados. Pero las apariencias engañan y una vez visto en el contexto de las escenas de la película, han sabido disimular bastante acertadamente las texturas CGI, integrando algún que otro efecto clásico.


Se supone que la forma de acabar con los pulpos gigantes provenientes de vete a saber tú que galaxia lejana, es la sorpresa del film. Con alcohol, una forma un tanto original de llevar a cabo una tarea tan tópica y desgastada, en un sector del género fantástico bastante resentido en este aspecto, no deja de ser un soplo de aire fresco. Un as en la manga que han decidido no guardarse para sorprender al espectador, sino que lo han usado directamente como reclamo para éste.

La forma en que los protagonistas descubren dicha arma, como suele ser habitualmente en estos casos, es accidentalmente. Así, que deciden ingerirlo para auto protegerse, la diversión para los protagonistas está asegurada, se pegan la fiesta padre. Pero los espectadores también, viendo hacer locuras a éstos con cada vez más grados de alcohol en vena, una combinación que aportará divertidos momentos al film. Como la convocatoria de la fiesta en la iglesia o la aparición de algunos lugareños brindando durante dicha fiesta.

La película empieza con la típica llegada del bicho en forma de asteroide, aunque en ningún momento se nos dan explicaciones del motivo por el que han venido, como buenos fans del género fantástico ya presuponemos que lo que quieren es invadir la tierra, un cliché en toda regla delque no hace falta explicación. Realmente no es una cinta centrada en las invasiones extraterrestres, sino más bien, como los propios y peculiares lugareños del pueblo costero Irlandés, solventan la situación sin ayuda externa de corporaciones y entidades gubernamentales. La historia se centra en como destruirlos, conducida por un hilo argumental que se mueve entre los tópicos del thriller y la comedia romántica, aderezado con algunos momentos de humor negro, un tanto descafeinados, pero igualmente efectivos.

Encontramos influencias a films como Mal gusto de Peter Jackson, Gremlins 2 o la propia Arma fatal en la relación laboral de sus dos protagonistas principales, el policía de ciudad disciplinario y el descuidado agente de la ley que vive absorto de problemas en un tranquilo pueblo.
Ciarán O'Shea y Lisa Nolan, interpretados por Richard Coyle y Ruth Bradley son los que llevan al protagonismo de la historia, pero sin toda la cantidad de extras que conforman el pueblo, dentro de la ficción, no sería tan efectivamente creíble.


Richard Coyle hace un papel en Prince Of Persia, la versión cinematográfica del juego de plataformas. Única y desconocida referencia que tengo de dicho actor, así que no prejuzgaré sus dotes artísticas. Su personaje se mueve por la tragedia familiar, motivo que lo lleva a sumirse en la bebida y exagerar sus acciones cuando va ebrio, aunque su actuación es natural y creíble. Ruth Bradley ha trabajado mayormente en series televisivas y algún trabajo como Flyboys o In Her Skin, desconocidas para un servidor. Su interpretación es más que correcta, salvo en los momentos de borrachera, que se ve algo forzada, pero aporta momentos muy graciosos.

En papeles un poco menores tenemos a Russel Tovey, o Bronagh Gallagher. Tovey también aparece en Tower Block, proyectada este mismo año. En Grabbers interpreta al Dr. Adam Smith, el médico del pueblo y nulas dotes científicas, bastante necesarias para solventar dicha invasión alienígena. Por suerte, gracias a un lugareño de raíces puramente irlandesas descubrirán el remedio contra las criaturas.
Bronagh apareció escuetamente en Pulp Fiction de Tarantino, aquí realiza el papel de Una Maher, lugareña y esposa/novia del tabernero. Papel bastante secundario, pero notable por encima del resto de extras, que tan solo tienen algunos segundos de gloria, como la vieja que brinda como si estuviera levantando la espada de Excalibur.

Christian Henson ha orquestado piezas tan diferentes, en género, como Black Death, Triangle o Desmembrados. Henson compone un score muy adecuado en cada momento, que junto al apartado sonoro muy propio de serie B, pero sumamente correcto, ensalza el film a momentos dinámicos sin caer en el ostracismo.

El único pero que le pondría a la cinta, en algunos momentos del film, es la recuperación de los actores de su estado de embriaguez en los momentos de tensión, para recaer en el mismo estado en cuestión de segundos. Pero el conjunto es sencillamente cumplidor y divertido para los que busquen un film sin más pretensiones interpretativas, argumentales o pamplinas varias.

Puntuación

29/10/12

Colaboración Especial Halloween

Como bien sabéis se acerca la festividad de Halloween y desde el El Ultimo Blog a la Izquierda su creador nos pidió a nosotros, (no me lo puedo creer) colaboración en un especial que estaba preparando en los días previos a la popular festividad.


El proyecto consistía en que ellos mismos y los lectores de éste, aportáramos una recomendación para visionar esa noche. La iniciativa me parece muy acertada para descubrir o rememorar películas, en mí caso me ha servido para descubrir Clownhouse y rememorar, entre otras, Tokyo Snuff y El Diablo Metió la Mano, que sin duda me han entrado ganas de volver a ver.

Resta decir que me siento doblemente alagado. Primero por haber tenido el honor de que otro blogero me pida colaboración en semejante proyecto, y segundo por haber servido mínimamente de inspiración a alguien, para que al final haya terminado abriendo un blog. Puesto que yo también empecé así, leyendo el blog Quesito Rosa, que me sirvió de inspiración para, junto a dos amigos, abrir el aquí presente y muy humilde blog, Los Criticonos.

Desde el primer día decidimos no centrarnos únicamente en el cine de género, así que como explica su autor Hatelove, la variedad de películas es incluso brusca, en ocasiones.

Mi recomendación que podréis leer en ese especial, ya andaba por el blog escrita a dos manos entre Orlok y un servidor, pero como me quedó algo escueta, amplié mi opinión para dicho especial que Hatelove ha preparado para todos sus lectores, gran iniciativa para descubrir o rememorar películas y conocer nuevos e interesantes blogs.

A los que no la hayáis visto, considero que es una cinta imprescindible, claro que puede suceder que no os guste.

También podréis encontrar la crítica del remake americano en nuestro blog. ¿Innecesario? Sí, pero ya sabemos que el público yanki es así, nosotros vemos su cine, pero ellos no pueden ver el europeo, me arrancaría los ojos antes de entenderlo. Y lo cierto es que para el desastre que se avecinaba, no les quedó tan mal, aunque sin duda me quedo con la original.

A continuación os dejo mi aportación y las de los demás participantes. 
ESPECIAL HALLOWEEN: MACHETE

ESPECIAL HALLOWEEN: HATELOVE
ESPECIAL HALLOWEEN: JON R.R.
ESPECIAL HALLOWEEN: NIKOFB
ESPECIAL HALLOWEEN: ANTONIO NAVAS
ESPECIAL HALLOWEEN: NIKOFB
ESPECIAL HALLOWEEN: OPINÓLOGA DE TERROR
ESPECIAL HALLOWEEN: ULTRAMARINOS BODELER
ESPECIAL HALLOWEEN: DARKMINA
ESPECIAL HALLOWEEN: RECHARDGEABLE
ESPECIAL HALLOWEEN: UMI RYUUZAKI
ESPECIAL HALLOWEEN: ALAN SMITHEE
ESPECIAL HALLOWEEN: BCNDAYSESPECIAL HALLOWEEN: HATELOVE
ESPECIAL HALLOWEEN: UMI RYUUZAKI
ESPECIAL HALLOWEEN: DAVID AMORÓS
ESPECIAL HALLOWEEN: NIKO FB
ESPECIAL HALLOWEEN: UMI RYUUZAKI
ESPECIAL HALLOWEEN: DANIEL GÁLVEZ
ESPECIAL HALLOWEEN: RAÜL CALVO
ESPECIAL HALLOWEEN: HATELOVE

Modus Anomali

Modus Anomali dirigida por Joko AnwarTÍTULO ORIGINAL: Modus Anomali
AÑO: 2012
DURACIÓN: 87 min.
PAÍS: Indonesia
DIRECTOR: Joko Anwar
GUIÓN: Joko Anwar
MÚSICA: Bembi Gusti, Aghi Narottama, Gascaro Ramondo
FOTOGRAFÍA: Gunnar Nimpuno
REPARTO: Rio Dewanto, Hannah Al Rashid, Aridh Tritama
PRODUCTORA: LifeLike Pictures

Un hombre ha planeado pasar el fin de semana con su mujer e hijos en el bosque, pero la irrupción de un extraño alterará sus planes de forma irreversible. El hombre se despierta desconcertado y solo, tras haber experimentado un lapso temporal. El descubrimiento de una serie de alarmas de reloj plantadas a lo largo del bosque le dará una señal de que tendrá que luchar a contrarreloj si quiere volver a ver a su familia.

Dentro del marco de este pasado Festival de Sitges 2012 el director Joko Anwar presentó su nueva película titulada Modus Anomali. Durante la presentación de la película comentó que es la primera película que rueda en inglés, y que tras su anterior película, el thriller con arrebatos gore The Forbidden Door del año 2009, se propuso realizar una película algo distinta.


Modus Anomali dispone de una buena puesta en escena, rodada con steadycam, el efecto que consigue transmitir es el de agobio, inquietud y sobre todo, nervios, pues ahí es donde juega Joko Anwar, que también escribe el guión. Un thriller que busca crear nerviosismo en el público, desde el comienzo estamos con el personaje principal, despierto en medio de un bosque sin recordar nada, poco a poco iremos descubriendo junto a él las piezas de un rompecabezas. Eso es Modus Anomali, un desconcertante rompecabezas con momentos interesantes, aunque también con algunos defectos. Pero donde impacta es en su inicio, hay que reconocer que te engancha con sólo empezar, hay algunas pequeñas secuencias muy interesantes por la tensión que generan, pues están bien rodadas. También hay una vertiente de violencia, aunque algunos momentos son estereotipados, otros están algo más trabajados.


La definición que puede extenderse para esta película sería, cruce entre Los cronocrímenes y Funny Games con unas gotas de slasher. La verdad, es una película que no está mal, pero tiene apariencia de ser mejor de lo que resulta al final, aunque, es lo suficientemente interesante para verla y pasar un buen rato. Su duración ayuda, al no excederse de la hora y media la cosa se puede digerir fácilmente. Uno de sus defectos es la reiteración de la acción a partir de un determinado momento. Luego, en su tramo final veremos el desenlace que nos aclara lo que está sucediendo. Sin revelar nada del final, aviso de que se trata de una buena idea que fuerza la necesidad de sorprender, y no es tan original como pretende. De todos modos, eso no quiere decir que esté mal y es mejor ver para juzgar.


La cuestión, es que la película está bastante bien planificada, tiene planos muy buenos que hablan por sí mismos con una iluminación interesante, en un buen ejemplo de película que cumple con la ley de mínimos y no desagrada en absoluto por su factura técnica. Hay pocos personajes, su protagonista Rio Dewanto realiza un buen trabajo, en la mayor parte de la película sólo lo vemos a él y hay que reconocer que realiza una buena interpretación. Lo mismo ocurre con los diálogos, casi inexistentes, en ese sentido hay que decir que la película aguanta hasta cierto punto en el que, como antes comentaba, se hace algo reiterativa. Una película que merece la oportunidad de un visionado, es interesante en su planteamiento y la forma en la que está rodada. También hay que decir que estaba por encima de muchas otras películas proyectadas durante el festival.

Puntuación

28/10/12

La cueva

La cueva dirigida por Alfredo MonteroTÍTULO ORIGINAL: La cueva
AÑO: 2012
DURACIÓN: 80 min.
PAÍS: España
DIRECTOR: Alfredo Montero
GUIÓN: Alfredo Montero
MÚSICA: Carlos Goñi
FOTOGRAFÍA: Alfredo Montero
REPARTO: Marcos Ortiz, Marta Castellote, Eva García-Vacas, Jorge Páez, Xoel Fernández
PRODUCTORA: Alfredo Montero

Tres chicos y dos chicas viajan en plan mochilero desde la ciudad a una isla paradisíaca. Allí alquilan motos, recorren los sitios más bonitos y recónditos, acampan en el bosque, en la costa de un acantilado, se emborrachan y se bañan en el mar. Al día siguiente entran en una cueva profunda y laberíntica para explorarla y se pierden en ella. Si quieren sobrevivir dentro de la cueva deberán sufrir la experiencia más extrema e inhumana a la que se pueda enfrentar una persona. No tienen agua, no tienen alimento, no tienen ninguna oportunidad.

Alfredo Montero debutó en modo multitarea con Nin@s en el año 2006. En su nuevo trabajo, La cueva, reincide el modus operandi, dirige y escribe el guión –que según ha declarado- escribió después de explorar la cueva, basando las páginas del guión en torno a sus grutas y diseño. Además, se encarga de la fotografía y actúa como productor.
Con un reparto técnico de lo más escueto; tan solo un ayudante de cámara, que a su vez ejercía de guía en el interior de las cuevas de Sant Valero en Formentera, isla donde se ha rodado íntegramente la película, se apunta a la moda del found footage con un pulso bastante logrado. Ya ha ido bien un equipo tan escueto, porque no sé cómo se hubieran metido muchas más personas en un espacio tan reducido.
El plantel de actores también es de lo más escueto, tan solo 5 actores; Marcos Ortiz, Marta Castellote, Eva García-Vacas, Jorge Páez y Xoel Fernández, todos en unas correctas y creíbles interpretaciones algo preconcebidas y estereotipadas, pero de naturalidad notable. No significa que nos caigan bien sus personajes, pero una cosa no quita la otra. Interpretaciones que desde los primeros minutos ya dejan ver de qué manera van a reaccionar bajo presión cada uno de ellos. Además, los cinco actores ayudaban también en algunas labores técnicas, que remedio, si no había nadie más.


Al principio todo es muy estándar y bastante tópico, los cinco jóvenes que se van de fiesta y beben haciendo el idiota toda la noche cantando al son de Revólver, la banda de Carlos Goñi. Responsable de orquestar la película en el primer tramo, de ahí que suene un tema de la propia banda. En la segunda parte, dentro de la cueva, la ambientación la crea el sonido natural del ambiente; las respiraciones, el crujir de los huesos, el roce en las rocas al pasar a otras grutas, los berridos y gritos de sus protagonistas y el eco sucio y vacio en las impenetrables grutas, mucho mejor que intentar adornar una ambientación que de por sí ya es efectiva solo con sonidos.

La película se alimenta de dos obras bastante reconocidas en un reducido círculo cinéfilo, El proyecto de la Bruja de Blair de Daniel Myrick y Eduardo Sánchez, y The Descent de Neil Marshall, en la que su gran parecido estético y técnico, podría acusarse de plagio, por varios motivos; la visión nocturna de la cámara, encontrarse atrapados en la cueva y más de un plano, que a pesar de sus diferencias, recordará a la obra de Marshall. Aquí no hay monstruos, la situación es debido a la propia inutilidad de sus protagonistas, no por accidente como en la obra de Marshall. Sin embargo, no deja de anotar influencias cada minuto a partir de que entran en la cueva, sobre todo estéticamente. El apartado de maquillaje es muy correcto, por mucho que se arrastrasen por la cueva, creo que tuvieron que recurrir a la caracterización en más de una ocasión. Y los efectos especiales, hay pocos pero son todos muy clásicos.


Copiar es fácil, es lo que se suele decir, y en realidad no es garantía de obtener buenos resultados. La película lo hace sin miramientos, cierto, pero al menos lo hace bien y sin grandes pretensiones. La atmósfera está bastante conseguida, suficientemente opresiva en los momentos clave. Y la brutalidad de alguna escena concreta, fue agradecida y recompensada por el público, levantando multitud de aplausos en la sala.

Como aspecto negativo, el transcurso de los días dentro de la cueva están reflejados, pero no demasiado justificados, claro qué, es mejor no rellenar minutos innecesarios, sus 80 minutos son plenamente correctos.
Creo que la mayoría de los asistentes salimos bastante agradecidos de que una película, aun copiando, a estas alturas consiga sorprender a un público muy curtido en el género de terror. Sencilla y sin artificios argumentales, ni técnicos. Un viaje al fondo de la mente humana, en el que una situación extrema hace perder cualquier atisbo de amistad y moralidad.

Puntuación

Ace Attorney

TÍTULO ORIGINAL: Gyakuten Saiban (Phoenix Wright: Ace Attorney)
AÑO: 2012
DURACIÓN: 135 min.
PAÍS: Japón
DIRECTOR: Takashi Miike
GUIÓN: Takashi Miike
MÚSICA: Kôji Endô
FOTOGRAFÍA: Masakazu Oka
REPARTO: Hiroki Narimiya, Mirei Kiritani, Takumi Saito, Ryo Ishibashi, Rei Dan, Akira Emoto
PRODUCTORA: Toho / CAPCOM

En un futuro los juicios criminales se han convertido en desaforados procesos de tan solo tres días. Ante ese escenario, el joven abogado Phoenix Wright deberá sacar lo mejor de sí mismo para lograr resolver el misterioso asesinato de su mentor.

Como cada año, el Festival de cine fantástico y de terror de Sitges trae algunas de las propuestas del carismático cineasta de disciplina heterogénea, Takeshi Miike. Una de esas propuestas es la adaptación del videojuego Ace Attorney, conocido en Japón como Gyakuten Saiban (逆転裁判), una saga de videojuegos perteneciente al género de aventura conversacional y la novela gráfica. El juego fue publicado por Capcom y creado por Shu Takumi, se inició en Game Boy Advance y luego dio el salto a la Nintendo DS, donde se aprovecha la particularidad de la doble pantalla y el micrófono. En el videojuego, los jugadores asumen el papel de un abogado defensor en un tribunal ficticio, ahora, seremos espectadores de la representación de esta curiosa premisa a través de una curiosa película.


Takashi Miike ha demostrado con creces que es capaz de adaptar al cine cualquier cosa, por lo mismo que puede saltar de género en género, siendo capaz y con total desfachatez de realizar lo peor y lo mejor dentro del ámbito cinematográfico. En esta ocasión y con mucha gracia, realiza una adaptación de un videojuego en clave de humor, con el excentricismo necesario para dejarte fuera de juego, pero con la suficiente tenacidad para meterte en la película. Pocas son las adaptaciones de un videojuego al cine que valgan la pena. Un mínimo de gracia tuvo la primera parte de la saga de las películas Resident Evil (2002), tampoco estuvo mal Final Fantasy: The Spirits Within (2001) y quizás, la que más destaca en cuanto adaptación que pretende captar el espíritu del videojuego es Silent Hill, dirigida por Christophe Gans en el 2006. Luego hay una larga lista de adaptaciones con secuelas, donde mediocridad es el adjetivo más benevolente, pues se han llegado a realizar películas vomitivas.


No es necesario conocer el juego para disfrutar de Ace Attorney, como película es absorbentemente divertida, pero claro, si conoces el juego o incluso lo has disfrutado, es toda una prerrogativa cinematográfica. De ahí, que la estética de la película sea tan particular, el diseño de los personajes es igual que en el videojuego, pero lo mejor de todo, es que están muy bien interpretados. Solo es necesario echar un vistazo a diferentes tráilers o vídeos sobre el videojuego Phoenix Wright: Ace Attorney, para ver que han realizado un buen trabajo en la adaptación. Los efectos digitales están comedidos para beneficio de la película, hay muchos, pero no es un desparrame innecesario. Está película tiene esa particularidad nipona de exagerar de forma rimbombante, acciones o situaciones, que para nada lo son en la realidad.


Y si hay algo que tendría que objetar sobre la película, es que hay un punto donde la trama se torna hacia una confusión un tanto peculiar, su anti-clímax se alarga un poco más de lo necesario, hay un sobre exceso de información, o quizás, se podría definir mejor como, marear la perdiz. Pero no es nada grave, una vez llegamos al autentico clímax todo da igual, solo quieres levantarte de la butaca y gritar: Objection! (señalando de forma impune con el dedo índice). Casi fue lo que ocurrió literalmente en el cine Retiro de Sitges, que durante la proyección conseguía arrancar carcajadas y aplausos, pero donde hubo un autentico subidón fue al acabar los créditos finales, quienes quedamos en la sala fuimos recompensados por el detalle final. En nuestro país, si no ha habido cambios, Selecta Visión ha adquirido los derechos de explotación, aunque aún no han detallado si se estrenará en cine o se distribuirá directamente en formato domestico.

Puntuación

27/10/12

Tower Block

Tower Block dirigida por James Nunn y Ronnie ThompsonTÍTULO ORIGINAL: Tower Block
AÑO: 2012
DURACIÓN: 87 min.
PAÍS: Reino Unido
DIRECTOR: James Nunn, Ronnie Thompson
GUIÓN: James Moran
MÚSICA: Owen Morris
FOTOGRAFÍA: Ben Moulden
REPARTO: Sheridan Smith, Jack O'Connell, Ralph Brown, Russell Tovey
PRODUCTORA: Tea Shop, Film Company

Los residentes de la Torre Bloque 31 se verán en una batalla mortal con un misterioso y sanguinario francotirador que ha descubierto su escondite.

James Moran, guionista de la divertida Deliverance (aquí rebautizada como Desmembrados ¡toma ya!), escribe el guión de este film de estética actual, pero de corte muy clásico con la esencia del cine de los 70, refiriéndonos al género de acción tal y como lo conocemos actualmente, claro está.

Tower Block está dirigida por James Nunn y Ronnie Thompson, ambos debutan en la dirección. Aunque a Nunn no le viene de nuevas, ya ha trabajado como asistente de dirección en Strippers vs Werewolves o Cockneys vs Zombies, entre otras. Ésta última también proyectada dentro del marco del Festival de Sitges 2012, y que finalmente me perdí debido al cansancio e incompatibilidad de horarios para con el día siguiente, si quería ser persona en lugar de animal. Parece ser, que el cansino género zombie sigue dando algunas buenas obras, después de su proyección escuché alguna que otra buena opinión sobre ella.

Volviendo al tema, Nunn se pone a la cabeza de la dirección, realizando una buena labor con los actores y su puesta en escena. Ronnie ha trabajado anteriormente en labores de productor y guionista en Screwed, un direct to Dvd, dirigido por Reg Travis, que realizó el remake de Psicosis en 2010. Sobre la presente obra; Ronnie Thompson debuta en la dirección y ejerce como productor.

Deudora de Asalto a la comisaría del distrito 13 de John Carpenter, basada libremente en el western Rio Bravo. El parecido global de Tower Block con la obra del maestro de la serie B, John Carpenter, para muchos será motivo suficiente para tacharla de copia bastarda realizada sin la maestría de éste. A todos ellos he de decirles que Asalto a la comisaría del distrito 13 es una obra que se ha ensalzado con los años entre el público, no en el momento de su realización. Con esto no estoy diciendo que no me guste, pero creo que así es.

Creo que ambos directores han formado una buena sociedad, tal y como hicieron Alexandre Bustillo y Julien Maury con su debut A l’Interieur, lo que fue ésta para el terror, lo es Tower Block para la acción. Ofreciéndonos un gran trabajo, que muy a pesar de sus semejanzas, aporta diferentes resoluciones de detalles y cambios en el desarrollo de la historia que la dotan de esencia propia.

Sabiendo que la situación es muy similar a la obra referente, y su planteamiento idéntico; un grupo de personas encerradas en un mismo espacio que se encuentran bajo la presión de una amenaza exterior, premisa usada también en el género zombie, idea simple y barata que nadie parece aborrecer, puesto que si se hace bien, funciona.
Así nos queda una cinta directa, honesta y sin aburridos preámbulos, aunque tras el prematuro prologo lo parezca. No tarda mucho en arrancar, cuando menos lo esperas la cacería dará comienzo y con ella la diversión para el espectador, porque los del edificio no lo pasan nada bien.


La película no tiene nada especialmente innovador, de hecho diría, que nada. Incluso ya se escuchan teorías comprobadas, que lo que realiza el francotirador es técnicamente imposible, ni con el mejor rifle existente, pero en todas las películas hay que aceptar algunas licencias, y en Tower Block esa es la que toca.

Los paralelismos con la obra de Carpenter afloran como las rosas en un jardín de primavera, nos guste o no la obra su referente. Y será inevitable pensar en ella. Aunque, yo no lo veo como algo negativo, más aún, cuando se ha hecho con gran acierto y dinámica personal. Y su toque de humor negro la diferencia del cine de acción actual, plagado de efectos especiales, que al parecer, cuanto más escandalosos y rimbombantes, mejor. Aun recurriendo a efectos digitales para representar la atrocidad cometida por el francotirador, que en pocos segundos se ventila a unos cuantos de una forma bastante salvaje, la rapidez y el maquillaje posterior en esas escenas no dejan dolorida nuestra retina, pero si nuestra impresión con unos efectos que cumplen de una forma muy artesanal y sin florituras visuales, dejando una opinión realmente positiva.

La historia no cuenta con un gran desenlace en el que se intente sorprender al espectador, de hecho, no hay que ser Sherlock Holmes para averiguar a los pocos minutos lo que está sucediendo y el motivo. Pero su fuerza no radica en un giro sorpresa que nos tire del asiento, sino, en una elaborada situación de tensión interpretativa, con personajes bien construidos, bastante estereotipados, pero con un carisma realmente logrado. Algo esencial en una cinta de semejantes características.

Donde un espacio cerrado y sus pocos personajes son los elementos primordiales con los que contamos, no hay nada más y si éstos no son suficientemente carismáticos, todo lo demás no sirve. La elaborada fotografía a cargo de Ben Moulden aprovecha muy bien los recovecos de los pasillos, exponiendo sus sombras ante su escueta y lograda iluminación que parece muy natural, similar a La horda, pero algo más opaca. Su eficiente banda sonora a cargo de Owen Morris o la labor del departamento de maquillaje y vestuario con el que cuenta la película, no serviría de nada sin los mencionados carismáticos personajes.

En ese campo hay dos a destacar, Becky, la protagonista y heroína del grupo (ya dije que eran estereotipados) interpretada por Sheridan Smith (Hysteria). Y Kurtis el 'holligan' inglés, interpretado por Jack O'Connell (Eden Lake), sin duda el mejor personaje de todos, aunque al principio nos caiga mal, tanto por sus actos, como por su actitud inepta y abusiva.


Como en cualquier cinta de espacios cerrados, lo que funciona, no solamente es la situación, sino unos personajes elaborados, y Tower Block cumple sobradamente con ello. Es cierto, que cinematográficamente hablando no es la mejor película del mundo, pero prefiero mil veces una cinta honesta, que me mantenga atento, a una con dobles lecturas que no entienda ni el propio director. Yo la he disfrutado como pocas veces lo he hecho desde que era pequeño, tal como hice con Rambo o La jungla de cristal.

Pero antes de que os echéis sobre mí como leones, no las estoy comparando, me refiero a la sensación que me aportaron en su momento. Algo muy difícil de conseguir siendo adulto, y Tower Block lo consigue. Así, que sin miedo a represalias, diré, que para mí ha sido la mejor del Festival de Sitges de este año 2012, puesto que es la que más he disfrutado como ente simplón que soy. Una cinta que se suma al buen cine que nos está llegando desde Reino Unido en estos últimos tiempos.

Puntuación

IX Edición de Sevilla Festival de Cine Europeo 2012



IX FESTIVAL DE CINE EUROPEO DE SEVILLA 2012 del 2 al 10 de Noviembre


El próximo 2 de Noviembre se inicia la novena edición del FESTIVAL DE CINE EUROPEO DE SEVILLA 2012. Serán nueve días en los que se proyectarán una gran diversidad de producciones, entre ellas habrán películas que han pasado por diversos festivales y otras que serán proyectadas por primera vez. En esta edición el (SEFF) incluirá una nueva sección denominada Special screenings, con películas de enorme impacto dirigidas al gran público. Entre los filmes que se proyectarán figuran títulos como Holy Motors, filmes de Mike Newell, Grandes esperanzas, y Daniel Calparsoro, Invasor.
Todo está preparado y en la web oficial está disponible la programación.

Berserk: La Edad de Oro I: El huevo del rey conquistador


TÍTULO ORIGINAL: Berserk Ògon Jidai-Hen I: Haô no Tamago (Berserk Golden Age Arc I: Egg of the Supreme Ruler)
AÑO: 2012
DURACIÓN: 77 min.
PAÍS: Japón
DIRECTOR: Toshiyuki Kubooka
GUIÓN: Ichiro Okouchi (Manga: Kentarou Miura)
MÚSICA: Shiro Sagisu, Susumu Hirasawa
DISEÑO DE PERSONAJES: Naoyuki Onda
DIRECCIÓN DE ANIMACIÓN: Naoyuki Onda
FOTOGRAFÍA: Animation
REPARTO: Animation
PRODUCTORA: Studio 4°C

En una época medieval oscura y violenta, inmersa en una guerra que se prolonga desde hace cien años, un mercenario destaca por encima de todos los demás por su habilidad y su ferocidad, su nombre es Guts. Durante el asedio de un castillo, Guts llama la atención de Griffith, el líder de la Banda de los Halcones, de la que se dice que jamás ha conocido la derrota en la batalla. Tras unirse de forma reluctante al grupo, Guts exhibe un valor sin precedentes para justificar la confianza de Griffith y ganarse el respeto de sus compañeros. Pero el sueño de Griffith va más allá de acumular oro y riqueza, lo que más desea en su corazón es convertirse en Rey. Guts se compromete ayudarle a cumplir con su destino sin conocer los sacrificios que deberá realizar.

En el Festival de Sitges 2012 se proyectó la primera parte de una trilogía que adapta el manga Berserk (ベルセルク Beruseruku) creado por Kentarou Miura. La primera entrega se titula Berserk: La Edad de Oro I – El huevo del Rey Conquistador, fue estrenada el 4 de Febrero de 2012 en Japón, con una duración de 77 minutos resultó una grata experiencia donde se aplica lo de: Lo bueno, si breve, dos veces bueno.


El manga original de Kentaro Miura comenzó en 1988, el primer capítulo piloto fue un éxito, consiguió que se publicara un primer volumen en 1990 para más tarde disponer de una publicación regular, en la actualidad el manga supera la treintena de volúmenes publicados.
Por otro lado, en comparación con la película, la serie animada ofrece un tipo de animación menos sofisticada, aunque de mayor extensión argumental, que no quiere decir que sea totalmente fiel al manga, pues por lo que conozco, en la serie animada se eliminó y se suavizó parte de la violencia explicita del manga, así como escenas de sexo. En cambio la película, aunque sea la primera de una trilogía, debido a su corta duración todo está muy condensado y es más una introducción, pero es más fiel al espíritu del manga.

Después de la proyección que vimos durante el Festival de Sitges 2012, algunos conocidos que son más entendidos del anime y el manga, indicaron que la película es más fiel al manga y que todo está muy bien narrado.
El tipo de animación me pareció muy trabajada, una combinación de animación clásica en 2D con unos efectos CGI interesantes. Hay quien no termina de convencerse con el tipo de animación empleada en la película, pero creo que resulta muy acertada.


Hay un gran trabajo detrás de la producción y las escenas más espectaculares están llenas de dinamismo, visto en la sala de cine resultó bastante espectacular. La historia está dentro de la fantasía medieval, con un toque más Europeo, tanto por la historia como el diseño de los personajes, que siendo los del manga, están algo más "europerizados".

La película está muy bien narrada, aunque nunca hayas leído el manga, ni visto el anime, ni jugado a los videojuegos, ni conozcas nada sobre Berserk, no supondrá ningún tipo de impedimento. Todo queda muy claro, incluso, algunos flashback o comportamientos de los personajes, que seguro se le dan desarrollo en las siguientes continuaciones, están bien explicados y no provocan la sensación de laguna argumental. La banda sonora compuesta por Shiro Sagisu, tiene la suficiente épica para destacar en los momentos necesarios y melodías sutiles para otros momentos más dramáticos. El tema principal titulado Aria, está interpretado por el músico Susumu Hirasawa, quien ya ha compuesto otras bandas sonoras en películas de animación que también han pasado por el Festival de Sitges, como por ejemplo Millennium actress.


La trilogía será distribuida en España por Selecta Visión, los dos títulos restantes, ambos con una duración mayor que la primera entrega son, Berserk Ōgon Jidai-Hen II: Doldrey Kōryaku (Berserk Edad Dorada arco II: La batalla por Doldrey), con 110 minutos de duración. El tercero y último arco que pone punto y final a la trilogía es Berserk Ōgon Jidai-Hen III: Kōrin (Berserk Edad Dorada arco III: Descenso), también con unos 110 minutos de duración, donde la historia se desarrolla de manera incesante hacía un abismo de fantasía oscura.

26/10/12

KlownsHalloween 2012

Se acerca la noche de Halloween y desde la web KlownsAsesinos, otro año más se unen a celebrar dicha festividad. El próximo sábado 3 de Noviembre una terrorífica tarde/noche de Halloween os espera. Cortos, películas, sorteos y juegos zombie, stand de camisetas, quiz games y regalos entre sesiones, y un torneo de juegos de mesa zombie.


Las proyecciones comenzarán a las 19h con los cortometrajes Un día de Golf de David Muñoz. Tus Gritos me dan Risa de Sergio Morcillo. Oscuro Resplandor de Rafa Dengrá. Y por último Fist of Jesus dirigido a dos manos por David Muñoz y Adrián Cardona.



Además estarán presentes algunos de sus directores y miembros del equipo.

A las 20:30h, comenzará la proyección de los largometrajes The Last Will and Testament of Rosalind Leigh de Rodrigo Gudiño (2012) – 81 min. Película que se pudo ver en la reciente edición del Festival de Sitges.

Rodrigo Gudiño, es el fundador de la revista especializada Rue Morgue. Tras experimentar con cortos como “The Facts in the Case of Mister Hollow”, se lanza este año al largometraje con una intensa historia de fantasmas de ambientación clásica. La cinta sigue a Leon Leigh, un joven que hereda la vieja casa donde vivió su madre, quien acaba de suicidarse. Pronto, descubrirá que ésta rendía culto a los Angeles. Sucesos extraños le harán creer que el espíritu de su madre sigue allí.


Y a las 22:30, Demons de Lamberto Bava (1985) – 88 min. Una pieza de culto entre los seguidores del género. Para los que vengáis de otro planeta, la cinta nos sitúa en el estreno de una terrorífica película, donde acude un grupo de personas que finalmente acabarán encerradas en el local, viviendo idéntica pesadilla que los protagonistas en pantalla. Una delirante obra que sigue atrapándote, un festín demoníaco, claustrofóbico y lleno de vísceras.

Entre sesiones contaremos con los ya habituales sorteos y quiz games, en los que colabora la gente de DKiller Panda con su peculiar y divertido universo, Tema Distribuciones con el recopilatorio de cortos nacionales ‘Avantgarde Spanish Cinema’ Y Tyranosaurus Books, con el recetario ‘Recetas Zombies y de otros Monstruos’.

Y como novedad, con la colaboración del Club Mourninbal, sección de juegos de rol y estratégia de L´Espiga de les Corts, la noche terminará con un torneo del popular juego de mesa ZOMBIES, de Edge Entertaintment, donde el ganador de cada mesa se llevará a casa fantásticos regalos.

El evento dará comienzo a las 19h en la S.C. L’Espiga de Les Corts, C\ Joan Gamper, 30 (Barcelona). Muy cerca de la parada de Metro ‘Les Corts’. (AL LADO DE ILLA DIAGONAL)

La Entrada al evento es gratuita!!

24/10/12

Looper

Looper
TÍTULO ORIGINAL: Looper
AÑO: 2012
DURACIÓN: 118 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Rian Johnson
GUIÓN: Rian Johnson
MÚSICA: Nathan Johnson
FOTOGRAFÍA: Steve Yedlin
REPARTO: Joseph Gordon-Levitt, Bruce Willis, Emily Blunt, Paul Dano, Piper Perabo, Jeff Daniels, Garret Dillahunt, Tracie Thoms
PRODUCTORA: Sony / TriStar Pictures / MG Entertainment / Endgame Entertainment / FilmDistrict

Como en 2072 los asesinatos están terminantemente prohibidos, las víctimas son enviadas a través de una máquina del tiempo al pasado (2042), donde los Loopers, un grupo de asesinos a sueldo, se encargan de eliminarlas y deshacerse rápidamente de sus cuerpos. El problema surge cuando Joe (Gordon-Levitt), uno de los Loopers, recibe desde el futuro un encargo muy especial: eliminarse a sí mismo (Bruce Willis).

Siglo tras siglo, el afán del hombre por avanzar en la ciencia y la tecnología, no ha cesado jamás. Ha descubierto el fuego, inventado la bombilla, el teléfono, internet, ha descubierto vacunas, ha viajado al espacio etc. Sin embargo, hay una meta que a día de hoy todavía no ha logrado alcanzar, los viajes en el tiempo. Aunque, los rumores a veces se extienden más allá de nuestro hacer cotidiano diciendo lo contrario, que la NASA o cualquier otra entidad gubernamental secreta lo ha conseguido. Eso es tan fiable como que en el área 51 hay un platillo volante de otro planeta, meras especulaciones.

Así que, posiblemente, durante las próximas décadas e incluso algún que otro siglo, nos conformamos al soñar con ello viéndolo en las películas. La industria del entretenimiento ha sabido contentar o disgustar –según el caso- a su público durante décadas, en todas las vertientes y géneros cinematográficos; comedia, ciencia ficción, acción etc. con obras tan emblemáticas o desconocidas por el público, como por ejemplo El Tiempo en sus manos, Terminator, Regreso al Futuro, Doce Monos, Primer, Los Cronocrimenes, Freejack, Las Alucinantes Aventuras de Bill y Ted, Atrapado en el Tiempo, Codigo Fuente y un sinfín de obras que podría enumerar y me faltarían hojas en las que escribirlas.

Llego un poco tarde con ésta cinta de Rian Johnson que ya ha sido estrenada en salas comerciales, pero que un servidor vio durante el Festival de Sitges.
Rian, el director de Brick, película de la que hablan bastante bien pero no doy fe de ello puesto que no la he visto, escribe y dirige esta paradoja de viajes espaciotemporales de una forma fresca. Aprovechando el caos que se presupone al encontrarse el yo del pasado con el yo del futuro, lleva ese ámbito al extremo, liquidarse a sí mismo. Las consecuencias, no hace falta que diga que pueden ser fatales.

La cinta es fresca y entretenida, pero la línea argumental no es demasiado innovadora, ni revolucionaria para los tiempos cinematográficos en los que vivimos. Esta película de haberse estrenado hace diez años, hubiera supuesto todo un referente a seguir en el campo de la ciencia ficción para futuras obras de dicho género, tal como lo fue Matrix en su momento en la acción.


A pesar de ciertas paradojas temporales, la película está enfocada más a la acción, con un pletórico Bruce Willis, haciendo de Bruce Willis como él solo sabe. Joseph Gordon Levitt se encuentra comedido en su interpretación, pero ambos realizan una gran interpretación de Joe, el sensato y responsable (Willis) y el alocado e incauto (Levitt).

Un tema que habría que tratar en profundidad, es el parecido entre ambos actores, Willis y Levitt, que es más bien poco.Aunque, he de reconocer que el departamento de maquillaje, gracias a la prótesis nasal para Levitt y algo de maquillaje en torno a los ojos que consigue rasgar, hacen que el parecido con Willis sumándole tres décadas más en la película, dé suficientemente el pego.

El resto del reparto formado por una correcta Emily Blunt (El Hombre Lobo) que ejerce de madre sobre protectora, no para Cid, el niño en torno al cual gira toda la trama, sino para los demás. No digo más para no desvelar la sorpresa final. Cid está interpretado por Pierce Gagnon que realiza un papel menor en el remake The Crazies. Y Seth interpretado por Paul Dano (Cowboys and Aliens) tiene un papel menor, pero éste supondrá los primeros problemas para Joe en el pasado. Una correcta interpretación que no trasciende más allá de los primeros minutos.


Johnson nos sitúa la mayor parte de la cinta en el pasado, la libertad en qué dirección se puede viajar, la pone nuestra imaginación a la hora de escribir un guión para una película, en éste caso Johnson decide que sólo se viaja en una dirección, hacia el pasado. El futuro ideado por Johnson es muy urbano, a pesar de que las motos levitan, la urbe posee grandes y estilísticos edificios, además, sin olvidar los viajes en el tiempo, tiene un toque rudimentario y en ocasiones decadente.

Los efectos especiales se encuentran dentro de lo correcto, sin sobrepasarse en grandilocuencias visuales, ni resultados tediosamente digitales. Si bien, comparaciones visuales a Origen de Christopher Nolan saldrán al estrado en alguna ocasión. La banda sonora de Nathan Johnson que ha trabajado anteriormente con Rian en Brick, mantiene el tono en cada momento, aunque resalta mucho más en los momentos de acción en la película.

Como pega le pondría que a mí personalmente, hay un trozo que se desarrolla en la granja que me aburrió un poco, por suerte fueron poco más de diez minutos. Rian salva la situación con la aparición de un nuevo sicario en busca de ambos Joe’s.
Una cinta que va a flipar más a las nuevas generaciones que a los curtidos como los de mi generación. Aunque la película se desarrolla y tiene grandes momentos, no se va a convertir en una de nuestras obras predilectas, pero se disfruta bastante bien.

Puntuación

22/10/12

Sinister

Sinister
TÍTULO ORIGINAL: Sinister
AÑO: 2012
DURACIÓN: 110 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Scott Derrickson
GUIÓN: Scott Derrickson, C. Robert Cargill
MÚSICA: Christopher Young
FOTOGRAFÍA: Chris Norr
REPARTO: Ethan Hawke, Vincent D'Onofrio, James Ransone, Fred Dalton Thompson, Clare Foley, Victoria Leigh
PRODUCTORA: Automatik Entertainment / Blumhouse Productions / Possessed Pictures

Un periodista viaja con su familia a lo largo y ancho del país para investigar terribles asesinatos que luego convierte en libros. Cuando llega a una casa donde ha tenido lugar el asesinato de una familia, encuentra una cinta que desvela horribles pistas que van más allá del esclarecimiento de la tragedia.

Scott Derrickson dirige y escribe el guión junto a C. Robert Cargill, debutante en ese campo. Es complicado ver como hacen falta dos personas para escribir semejante guión plagado de tópicos, en el que no hay que devanarse mucho el cerebro.
Pues bien, entre ambos nos ofrecen una película que se sirve de todos los clichés del género hasta la saciedad, pero sin la efectividad deseada, o como mínimo esperada. Scott ha dirigido el nefasto remake de Ultimátum a la Tierra y la pobre El Exorcismo de Emily Rose, que si bien ésta última tenía algún momento interesante, es una película para olvidar fácilmente, ni siquiera recordaba al escribir estas líneas si la había visto o no.

Sinister cojea del mismo pie, una cinta de terror demasiado estándar y muy esquemático, que tiene algún momento interesante, sí, pero no aporta inquietud o terror al espectador. El ratio de efectividad de los sustos es 2 sobre 5.
Aunque, curiosamente y a pesar de que algún momento roza el ridículo, como el del hijo de saliendo de la caja o los niños asesinados anteriormente en la casa que mandan guardar silencio al protagonista y de paso al espectador, idea graciosa, pero ridícula en su contexto. A pesar de sus desaciertos, la cinta consigue mantener un mínimo de interés en el espectador. Incluso el incidente durante la proyección en el Auditori del Festival de Sitges, al irse la luz, y que duró diez minutos, no consiguió hacerme perder el hilo de la película. ¿Será que Bughuul nos hipnotizó a través de las imágenes?.


Las interpretaciones son correctas, pero poco equitativas. Ellison Oswalt el padre de familia y escritor obsesionado con superar su mejor novela, es interpretado por el solvente Ethan Hawke (Asalto al Distrito 13, El Señor de la Guerra), y creo que el interés que mantenemos es en parte gracias a su notable interpretación, él lleva el peso de la película.

El resto de la familia están ahí porque tienen que estar, la historia así lo requiere. Compuesta por Tracy, la mujer de Ellison. Encarnada por la desconocida Juliet Rylance, que se sirve de una interpretación clásica, el momento a destacar es la pelea verbal entre Ellison y ella, momento en que se luce a la altura de Ellison, pero la sensación es de…esto ya lo he visto antes. Los críos Trevor y Ashley interpretados por Michael Hall D’addario y Clare Foley, respectivamente, vienen del mundo televisivo. Ambos no destacan demasiado a lo largo de la cinta, -lo que voy a decir no lo considero spoiler porque con el tráiler ya te cuentan esa supuesta sorpresa, aunque, si quieres salta al siguiente párrafo- son simples personajes que están cumpliendo la labor de víctimas de Bughuul, que se lleva a los niños al inframundo.


Vincent D’Onofrio que lo hemos visto en una excelente interpretación en Chained, realiza una breve aparición –vía Skype- cómo el profesor Jonas, que indicará a Ellison que está sucediendo en la casa, nada destacable, podrían haber puesto al frutero de la esquina. Eso me recuerda, salvando distancias, a la elección de Guy Pearce para Prometheus, que sale más bien poco y maquillado de tal forma que es irreconocible. ¿Hasta qué punto la industria paga un actor conocido para tan poca relevancia o irreconocible aparición en escena? No hay quien lo entienda.

El encargado de la banda sonora es Christopher Young con una larga carrera como compositor, ha orquestado clásicos como Hellraiser, Pesadilla en Elm Street 2: la venganza de Freddy o la La mosca II entre otras. Además de obras más recientes como Arrástrame al infierno o la propia obra de Scott; El exorcismo de Emily Rose. Una banda sonora efectista, aunque muy lineal y tan o más tópica que los propios sustos. Una cinta entretenida de un solo visionado, argumento y desenlace que roza el larguero cual balón de fútbol. La recomiendo tan solo para una tarde cualquiera, en la que no tengáis nada más que hacer.

Puntuación

21/10/12

Halloween: Horror Market 3

Hola monstruos y monstruas, como ya sabréis se acerca el día 31 de octubre, noche en la que se celebra Halloween en Estados Unidos. Una festividad que aquí se celebra de una forma muy sutil, pero que los fans del terror, cada año se aficionan más y más a celebrar dicha tradición. La Oscura Ceremonia llega para esas fechas, en concreto el domingo 28 de octubre con su tercera edición del Horror Market, un espacio para todos los amantes del género y los disfraces.


El evento se trata de un espacio compartido por 25 diferentes stands con terrorifico merchandising (dvd, camisetas, chapas, maquillaje etc.) Será en Espai Jove La Fontana C/Gran de Gracia 190 Metro L3 - La Fontana. De 12:00 a 21:00 podrás comprar y divertirte por una misera entrada 0,50€ (centimos). Aunque si habéis estado en anteriores ediciones o en el Trash o Market, ya os haréis una idea de como es el asunto.

También se proyectará Body Bags el clásico de tres historias dirigido por Tobe Hopper y John Carpenter y éste ultimo como anfitrión presentando las historias, además habrá una pelicula sorpresa!


Si vienes disfrazado podrás pedir susto o golosina. En caso contrario encontrarás un taller de maquillaje en el que te pondrán bien 'guapo' pero atención es con inscripción previa en la siguiente web:
http://horrormarket.blogspot.com.es/2012/10/taller-de-maquillaje-halloween.html

Además ese día se inaugurará la exposición All Hallows' Eve que tendrá duración del 28 de Octubre hasta el 18 de Noviembre, donde más de 10 artistas expondrán una obra relacionada con Halloween. El horario de la Expo se regirá por los horarios del centro, de lunes a sábado de 17 a 21 horas.

También habrán actividades infantiles (no confundir con A Serbian Film), música terrorifica y mucho más.

Más info en la  web oficial.

God Bless America

God Bless America
TÍTULO ORIGINAL: God Bless America
AÑO: 2011
DURACIÓN: 104 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Bobcat Goldthwait
GUIÓN: Bobcat Goldthwait
MÚSICA: Matt Kollar
FOTOGRAFÍA: Bradley Stonesifer
REPARTO: Joel Murray, Tara Lynne Barr, Mackenzie Brooke Smith, Melinda Page Hamilton, Rich McDonald, Guerrin Gardner, Larry Miller, Sandra Vergara, Jamie Harris
PRODUCTORA: Darko Entertainment

Sin amor, sin trabajo y posiblemente una enfermedad terminal, Frank ha aguantado suficiente la decadente espiral del sueño americano. Sin nada que perder, Frank coge su pistola decidido a terminar con los más estúpidos, crueles y repelentes miembros de la sociedad con un cómplice inusual: una chica de 16 años que comparte su rabia e insatisfacción.

Bobcat Goldthwait ha aparecido en multitud de series televisivas y películas, actuando al lado de actores de renombre como Bill Murray, en la comedia ochentera Los fantasmas atacan al jefe, con Whoopi Goldberg en Burglar o con John Cusack en Crazy Summer. Además, ha cedido su chirriante voz en series animadas como Beavis and Butt Head.
Pero es recordado comúnmente por su estridente interpretación de Zed, el quinqui motero en la segunda parte de Loca academia de policía, personaje que se convertía en cadete del cuerpo policial en la tercera y cuarta entrega de la saga, aunque sin perder sus particulares estridencias interpretativas.

En 1991 debutó como director y guionista con la comedia Shakes the Clown, además de protagonizarla. Años más tarde, entre apariciones en algunas series y el programa Jimmy Kimmel Live!, llegarían –también como director y guionista- Slepping Dogs Lie (que la vi hace tiempo sin saber que era suya), una comedia romántica que abre las puertas al humor negro sobre las complejidades de la honestidad sexual y World’s Greatest Dad’s junto al actor Robin Williams, cinta que a día de hoy todavía tengo pendiente, pero visto lo visto con su última película, tendré que ponerle remedio.

Bobcat -que también firma el guión- se marca con God Bless America, un brillante y suculento ejercicio técnico y argumental. Qué bien, son inevitables las comparaciones con Un día de furia de Joel Schumacher, puesto que su argumento parte de esa misma idea, acabar con los indeseables e irrespetuosos que campan libres por el mundo. Pero God Bless America está enfocada desde un punto de vista mucho más actual, crítico y generalizado, no tan personal como hacía Michael Douglas en la obra de Schumacher.


Estamos ante una comedia negra terriblemente ácida, sin escrúpulos a la hora de criticar la sociedad actual, algo exacerbada en el tono fílmico que la compone, pero no muy lejos de la realidad en la que vivimos. Una sociedad enmarcada en el mundo de la televisión e internet, plagada de programación basura; una sociedad en la que se han perdido los modales, la cordialidad, la moralidad y sobre todo el respeto para con los que nos rodean.

Bobcat retrata ese mundo televisivo putrefacto sin miedo a reprimendas morales o artísticas. Arremete contra la nula calidad de información tergiversada, emitida por unos medios informativos en pro de las altas esferas. Unas esferas que dirigen a la población según les conviene y desde donde sople el viento.

También hace hincapié en los realitys que ya rozan lo enfermizo, un bomba virtual en el que la incultura está a la orden del día, y que viene directa a nuestro cerebro en forma de ondas hertzianas, plagadas de ideologías políticas y religiosas que no dejan mantener una conversación rica y fluida entre dos personas. Un mundo lleno de condicionantes televisivos, programación basura y noticias que mantienen a la población en un estado casi catatónico, absorbidos por un estilo de vida e imagen que la gran mayoría siguen como borregos, sin criterio propio.

Todo ello junto a una serie de hechos personales, detonan la paciencia de Frank. Un argumento que,  sin duda, cautivará a aquellos que guardamos cierta cordialidad y civismo para con los que nos rodean, y nos hastían los irrespetuosos o seres de actitud indeseable.
Sin duda, este pequeño sector de gente, los que no hemos perdido esos valores, nos sentiremos plenamente identificados con sus protagonistas, Frank y Roxy. Y seremos cautivados por sus razonamientos en la película. Frank interpretado por Joel Murray que trabajó en un papel menor –de lechero- con Bobcat en Shake The Clown, se pone en manos de éste para ofrecernos una interpretación excepcional, a la par que natural. No imagino otro actor que hubiera podido gesticular de tal manera sin resultar sobreactuado e igual de campechano, que el pobre hombre al que Joel interpreta.

Tara Lynne Barr se pone en la piel de Roxy, una chica diferente al prototipo estándar de quinceañera, inteligente y con razonamientos similares a los de Frank, sin duda el detonante para que éste se encamine en una única misión, ajusticiar a todos esos indeseables. Tara ha trabajado en papeles menores de series televisivas y algún que otro cortometraje. Su interpretación completa la de Joel, formando una pareja sublime que recordará -salvando distancias argumentales e interpretativas- a Asesinos natos en algunos momentos del film. El resto de personajes son simples ‘fichas’ que ambos necesitarán para retomar su propio destino, que parecen haber nacido ya predispuestos.


Está claro que nadie es perfecto y la mofa del ser humano para con otros inferiores, elemento que también crítica la película, he de reconocer que a veces he sido víctima, pero hay que ver con qué fe se hace, mala o buena. La película destaca más el aprovechamiento económico de esas personas. Siendo criticada mucho más la parte cívica de la sociedad, como ir con la música por fuera, hablar en el cine como si estuvieras en tu casa o las propias pijadas de los ricos, como despreciar un regalo porque no es el que deseaban.

La banda sonora corre a cargo de Matt Kollar que usa temas de varios artistas, como Alice Cooper con tres temas; School’s Out, Hello, Hooray y I Never Cry. Digo yo que Bobcat debe ser muy fan del músico, al que dedican una reflexión sobre su influencia musical y estética en mitad del film. Y otros como Rosemary Clooney o Black Rebel Motorcycle Club también ponen su guinda al film.

Una brillante película artísticamente lograda y argumentalmente, no novedosa, pero sí atrevida, que para alegría de muchos y desgracia de pocos, pasará sin pena ni gloria entre el público.

Puntuación