31/5/13

El cosmonauta

El cosmonauta dirigida por Nicolas AlcaláTítulo original: El cosmonauta (The Cosmonaut)
Año: 2013
Duración: 79 min.
País: España
Director: Nicolas Alcalá
Guión: Nicolas Alcalá
Música: Remate
Fotografía: Luis Enrique Carrión
Reparto: Katrine de Candole, Leon Ockenden, Max Wrottesley, Greg Blackford, Steve Galache Productora: Riot Cinema Collective

En 1975, el primer cosmonauta ruso que llegó a la Luna no consiguió regresar. Se le dio por desaparecido en el espacio. Él, sin embargo, a través de fantasmales mensajes de radio, afirma que ha vuelto a la Tierra, pero que la ha encontrado vacía, sin un alma. Su irreal presencia y su voz irán destruyendo poco a poco el mundo de sus seres queridos.



El Cosmonauta es un interesante proyecto que nace de una iniciativa cada vez más extendida, pero fue una de las primeras películas de nuestro país en conseguir sacar adelante un ambicioso proyecto financiado  mediante crowdfunding. Quienes puedan desconocer el método, se trata de un cooperación colectiva a través de la difusión de un proyecto para conseguir financiación de otras personas u organizaciones para su realización. Con Internet hay más facilidad para difundir este tipo modelo de financiación, es la herramienta ideal para mostrar una gran variedad de iniciativas.
Una de las propuestas más interesantes de El Cosmonauta es su modo de difusión, su estreno fue multiplataforma, el 18 de Mayo del 2013 se fechó un estreno con la intención de ser simultáneo en Cines, dvd, Canal+, y también de forma gratuita en la web oficial. Los tiempos están cambiando, la forma de consumir cine también, y este tipo de iniciativas de distribución pueden abrir otros caminos que convivan con el convencional; en ese aspecto, El Cosmonauta entra dentro de un movimiento pionero a nivel nacional.


También quiere unirse a la forma de narrativa transmedia, que consiste en ampliar la experiencia de la ficción a través de diferentes disciplinas artísticas. En lugar de diseminar, en este caso, el contenido de la película por diferentes canales como cines, dvd, tv, internet, móviles, etc. La narrativa transmedia propone, a parte del contenido existente, aportar nuevo contenido por Internet, videojuegos, móviles, cómics, libros, teatro, exposiciones, etc. Y cada canal debe aportar nuevos aspectos al todo, que se complementen entre ellos ampliando lo que sería el punto de partida, en este caso, la sinopsis de El Cosmonauta.

También hubiera sido la primera película española financiada íntegramente mediante crowdfunding, con la colaboración de más de 4500 personas que aparecen en los créditos. La productora Riot Cinema Collective compuesta por tres jóvenes integrantes inició el proyecto en el 2004, al principio todo parecía muy bonito, pero fueron surgiendo baches durante el camino de conseguir una financiación integra mediante crowdfunding. La cuestión es que se creó cierta polémica con el proyecto, su presupuesto ha sido aproximadamente de unos 860.000€ y no todo gracias al crowdfunding, pues al final el mayor porcentaje de financiación se recibió por entidades privadas y dinero público. Aunque la mayor polémica que tambalea la ética que sustentaba el proyecto, fue de forma mediática. La respuesta del director de la película, a un mail que recibió solicitando empleo en su productora. Eso podría ser una estrategia para hacerse auto publicidad, pero vaya, de cualquiera de las maneras es una desfachatez y una falta de respeto horrible. Para que cada persona pueda opinar, podéis sacar vuestras conclusiones leyendo este artículo.



Pero como lo que importa es la película, hay que procurar valorarla como tal, en parte dejando a un lado aspectos de su proceso de preproducción y polémicas adjuntas. Aunque, es entonces cuando se puede establecer cierta conexión, sobre todo con el resultado final. ¿Quiere esto decir que se trata de una mala película? No, en absoluto. Tiene cosas muy interesantes, pero su conjunto global no está a la altura de la pretensión que radica en la propuesta.
El Cosmonauta fue rodada en Letonia, Rusia y España, buscando de una forma bastante acertada una ambientación setentera de la antigua Unión Soviética durante la época de la carrera espacial, en un supuesto viaje a la luna. No dispone de un reparto de actores y actrices muy conocidos, pero han actuado mucho en televisión y han aparecido en papeles de películas con mucha distribución. Imagino que de ahí y la intención de buscar una distribución más amplia y comercial, se decidió rodar la película en inglés. A nivel personal creo que se trata de un error, pues dada la naturaleza base del proyecto, se tendría que haber apostado por rodar la película en ruso, esa falta de riesgo hace restar coherencia artística al conjunto.


El apartado técnico con el que se ejecuta la película está muy logrado, buena fotografía, encuadres interesantes, algún movimiento de cámara llamativo, bastantes efectos digitales que cumplen sobrados su cometido; una banda sonora efectista, aunque por momentos abusiva en la dramatización. En ese aspecto no hay quejas, incluso, potencia una puesta en escena interesante que durante el punto de partida de la película ayuda a mantener tu atención. La ensambladura de todo es lo que consigue que el resultado global termine en decepción, no por un montaje malo, el montaje está bien ejecutado y en algunos momentos con ideas muy interesantes. Pero ahí se puede apreciar como durante el camino del proceso creativo hay algo que se perdió o no quedó definido como una base solida de intenciones.

He leído opiniones que tachan la propuesta como una narrativa no lineal, pero vaya, lo he visto completamente lineal, excepto que alterna diferentes líneas temporales con una especie de mundo paralelo. Una propuesta muy interesante, pero en la práctica queda muy vacuo como conjunto global, en definitiva, me hizo pensar en Muriel de Resnais, pero de forma fallida. No revelaré nada de la película, pero me gusta que no se tenga que profundizar en información de los personajes para mostrar lo que importa, sus emociones a través de detalles, lo malo es que no se consigue transcender más allá de una barrera de apatía.
Otra característica de la película es que bajo licencias Creative Commons quieren ofrecer la posibilidad al público de montar la película a su gusto, desconozco si incluso con material adicional, siempre bajo un uso no comercial; por lo mismo creo que también se ofrece la posibilidad de ver, supongo que bajo pago, un final alternativo o distintas alternativas de montaje. De todos modos, es algo difícil de cuajar, pues tras ver El Cosmonauta no se genera el suficiente interés para querer extender la experiencia.

Puntuación

29/5/13

Fast & Furious 6

Fast & Furious 6 dirigida por Justin LinTítulo original: Fast and Furious 6
Año: 2013
Duración: 130 min.
País: Estados Unidos
Director: Justin Lin
Guión: Chris Morgan
Música: Lucas Vidal
Fotografía: Stephen F. Windon
Reparto: Vin Diesel, Dwayne "The Rock" Johnson, Gina Carano, Michelle Rodriguez, Paul Walker, Luke Evans, Jordana Brewster, Elsa Pataky, Sung Kang, Gal Gadot, Ludacris, Tyrese Gibson, Joe Taslim
Productora: Universal Pictures / Original Film / Etalon film

Desde que Dom (Vin Diesel) y Brian (Paul Walker) destruyeron el imperio de un mafioso y se hicieron con cien millones de dólares, se encuentran en paradero desconocido; no pueden regresar a casa porque la ley los persigue. Entretanto, Hobbs (Dwayne Johnson) ha seguido la pista por una docena de países a una banda de letales conductores mercenarios, cuyo cerebro (Luke Evans) cuenta con la inestimable ayuda de la sexy Letty (Michelle Rodriguez), un viejo amor de Dom que éste daba por muerta. La única forma de detenerlos es enfrentarse a ellos en las calles, así que Hobbs le pide a Dom que reúna a su equipo en Londres. ¿Qué obtendrán a cambio? Un indulto para que todos puedan volver a casa con sus familias.

Cuando Justin Lin tomó el relevo de la franquicia con la tercera entrega desarrollada en Tokyo, todo apuntaba a que la saga terminaría en desastre. Aunque, en un segundo visionado me agradó un poco más, me sigue pareciendo la más floja.
Pero Lin no se dio por vencido, nos calló la boca a los seguidores de la franquicia con una cuarta y quinta entrega. Tras dirigir también esta sexta parte, ha anunciado su dimisión para la séptima. Qué actualmente ya se está gestando, y será dirigirá por James Wan (Saw, Insidious), veremos si Wan se desenvuelve igual de bien que su antecesor.

Esta parte contiene todos los elementos característicos de la ya afincada y definida franquicia, pero dichos elementos no están dispuestos con la misma genialidad y carisma que en anteriores entregas. No tengo claro hasta qué punto es un intento de volver a revitalizar la saga (cosa que ya hicieron con mejor acierto en la anterior) o ha sido algo involuntario. Con la quinta, Lin conseguía el equilibrio perfecto entre el crimen y la acción, sin dejar de lado aspectos tan remarcables para los seguidores de la saga.

Aquí se le resta importancia a los elementos habituales; la potencia, las carreras y los atracos. Dando paso a la acción más espectacular, en la que todo vale, sí o sí, con tal de impresionar. La película gana en relación de los personajes, siendo mucho más amplia que en las anteriores. Pero pierde su firma.


Se aleja del mundo automovilístico que ha caracterizado el resto de la saga, poner coches al fondo del escenario no lo es todo. El resultado es bueno, pero se vuelve un poco más rudimentario y cercano al cine de acción estándar; muchas persecuciones, tiroteos y peleas cuerpo a cuerpo.
Resulta lógico que en cada entrega se busque mayor espectacularidad, y vale que siempre ha sido una identidad de la franquicia, además de lo mejor de ésta, pero a Dom (Vin Diesel) solo le faltaba que le salieran alas en la espalda en la escena del puente.

La importancia de la misión no es tan relevante como en anteriores entregas, en realidad da lo mismo ocho que ochenta, incluso la motivación de ambos grupos, malos y buenos, es un portentoso mcguffin. Aunque hay que decir que crear un grupo antónimo al de Dom y compañía, es un acierto. Sin embargo, las dos anteriores entregas dejaron el listón bastante alto, sobre todo la quinta. De manera, que resultaba difícil estar siempre en el puesto más alto del podio.

Pero no os equivoquéis, la película resulta entretenida, y lo más importante, no se hace pesada. Sus dos horas pasan igual de rápido que las propias persecuciones, que ahora, ya no son vulgares carreras, son persecuciones a vida o muerte.


A nivel interpretativo todos siguen en la línea favorable, pero, como es lógico los que más destacan del grupo son Vin Diesel y Paul Walker, el mejor dúo de toda la saga. Si bien, no hace falta decir que la incorporación de Dwayne "The Rock" Johnson fue un soplo de aire fresco, que todavía se mantiene.

El guionista Chris Morgan, que se ha hecho cargo de los guiones desde la tercera parte, sigue promoviendo la unidad familiar de la primera parte. Elemento, que se perdió en la segunda y tercera entrega, recuperado cuando volvió Vin Diesel a encontrarse entre el reparto de la cuarta parte, haciendo mucho más hincapié en ello. Además vuelve a reunir casi todo el equipo de la quinta parte, personajes aparecidos a lo largo de todas ellas. Como es lógico algunos se quedan y otros se van para no ¿volver? Viendo lo que han hecho con Michelle Rodríguez, que desapareció en la cuarta para regresar en ésta, todo es posible.

El guión escrito por Morgan, si lo comparamos con su anterior entrega, pierde un poco de chispa y originalidad. Intenta parecer demasiado enrevesado en algunas explicaciones e intentar 'sonar' como una película de espionaje industrial.
Aunque, parte de esa frescura que le falta, es culpa del tosco montaje final. Un montaje que resiente las brillantes y mejores escenas, algunas de ellas resultan demasiado largas, rocambolescas y sobrecargadas de efectos, como por ejemplo la del avión. Con una sesión de tijera hubiera quedado una película mucho más intensa y dinámica. Funciona como película de acción mucho mejor que como secuela de la franquicia.

Indispensable quedarse en los créditos finales, ya que se nos muestra al malo de la próxima entrega, después de ver quién es el actor que se pondrá en la piel de malo, iré a verla seguro.

Puntuación

26/5/13

Amor

Título original: Amour (Love)
Año: 2012
Duración: 127 min.
País: Austria
Director: Michael Haneke
Guión: Michael Haneke
Música: Franz Schubert, Ludwig Van Beethoven, Johann Sebastian Bach
Fotografía: Darius Khondji
Reparto: Jean-Louis Trintignant, Emmanuelle Riva, Isabelle Huppert, William Shimell, Ramón Agirre, Rita Blanco, Alexandre Tharaud, Laurent Capelluto, Carole Franck, Dinara Drukarova
Productora: Coproducción Francia-Alemania-Austria; Les Films du Losange / X-Filme Creative Pool / Wega Film / France 3 cinéma / ARD degeto / Bayerischer Rundfunk / Westdeutscher Rundfunk / Canal + / France télévisions

Georges y Anne son dos profesores de música octogenarios ya jubilados que viven en París. Un día, Anne sufre un infarto cerebral y un lado de su cuerpo queda paralizado. Georges dedica toda su atención al cuidado de su mujer viendo como poco a poco su estado empeora, el amor que ha unido a la pareja durante tantos años se verá puesto a prueba.

El director y guionista de cine austríaco Michael Haneke es conocido por mostrar ese lado oscuro del ser humano, con un estilo turbador consigue crear la sensación de malestar y agotamiento. La temática de sus películas trata problemas de la sociedad moderna, pero desde una perspectiva que no encaja con todos los gustos para terminar causando controversia.
En los últimos años Haneke ha estado cosechando premios y mejorando en sus obras; aunque también dirige Operas y se inmiscuye en otros proyectos, es su carrera cinematográfica la más fructífera y la que está consagrando su nombre. En el 2005, entre otros premios y menciones, lo nombraron mejor director en el Festival de Cine de Cannes por Caché. Tras realizar en el 2007 su propio remake norteamericano de la polémica Funny Games, llegó (aunque no de la manera más agradable) a más público. En el 2009 La cinta blanca consiguió el Globo de Oro a la mejor película en lengua no inglesa y obtuvo nominaciones a mejor película extranjera y mejor fotografía en los Oscar; también consiguió la Palma de Oro en la 62ª edición del Festival de Cannes. Los mismos premios que ha ganado ahora entre el 2012 y 2013 con Amour, película que terminó por conseguir un Oscar a la mejor película de habla no inglesa. Como guinda, el 9 de mayo le han otorgado el Premio Príncipe de Asturias de las Artes 2013.


En la actualidad, la situación de Michael Haneke es muy buena. A parte de los premios mencionados, ha conseguido algunos más sin contar con muchas de las nominaciones que no han sido premiadas, se puede afirmar que Amour es su obra de más éxito. Mucho se habla de la película, una minoría opina que se trata de un bodrio, de forma mayoritaria hay como un consenso de alabanzas, y lo más común es leer que se distancia de lo que nos tiene acostumbrado. No quisiera repetir con otras palabras lo que se puede leer en otros sitios, pero vaya, empezando por la puntuación y desde una perspectiva personal, la película me hizo disfrutar mucho, al terminar estaba muy excitado a la vez que agotado, en ese sentido, Haneke consigue de nuevo su propósito.
Lo que quiero remarcar es mi opinión sobre que Amour, no se distancia tanto como parece de anteriores experiencias que nos proporciona el cine de Haneke. Incluso afirmo que se trata de una de las películas "más Haneke", no en forma, pero si en contenido. A través de lo sutil ataca hacia las emociones, muestra un tema que de forma inevitable nos es cercano. Te agarra del cuello, poco a poco va apretando, pero sin llegar a doler... muy despacio te vas ahogando y cuando termina la película, la sensación de agotamiento emocional te paraliza en la butaca del cine.


Lo que más llama la atención es la supuesta sencillez que destila la película, pero cada elemento consigue mostrar algo, transmitir algo... no quiere decir que cada plano sea una obra de arte, ni que la relación de todos los elementos sea perfecta. Pero el desarrollo global de la película está muy bien trabajado, hay encuadres muy interesantes, movimientos de cámara muy conseguidos, con sentido dentro de lo que se explica, y sobre todo, un trabajo muy interesante en la forma de filmar el espacio. Una buena fotografía, sobria, detallada... sutil, con algunos momentos que destacan un poco más dentro de la acción, pero siempre con un tono en conjunto al ritmo fílmico.
El trabajo con los actores es lo que más sobresale, sobre todo los protagonistas. Jean-Louis Trintignant es espectacular, el punto de vista del personaje consigue remover el estomago. Pero quien destaca es Emmanuelle Riva, inolvidable en (Hiroshima mon amour, 1959) de Resnais y conmovedora para consagrarse en Amour. El resto de reparto principal es escueto pero muy bueno, y la aparición de la actriz Isabelle Huppert (La pianista, 2001) es interesante dentro de la relación de su personaje con los dos protagonistas y la historia.


El tratamiento sonoro también es muy notable, el hecho de que en la banda sonora sólo se utilice música diegética es una elección aplastante. De ahí que la sensación en el cine al terminar la película fuera de aplomo, consiguiendo un efecto extraño, toda la sala quedó inmersa en un silencio sepulcral y nadie se atrevía a levantarse de la butaca durante los silenciosos créditos finales.
Amour es para degustar con paciencia, si se conoce algo de Haneke y sobre todo, si hay afinidad con anteriores películas, la sensación que provoque Amour será contundente. Puede dar la impresión de ser una película en la que todo el rato te cuentan lo mismo, pero está tan llena de momentos inolvidables que después no consigues recordarlos. La película se puede definir igual que Georges, interpretado por Jean-Louis Trintignant, explica a Emmanuelle Riva una experiencia que tuvo de pequeño al ver una película en el cine. Puede que al tiempo de ver Amour no recuerdes bien todas las escenas, pero recordarás la sensación que te provocó, los sentimientos.

Puntuación

21/5/13

Stoker

Stoker dirigida por Chan-wook ParkTítulo original: Stoker
Año: 2013
Duración: 98 min.
País: Estados Unidos
Director: Chan-wook Park
Guión: Wentworth Miller
Música: Clint Mansell
Fotografía: Chung-hoon Chung
Reparto: Mia Wasikowska, Matthew Goode, Nicole Kidman, Jacki Weaver, Dermot Mulroney, Lucas Till, Ralph Brown, Alden Ehrenreich, Phyllis Somerville, Wendy Keeling, Lauren E. Roman, Tyler von Tagen, Judith Godrèche
Productora: Fox Searchlight Pictures / Scott Free Productions

Cuando India Stoker (Mia Wasikowska), una adolescente, pierde a su padre (Dermot Mulroney) en un trágico accidente de coche el día en que cumple 18 años, su vida se hace añicos. Su impasible comportamiento oculta profundos sentimientos que sólo su padre comprendía. Cuando Charlie (Matthew Goode), el hermano de su padre, aparece por sorpresa en el funeral, decide hacerse cargo de ella y de su inestable madre (Nicole Kidman). Aunque al principio desconfía de su encantador y misterioso tío, pronto se da cuenta de que tienen mucho en común.

No soy aficionado al cine asiático, quien dice asiático dice coreano, tailandés, japonés etc. Es más, no suelo llevarme demasiado bien con la gran mayoría de films de oriente. Pero hay excepciones, Old Boy es una de las pocas, tampoco es que la tenga encumbrada como los aficionados, pero he de decir que me gustó.

Así que cuando Orlok (autor del blog) me comentó que Chan-wook Park el director de Old Boy había realizado una producción bajo techo americano, tomé interés en ver como se desenvolvía en su primera incursión en tierras ajenas.

A decir verdad, el talento del director ha quedado impregnado a lo largo del film. En aspectos técnicos no se le puede recriminar nada. Una fotografía excelente de intensos y vivos colores, una hipnótica ambientación, buenos encuadres, movimientos de cámara sin titubeos, ávidas y originales transiciones entre escenas (aunque eso es un logro de postproducción), un apartado sonoro bien elaborado y una puesta en escena más que notable.

¿Entonces? ¿Dónde hace aguas la película? Como en tantas ocasiones, en su guión. Wentworth Miller el actor que encarnaba al hermano listo de la serie Prison Break, apareció posteriormente como Chris Redfield en Resident Evil: Ultratumba, la cuarta entrega de la franquicia.
Ahora, Miller debuta como guionista con éste thriller erótico e ¿intrigante?, por momentos cercano a película de sobremesa televisiva carente de originalidad, esto último se le perdonaría si el film gozase de cierto impacto en el espectador. Desgraciadamente en ningún momento se alcanza el clímax, no me refiero a una acción trepidante o grandes dosis de violencia gratuita, sino a ese abanico de sensaciones que promete y pretende desde el primer minuto hasta la mitad del film.

El espectador que espere hallar énfasis visual, se sentirá profundamente defraudado. Stoker es una película lenta y aduladora con el espectador, al que va poniendo en situación paulatinamente. Con una puesta en escena enigmática e hipnótica se molesta en atraparnos en su red, sin embargo, cuando llega el momento álgido no cumple debidamente.


Nos encontramos ante una película de muy pocos personajes, centrando su trama en tres de ellos, India Stoker (Mia Wasikowska), Charles Stoker (Matthew Goode) el tío de India, y Evelyn Stoker (Nicole Kidman) la madre de India. El resto de personajes, el padre de India, el ama de llaves y Wendolyn Stoker la tía de India, son fugaces apariciones en la historia.

A nivel interpretativo los tres están correctos. Mia a la que pudimos ver como Alicia en la versión de Tim Burton de Alicia en el país de las maravillas o en el drama de época Jane Eyre, proyectado en el Festival de Sitges en 2011. En Stoker la joven actriz australiana se limita bastante a sí misma en sus reacciones y su lineal expresividad, quizás debería haber sido un poco más entusiasta en algunos momentos, aunque sus facciones algo inertes encajan muy bien en el personaje al que da vida. Claro que, no sabemos hasta qué punto son exigencias del director o limitaciones interpretativas.


Matthew Goode interpretó a Ozymandias en Watchmen dirigida por Zack Snyder. Su papel como tío de India, es oscuro, aunque él no tanto, si bien, resulta convincente en casi todo el film. A pesar de que el papel de Nicole Kidman es el menos destacable de los tres, y su faceta interpretativa nos resulta ya ampliamente conocida a la gran mayoría de espectadores, sobre todo su manera de llorar. La veteranía de la actriz destaca por encima de Mia y Goode, que a pesar de absurdas reacciones en su personaje, ésta nos obsequia con su belleza y talento artístico. Kidman ha trabajado con directores de la talla de Stanley Kubrick, Lars Von Trier o Alejandro Amenábar.

Es una verdadera lástima que tanto logro técnico, talento artístico e interpretativo se vea diluido en un intento de contar una original historia, sin llegar a serlo. Y lo peor, la ausencia de sensaciones que debería transmitir, deja un vacío y eterno frio en el espectador. Stoker es una película que en otras manos, le quitas esos logros, y sin ellos sería un simple y anodino thriller cualquiera.

Puntuación

16/5/13

Metal Creepers convertido en película

Metal Creepers es un cortometraje realizado en 2011 entre dos productoras de la escena cortometrajista underground, Eskoria Films (Ibiza) y La Oscura Ceremonia (Barcelona). Co-dirigido por sus líderes, Adrián Cardona (Brutal Relax) y J. Oskura Nájera (The Facts in the Case of Hypnocoin).

Una popular banda de Glam metal, llamada Megamuerte, se encuentra en el estudio de grabación preparando su próximo disco. Pero su productor les entrega unas extrañas partituras que supuestamente tienen poderes mágicos.

En dicho trabajo se rinde homenaje al cine muppetexplotation y metalexplotation, géneros que gozaron de mucha fama en los 80, y que a algunos tanto nos gustan. Películas como Ghoulies, Munchies, Troll, Muerte a 33 r.p.m y Black Roses, son sus mayores influencias.

El corto fue presentado en el Festival de Sitges de 2011, ahora, casi dos años después, sus realizadores han decidido reescribir el guión para transformarlo en película, que llevará por título Megamuerte. En ella se contará con el mismo equipo y parte del casting original de Metal Creepers, así como también nuevas incorporaciones.


Como proyecto independiente que son, han realizado un crowdfunding a través de la plataforma Indiegogoen el que puedes colaborar con ellos y ayudarlos a hacer su sueño una realidad. El crowdfunding es un método de donativos a cambio de recompensas muy económicas (dvd de la película, la bso, merchandising etc.) para conseguir llevarlo a cabo. Una manera de realizar proyectos independientes, que se extiende cada día un poco más por nuestro país, y lo cierto es que funciona realmente bien.

A continuación dejo el enlace a la web oficial del proyecto, en la que encontraréis más información al respecto sobre el futuro proyecto, y al crowdfunding para que si os gusta el cortometraje (qué dejo al final del post) les ayudéis a conseguirlo.

http://metalcreepersmovie.tumblr.com/
http://www.indiegogo.com/projects/megamuerte-the-movie

Eskoria Films es una productora independiente liderada por Adrián Cardona, mezclando géneros como la acción, las películas de serie B, el humor y el gore, ésta ha realizado diferentes cortos y películas, anuncios y videoclips. Sus cortos Brico Killer y Torbellino de hostias ganaron los premios Brigadoon del Festival de Sitges en 2007 y 2009. También ha codirigido Brutal Relax, uno de los cortos más premiados del estado español. Su último trabajo, Fist of Jesus, ha obtenido casi un millón de visitas en Youtube en menos de un mes.
http://www.eskoriafilms.com/

J. Oskura Nájera es fundador de La Oscura Ceremonia. Además, es músico, compositor de bandas sonoras, thereminista y líder de la banda Eyaculación Post Mortem. A lo largo de la última década ha realizado innumerables cortos, organizado festivales de cine y proyectos en diferentes campos artísticos.
http://www.laoscuraceremonia.com/

13/5/13

Thrash o Market IV

¿Te acuerdas de Mulder y Scully o de Jiménez del Oso? La Oscura Ceremonia, sí. Por eso vuelven el próximo 19 de Mayo en el Espai Jove la Fontana con la cuarta edición de su Trash o Market, especial I want to believe. El evento seguirá el horario habitual, de 15h a 21h.

Para los que todavía no hayáis asistido a alguna de sus anteriores ediciónes o variantes, como el Christmas Market u Horror Market, decir que se trata de un espacio (mercadillo) y punto de encuentro en el que podrás comprar merchandising de todo tipo en torno al cine de terror, fantástico, trash, serie b, underground...


Además, se proyecta la película Vornoff: Behind the Locked Door dirigida por Manel Junior e Ibie Romero. Film realizado en 2012, que a su manera, rinde homenaje al fantástico de los años 50-60.


También habrá una exposición de archivos secretos de Robert Martex, un espectáculo de Marionetas a cargo de Titirines y Huesitos y el concierto del grupo Invadersfrommars.

Espai Jove la Fontana C/Gran de Gracia 190 Barcelona Metro L3 Fontana - Precio: 0,50€ centimos.

12/5/13

Premio honorífico a Jorge Grau

Los afincados en Madrid están de enhorabuena, el próximo miércoles 15 de mayo a las 20:15h. Artistic Metropol en colaboración con el fanzine El Buque Maldito concede el Premio Honorífico Butaca de Honor al director y guionista Jorge Grau.


Jorge Grau Solà, guionista, actor y director empezó como ayudante de dirección en diversas producciones. Películas como La trastienda (1975), El espontáneo (1963) y Una historia de amor (1966), incluso con dos . Ceremonia sangrienta (1972) y No profanar el sueño de los muertos (1974) realizó dos incursiones en el cine fantástico.

Desde el próximo 15 de mayo una butaca del cine Artistic Metropol tendrá el enorme privilegio de llevar su nombre.
Además se proyectará uno de los títulos claves de su filmografía: No profanar el sueño de los muertos. También se podrá gozar del documental Back to the morgue, producido por Blue Underground sobre el rodaje del impactante film de Grau.

El precio de la sesión doble "Homenaje a Jorge Grau" es de 3,50€ y las entradas pueden reservarse en el siguiente email: cinema@artisticfilms.es (aforo limitado).

Artistic Metropol
C/. Cigarreras, nº6
Madrid
Acacias L5 / Embajadores L3

Fallece Constantino Romero


Seguimos con las tragedias en torno al mundo del cine, poco a poco nos abandonan muchos personajes veteranos en el amplio mundo del arte. Hace pocos días sufríamos la perdida de Ray Harryhausen y Alfredo Landa. Hoy nos levantamos con una triste noticia, el recientemente jubilado Constantino Romero ha abandonado este mundo a la temprana edad de 65 años.

Presentador, locutor de radio y actor de teatro eran algunos de sus trabajos, pero si por algo era conocido para cualquier cinéfilo, era por su trabajo como doblador. Puso voz a personajes tan míticos como Darth Vader, Terminator o el agente británico 007. Pero estos solo son la punta del iceberg, tras una vida plenamente dedicada al doblaje. Actores de la talla de Clint Eastwood también han gozado del talento y voz del intérprete nacido en Albacete.

"Me llamo Bond, James Bond", "Volveré" o "Yo soy tu padre" son frases que 'proyectadas' con su portentosa voz perdurarán en nuestras mentes hasta el fin de nuestros días.

DEP maestro.

9/5/13

Bestias del sur salvaje

Título original: Beasts of the Southern Wild
Año: 2012
Duración: 91 min.
País: Estados Unidos
Director: Benh Zeitlin
Guión: Benh Zeitlin, Lucy Alibar (Obra: Lucy Alibar)
Música: Dan Romer, Benh Zeitlin
Fotografía: Ben Richardson
Reparto: Quvenzhané Wallis, Dwight Henry, Levy Easterly, Lowell Landes, Pamela Harper, Gina Montana, Nicholas Clark, Jovan Hathaway
Productora: Cinereach / Court 13 production / Journeyman Pictures

En el Sur del planeta, el nivel de las aguas está subiendo vertiginosamente y todos los diques se hunden. Esta es la historia de una niña de seis años que vive con su padre en un lugar aislado del mundo.

El efecto de Bestias del sur salvaje parece ser dispar, pasa del elogio a la desaprobación de forma muy abrupta, algo que puede traducirse como positivo en el sentido de conseguir emocionar para bien o para mal, y no quedar sumergida en la indiferencia. Sería difícil que la película pasara desapercibida, llama la atención por si sola, aparte de tener un presupuesto muy ajustado, menos de 2 millones de dólares. Cargada con ese aire independiente, desde sus primeras proyecciones y recorridos por diversos festivales no dejó de recopilar elogios, algo que puede despertar sentimiento de rechazo en muchas personas, pero dentro del panorama general del cine estadounidense, es una película que destaca dentro de las características con las que se compone.


Bestias del sur salvaje es el debut como director del joven cineasta Benh Zeitlin, firma el guión con Lucy Alibar, escritora de la historia original en la que se basa la película. Benh Zeitlin también participa en la composición de la banda sonora junto Dan Romer, una banda sonora emocionante en conjunto con las imágenes de la película. Emocionante puede ser lo que mejor defina a Bestias del sur salvaje, pues los elementos que componen la película son buenos aunque no destaquen por ser brillantes, pero se complementan tan bien que consiguen un conjunto final muy destacable. Puede acabar con la paciencia de quienes se exacerben rápido cuando intentan tocarles la fibra, pero es la gracia de la película, desde el inicio se entra en ese juego y si no te resistes a la hora de empatizar, consigue su objetivo. Es cierto que puede parecer que se abuse o se caiga en la redundancia, pero según avanza la película, su efecto hipnótico hace que te dejes llevar por el oleaje de sentimientos.


Otra razón por las que vale la pena disfrutar de la película es Hushpuppy, la niña protagonista interpretada por Quvenzhané Wallis de sólo 6 años de edad. Toda la película se desarrolla desde su punto de vista, y siendo todo como una fábula fantástica dentro del realismo crudo que muestra la película, consigue una mezcla muy atractiva.
El apartado visual es muy llamativo, el hecho de estar rodada en 16mm acentúa esa sensación de estar en un mundo o una realidad alternativa e indefinida, y en conjunto con el diseño artístico, consigue una gran puesta en escena. Hushpuppy te cautivará, pero hay mucho más, el resto de personajes que van adquiriendo protagonismo en el desarrollo de la película son muy carismáticos, consiguen hacerse un hueco y potenciar la emoción en sus relaciones y vínculos según se desarrolla la acción.


El acierto de Bestias del sur salvaje es que no pretende dar pena a nadie, parece que tenga que ser una denuncia social reiterando el drama de los personajes, pero sin alejarse de eso, es más una película con una mirada muy optimista, es un grito por celebrar la vida. Lo que si hace la película es tocar la fibra sensible mostrando la visión del mundo a través de la mirada de Hushpuppy. Está pensada para emocionar hasta hacerte vibrar los lagrimales, pero con una sonrisa en la cara, con sensación de bienestar. No creo que sea algo criticable, es la clara intención de la película, emocionar, reblandecer... y lo consigue, de forma reiterativa, pero sin hacer daño a nadie.

Lo que está claro es que te emocionarás al escuchar a Hushpuppy decir:

"Cuando esté muerta, los científicos del futuro lo descubrirán todo. Sabrán que una vez existió Hushpuppy y que vivió con su papá en La Bañera".

Puntuación

Satanás, el reflejo del mal

Título original: The Boogeyman (The Bogey Man)
Año: 1980
Duración: 82 min.
País: Estados Unidos
Director: Ulli Lommel
Guión: Ulli Lommel, David Herschel, Suzanna Love
Música: Tim Krog
Fotografía: Jochen Breitenstein, David Sperling
Reparto: Suzanna Love, Ron James, John Carradine, Nicholas Love, Raymond Boyden, Felicite Morgan, Bill Raybum, Llewelyn Thomas.
Productora: The Jerry Gross Organization

Una oscura noche en un pequeño pueblo del sur, dos jóvenes hermanos, Lacey y Willy, son testigos y participantes de una sangrienta y traumática tragedia. Veinte años después, ambos han crecido, e intentan olvidar desesperadamente su pasado, pero siguen siendo el reflejo del mal.

Abominable película de "terror" gestada al inicio de la década de los ochenta, también era el inicio de la carrera cinematográfica de Ulli Lommel, un personaje variopinto que debutó como actor en 1960 en la película Fanny Hill de Russ Meyer. En 1969 protagonizó Love Is Colder Than Death, debut del director Rainer Werner Fassbinder con el que ganó un premio actoral en los German Film Awards de 1970. A partir de  entonces trabajó con Fassbinder en muchas ocasiones, incluso este le  produjo a Ulli Lommel su segunda película, La ternura de los lobos, por la que fue nominado con el Oso de Oro en los premios de la 23 edición del Festival Internacional de Cine de Berlín.


Hay que decir que parecía que Ulli Lommel se codeaba con un emergente grupo de jóvenes cineastas con cierto talento en Alemania, incluso hay que destacar que Ulli Lommel lleva a sus espaldas un amplio recorrido cinematográfico como actor, director, escritor... pero en algún momento, por el motivo que fuera, Ulli Lommel  se desmarcó, continuó su carrera y el resultado salta a la vista, desastre tras desastre. La cuestión es que dentro de todo lo underground de su personalidad, se subió al carro del género del terror y su propuesta fue The Boogeyman, aquí conocida como Satanás, el reflejo del mal. Película nada original, escrita, producida y dirigida por él mismo; aparte de recoger elementos de otras películas de género más logradas, se saca de la manga que a través de un "espejo maldito" el mal encerrado en él sigue persiguiendo a los protagonistas. Explicado así puede llamar la atención, pero la película es horrible. Rodada con ese espíritu trasgresor de un cine con pocos recursos, realizado con escasos medios, mal, sin talento y carente de "gracia".


Al ver el tráiler puede parecer que sea una de esas producciones casposas que encierra un encanto detrás de muchas capas de caspa, pero no nos engañemos; seguro que hay quien le guste la película, algo totalmente respetable, pero aseguro que se trata de una pérdida de tiempo. La película está mal interpretada, mal iluminada, los efectos son muy malos, es absurda, aburrida, incoherente, estúpida... en ocasiones no importa que esto le ocurra a una película porque terminas disfrutando de ella, pero este no es el caso. De todos modos y aunque sea contradictorio, rompo una lanza a su favor (una lanza muy pequeña), pues dentro de lo horrible de la propuesta, la verdad, podría ser peor. Una vez termina la película, puedes llegar a generar un recuerdo positivo de su conjunto global, un recuerdo falso claro está, pero se puede llegar a ser benévolo con la película aunque tan sólo sea para echar unas risas cuando la comentes con tus amistades.

Puntuación

8/5/13

Muere Ray Harryhausen

Ray Harryhausen, una de las figuras más importantes de los efectos visuales, una leyenda en Hollywood y fuente de inspiración ha fallecido el 7 de Mayo en Londres a los 92 años según un comunicado de su propia familia.


"El genio de Harryhausen residía en lograr dar vida a sus modelos de animación. Ya fueran dinosaurios prehistóricos o criaturas mitológicas, en las manos de Ray no eran marionetas sino personajes de pleno derecho, tan importantes como los actores a los que se enfrentaban y en algunos casos incluso más aún"


6/5/13

Taller de cine de ciencia ficción

A partir del Viernes 17 de Mayo, durante cuatro viernes se imparte en Barcelona un
TALLER DE CINE DE CIENCIA FICCIÓN.

Se analizarán sus principales temas y se mostrará su evolución mediante el visionado y el análisis de escenas representativas del género en clásicos, superproducciones, cine de culto y serie B.

Para más información: http://formaciocontinua.ites.es



El Buque Maldito presenta Amando de Ossorio lives

El fanzine El Buque Maldito rinde un homenaje al director Amando de Ossorio, fallecido en 2001, con la proyección de dos películas del cineasta. La proyección se divide en dos fechas sábado 18 de mayo – 18h. con Las garras de Lorelei (1972) con la presencia de la actriz Silvia Tortosa. Y sábado 1 de junio – 18h. con La noche de los brujos (1973) con la presencia de la actriz Loreta Tovar.

Las garras de Lorelei, rituales, gore y con un plantel femenino muy seductor, y La noche de los brujos, un cóctel exótico / explosivo de vudú, sacrificios humanos, magia negra y señoritas trasformadas en salvajes leopardos.


Al margen de la tetralogía de los Templarios, quizás sus obras más reconocidas, éste se introduciría también dentro del género con otros títulos de menor repercusión, pero vitales para el realizador gallego en su continua andadura por las vías del fantástico y el terror.

Silvia Tortosa, recordada por todos los amantes del género por su trabajo en "Pánico en el Transiberiano" (Eugenio Martín, 1972), continúa en activo desde sus inicios en la década de los sesenta y tras haber trabajado en más de cuarenta producciones, "Las chicas del molino rojo" (Eugenio Martín, 1973), "Asignatura pendiente" (José Luis Garci, 1976), "El huerto del francés" (Jacinto Molina, 1977), sin olvidar su paso por multitud de series de televisión, "Luna negra", "Tita Cervera, la baronesa", "Como el perro y el gato", o su trabajo como presentadora en el mítico programa de televisión española "Aplauso".

Loreta Tovar, también afincada en el cine desde finales de los años sesenta, profesión que abandonaría a mediados de la década de los ochenta, debutaba a las órdenes de Narciso Ibáñez Serrador en "La residencia" (1969) en una carrera muy ligada al género fantástico y de terror, "La llamada del vampiro" (José María Elorrieta, 1972), "Los ojos siniestros del doctor Orloff" (Jesús Franco, 1972), "El ataque de los muertos sin ojos" (Amando de Ossorio, 1973), y también de fuerte presencia en los escenarios, trabajando en innumerables obras de teatro, entre ellas "Los frescos" a las órdenes de Narciso Ibáñez Menta.

Como siempre la entrada es gratuita en Espai Jove Garcilaso. C/. G Sagrera L1-L5
arcilaso, nº103. Barcelona.

1/5/13

Iron Man 3

Iron Man 3 dirigida por Shane BlackTítulo original: Iron Man 3
Año: 2013
Duración: 130 min.
País: Estados Unidos
Director: Shane Black
Guión: Shane Black, Drew Pearce (Personajes: Stan Lee)
Música: Bryan Tyler
Fotografía: John Toll
Reparto: Robert Downey Jr., Ben Kingsley, Gwyneth Paltrow, Don Cheadle, Guy Pearce, Rebecca Hall, James Badge Dale, Stephanie Szostak, Ty Simpkins, Wang Xueqi, Jon Favreau, William Sadler, Bingbing Fan, Yvonne Zima, Dale Dickey, Ashley Hamilton, Stan Lee
Productora: Marvel Studios / Walt Disney Pictures

El descarado y brillante empresario Tony Stark/Iron Man se enfrentará a un enemigo cuyo poder no conoce límites. Cuando Stark comprende que su enemigo ha destruido su universo personal, se embarca en una angustiosa búsqueda para encontrar a los responsables. Este viaje pondrá a prueba su entereza una y otra vez. Acorralado, Stark tendrá que sobrevivir por sus propios medios, confiando en su ingenio y su instinto para proteger a las personas que quiere.

Shane Black guionista de la saga Arma letal y El último Boy Scout, recoge con acierto el legado del superhéroe de la Marvel creado por Jon Favreau en la gran pantalla. Sin embargo, al igual que la segunda parte, peca en algunos aspectos, tiene cosas muy chulas aunque otras no tanto. Es cierto que vuelta a ver la segunda no me ha parecido tan floja como en su primer visionado, aunque me sigo quedando con la primera parte.

Ante una tercera entrega del personaje, el producto está demasiado exprimido, cuarta si contamos su aparición en Los vengadores, qué cronológicamente sitúa la historia entre la segunda y tercera entrega de Iron Man, de ahí que Stark esté sumido en una profunda crisis post-traumática. Así que en un intento de airear el personaje, Shane combina lo sobrenatural de Los vengadores con las buddy movies de los 90.

Por lo tanto en muchos momentos del film la armadura pasa a un segundo plano, los que únicamente quieran ver a Stark enfundado en la brillante armadura, quizás se sientan algo decepcionados. Shane exprime al personaje de Tony Stark y al sargento Rhodes como seres humanos, no como superhéroes. Recordando en muchas escenas a los films que a guionizado anteriormente. He de decir que me parece bastante acertado a la hora de demostrar el verdadero talento e ingenio de Stark para salir de las situaciones más comprometidas, algo que ya se hacía en la cueva de la primera entrega, pero aquí se lleva al límite. Ello conlleva que en muchas escenas se sacrifique la aparición como Iron Man. No significa que sus armaduras (ahora tiene un montón) no aparezcan, nos vamos a hartar, pero todo está mucho más concentrado en secuencias aisladas.


Personalmente lo que menos me ha agradado, no es eso, sino la mezcla con lo sobrenatural. En Los vengadores lo encontré perfectamente integrado, por que el resto de personajes Thor, Hulk o Capitán América se prestaban a ello, pero aquí no me ha convencido del todo. Lo que más me gustaba de las anteriores dentro de la ficción, era su toque real y armamentístico, mientras que aquí aparecen fuerzas ectoplasmaticas.

Como novedad en la saga tenemos armaduras dirigidas por control remoto y acoplables a distancia, visto ya en Los Vengadores y recuperada para ésta, aunque quizás se recurre demasiadas veces a ella, haciendo que pierda su gracia y carezca de emoción.

Como ya desmintió un productor, la película no iba a ser oscura y excesivamente trágica, a pesar de lo visto en el tráiler. Ésta regresa con su mismo nivel de humor y chascarrillos que han caracterizado al personaje, eso sí, en algunas ocasiones más inteligente que en la segunda parte, aunque no tan diferente en su contexto. En las dos anteriores entregas me patinaba en ocasiones su humor facilón y tontuno, más en la segunda que en la primera, cosa que he asimilado mejor en posteriores visionados, si bien, la segunda entrega se hace acopio de ello bastante más que en la primera. Ésta parte la encuentro al mismo nivel de la segunda en cuanto a la cantidad de gracias.

Los efectos especiales siguen teniendo el primer puesto en las últimas adaptaciones de superhéroes, aunque la secuencia final me resulta un tanto acelerada. Y aunque el pulso de la cámara es mucho más estable que en Transformers, hay momentos en que hay tanto malo y armadura en escena moviéndose de manera abrupta, que pierde nitidez visual. Además no es muy emocionante, las sorpresas se ven venir a leguas y el riesgo que corre Stark y Rhodes es prácticamente nulo, siempre hay alguna armadura dispuesta a salvarlos.


En las interpretaciones hay que destacar a Robert Downey Jr. que tiene la esencia de su personaje incrustada en sus huesos. No podría imaginar a otro actor capaz de sustituirlo. Don Cheadle sustituyó a Terrance Howard en la segunda parte en el papel del teniente Rhodes amigo de Stark. Aquí vuelven a ser amigos tras la confrontación/reconciliación de la segunda parte. Su registro es el mismo, aunque el carisma de compañero tipico de las buddy movies no es alcanzado por el actor, lejos está el actor de compararse con Samuel L.Jackson en La Jungla 3 o Damon Wayans en El último Boy Scout. Y su armadura Iron Patriot no se exprime lo suficiente, imagino que a los aficionados al comic les habrá dolido profundamente.

Ben Kingsley en el papel del villano El Mandarín, guarda un as bajo la manga, su parte crítica es inteligente y no se ve venir con antelación, aunque la manera en que está realizado es un poco ridícula.
Gwyneth Paltrow sigue en el papel de la secretaria/novia Pepper Pots con un registro muy similar de su personaje, y aunque respecto a la segunda parte pierde protagonismo en la mayor parte del film, gana heróismo en el desenlace, aunque se ve venir bastante su desempeño en él.
Guy Pearce encarna a Aldrich Killian un científico de la AMI, admirador de Stark al que éste da plantón. Su papel vendría a ocupar el lugar de Justin Hummer interpretado por Sam Rockwell en la segunda parte. Su interpretación es correcta, aunque no destaca por encima de Downey Jr. en ningún momento. Jon Favreau no se ha desvinculado del proyecto, además de ejercer como productor, se ha reservado aparecer también en ésta tercera parte, su aparición se remonta a lo puramente anecdótico. Y para no romper la estela de guiños de las anteriores, Stan Lee, creador del mundo Marvel, también hace una breve aparición de mínimos segundos en pantalla.


La banda sonora creada por Brian Tyler compositor de películas como John Rambo, o algunas entregas de Fast and Furious, mantiene la esencia de las anteriores, algunos auguran que mejora, yo creo que cumple bien, nada más. Un score que acompaña bien, a pesar del uso indiscriminado de cgi, a las brillantes secuencias de acción. A destacar la destrucción de la mansión de Stark y la del rescate de pasajeros del avión, aunque la última no venga muy a cuento, resulta casi más emocionante que la batalla final, un desenlace poco épico. La broma final de los créditos no es asombrosa, pero es graciosa.

El film queda bastante atado en su desenlace, aunque eso no es impedimento a la hora de continuar. Me temo que con lo bien que funciona en taquilla el personaje, y pese a las declaraciones de Downey Jr. de abandonar su personaje, un buen talón nos traerá con el tiempo de regreso a éste en una cuarta entrega.

Un buen intento de revitalizar un desgastado personaje, si bien no me ha parecido la maravilla que algunos pregonan, tampoco un desastre, es entretenida y a nivel técnico mantiene los logros anteriores de Jon Favreau. Eso sí tal como la segunda, hay cosas mejorables. La mejor para mí, sigue siendo la primera parte.

Puntuación