31/10/13

Enemy

Enemy poster
Título original: Enemy
Año: 2013
Duración: 90 min.
País: Canadá
Director: Denis Villeneuve
Guión: Javier Gullón (Novela: José Saramago)
Música: Danny Bensi, Saunder Jurriaans
Fotografía: Nicolas Bolduc
Reparto: Jake Gyllenhaal, Mélanie Laurent, Isabella Rossellini, Sarah Gadon, Jane Moffat, Tim Post, Laurie Murdoch, Darryl Dinn
Productora: Coproducción Canadá-España; Rhombus Media / Roxbury Pictures / Mecanismo Films

Adam (Jake Gyllenhaal), un afable profesor de literatura con una vida bastante monótona descubre un día, viendo una película, a un actor que es idéntico a sí mismo. Entonces, inicia la búsqueda del individuo con consecuencias inesperadas...

Tras unos días inactivos, seguimos con las críticas del Festival de Sitges 2013. La nueva película del director canadiense Denis Villenueve (Maelström), es una adaptación de la novela El hombre duplicado de José Saramago, según he leído, bastante libre. Saramago es autor de Ensayo sobre la ceguera, novela llevada también hace unos años a la gran pantalla con el título de A ciegas, dirigida por Fernando Meirelles e interpretada por Julianne Moore.

¿Hasta dónde estarías dispuesto a llegar y hacer si tuvieras la oportunidad de suplantar a un doble tuyo? El guión escrito por Javier Gullón (El rey de la montaña) es una propuesta moralmente indecente que recorre los rincones de la perversión del ser humano, y como ésta se convierte en una peligrosa obsesión en apenas unos pasos, destruyendo toda la armonía de una relación estable. De corte sexual pero sin explicitudes visuales, aunque sí morales, nos presenta una visión más pulcra de lo que ofrecía Shame de Steve McQueen, pero similarmente perturbada en su trasfondo.

Sobría y pausada, decepcionará a los que esperen encontrar un thriller visualmente explicito. Enemy es una película que trata las cuestiones desde un punto de vista bastante psicologico. Una película que, quizás, sea olvidada en el tiempo, pero que consigue atraparte con una historia típica, gracias a su mezcla con el género fantástico y sus tres grandes intérpretes, Jake Gyllenhall, Melanie Laurent y Sarah Gadon.



Jake Gyllenghall se pone en la piel de dos personajes diametralmente opuestos, y desarrolla de forma más que correcta una especie de álter ego en el personaje del actor que descubre de manera casi fortuita. Incluso en productos tan modestos como el presente, el actor de Donnie Darko, nominado al oscar como actor secundario en Brokeback Mountain, demuestra su gran talento a la hora de interpretar personajes oscuros, esos que suelen adentrarse en una espiral de decadencia. Mientras que la guapisima Melanie Laurent (Malditos Bastardos) y Sarah Gadon (Antiviral) ponen la nota de color y completan el thriller pasional y perverso que nos proponen Gullón y Villanueve, aunque sean cuatro personajes los 'ocupantes' en la historia, son tres actores. Laurent tiene un poco más de peso en la historia, que el papel de Gadon, pero la historia se centra en los dos personajes interpretados por Jake, ellas son las fichas que completan el puzzle.


La fotografía de colores ceniza realizada por Nicolas Bolduc desprende un tono onírico y atemporal, que junto a la banda sonora de Danny Bensi y Saunder Jaurriaans, con unas notas carismáticas adecuadas, acompañan la sobriedad de los planos y el ritmo de la historia. Dos compositores completamente desconocidos para mí. Solo conozco Magic Magic orquestada por Jaurriaans, proyectada en ésta edición del Festival de Sitges, no la he visto, pero me han hablado terriblemente mal de ella.

El punto negativo, por llamarlo de alguna forma, es el final. Un WTF en toda regla, un guiñolesco plano final que te deja con el culo torcido. Desconozco si está explicado de alguna forma en la novela o es algo exclusivo del film, pero desde luego, si es una metáfora o una pequeña broma salida de contexto, yo no he sabido verla. Aun así la película es entretenida, claro, que no va a pasar a formar parte de una filmografía selecta para casi nadie.

Puntuación

27/10/13

Only God Forgives

Only God Forgives posterTítulo original: Only God Forgives
Año: 2013
Duración: 90 min.
País: Francia
Director: Nicolas Winding Refn
Guión: Nicolas Winding Refn
Música: Cliff Martinez
Fotografía: Larry Smith
Reparto: Ryan Gosling, Kristin Scott Thomas, Vithaya Pansringarm, Rhatha Phongam, Gordon Brown, Tom Burke, Sahajak Boonthanakit, Pitchawat Petchayahon, Charlie Ruedpokanon, Kovit Wattanakul, Wannisa Peungpa, Byron Gibson
Productora: Coproducción Francia-Dinamarca; Gaumont / Wild Bunch / Film i Väst / Bold Films

En Bangkok, Julian, un fugitivo de la justicia estadounidense, dirige un club de boxeo tailandés que actúa como tapadera para su tráfico de estupefacientes. Su madre, jefe de una amplia organización criminal, desembarca procedente de Estados Unidos para repatriar el cuerpo de su hijo favorito, Billy: el hermano de Julian ha sido asesinado tras haber masacrado salvajemente a una joven prostituta. Llena de odio y venganza, exige a Julian la cabeza de los asesinos. Julian deberán entonces enfrentarse a Chang, un extraño policía jubilado, adulado por los demás policías.

Pasillo, Ryan Gosling con la mirada perdida, Vithaya Pansringarm cantando, escena de tortura, Ryan Gosling inerte, pasillo, cena familiar, Ryan Gosling mirando al oeste, pasillo, Vithaya Pansringarm cantando, Ryan Gosling mirando al sur, pelea, Ryan Gosling otra vez, pasillo y Fin. Un resumen cruel, lo sé, pero no lejos de la realidad que nos ofrece la nueva película del director danés.


Su filmografía no se mantiene intacta, al menos para mí, compuesta de altibajos a los que Only God Forgives se suma. Rebautizada en nuestro país como Sólo Dios perdona, Refn se aproxima con interminables y reiterativos planos a la belleza visual a la par que al tedio de las imágenes de Valhalla Rising. Se suele decir que un director hace la película que para sí mismo, no para el público, y Only God Forgives es un claro ejemplo.

Es innegable, qué el apartado técnico es sobresaliente y la ambientación conseguida, pero si el aburrimiento fuera una virtud esta película desprendería eficacia por cada centímetro cuadrado. Podemos destacar en él, los conseguidos escenarios y la fotografía de Larry Smith, que ya ha trabajado anteriormente con Refn en Bronson y Fear X.
En Only God Forgives usa los colores y la iluminación de brillantes luces de neón de una forma muy onírica e hipnótica. Sin embargo, el ritmo visual, más pausado de lo habitual en sus películas, sumado a la ausencia de diálogos consigue aburrir de forma pronunciada.


Con su habitual tratamiento de la violencia, el danés nos presenta una historia de venganza de pocos personajes principales -tres- y reminiscencias al western. Una historia que con un ritmo más manido podría haber dado mucho más de sí.
La mayor parte de metraje se pierde en planos de Ryan Gosling, que apenas media palabra en toda la película. Cierto, que en Drive hablaba poco, pero al menos lo hacía. La sombra de su anterior personaje se alarga en exceso, y el actor canadiense se limita a posar su rostro bajo luces de colores y poco más.

Kristin Scott Thomas (Misión Imposible) interpreta su papel a la perfección, la madre autoritaria y de seco carácter que nos brinda posiblemente el mejor diálogo de toda la película, el de la cena.
Y por último Vithaya Pansringarm (Resacón 2 ¡Ahora en Tailandia!) ejerce como la justicia personificada, un personaje de una planta y portento que impone respeto sin mediar palabra.


La banda sonora compuesta por Cliff Martínez, que ya puso las notas en la fantástica Drive, sigue siendo genial. En general, se compone de temas muy tranquilos y oscuros, que en ocasiones pueden recordar a lo oído en Drive.

La nueva película de Refn es cine independiente con mayúsculas, se ha llevado 'palos' por los festivales que ha pasado. Aunque, siempre habrá gente que le haya gustado. Sin desearle nada malo, va a ser un fracaso de taquilla cuando llegue a las salas de nuestro país, la semana próxima. Es una película, que salvo cuatro escenas contadas, el tedio se personifica en cada plano y secuencias restantes.

Puntuación

26/10/13

32ª edición del Festival de Terror de Molins de Rei

Acabamos de salir de un festival y ya viene otro. El martes día 29 de octubre da comienzo la 32ª edicion del Festival de cine de terror de Molins de Rei, que durará hasta el 3 de octubre. Casi una semana entera en la que se proyectarán diferentes títulos, algunos de los cuales ya han pasado previamente por el Festival de Sitges.

  

The Demon' Rook (James Sizemore, 2013) Demonios, zombies, poderes sobrenaturales, brujería y una dosis enorme de creatividad son los ingredientes de The Demon’s Rook. Realizada con un presupuesto muy bajo, la propuesta se aparta bastante de los tópicos del género. Es una evolución del cine Gore de serie B, con un tratamiento de la fotografía muy inteligente. Si el aprendiz del diablo llega algún día a la tierra seguirá los pasos de esta ópera prima

Hatchet 3 (BJ McDonnell, 2013) Si algo caracteriza la saga Hatchet es, sin duda, la fusión entre acción, comedia y sangre y vísceres. Adam Green, director de la primera y productor de las dos siguientes ha sabido dar personalidad a la serie. Un perfecto final de fiesta para el Festival, donde veremos enfrentarse a Victor Crowley (nuestro asesino) a su némesis…

The Penny Dreadful Picture Show (Nick Everhart, 2013) Penny está triste porque ningún amigo quiere ver películas con ella. Por eso, cuando consigue unos cuántos cedan lo dará todo para que disfruten… Alternando segmentos de cortos con un hilo conductor sensacional, esta peli consigue enganchar el espectador. Sin duda uno de los films de ‘segmentos’ más original del momento. Toda una premiere europea para el Festival.

 

Found (Scott Schirmer, 2013) Un chico muy curioso, unos padres muy protectores, y un hermano loco. La película más transgresora, independiente y arriesgada del Festival nos llega directamente del cine indie norteamericano. Tanto el director como los actores nos hacen entrar de pleno en el papel del hermano pequeño de la familia. Si el año pasado os gustó I Am Bad, Found os parecerá excelente.

Safari (Darrell Roodt, 2013) El found footage de este año, no lo protagonizan zombies, ni poseídos, ni tampoco fantasmas o espíritus cabreados… lo protagonizan animales africanos. Diferente en todos los sentidos, nos llega la primera peli sudafricana de toda la historia del Festival. Tensión real, momentos de asfixia y, sobre todo, una dosis de frescura en el género. Otra de las premieres europeas de este año.

En retrospectiva, se ofrecerán 4 películas que simbolizan el leitmotiv de 2013, la censura en el cine de género.

Dawn of the Dead (George A. Romero, 1978)
Men Behind the Sun (Tun Fei Mou, 1988)
A Serbian Film (Srdjan Spasojevic, 2010)

A Serbian Film abrirá el Festival el martes día 29 de octubre con una mesa redonda previa para hablar sobre la censura, donde, entre otros, tendremos a Julian Richards, jefe de ventas internacionales de la distribuidora del film, Jinga Films.

La cuarta película de la retrospectiva es la clásica sesión sorpresa del maratón de las 12 Horas. Por tanto no desvelaremos su título hasta la noche del sábado día 2 de noviembre.

Para más info y programación completa, dirigirse a su web oficial http://www.terrormolins.com/programacion/

Patrick

Patrick posterTítulo original: Patrick
Año: 2013
Duración: 100 min.
País: Australia
Director: Mark Hartley
Guión: Justin King
Música: Pino Donaggio
Fotografía: Garry Richards
Reparto: Charles Dance, Sharni Vinson, Rachel Griffiths, Peta Sergeant, Martin Crewes, Eliza Taylor, Damon Gameau, Simone Buchanan, Jackson Gallagher, Camilla Jackson, Brendan Bacon, Shane Nagle
Productora: Rising Sun Pictures / Screen Australia / F.G. Film Productions

Un chico está en coma; cuando una joven y bella enfermera llegue al hospital, él intentará comunicarse con ella.

Sin entrar en debates sobre si los remakes son necesarios o no. Para hacer un buen remake, son necesarias dos cosas, aportar algo que la haga mínimamente especial y no distanciarse en exceso de la obra original. Dos cosas que parece no haber entendido su director Mark Hartley, que tras dirigir un centenar de videoclips y material para Dvd's de films australianos, debutó con el documental sobre el exploitation australiano Not Quite Hollywood, proyectado en el Festival de Sitges en 2008.

35 años han pasado desde la proyección de la obra original en el Festival de Sitges, por la que su director Richard Franklin se llevó la Medalla Sitges en Oro de Ley al mejor director. Algo de lo que no podrá presumir el realizador Mark Hartley.

Por antigüedad y desconocimiento general de la obra original, Patrick era una película ideal para rehacerse con los medios artísticos y técnicos actuales. Lo más sorprendente es que, con los pocos medios que contó la obra dirigida por Richard Franklin en 1978, se conseguía un efecto inquietante. En cambio, la relectura no ha sabido aprovechar el abanico de posibilidades que brindaba ya de por si el propio argumento, y menos aún los elementos técnicos actuales.
El guión del debutante Justin King, que ejerció como investigador en el documental Not Quite Hollywood, se saca nuevas situaciones y detalles que son para echarse las manos a la cabeza, de hecho, yo me las llevé unas cuantas veces.


La nueva versión, nunca mejor dicho, respeta las escenas clave de la película original, pero varía su esquema, algo habitual y aceptable en la gran mayoría de actualizaciones. Lo que ya no es tan comprensible, son sus cambios estéticos de decoración barroca, más que la clínica de la original parece un psiquiátrico en ruinas. Y la sobrecarga de excesos visuales y efectos digitales, bastante mal hechos, acercan al conjunto a una película de fantasmas común, pero de las malas.

Este remake gustará a las nuevas generaciones, sin duda, pero que dejará frio a cualquiera curtido en el género. La original jugaba con la insinuación y la intriga, el remake sólo pretende asustar de manera tontuna en una maratón de previsibles sustos, con ayuda del recurso fácil, el golpe de efecto sonoro. Y la banda sonora de Pino Donnagio, compositor de algunas películas de Brian de Palma, es igual o más tópica que las propias secuencias, un score que parece sacado directamente de archivo.


Los principales personajes, Dr. Roget, la matrona Cassidy, Kathy Jacquard y Patrick interpretados por Charles Dance, Rachel Griffits, Sharni Vinson y Jackson Gallagher, respectivamente, no son ni la mitad de carismáticos que los originales.

De hecho la única que me encaja un poco en su personaje es Sharni Vinson (You're the Next), amén de sus estridentes arranques de cólera.
Rachel Griffits tiene los rasgos que exige su personaje, pero no exprime su 'genio' de matrona, ni consigue la tirantez que transmitía Julia Blake. Además, se salta partes del diálogo en la entrevista de trabajo, y su forma de representar el miedo frente a la puerta de la habitación de Patrick, es vergonzosa.
Charles Dance (Alien 3) no transmite en ningún momento el aire desquiciado de Mad Doctor que era el Dr.Roget original interpretado por Robert Helpmann.
Por último, el caso de Patrick es insultante, Gallagher intenta transmitir la mirada perdida e inquietante de Robert Thompson, pero es forzada hasta el punto de que parece estar estreñido.

Con excesivas explicaciones y diálogos un tanto anodinos, parece un film de cosecha americana, todo bien mascado para que se entienda. En la obra de 1978 no hacía falta tanta verborrea, todo era más intuido y muchas situaciones no se recalcaban tanto como en la obra de Hartley. En la original, las imágenes hablaban por si solas, eso es lo que la convertía en una obra especial. Lo único que se salva, es la fotografía de Garry Richards, ideal para una película de fantasmas convencional, no en lo que debería haber sido el remake de Patrick.

Puntuación

25/10/13

Wrong Cops

Wrong Cops poster
Título original: Wrong Cops
Año: 2013
Duración: 82 min.
País: Estados Unidos
Director: Quentin Dupieux
Guión: Quentin Dupieux
Música: Quentin Dupieux
Fotografía: Quentin Dupieux
Reparto: Mark Burnham, Eric Judor, Steve Little, Marilyn Manson, Grace Zabriskie, Arden Myrin, Eric Wareheim, Isabella Palmieri, Daniel Quinn, Jonathan Lajoie
Productora: Realitism Films / Orange Sky / Rubber Films

En un mundo donde el crimen ha sido erradicado ¿qué ocurriría con el cuerpo de policía? Wrong Cops imagina este escenario mostrándonos a un grupo de policías aburridos, que matan las horas distorsionando su rol de defensores de la ley. 

El autodidacta y maestro de lo absurdo, Quentin Dupieux -apodado Mr.Oizo en el mundo de la música- escribe, dirige, edita, realiza la fotografía y orquesta sus películas. Para bien o para mal, el cineasta francés causó una gran sensación con sus dos anteriores largometrajes, Rubber y Wrong, ambos proyectados en anteriores ediciones del Festival de Sitges.
A algunos nos cautivó su particular forma de surrealismo y acida crítica en diferentes aspectos sociales, y esperábamos ansiosos su regreso. La 'vuelta' de Quentin Dupieux a la 46ª edición del Festival de Sitges, es menos provocativa, pero igual de divertida.


Después de su largo Wrong, dirigió el cortometraje Wrong Cops: Chapter 1, en el que unos policías corruptos se comportan como auténticos delincuentes, que solo recomiendo ver si se ha visto la película primero. Pues además de servir como punto de partida para Wrong Cops -el largometraje- donde el realizador aprovecha las secuencias del cortometraje, añadiendo nuevos personajes y situaciones con una genialidad de aplauso, pasando su duración de 15 minutos a 82 dota al conjunto de una historia, un poco manida pero efectiva.

Siguiendo la tónica de sus anteriores trabajos, el humor absurdo reina por doquier, y el delirio hace acto de presencia en distintas ocasiones. Extrañas situaciones que se van sucediendo desde el primer minuto hasta alcanzar el clímax del humor.
Aunque, dichas situaciones son menos surrealistas que en sus anteriores trabajos, como la lluvia dentro de una oficina aun habiendo techo o la palmera que mutaba a abeto, en Wrong. O los poderes telequinéticos de un neumático y el grupo de personas que miraban una película con prismáticos en pleno desierto, en Rubber. En cambio, las situaciones que nos ofrece Wrong Cops, aunque, siguen teniendo una esencia absurda en su contexto y situación, no desafían las leyes de la física o la lógica como en sus antecesoras, al menos no tanto.


La banda sonora sigue los derroteros de sus anteriores trabajos, música electrónica con un estilo house de lo más pegadiza. Ritmos que acompañan perfectamente a cada absurda situación y comportamiento de sus personajes. En el reparto algunos de los actores se consagran como auténticos fetiches del director; Mark Burnham, Eric Judor, Steve Little y Arden Myrin, ya trabajaron en Wrong.

Salvo Burnhman, que ya interpretó a aquel policía que impedía el paso a Dolph Springer (Jack Plotnick) en Wrong, papel que se definió claramente en el corto, como el policía corrupto que realmente es en la película. El resto de personajes interpretan papeles diferentes, pero guardan pequeñas similitudes con sus anteriores roles en Wrong, el investigador interpretado por Steve Little, aquí es un caza tesoros. Y Eric Judor, el jardinero ingenuo, aquí es un policía compositor de música electrónica, con un comportamiento muy similar. Como detalle ultra friki y bizarro, tenemos al cantante Marilyn Manson como David Delores Frank, un pequeño papel que aporta tres momentos muy divertidos.


En Wrong había un guiño al muñeco Flat Eric del spot televisivo para Levi's jeans, realizado por Mr.Oizo en 1999 y que incluía su single Flat Beat.
En Wrong Cops también hay sitio para las referencias, hayamos un par de cameos/guiños, el primero es la aparición de Plotnick, que parece andar buscando a su perro. Y el segundo, es una familia viendo Rubber, y dicen "que película más buena", es la risión. La nueva película de Dupieux ha mermado en surrealismo extremo, pero no en humor, muy recomendable para sus seguidores.

Puntuación

23/10/13

Borgman

Borgman poster
Título original: Borgman
Año: 2013
Duración: 118 min.
País: Países Bajos (Holanda)
Director: Alex van Warmerdam
Guión: Alex van Warmerdam
Música: Vincent van Warmerdam
Fotografía: Tom Erisman
Reparto: Jan Bijvoet, Hadewych Minis, Jeroen Perceval, Tom Dewispelaere, Sara Hjort Ditlevsen, Eva Van de Wudeven
Productora: Angel Films / Epidemic / Graniet Film BV

Camiel Borgman surge en las calles tranquilas de una periferia acomodada para golpear en casa de una familia burguesa. ¿Quién es él? Un sueño, un demonio, una alegoría o ¿la encarnación real nuestros miedos?

Premiada como mejor película fantástica a competición en la 46ª edición del Festival de Sitges, sin duda, despertará el interés del público. Un caso similar al de Holy Motors de Leos Carax, que también se erigió con dicho premio en la pasada edición 2012 del Festival.

La película de Alex van Warmerdam es menos experimental y digerible que la de Leos Carax. Sin embargo, esto no significa, que estemos ante una película convencional. La película juega con lo enigmático, dejando el origen y destino de sus personajes a la imaginación del espectador. Es cierto, que su desarrollo es más lineal, pero no equivoquemos las cartas, no es una película que dé las cosas masticadas. Borgman es cine independiente europeo en mayúsculas.


Con pinceladas humorísticas de un sarcasmo extremo , el guión de Warmerdam da una vuelta del revés al subgénero home invasion, y con influencias de Michael Haneke nos pone en jaque en un thriller raruno y bastante 'artie'. Acompañado por una minimalista banda sonora compuesta por su hermano Vincent Van Warmerdam, hacen de la película algo cautivador, a la par que turbio. Aunque, el film gana intensidad a medida que avanza, mantiene un ritmo lento que no aumenta, incluso decae. Y posiblemente, acabe con la paciencia de los amantes del terror convencional. Si de algo presume la película de Warmerdam, es del uso del terror que no se ve, el psicológico, el auténtico.


Jan Bijvoet interpreta de forma brillante a Camiel Borgman, un ser enigmático y maquiavélico con una sola misión, destruir el imperialismo. Ayudado por una cuadrilla de subditos; Ludwig (Alex van Warmerdam), Pascal (Tom Dewispelaere), Ilonka (Eva Van de Wudeven ) y Brenda (Annet Malherbe), éste se infiltra, y va alterando la unión familiar de Marina y Richard, interpretados por Hadewych Minis y Jeroen Perceval, respectivamente. Ambos hacen un papel muy creíble, pero el papel de Marina goza de mayor importancia en la historia. De todas formas, a pesar de todo, te identificas más con los 'verdugos' que con las victimas.

Con un equipo técnico y reparto totalmente desconocido para mí, Borgman ha sido un buen descubrimiento. Tendré que investigar un poco la filmografía de Warmerdam. No tengo claro si debía alzarse como mejor película en competición, pero al menos este año no estoy en desacuerdo absoluto. De lo que he visto, es una de las destacables.

Puntuación

21/10/13

Machete Kills

Machete Kills poster
Título original: Machete Kills (Machete 2)
Año: 2013
Duración: 107 min.
País: Estados Unidos
Director: Robert Rodriguez
Guión: Kyle Ward (Personajes: Álvaro Rodríguez)
Música: Robert Rodriguez, Carl Thiel
Fotografía: Robert Rodriguez
Reparto: Danny Trejo, Mel Gibson, Jessica Alba, Amber Heard, Alexa Vega, Michelle Rodríguez, Sofía Vergara, Vanessa Hudgens, Demián Bichir, Charlie Sheen, Lady Gaga, Cuba Gooding Jr., Edward James Olmos, William Sadler, Electra Avellan, Elise Avellan, Mike Gassaway, Sophia Hoang, Heaven Elizabeth Fearn, Marko Zaror, Antonio Banderas
Productora: AR Films / Aldamisa Entertainment / Troublemaker Studios

Tras ser contratado por el presidente de Estados Unidos (Charlie Sheen), Machete (Dany Trejo) se embarca en una peligrosa misión: acabar con el líder de un cartel y un traficante de armas multimillonario y excéntrico llamado Luther Voz (Mel Gibson), quien ha ideado un plan para llevar el caos y la destrucción a todo el planeta con una potente arma espacial.

Lo que empezó como una simple broma en forma de fake trailer para Grindhouse, compuesta por Planet Terror y Death Proof. Un homenaje a las sesiones dobles de los 70 en EE.UU, que se completó, añadiendo algunos trailers falsos de futuras películas que jamás llegarían a verse, bueno, esa era la intención. El fake trailer ideado por Robert Rodríguez, caló muy hondo al fan, revolucionando internet. Así, que tres años más tarde, bajo el mismo título, éste lo convirtió en una realidad.


A su manera, la película rendía homenaje al cine de bajo presupuesto. Con una 'factura' de 10 millones de dólares y una recaudación mundial de 44 (millones), el film fue un éxito. Se convirtió en un producto mucho más rentable de lo esperado. En esta segunda parte, el presupuesto se ha doblado a 20 millones, una apuesta de Rodríguez, de la que puede, no salga tan bien parado. Y espero equivocarme, pues Machete Kills abre con un prólogo, que además de anunciar, aúna el final con Machete Kills Again...in Space, la futura tercera entrega. Qué a pesar de la baja calidad técnica, sobre todo, en los efectos especiales, ya tengo ganas de verla.

Machete Kills supone la vuelta de tuerca a la idiotez extrema, no lo resalto como algo negativo, sino como una innegable realidad. Todo se ha vuelto más cafre y desfasado que en la primera parte, y eso, ya es decir mucho. El argumento pasa a ser algo imperceptible para el espectador, y sin complejos argumentales o visuales, el mejicano ha desatado su locura artística, donde los efectos especiales, enteramente digitales, se llevan la peor parte. CGI en estado puro que 'adorna' unas secuencias tremendamente originales e idas de olla, como la lancha o el helicóptero, pero que ruborizan al más pintado. El diseño de producción es bastante original, se nota un buen trabajo de pre-producción en aspectos no digitales como las vestiduras y armas en general.


Repitiendo la formula anterior, Danny Trejo se encuentra rodeado por un elenco de actores de lo más pintoresco; como Mel Gibson, Charlie Sheen, Antonio Banderas, Demian Bichir, Michelle Rodríguez, Amber Heard, Sofia Vergara, Vanessa Hudgens, hasta la cantante Lady Gaga hace acto de presencia en este gran 'circo' visual. En lo visual, el atractivo se ampara en esos espectaculares cuerpos femeninos que se contonean en cada plano.

Sin embargo, el auténtico y único protagonista sigue siendo Danny Trejo, un personaje que ya fue presentado debidamente en la primera parte. Machete Kills no pierde el tiempo con detalles para trazar al mismo, con los elementos ya conocidos, pasa directamente a exprimir su faceta en cada segundo de película: amenazantes miradas, matanza ilógica y un maratón de frases lapidarias que rematan todas sus acciones a lo largo del film, una combinación que nos hará reír en bastantes ocasiones.


Con una puesta en escena de lo más 'circense' y estrambótica, no hay mucho que destacar interpretativamente en el reparto. Todos ellos, se encuentran en papeles autoparódicos de su carrera cinematográfica. Destacando a Charlie Sheen como presidente de los Estados Unidos, que se presenta bajo su identidad real, Carlos Estévez. Y a Mel Gibson, en un rol similar al de Dr. No, enemigo de 007.
De hecho, aunque la película continúa plasmando la crítica sobre la inmigración de la primera parte. El guión del debutante Kyle Ward, olvida un poco esa premisa, y con un tono mucho más cómico, parodia las películas de James Bond, eso sí, fuera de todo contexto lógico u coherente, algo así como el Austin Powers mejicano.

La banda sonora compuesta por Robert Rodríguez y Carl Thiel (productor musical de Machete), mantiene el tono de su antecesora e incluso respeta el tema empático que identifica a Machete. Una pieza que sin abusar de ella, suena en los momentos clave de la película.

Machete Kills es inferior a su antecesora, sobre todo, en aspectos técnicos. Pero sigue ofreciendo lo que promete. No decepciona si sabes bien lo que vas a ver, de lo contrario, tienes un gran problema: Maratón de escenas surrealistas, situaciones fuera de contexto y argumento de poca importancia que se limita a unir mínimamente locura tras locura. Si la anterior te pareció un desfase, con esta lo fliparás.

Puntuación

Horror Market IV, a la mejicana

La Oscura Ceremonia regresa el próximo domingo 27 de octubre con la cuarta edición del Horror Market, especial "A la mejicana". Un espacio en el que podrás encontrar merchandising de lo más sorprendente, para todos los amantes del género de Terror, Monstruos, Sci-Fi, Zombis, Halloween etc. El evento se celebrará en el lugar habitual, Espai Jove La Fontana, C/ Gran de Gracia nº 190 - Metro L3 - La Fontana. Horario de 12:00 a 21:00 Precio: 0,50€


El espacio cuenta con 28 Stands y diferentes actividades, entre las cuales, la escuela de lucha libre SWA Zero1 de Barcelona realizará una exhibición de lucha libre. La proyección de La Mujer Murciélago, una película de mexploitation de 1968 dirigida por Rene Cardona. Las performance de Laura Van Blum o el concierto de Pizza Ninja Squad para clausurar el evento.

Además, con la inminente celebración de Halloween, habrá concursos de disfraces y actividades infantiles a las que puedes ir disfrazado y pedir susto o golosina. Todo ello amenizado por terrorífica música que levantará a los muertos.

Para más info dirigirse a la web http://horrormarket.blogspot.com.es/

20/10/13

The Call

The Call posterTítulo original: The Call
Año: 2013
Duración: 95 min.
País: Estados Unidos
Director: Brad Anderson
Guión: Richard D'Ovidio
Música: John Debney
Fotografía: Tom Yatsko
Reparto: Halle Berry, Abigail Breslin, Morris Chestnut, Michael Imperioli, Ella Rae Peck, Roma Maffia, Justina Machado, José Zúñiga
Productora: Graup Entertainment / Troika Pictures

Una operadora telefónica de la línea del 911 de la policía deberá enfrentarse a sus propios temores para intentar salvar la vida de una joven de un asesino en serie que está secuestrando y matando a chicas.

Por lo que a mí respecta, Brad Anderson no levantaba cabeza desde El Maquinista, y de eso hace ya casi una década. Entre sus últimos trabajos en la gran pantalla, ha dirigido algunos capítulos de series bastante exitosas, como Fringe o Boardwalk Empire, de las que no voy a opinar sin haber visto.

Cinematográficamente hablando, sus últimos trabajos dejan bastante que desear. La flojísima Transsiberian y la decepcionante Vanishing of the 7th Street, que se pudo ver durante el Festival de Sitges 2010, son buen ejemplo. Principal motivo por el que mi confianza había mermado bastante. De manera, que The Call se convirtió en una película por la que no hubiera apostado ni con un certificado Iso-9002, pasando directamente a la recamara de visionados.
Pero, en el tercer día de festival y entrados ya en materia y tras ver The World' End, los ánimos andaban bastante caldeados. Aun sabiendo que arriesgaba mi integridad física y moral, finalmente, me decidí a verla, se suele decir que la curiosidad mató al gato, solo qué esta vez -por suerte-, el gato sobrevivió.


The Call ha sido mi apuesta, y me ha servido para quitarme el mal sabor que me dejó Antisocial, una de mis firmes apuestas en el marco del Festival de Sitges 2013. Es curioso, como a veces las apuestas en contra, se convierten en las ganadoras, o inversa. No recupera al mejor Anderson, pero nos deja un trabajo muy superior a sus últimos descalabros, algo bastante fácil, pero no por ello más probable.

Un intenso y gratificante thriller que se mueve entre todos los tópicos habidos y por haber, eso no lo niego. Pero sin miedo a represalias, diré que me ha parecido una película muy bien llevada y desarrollada. Mantiene un digno nivel de tensión y violencia en su desenlace, que además, contiene un giro de tuerca final, poco innovador, pero sorpresivo. No sé si había otra posibilidad mejor, lo que sí sé, es el desenlace que los personajes merecen.


Con las cantidades que se manejan en la actualidad, el presupuesto de 13 millones de dólares se puede considerar ajustadísimo, pero está realmente bien administrado, no han dejado ningún aspecto técnico u artístico cojeando.
Quizás al no esperarme nada especial, me ha sorprendido, muy, mucho, y no me arrepiento en absoluto de haberla visto. Como punto negativo, tenemos alguna escena con regusto a telefilm en el primer tramo de película, qué seguro se habría consumado a lo largo de la película, de contar con un reparto menos talentoso y un presupuesto inferior. Por suerte, son dos factores que no se cumplen. Además, el ritmo te mantiene entretenido la mayor parte de su correcta duración.

La fotografía de Tom Yatsko es bastante buena, sobre todo en la guarida del asesino. La forma en que Anderson mueve y sitúa la cámara en escenarios interiores como el maletero o la mencionada guarida, mantienen un buen pulso cinematográfico. En exteriores como la autopista, mantiene un tono sobrio, pero sin perder un ápice de tensión, gracias a una puesta en escena bastante convincente para un producto tan modesto.

Partiendo de una premisa tan sencilla y un desarrollo, a priori, tan plano y sosaina. La situación en el maletero no aparenta continuación argumental posible. Sin embargo, el guionista de 13 fantasmas, Richard D'ovido, se inspira libremente en el cuento de Hansel y Gretel, dejando pistas que recuerdan a las migas de pan que tiran los niños en el cuento. Una forma ingeniosa de prolongar una historia que parecía insostenible.


En el reparto contamos con actores bastante solventes; Halle Berry, Abigail Breslin y Michael Eklund.
Halle Berry encarna a la operadora Jordan Turner con soltura, aunque, en alguna escena dramática se la vea un tanto forzada, en general cumple bien su papel, ganando bastante fuerza interpretativa a partir de medio film, cuando por fin ésta se enfrenta a sus propios demonios interiores.
Michael Ekund, el actor de The Divide, encarna a Michael Foster un asesino perturbado, aunque no lo veía claramente en el papel, y no va a ser recordado como uno de los más macabros y perturbados, su degradación física, que se limita a pequeñas líneas de maquillaje y ojeras, resaltan una perturbada y desencajada mirada que en no da miedo, pero sí mal rollo. Y hace que se vuelva más creíble en su interpretación, que acaba siendo de lo mejor del reparto.

Y en tercer lugar Abigail Breslin, nominada al Oscar por la película Pequeña Miss Sunshine, ya no tan pequeña (valga la redundancia cómica). Actriz que también pudimos ver en Zombieland, proyectada en una anterior edición del Festival de Sitges. Breslin se sumerge en sus dos vertientes interpretativas opuestas, las cuales no desvelaré para no hacer spoiler. El resto de personajes como Evie Thompson (2 Guns) o Morris Chestnut (Kick Ass 2) son secundarios y no influyen de forma extremadamente relevante en el desarrollo de la historia.

The Call es una película en la que hay que admitir licencias, como en muchas otros films criminales o de terror. Vamos, que no es un huracán de sensaciones, ni emociones, pero funciona de maravilla, te mantiene en tensión una buena parte del mismo.

Puntuación

19/10/13

Sitges 2013: Palmarés


Como toda buena película, hoy se acaba la 46ª edición del Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya. Ya solo quedan unas cuantas proyecciones por la tarde y esta noche. Mañana serán las maratones finales que recogen, supuestamente, las mejores películas del certamen.

Esta mañana ya se ha hecho pública la lista de premiados en las diferentes secciones y categorías, conocida como Palmarés.

Por lo que a nosotros respecta, llevamos un retraso en las públicaciones de las críticas que hemos ido viendo a lo largo del certamen. Pero durante los próximos días iremos públicando las restantes, que son unas cuantas. A la espera de las mismas, ya podéis ir consultando las siguientes:
The World's End The Zero Theorem The Green Inferno Grand Piano Antisocial y Contracted

Sin más dilación, os dejo con la lista de premiados.

Secció Oficial Fantàstic Competició

  • Mejor película fantástica a competición: Borgman, de Alex van Warmerdam
  • Mejor dirección (patrocinado por Gas Natural Fenosa): Navot Papushado y Aharon Keshales por Big Bad Wolves
  • Mejor interpretación femenina (patrocinado por Autolica – Mercedes Benz): Juno Temple, por Magic Magic
  • Mejor interpretación masculina: Andy Lau, por Blind Detective
  • Mejor guión: James Ward Byrkit, por Coherence
  • Mejores efectos especiales: Afflicted, de Cliff Prowse y Derek Lee
  • Mejor fotografía: Larry Simith por Only God Forgives
  • Premio especial del jurado: Only Lovers Left Alive, de Jim Jarmusch
  • Mención especial del jurado: Jodorowsky’s Dune, de Frank Pavich
  • Mejor cortometraje: The Landing, de Josh Tanner


El Gran Premi del Públic – El Periódico de Catalunya de la Secció Oficial Fantàstic de la 46a edició del Sitges - Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, efectuado por votación del público, ha sido para: Jodorowsky’s Dune, de Frank Pavich

El jurado de la Crítica de la 46a edició del Sitges - Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya –formado por Marta Armengou, Alejandro G. Calvo y Gerard Alonso Cassadó– ha decidido otorgar los siguientes premios:

  • Premio José Luis Guarner: The Congress, de Ari Folman
  • Premio Citizen Kane al mejor director novel: Upstream Color, de Shane Carruth

El jurado de la Secció Noves Visions de la 46a edició del Sitges - Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya –formado per Javier Chillon, Alfons Gorina y Stephanie Zacharek– han decidido otorgar los siguientes premios:

  • Premio Noves Visions: Halley, de Sebastián Hofmann
  • Premio No Ficció: Millius, de Zat Knutson y Joey Figueroa
  • Premio Petit Format: Zoo, de Nikolas Pleskof
  • Premio Especial del Jurat: Gente en Sitios, de Juan Cavestany

El jurado de la Secció Noves Visions Emergents - Experimenta de la 46a edición del Sitges - Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya –formado por Denise Castro, Víctor Esquirol y Sergi Vizcaíno– ha decidido otorgar los siguientes premios:

  • Premio Noves Visions Experimenta: Capa caída, de Santiago Alvarado
  • Premio Noves Visions Emergents: Escape from Tomorrow, de Randy Moore

El jurado de la Secció Focus Àsia – Anima’t de la 46a edició del Sitges - Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya –formado por Xavier Catafal, Menene Grass y Cels Piñol– ha decidido otorgar los siguientes premios:

  • Mejor película de la Secció Focus Àsia: New World, de Park Hoon-Jung
  • Mención Especial de la Secció Focus Àsia: Ugly, d’Anurag Kashyap
  • Mejor película de animación: The Fake, de Yeon Sang-Ho
  • Mención Especial de la Sección Focus Àsia: Anime Mirai, de Kazuhide Tomonaga, Toshihisa Kalya, Shinpel Mlyashita y Hiroshi Kawamata.
  • Mejor cortometraje de animación: Peau de chien, de Nicholas Jacket

El jurado Méliès d’Argent de la 46a edició del Sitges - Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya –formado por Fouad Challa, Miquel Fañanàs y Álvaro Iglesias– ha decidido otorgar los siguientes premios:

  • Al largometraje de la Secció Oficial Europeu Fantàstic a Competició (Méliès d’Argent): Enemy, de Denise Villeneuve
  • Al cortometraje de la Secció Oficial Europeu Fantàstic a Competició (Méliès d’Argent): The Body, de Paul Davis
  • Al largometraje de la Secció Oficial Fantàstic Panorama a Competició: The Colony, de Jeff Renfroe
  • Mención Especial al largometraje de la Secció Oficial Fantàstic Panorama a Competició: Frankenstein’s Army, de Richard Raaphorst

El jurado de la Secció Brigadoon de la 46a edició del Sitges - Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya –formado por Joan Lafulla, Sam y Susana Soldado– ha decidido atorgar el premio Brigadoon - Paul Naschy:

  • Al mejor cortometraje Brigadoon: El último onvre bibo, de Daniel Aguirre y Luna Martín

El jurado Carnet Jove de la 46a edició del Sitges - Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya –formado por Carles Carvajal (presidente), Vanessa Leiva, Victor Parkas y Marc Tortosa– ha decidido otorgar los siguientes premios:

  • Premio Jurat Carnet Jove a la millor pel·lícula oficial Fantàstic Competició Sitges 46: Coherence, de James Ward Byrkit
  • Mejor película de la Secció Midnight X-Treme: 100 Bloody Acres, de Colin Cairnes y Carmeron Cairnes

El jurado Phonetastic Mobile Sitges Film Festival de la 46a edició del Sitges - Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya –formado por Glòria Fernández, Mike Hostench y Diego López– ha decidido otorgar los siguientes premios:

  • Premio Phonetastic al mejor corto grabado con teléfono móvil: The Other Side, de Conrad Mess
  • Mención Especial Phonetastic al mejor corto grabado con teléfono móvil: Ecos, de Carlos J. Marín
  • Mención Especial Phonetastic al mejor corto grabado con teléfono móvil: La boca del león, de Alfonso García López

El jurado SGAE Nova Autoria de la 46a edició del Sitges - Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya –formado por Lluís Arcarazo, Àlex Martínez Casanova y Mireia Ros– ha decidido otorgar los siguientes premios:

  • Mejor dirección: Tànit Fernández e Isaac Rodríguez, per Espés, presentado por la Universitat Pompeu Fabra
  • Mejor guión: Eugenio Canevari, por Gorila baila, presentado por Bande à Parte
  • Mejor guión exaequo: Tànit Fernández, por Espés, presentado por la Universitat Pompeu Fabra
  • Mejor música original: Álvaro Lafuente, compositor de la banda sonora del corto Dinosaurio, presentado por la ESCAC

18/10/13

The World's End

The World's End dirigida posterTítulo original: The World's End
Año: 2013
Duración: 109 min.
País: Reino Unido
Director: Edgar Wright
Guión: Edgar Wright, Simon Pegg
Música: Steven Price
Fotografía: Bill Pope
Reparto: Simon Pegg, Nick Frost, Martin Freeman, Paddy Considine, Eddie Marsan, Rosamund Pike, Reece Shearsmith, Mark Heap, Michael Smiley, Julia Deakin, Rafe Spall, Alice Lowe, Darren Boyd
Productora: Working Title / Universal Pictures

20 años después de una épica juerga nocturna, cinco amigos se reunen por obra de uno de ellos: Gary North, un cuarentón agarrado a su adolescencia, que arrastra a sus amigos a su ciudad natal. Pero mientras intentan llegar al bar soñado, "El fin del mundo", descubrirán que está en juego el futuro de la humanidad.

Con The World's End (Bienvenidos al fin del mundo), el director británico Edgar Wright cierra la trilogía artística compuesta por Shaun of the Dead (Zombies Party) y Hot Fuzz (Arma fatal), digo artística, porque argumentalmente no guardan relación.
Las tres partes apodadas como Three Flavor Cornetto Trilogy (aka Blood and Ice Cream trilogy), sobrenombre que nació durante la promoción de Hot Fuzz, cuando alguien señaló a Wright la referencia de los tres sabores recogidos en cada película; strawberry-flavoured Cornetto (fresa) que hace referencia a la sangre y el gore de Shaun of the Dead, blue original Cornetto (azul) que representa al cuerpo de policía en Hot Fuzz, y green mint chocolate chip flavour (verde menta con chispas de chocolate) que hace referencia a los extranjeros y la ciencia ficción en The World's End.

La fórmula parecía estar más que agotada, pero Wright vuelve a deleitarnos con una película que no tiene nada que envidiar a sus antecesoras. Endiablada, rabiosa, divertida, sarcástica e irónica, 'adjetivos' que se pasean con envidiable naturalidad. La película no da tregua, una maratón de gamberradas que nos hace gozar con su humor terriblemente ácido a la par que inteligente. Sin embargo, mi preferida, al menos por ahora, sigue siendo Hot Fuzz. Pero he de reconocer que me han quedado muchas ganas de volver a verla, y no sería de extrañar, que en un futuro mi predilección por ésta llegue a igualarse.


Rodeados de un elenco igual o más peculiar que en las anteriores entregas, el dúo se convierte durante buena parte del film en un consolidado quinteto interpretativo. Compuesto por Simon Pegg como Gary King y Nick Frost como Andey Knightley, y Martin Freeman, Paddy Considine y Eddie Marsan como Oliver "O-Man" Chamberlain, Steven Prince y Peter Page, respectivamente.

Martin Freeman es el actual Bilbo Bolson en El Hobbit, aunque ya participó en Hot Fuzz en un papel menor que en The World's End, el actor se desenvuelve bien en su personaje, un vendedor de pisos que se las da de yuppie y que sufrirá burlas constantes por parte de Gary. Eddie Marsan (Sherlock Holmes) es uno de los mejores del grupo, quitando de Pegg y Frost, claro. Un personaje apocado y tímido, la victima preferida de Gary. Paddy Considine (El ultimátum de Bourne) es quizás el papel que menos juego da de todos, pero igualmente bueno mientras está rodeado de los cinco amigos.

Sin embargo, a medida que avanza la trama el dúo (Pegg/Frost) nacido en la serie Spaced, también dirigida por Wright, se vuelven los auténticos protagonistas del film, algo que ya sucedía en las anteriores entregas y no debería sorprendernos, es más, diría que todos lo esperamos con ansia a lo largo de la película. La pareja dio el salto con Shaun of the Dead y se ha convertido en una de las mejores parejas cómicas de la última década.


Shaun of the Dead parodiaba el género zombie con el motor argumental de una comedia romántica. Impulsada por la novela criminal, estilo Agatha Christie, Hot Fuzz parodiaba un género que de por sí ya lo es, las buddy movies (parejas de policias). En The World's también fusiona géneros, en una clara alusión a la versión de 1978 de La invasión de los ultracuerpos, Wright mezcla la invasión alienígena con las artes marciales, que ofrece algunas peleas deudoras de su anterior film, Scott Pilgrim. Unas luchas perfectamente coreografiadas en espacios tan reducidos como un lavabo público o una taberna irlandesa.

Los efectos especiales son de gran fuerza visual a pesar de ser digitales, totalmente idos de olla, pero no tanto como en Scott Pilgrim. Gozan de un realismo mayor, dentro del contexto de la ciencia ficción que plantea la película, claro. El guion escrito por Pegg y Wright no es de una originalidad apabullante, pero sus parte crítica aborda la dependencia a la tecnología que estamos sufriendo de forma inteligente y divertida, con un final de lo más surrealista que veremos en bastante tiempo en una pantalla de cine.

Un cierre, que sin llegar a lo majestuoso, y que a pesar de reutilizar elementos visuales, estéticos y argumentales mediante un esquema similar a sus precursoras, conserva intacta la inteligencia y la diversión de las mismas. Además del doble 'juego' de palabras que solo funcionan en inglés (veremos cómo se las ingenian en el doblaje), como 'pega', le pondría la velocidad con la que hablan sus personajes, impide leer los subtítulos a tiempo en algunas ocasiones, que seguro solucionamos con más de un visionado, aunque no es nada que nos vaya a suponer un problema.

Puntuación

17/10/13

The Zero Theorem

The Zero Theorem poster
Título original: The Zero Theorem
Año: 2013
Duración: 107 min.
País: Reino Unido
Director: Terry Gilliam
Guión: Pat Rushin
Música: George Fenton
Fotografía:
Nicola Pecorini
Reparto: Christoph Waltz, Matt Damon, Tilda Swinton, Mélanie Thierry, David Thewlis, Ben Whishaw, Peter Stormare, Sanjeev Bhaskar
Productora: The Zanuck Company / Zanuck Independent / Mediapro Studios / Voltage Pictures

Oohen Leth es un excéntrico genio de los ordenadores que vive en un mundo corporativo controlado por una oscura figura llamada "Dirección". Recluido en el interior de una capilla en ruinas, Oohen trabaja en la solución a un extraño teorema, un proyecto que podría descubrir la verdad sobre su alma y el significado de la existencia (o la falta del mismo) de una vez por todas.

Después del descalabro económico que le supuso Las aventuras del barón Munchausen a Columbia Pictures, las productoras ya no han vuelto a apostar por Terry Gilliam con la misma confianza y soltura económica. Sin embargo, recientes declaraciones de éste, revelan que prefiere mantenerse lejos del cine de Hollywood, ya que un equipo técnico reducido y un presupuesto moderado le otorgan mayor libertad a la hora de la realización de la película. Y todos sabemos que Gilliam no tiene límites.

The Zero Theorem supone el regreso de Gilliam a la ciencia ficción, género que no tocaba desde Doce monos en 1995. Lejos de aquella superproducción, el ex-Monty Python nos presenta un film mucho más modesto con influencias visuales y argumentales a Brazil, su obra más reconocida.


Un film que debe ser madurado un poco antes de sacar conclusiones precipitadas, malas o buenas. Pero lo que es innegable a estas alturas, es que la imaginación de Gilliam es tan brillante como desbordante. Y sin duda alguna, el apartado visual sigue siendo su gran fuerte. Aunque, personalmente echo en falta la parte visual más artesanal que tienen otras de sus películas, un apartado que sigue manteniendo mediante la inclusión de efectos digitales, en ocasiones, de dudosa reputación. Sin embargo, a pesar de todos los excesos digitales que comete a lo largo del film, esta vez me han parecido más sostenibles, mejor justificados y mejor integrados en los escenarios y contexto de la historia respecto a su anterior trabajo, El imaginario del doctor Parnassus, estrenada también en el Festival de Sitges en 2009.

El guion escrito por Pat Rushin nos presenta un mundo distópico y retrofurista que vive en el más absoluto caos que parece ideado por el mismísimo Gilliam, motivo por el cual vieron en éste la persona ideal para llevarlo a cabo. Con unos escenarios bastante circenses, en ocasiones muy dragqueeneros, pero que mezclados con una estética barroca crean un contraste bastante atractivo. Nos muestra un mundo paródico basado en la realidad actual, pero llevada al extremo, un mundo en el que Gilliam ha construido su propia urbe basada en Blade Runner, donde la sobreinformación desata la decadencia tecnológica y crea el caos en las calles y el entorno.


Salvando ciertas distancias, que en ocasiones suponen un abismo, y en otras, una simple zequia, las influencias de Brazil no son solamente visuales, también argumentales. Una historia de sobre la soledad del personaje principal y una búsqueda interior. Interpretado por un gran actor como es Christoph Waltz, que demuestra su asombrosa capacidad, para ponerse en la piel de un personaje diametralmente opuesto a otras de sus interpretaciones recientes como Malditos bastardos o Django desencadenado, ambos films de Quentin Tarantino. Mélanie Thierry (Babylon A.D) pone la guinda de color femenina, sus estridentes presentaciones eróticas coloristas resalta por encima de los elaborados y bien decorados escenarios, mejor elaborados y construidos que en El imaginario del doctor Parnassus.

Al principio se hace un poco espesa y cuesta un poco coger el hilo argumental, hay conceptos técnicos algo confusos para el espectador. Pero cuando le encargan la misión de descubrir el teorema cero, la historia se encamina hacia un lado más entendible, dentro de la locura argumental que se propone, claro. Enfocado a lo cómico, hay muchos gadgets y sonidos que realzan el humor, como los golpes de martillo o la caja de pizza parlante.

Un regreso que gustará a muchos, pero que verán la decadencia del cineasta en este film. Yo, me quedo en un término medio, hay cosas que me han gustado bastante, pero encuentro a faltar algo que todavía no sé qué es, si la vuelvo a ver quizás lo averigüe.

Puntuación

15/10/13

The Green Inferno

The Green Inferno poster
Título original: The Green Inferno
Año: 2013
Duración: 103 min.
País: Estados Unidos Estados Unidos
Director: Eli Roth
Guión: Guillermo Amoedo, Eli Roth
Música: Manuel Riveiro
Fotografía: Antonio Quercia
Reparto: Lorenza Izzo, Ariel Levy, Sky Ferreira, Nicolás Martínez, Kirby Bliss Blanton, Aaron Burns, Magda Apanowicz, Matías López. Daryl Sabara, Adam Leong, Mary Dunworth, Cody Pittman
Productora: Worldview Entertainment / Dragonfly Entertainment / Sobras.com Producciones

Justine y a sus idealistas compañeros, que llegan a Perú para impedir que la destrucción de una parte de la jungla perturbe la vida de una tribu local. Hasta aquí todo son buenas intenciones, que terminarán cuando la tribu en cuestión se disponga a convertir los visitantes en su almuerzo.

Apadrinado por Quentin Tarantino, Eli Roth se ha convertido en uno de los directores más encumbrados de la última década. Yo creo que ha realizado películas que están bien en su género, destacaría Cabin Fever y Hostel 2. Desde un punto muy personal, creo que jamás superará el fake trailer de Thanksgiving realizado para Grindhouse, la doble sesión compuesta por Planet Terror y Death Proof.

Desde 2007 que Eli Roth no volvía a dirigir un largometraje. Su regreso ha causado gran expectación entre sus más fieles seguidores, un regreso, que ha decepcionado casi tanto como ha gustado. El cineasta de Massachusetts se traslada a los parajes salvajes en los que Herzog rodó Aguirre, la cólera de Dios, para, a su manera, rendir tributo a dos de las obras más reconocidas del subgénero caníbal, como son Holocausto caníbal de Ruggero Deodato y La montaña del dios caníbal de Sergio Martino. Un subgénero que tuvo una época dorada entre la década de los 70 y 80.

Sin embargo, Roth es consciente de que la sordidez de aquella época y forma en que se rodaron las mismas, sería ineficaz entre el público actual, aficionado o no. De manera que Roth combina la esencia de aquellas con el gore más desenfrenado, e inserta algunas dosis de humor bien repartidas que le quitan hierro al asunto, dejando un film bastante menos transgresor. Esto no significa que no haya algunas escenas escabrosas, pero aparca y echa el freno al mal rollo de la obra de Ruggero Deodato. El motivo es bien claro, el impacto sería menor, ni abarcaría la misma cantidad de público y desde luego no funcionaría. Hay películas que pertenecen a una época concreta.


Con una duración que puede parecer excesiva en un principio, ni sobra ni falta. La primera hora se dedica a presentar a sus protagonistas y la situación en que van a verse involucrados en primera instancia. Una hora en la que se refuerza la empatía y apatía para con los personajes, creando fuertes lazos con el espectador en ambos casos, de forma que cuando la verdadera tragedia se cierne sobre ellos, el resultado es muy efectivo.

Eli Roth aúna fuerzas con el guionista de Aftershock, Guillermo Amoedo. y escriben un guion que contiene una fuerte crítica ecológica, tecnológica y social, sin sacrificar la parte caníbal, por supuesto. El film se ambienta en una época actual, mostrando unos caníbales un tanto 'urbanizados' en su entorno, pero con el mismo afán de carne humana. Dando un enfoque un poco distinto. Ambientada en la época actual, una parte se desarrolla en la urbe, sino fuera por algunos detalles como los títulos de créditos o la clase en la universidad sobre la ablación, podríamos pensar en un film cualquiera.

Los efectos especiales recurren a lo digital, pero lo artesanal también cumple bastante bien su cometido. Y aunque se nota lo que son prótesis, como torsos, cabezas, brazos etc. se agradece que en una época tan digital, hayan utilizado el látex en distintas ocasiones, dejando lo digital para las escenas más desmadradas.


La banda sonora de Manuel Riveiro no es tan perturbadora como en Holocausto Caníbal, pero mantiene la esencia del género en ciertos momentos. Eli Roth protagonizó un papel en la comedia Aftershock de Nicolás López, que ejerce como productor en The Green Inferno, una unión que no solo se limita al director y guionista de aquella, sino también a una parte del reparto, en el que no hay mucho que destacar, más allá de Lorenza Izzo en el papel de Justine, la auténtica protagonista. Ariel Levy que también proviene de Aftershock, encarna a Alejandro, pero no hay nada destacable en su interpretación, salvando su función dentro del grupo. El resto de reparto es la carnaza que esperamos como espectadores.

Un buen tributo, que mezcla lo serio con lo divertido en buenas proporciones. Una buena fotografía, recreación, caracterización de los indígenas y ambientación del poblado, más civilizado de lo normal, pero igualmente hambrientos de carne humana.

Puntuación