30/9/14

Los Caballeros del Zodiaco: La leyenda del santuario

Crítica realizada por Maxy Asecas

Título original: Saint Seiya: LEGEND of SANCTUARY (Knights of the Zodiac)
Año: 2014
Duración: 95 min.
País: Japón
Director: Keiichi Sato
Guión: Tomohiro Suzuki (Cómic: Masami Kurumada)
Fotografía: Animation
Reparto: Animation
Productora: Toei Animation

Hasta ahora, la imagen que teníamos de los míticos Seinto Seiya (los Caballeros del Zodíaco) era bidimensional, acorde con el manga de Masami Kurumada y con su adaptación televisiva; pero la productora Toei ha aplicado un tratamiento de choque a los personajes, trasladándolos a la animación hecha con ordenador. Una actualización que mantiene intacta la esencia de una mitología asombrosa y estilizada, realizada para celebrar el 25 aniversario del manga/anime de Masami Kurumada. 

El cine de animación japonesa es una de las expresiones artísticas más hermosas que puede existir. Desde los Studio Ghibli con “Mi Vecino Totoro” o “La Princesa Mononoke” hasta Madhouse con “Metropolis” (2000), “Perfect Blue” y “Paprika”; la animación japonesa es de una estética avasallante. “Los Caballeros del Zodiaco: La leyenda del Santuario” es un caso aparte.

Basada en el manga, y posterior anime de Masami Kurumada, esta sexta película de la franquicia “Saint Seiya” es la primera en hacerse completamente en animación digital y en 3D. Hemos visto como se puede congeniar a la perfección – aunque sin obviar la polémica – la animación tradicional por ordenador. Uno de estos casos es la estimable “Dragon Ball Z: La Batalla de Los Dioses”. Pero mientras que este último caso aún conservaba la esencia tradicional de la ya mítica serie; el film de Keiichi Sato carece de todo vestigio de la estética tradicional, para dar lugar a una animación 100% digital. ¿Funciona? A medias.


El film trata de resumir la ya resumida trama del anime, más específicamente de la Saga “Las Doce Casas”. Saori Kido es la reencarnación de la diosa Athena. Secuestrada – solo para salvarla – por el santo de Sagitario, llega a la tierra. Claramente El Patriarca, máxima autoridad del Santuario, cree que ella es una impostora y manda al resto de los 12 santos a matarla. En su camino se cruzarán con Seiya y el resto de los Santos de Bronces que sacrifican sus vidas por salvarla.

Es bien sabido que cada film tiene sus reglas. En el caso de un film de animación basado en una serie son los siguientes: 1 – Que entretenga; 2 – Que sea fiel a la original – tanto en historia como en estética –; y 3 – Que no caiga en charlas burdas y sin sentido. No podemos negar que un film donde todo es digital es sinónimo de entretenimiento, y en este punto no nos defrauda. Por otra parte, las charlas que los personajes tienen carecen completamente de emoción. Todo parece ser plano y dicho sin algún tipo de sentimiento de por medio.

Aunque, ya se había manifestado que todo film digital entretiene, los fans acérrimos de la serie –que son los únicos que entenderían algo de lo que se cuenta– no percibirán esa conexión nostálgica que emana de sus memorias precoces. No se siente como los personajes que invadieron nuestra imaginación; al igual que los diálogos, la gestualidad de los personajes es nula.


Un recurso muy utilizado en todo el film es el uso excesivo de secuencias en cámara lenta –recuerden la secuencia de Neo y las balas en Matrix– que para romper un poco con el dinamismo de las secuencias de peleas es aceptable; pero cuando se vuelve un recurso usado a cada momento, solo hace que entorpecer el desarrollo y la fluidez del film.

“Los Caballeros del Zodiaco: La Leyenda del Santuario” está muy lejos de convertirse en un revival de la serie – como lo es la tetralogía “Rebuild of Evangelion” – pero permite explorar este universo a una dirección carente de nostalgia, pero avasallante en estética.

Puntuación

29/9/14

Sitges 2014: Zombie Walk

Sitges 2014: Zombie Walk

Solo faltan cuatro días para que comience el Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, que se celebra del 3 al 12 de octubre. A todos los títulos anunciados que podéis consultar en su página web, recordad que el primer sábado día 4 de octubre se celebra, casi como un clásico más del certamen, la Zombie Walk, dónde los muertos se levantan a comer cerebros.

Este año el pistoletazo de salida lo dará Jaume Balagueró. Los no-muertos saldrán desde el edificio Miramar a las 20:00 y recorrerán las calles peatonales. Recordad que habrá una zona de maquillaje profesional desde las 12h del mediodía en la playa de Sant Sebastià. El aforo es limitado, si sois puntuales os aseguráis el tiquet gratis para que os dejen de muerte.



El juego de Ripley

El juego de Ripley
Título original: Ripley's Game
Año: 2002
Duración: 110 min.
País: Estados Unidos
Director: Liliana Cavani
Guión: Liliana Cavani, Charles McKeown (Novela: Patricia Highsmith)
Música: Ennio Morricone
Fotografía: Alfio Contini
Reparto: John Malkovich, Dougray Scott, Ray Winstone, Lena Headey, Chiara Caselli, Sam Blitz, Evelina Meghnagi, Paolo Paoloni, Maurizio Luca, Yurij Rosstalnyi, Nickolaus Deutsch, Emidio Lavella, Lutz Winde, Wilfried Zander, Ronnie Paul
Productora: Coproducción USA-GB-Italia; Distribuida por Fine Line Features

Tom Ripley es un refinado y cruel traficante de obras de arte que se ha retirado a vivir al Véneto (Italia) con una violonchelista. Inesperadamente sus negocios se complican, pero en esta ocasión no quiere intervenir personalmente; lo que quiere es poner a prueba la honradez de un honrado padre de familia gravemente enfermo.

El juego de Ripley se basa en la tercera novela publicada en 1974 por Patricia Highsmith, creadora del personaje de Tom Ripley que se inicia en 1955 con la novela El talento de Mr.Ripley, de la cual, en 1999 se hizo una segunda adaptación a la gran pantalla, siendo la primera en 1960 con Alain Delon como protagonista. La relectura del personaje estuvo dirigida por Anthony Minghella (El paciente Inglés) y con Matt Damon (El caso Bourne) en el papel de Tom Ripley.
 
Esta segunda entrega fílmica está dirigida por la directora italiana Liliana Cavani, que se encuentra en activo desde 1961 y que cuenta con una amplia carrera cinematográfica, pero desconocida para un servidor, también ha escrito el guión junto a Charles McKeown, el guionista de Brazil de Terry Gilliam.


La película nos ofrece una versión más madura y adulta del personaje de Tom Ripley, convertido en un veterano estafador y asesino a sueldo ocasional que ya no le gusta estar involucrado en asuntos de su ‘profesión’. Su vida privada está por encima de esos menesteres, aunque, éste muestra un lado totalmente amoral, incluso, lo llega a confesar durante el film.

Esta versión adulta y madura en todos sus aspectos, físicos y mentales, es interpretada con solvencia y credibilidad por un soberano John Malkovich, que se mantiene en todo momento dentro de su personaje con una serenidad asombrosa, y nos muestra a un ser despiadado de aspecto frío y calculador.

El film puede pecar de ciertos retazos a telefilm en algunas secuencias, pero las no menos remarcables interpretaciones de Dougray Scott (La criatura perfecta) y Lena Headey (300) en los papeles de Jonathan Trevanny y Sarah Trevanny que ejercen como el matrimonio perfecto, salvan la situación consecuentemente.

Ray Winstone (Noé) se mantiene en un segundo plano, pero también ejecuta acertadamente su personaje. Aunque, su peso en la historia no sea especialmente circundante, sí lo es sobre la acción que realiza Tom Ripley, una acción que pone en jaque a Jonathan Trevanny, que se ve sometido a un debate entre la moralidad y lo económico, motivo por el cual se convierte en el centro de atención y protagonista del film.


A nivel técnico, todo se plasma y desarrolla con cierta sobriedad y serenidad, muy acorde a las interpretaciones de los actores. Por otro lado, existe un equilibrio entre el suspense y lo cómico. El suspense no es que sea abrumador, más allá del propio dilema moral de Trevanny. Tiene elementos del cine de espías, pero sin llegar a la complejidad argumental de algunos títulos emblemáticos.
Algunas escenas, como por ejemplo, la del tren, mantienen un cierto tono cómico sarcástico y tosco en su filmación, que bajo mi punto de vista se han realizado de esa forma expresamente. Sea como fuere, el resultado ha quedado realmente bien ejecutado y filmado.

La banda sonora compuesta por el veterano Ennio Morricone (Los intocables de Elliot Ness) mantiene cierto grado de suspense, aunque, como he mencionado, éste no sea el punto fuerte de la película.

El film se llevó dos nominaciones, pero desgraciadamente no ha trascendido en el tiempo. Quizás tiene su público, un sector que la descubre y pasa a considerar la obra entretenida y con solventes interpretaciones que hacen del film un producto más que respetable y recomendable.

Puntuación

25/9/14

Sitges 2014: Exposiciones


A escasos días para que de comienzo el Festival de Sitges y con la programación ya completa, se da a conocer las distintas exposiciones de las que gozará el certamen celebrado entre el 3 y 12 de octubre.

En cinco espacios diferentes de Sitges se reúnen nueve exposiciones temáticas, que congregan en varios formatos, géneros y expresiones una visión poliédrica de los territorios del fantástico.

REC: Una saga indomable
Bacardí y Filmax presentan la exposición REC: Una saga indomable. Una ocasión única (e irrepetible) de ver como nació y como se creó la saga de terror más famosa de nuestro país.

Un profundo repaso visual, auditivo y táctil a una de las sagas de terror más famosas de nuestro país, a través de docenas de fotografías, carteles inéditos, story-boards , dibujos, esbozos, vestuario, atrezzo y una serie de objetos que nuca se han visto fuera de la gran pantalla.

El visitante podrá disfrutar de una veintena de carteles inéditos, que nunca –hasta ahora– habían visto la luz. Tampoco podían faltar otros elementos icónicos, como la camiseta de Manuela Velasco en REC o el vestido de novia que lucía Leticia Dólera en REC 3, entre otras.

También se podrá disfrutar en exclusiva de una pieza audiovisual realizada por Jaume Balagueró, que repasa la cuatrilogía REC que seguro hará las delicias de sus fans.

Los alumnos del Centro Internacional de Formación CETT con Bacardí Superior, Bacardí 8 años y Bacardí Heritage servirán unas copas que no dejarán a nadie indiferente. Por descontado, la Casa Bacardí será el único lugar de España donde –durante unos días– se podrán probar estos cócteles.

Del 3 al 12 de octubre (excepto el día 9, que estará cerrada al público), en Casa Bacardí Sitges. Horario: de 17 a 22 h.

Cannon Films: Action Factory

El Festival dedica un espacio expositivo a los carteles de películas de Cannon Films, una de las productoras cinematográficas más importantes de las últimas décadas y que en los años 80 vivió su momento de esplendor.

Golan, junto a su inseparable primo y copropietario de Cannon Films, Yoram Globus, fueron capaces de incorporar a sus producciones grandes nombres del cine de acción como Silvester Stallone, Chuck Norris, Charles Bronson o Jean-Claude Van Damme y otorgaron inolvidables títulos como Coba, el brazo fuerte de la ley (George P. Cosmatos, 1986), Invasión USA (Joseph Zito, 1985), El guerrero americano (Sam Firstenberg, 1985), Desaparecido en combate (Joseph Zito, 1984) o Yo soy la justicia (Michael Winner, 1982). Los carteles de estas producciones se podrán ver en los espacios de la salida del Auditori.

Del 3 al 12 de octubre. Salida del Auditori

Decoración de ensueño
Propside.com se encargará de decorar los espacios del Auditori con piezas originales de prestigiosas producciones del género fantástico. Piezas tan emblemáticas como el guante y el vestuario de Robert Englund en la saga Pesadilla en Elm Street o ejemplares de producciones oníricas como Matrix, Sucker Punch o Blade Runner. El espacio ofrecerá la posibilidad de hacerse una foto con Gizmo, personaje de Gremlins, celebrando, de esta manera, el trigésimo aniversario de la película.

Del 3 al 12 de octubre. Salida del Auditori

Cinergía, de Gas Natural Fenosa
Gas Natural Fenosa ha puesto en marcha el proyecto Cinergía, cuatro reconocidos directores españoles –Paco Plaza, Rodrigo Cortés, Jaume Balagueró y Juan Cruz– se encargan de dirigir cuatro cortometrajes vinculados a la eficiencia energética, protagonizados por algunos de los actores más conocidos del panorama nacional.

Rodrigo Cortés presentará el 3 de octubre su cortometraje 1.58 en el hogar eficiente de Gas Natural Fenosa, ubicado en el recinto del Festival. Producción con aires de thriller y terror protagonizada por Manuela Vellés, con la colaboración de Gabino Diego y la periodista Julia Otero. 1.58 ofrece al espectador diversas claves sobre una conducción eficiente.

Del 3 al 12 de octubre. Exterior del Auditori

Carne y hierro: Una exposición sobre Tetsuo
La discográfica Bestiarie reunirá en el Palau de Maricel una serie de serigrafías en tinta negra en una exposición que pretende homenajear a Tetsuo, un film dirigido por Shinya Tsukamoto y considerado como fundacional del movimiento cinematográfico ciberpunk. Los artistas que expondrán su obra son Liqen, Alonso Urbanos, o Nando Vázquez.

Las obras se expondrán en formato 70x100 y están inspiradas en la relación del ser humano del siglo XX con la máquina que Tsukamoto plasma con el film Tetsuo.

Las serigrafías de la exposición estarán a la venta en línea en la página web: www.fleshandiron.com

Del 3 al 12 de octubre. En el Saló Blau del Palau de Maricel. Horario: los días 3, 4, 5, 10, 11 y 12, de 11 a 14h y de 17 a 19h; los días 7, 8 y 9, de 17 a 19h.

Fantàstic terror
El ilustrador Carles Ganya también presenta en el Palau de Maricel, su colección de ilustraciones en blanco y negro. Hechas en lápiz grafito sobre madera, reviven clásicos del cine como Nosferatu (1922) o La novia de Frankenstein (1935) hasta títulos más actuales como Alien vs Predator (2004), King Kong (2005) o Matrix Reloaded (2003), entre otros. Personajes y películas que ya son íconos cinematográficos como Drácula, Terminator, 2001 una Odisea en el espacio, Taxi Driver, Wolverine, Jason o Freddy, también estarán expuestas.

Del 3 al 12 de octubre. En el Saló Blau del Palau de Maricel. Horario: los días 3, 4, 5, 10, 11 y 12, de 11 a 14h y de 17 a 19h; los días 7, 8, y 9, de 17 a 19h.

Exposición taller de cómic de Il·lustraciència
La librería Malvasia de Llibres acogerá en una muestra, las ilustraciones sobre ciencia ficción de los alumnos de los talleres Il·lustraSciFi.

El taller, que se celebró el pasado 13 de septiembre en el Casino Prado de Sitges, estuvo dirigido por los ilustradores Jordi Pastor y Damián Campanario, formadores con una larga experiencia en su campo.

La inauguración de la exposición, que tendrá lugar el 6 de octubre a las 17h, contará con la presentación de la obra gráfica de Pastor y Campanario Khalid: Crónica de una realidad, que explica la historia de dos hermanos magrebíes que emigran a Europa jugándose la vida para poder hacer realidad sus sueños y esperanzas.

Del 4 al 18 de octubre. En la librería La Malvasia de Llibres (Espalter, 16). Horario: de 10.30 a 13.30h y de 17 a 20.30h.

Sd Toys
SD Toys, empresa dedicada a la comercialización y figuras de colección, presentará un espacio expositivo a la salida del Auditori, una muestra de piezas y personajes de series de género fantástico como Game of Trones, The Big Bang Theory y sus nuevos productos de Star Wars, así como figuras, tazas, artículos de papelería, camisetas, llaveros y toda serie de objetos relacionados con este tema.

Miguel Chevalier: Power Píxels
La Fundació Stämpfli expone la obra de Miguel Chevalier en una muestra titulada Power Pixels 2014, que presenta una selección de obras del reconocido artista mexicano francés, una de las referencias del arte digital. La exposición presenta, en las salas 2 y 3 de la Fundació, las últimas investigaciones artísticas de Chevalier, mediante diversas instalaciones de realidad virtual y una serie de obra fija.

3, 4, 5, 10, 11 y 12 de octubre. Horario: viernes, de 15.30 a 19h; sábados: de 10 a 14h y de 15.30 a 19h; domingos: de 11 a 15h.

Lucy

Crítica realizada por Maxy Asecas - Fuente: Los ojos críticos

Título original: Lucy
Año: 2014
Duración: 90 min.
País: Francia
Director: Luc Besson
Guión: Luc Besson
Música: Eric Serra
Fotografía: Thierry Arbogast
Reparto: Scarlett Johansson, Morgan Freeman, Choi Min-sik, Amr Waked, Yvonne Gradelet, Jan Oliver Schroeder, Julian Rhind-Tutt, Pilou Asbæk, Analeigh Tipton, Nicolas Phongpheth, Luca Angeletti, Loïc Brabant, Pierre Grammont, Pierre Poirot, Bertrand Quoniam, Pascal Loison, Pierre Gérard, Isabelle Cagnat, Frédéric Chau
Productora: EuropaCorp / TF1 Films Production / Universal Pictures

Johansson da vida a una mujer obligada a ejercer de mula (de drogas) y que adquiere poderes sobrenaturales cuando la bolsa de la droga se rompe y los narcóticos entran en contacto con su cuerpo. Entonces, se convierte en una máquina de matar, adquiere una memoria prodigiosa y la velocidad del rayo.

El ser humano usa solo el 10% de su capacidad cerebral. Pero, ¿Qué pasaría si alcanzásemos el 100%? Con esta cuestión, Luc Besson elabora una de sus más magistrales películas. No por mantenernos expectantes en todo momento, sino por ser la más artística, en lo que al cine francés compete.

Lucy (Scarlet Johansson) es una joven común y corriente. Tiene amigos, novio, sale de fiesta. En fin, todo lo que una chica normal hace. Todo cambia cuando su novio Richard (Pilou Asbæk) le pide entregar un maletín secreto al jefe mafioso taiwanés, el Sr. Jang. Es aquí donde Lucy, contra su voluntad, se vuelve portadora de una bolsa con una droga experimental, el CPH4, que posee en su vientre. Para desgracia de ella, la bolsa se rompe y empiezan a mutar sus células, alterándola y haciendo que su capacidad cerebral se eleve más de lo normal, haciendo que pierda cada vez más su humanidad.


El film no busca plantearse la cuestión de ¿Cómo salvar a Lucy?, ni tampoco avasallarnos con charlas filosóficas entre Johansson y el personaje de Morgan Freeman – un profesor que dedicó 23 años de su vida a la investigación de la capacidad cerebral –. Esto hubiera sido caer en el mismo pastiche que hemos visto con anterioridad en Matrix o la más reciente Transcendence.

La cuestión importante es ¿hasta dónde puede llegar Lucy con tanto poder? Besson no pretende hacer una película comercial como lo hemos visto con anterioridad en Nikita, dura de matar, El profesional (León) o El quinto elemento, por citar algunos. Sino que busca acuñar toda su filmografía y fusionarla con los niveles artísticos del cine francés.

Durante los primeros minutos del film vemos como Luc Besson altera con gran acierto secuencias del film, con imágenes de animales en estado de peligro o ataque, complementándose a la perfección con el film; sin usar este recurso a lo largo del mismo. En este punto notamos que Besson se sintió muy influenciado por la Trilogía Qatsi de Godfrey Reggio – inaugurada por Koyaanisqatsi, seguida de Powaqqatsi, y finalizada en Naqoyqatsi.


También notamos su influencia en hacer todo lo más realista posible. Besson declaró que la secuencia de la persecución por las calles de París es en un 90% real, con muy poca intervención de efectos especiales. Para el público más especializado en el cine moderno, no puede evitar ver a Lucy y sentir que es una nueva personalidad de la Viuda Negra de la saga Marvel.

Johansson plasma la sensualidad de femme fatale que Besson sabe brindar. Está mucho más cercana a la Nikita que nos dio Anne Parillaud. Alejada completamente de la ingenuidad de la Mathilda de Natalie Portman o al fanatismo de Milla Jovovich en Juana de Arco. La vida inició hace millones de años, a Lucy le costó 24 horas ser algo más.

Puntuación

24/9/14

Sin escalas

Sin escalas
Título original: Non-Stop
Año: 2014
Duración: 106 min.
País: Estados Unidos
Director: Jaume Collet-Serra
Guión: Christopher Roach, John W. Richardson, Ryan Engle
Música: John Ottman
Fotografía: Flavio Martínez Labiano
Reparto: Liam Neeson, Julianne Moore, Scoot McNairy, Michelle Dockery, Lupita Nyong'o,Nate Parker, Corey Stoll, Linus Roache, Omar Metwally, Jason Butler Harner, Shea Whigham, Anson Mount, Bar Paly, Quinn McColgan, Jon Abrahams
Productora: Universal Pictures / StudioCanal

Bill Marks (Liam Neeson), un veterano agente del servicio aéreo de los Air Marshalls, pasa por una mala etapa: tiene problemas con la bebida, y últimamente se toma su trabajo como una rutinaria tarea de vigilante a bordo de un avión. Sin embargo, en un viaje de Nueva York a Londres recibe una serie de misteriosos mensajes de texto, en los que se le pide que inste al gobierno a hacer una transferencia de 150 millones de dólares a una cuenta secreta. En caso contrario, un pasajero morirá cada 20 minutos. El juego del gato y el ratón se desarrolla a 40.000 pies de altura y con la vida de 200 pasajeros pendiente de un hilo.

Después de dirigir las notables La casa de cera y La huérfana,el director Barcelonés, Jaume Collet Serra, sigue los pasos de Sin identidad, su cuarta película, algo inferior a las dos menciones anteriores, pero correcta.

El cineasta sigue produciendo films en Estados Unidos que, por ende, se alejan bastante del cine patrio. En Sin escalas se repiten ciertas pautas a nivel esquemático y técnico con su anterior película, y aparentemente nos brinda -o debería- un potente e interesante thriller, pero lo que aparenta no es lo que termina por ofrecer.

Partiendo de una premisa carente de una abrumadora originalidad, al fin y al cabo, lo presentado aquí no deja de ser un secuestro con rehenes. Durante los primeros minutos, el film da buenas vibraciones y transmite con firmeza sus intenciones a los espectadores, esos que adoran tramas con pequeños entresijos ocultos dignos del mejor cine de espionaje.

A nivel técnico la película consuma todos sus elementos con bastante acierto. Solventes efectos especiales, una infografía -innecesaria- pero fructuosa, una fotografía correcta, buenos encuadres en los planos, incluso, en los reducidos espacios del avión, como en la escena del aseo público, que nos deja una pelea muy bien coreografiada.

Por lo que he comentado, si todo parece estar tan correctamente dispuesto, entonces ¿qué es lo que falla? Pues su guión, que encontrándose bien elaborado en el núcleo de su propia idea, su desarrollo y su puesta en escena, no tanto. La historia ideada por Christopher Roach (productor de series como Wipeout o The Next Great Starship) junto a John W. Richardson (editor de algunas series y documentales como Big Brother o Star Wars: El legado) que también se han responsabilizado de la escritura del guión junto a un desconocido Ryan Engle.


El manuscrito nos obsequia con situaciones, reacciones y diálogos entre sus personajes con cierto grado de inverosimilitud que más vale no ponerse a analizar. De hacerlo, la lógica es incoherentemente aplastante frente a la ficción y libertad que ofrece el cine, y la película se nos desinfla de una forma a la que no damos crédito.
Ya que todo parece estar predispuesto a que ocurra en el momento más preciso para ir en favor de la trama, como en muchos otros films, la intención juega con lo fortuito pero aquí el resultado no es creíble.

A pesar de esto, la película desprende una buena química al inicio del ‘juego del gato y el ratón’ al que se ve sometido el alguacil Bill Marks (Liam Nesson). Un personaje que a pesar de los tópicos con los que carga moralmente; trauma familiar y problemas económicos que derivan en problemas con la bebida -ejem-. El actor nos ofrece una actuación correcta y sostenible a lo largo del film, algo estancada en un rol similar -todo hay que decirlo- al de sus últimos trabajos como Venganza: Conexión Estambul, Battleship o la misma Sin identidad de Jaume Collet Serra (esta última la que más). También hay que decir, que la similar caracterización en sendos trabajos, tampoco ayuda en ese aspecto. En cierta manera, es lo mismo que le está sucediendo a Gary Oldman y su papel de teniente Gordon.


Julianne Moore (A ciegas, El gran Lebowski) en el papel de Jen Summers está un poco menos agraciada en su interpretación. Su papel juega con la ambigüedad y los secretos, pero hay algunos diálogos con Bill Marks que resuenan bastante forzados. Claro que, las dotes de la actriz no son el motivo. Bajo mi punto de vista, la culpa de esto la sigue teniendo el guión. El resto de personajes son bastante complementarios y poco destacables como protagonistas. Cumplen su función en este teatro, pero no se centran en ninguno de ellos en profundidad.

John Ottman que ha colaborado en los anteriores films de Jaume Collet Serra, y habitual colaborador del director Bryan Singer (X-Men Sospechosos habituales), ha orquestado la mayoría de los trabajos del director. Ottman promueve una partitura que a pesar de la mención de lo inverosímil en ciertas situaciones, canaliza bien el suspense pero no va a pasar a formar parte de una selecta biblioteca músical.

Por otro lado, si la vemos sin cuestionar los mencionados aspectos donde la lógica debería hacer acto de presencia, puede llegar a gustarnos bastante más. Personalmente, me he cuestionado esos aspectos, y la sensación que me ha dejado ha sido muy templada.

Puntuación

19/9/14

El corredor del laberinto

Crítica realizada por Maxy Asecas

El corredor del laberinto
Título original: The Maze Runner
Año: 2014
Duración: 113 min.
País: Estados Unidos
Director: Wes Ball
Guión: James Dashner, Noah Oppenheim (Novela: James Dashner)
Música: John Paesano
Fotografía: Enrique Chediak
Reparto: Dylan O'Brien, Thomas Brodie-Sangster, Kaya Scodelario, Will Poulter, Ki Hong Lee, Blake Cooper, Aml Ameen, Jacob Latimore
Productora: 20th Century Fox / Gotham Group

Cuando el joven Thomas despierta, se encuentra en un ascensor y no recuerda quién es. Es el año 2024. De pronto, el ascensor se detiene, las puertas se abren y una multitud de chicos lo recibe. Ha llegado al Claro, un lugar rodeado de altísimos muros con dos portones que todas las mañanas se abren y dan paso a un inmenso laberinto. De noche, las puertas se cierran y por el laberinto circulan unas aterradoras criaturas llamadas laceradores. 

Hay tres reglas que debes seguir: 1 – Haz tu parte; 2 - Nunca dañes a los demás; y 3 – Nunca ir más allá del muro. Estas son las reglas que hay que seguir para una armónica convivencia en El Área.

El film abre con Thomas (Dylan O’Brien, uno de los protagonista de la serie Teen Wolf), un recién – llega uno cada mes – llegado al Área, un paramo rodeado de gigantes paredes. No recuerda quien es, ni porque está ahí; lo único que sabe es que lo único que conserva es su nombre. Allí conoce a jóvenes como él, quienes no conocen su pasado, pero obedecen las reglas impuestas por Alby (Aml Ameen). Como es de esperar, Thomas siente curiosidad por saber lo que hay detrás del muro, haciendo que pueda romper la tercera regla.

Este muro es lo que los separa del laberinto, un lugar que cambia constantemente. Cada día las puertas se abren, para que Los Corredores, jóvenes con dicha habilidad lo recorran para encontrar una salida. El problema para ellos es que si no llegan antes del anochecer – cuando se cierran las puertas – son víctimas de Los Penitentes, una especie de arácnidos mecánicos que solo salen de noche para cazar a los que estén dentro del mismo.



Durante su estancia se rodea de amistad como la de Chuck (Blake Cooper), el más joven de todos ellos; pero también de la intolerancia de Gally (Will Poulter), quien cree que Thomas es una amenaza para esa idílica – aunque distópica – utopía. Su curiosidad aumenta cuando ve que del muro sale Minho (Ki Hong Lee) uno de los mejores Corredores del Área. Todo esto cambia con la llegada de Teresa (Kaya Scodelario), quien reconoce a Thomas. Esto produce que toda la calma se desmorone, provocando que Thomas se adentre más al laberinto y provocando la paranoia de Gally.

Casi todo el metraje se nos presenta los viejos clichés ya conocidos: el novato que recién llega y por extrañas razones es la razón para la supervivencia; amistades encontradas; rivalidades ganadas; un extraño pasado, entre otros. Todo parece que es previsible en el film, y lo es. Pero son las mínimas, aunque efectivas vueltas de tuerca lo que lo hacen interesante.

Es de esperar que un film donde la mayoría de sus personajes principales son jóvenes, tienden a ser planos en su dramatismo y profundidad, pero aquí no pasa eso. Cada personaje elabora su propia psiquis, lo que logra crear una empatía por cada uno; en especial por el pequeño Chuck, que Blake Cooper le da una gracia y simpatía esplendida en todos los niveles conocidos. El resto del reparto cumple con lo justo, sin que se transforme en un pastiche sin sentido como La Saga Crepúsculo.


El gran acierto fue no haber contado una historia de amor entre Thomas y Teresa, pues esto le habría restado gran importancia al resto de los personajes. El film fluye de manera natural, haciendo que mientras más nos adentramos en su mundo, mas nos interese.
El film está basado en la trilogía El corredor del laberinto (Maze Runner) escrita por James Dashner; quien seguramente se sintió influenciado por la novela de William Golding, El Señor de Las Moscas. No sería errado pensar que estamos en presencia de una versión más, oscilando a la ciencia ficción de dicha novela.

La fotografía de Enrique Chediak logra plasmar con gran acierto y de forma natural todo lo que estos jóvenes viven. La dirección de Wes Bell – en su debut para la pantalla grande – es por demás aceptable. En una época donde sagas literarias para adolescentes retratan futuros de sociedades distópicas como se ven en Los Juegos del Hambre o Divergente, por citar algunos casos; El corredor del laberinto se mantiene a la altura de las circunstancias, sin caer en ningún momento. Las puertas del laberinto se han abierto, es hora de que intentes sobrevivir.

Puntuación

17/9/14

Sitges 2014: Programación completa


Sitges 2014, presenta su programación completa.  En apenas dos semanas da comienzo la 47ª edición Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, que se celebra entre el 3 y el 12 de octubre, a la multitud de títulos anunciados con anterioridad, se suman algunos títulos que cierran la programación, nunca definitiva, pues los veteranos sabemos que siempre existe alguna sesión sorpresa de última hora. Pero como se suele decir 'está todo el pescao vendido'.

 

Annabelle, es una de las últimas incorparaciones, la precuela de The Conjuring, de John R. Leonetti, será proyectada dentro del certamen. Como ya sabiamos, REC 4, dirigida por Jaume Balagueró, era la encargada de inaugurar el Festival. Con esta actualización, se da a conocer la clausura, Burying the Ex, una comedia de zombies dirigida por Joe Dante, de quien también se programará Gremlins.
Musarañas, producida por Álex de la Iglesia y dirigida por Juanfer Andrés y Esteban Roel. Pos Eso, de Sam o la producción catalana L'altra frontera, de André Cruz Shirawa, también estarán en Sitges 2014.


Como no me gusta repetirme, el resto de títulos anunciados podéis consultarlos en el siguiente enlace a nuestra cobertura, o en la web oficial del Festival.

La televisión de género, por segundo año consecutivo, contará con una sección dedicada especialmente a las series de TV de género fantástico, en la que se podrán ver algunos de los grandes éxitos internacionales, como Juego de tronos, Gotham, Big Bang Theory o la esperada Fargo, que tendrá su preestreno en Sitges un día antes que Canal + la estrene en su circuito.

Para terminar, la cartelera se hará pública el próximo viernes, 19 de septiembre y las entradas se pondrán a la venta el próximo martes, 23 de septiembre. A las 10:00h para el público Premium y a las 12:00h para el público general, a través de la página web del Festival.

16/9/14

Metalhead

Metalhead
Título original: Málmhaus (Metalhead)
Año: 2013
Duración: 97 min.
País: Islandia
Director: Ragnar Bragason
Guión: Ragnar Bragason
Fotografía: August Jakobsson
Reparto: Ingvar Eggert Sigurðsson, Thora Bjorg Helga, Pröstur Leó Gunnarsson, Sveinn Ólafur Gunnarsso, Hannes Óli Ágústsson
Productora: Mystery Island

Una niña se debate entre la vida que llevaba su hermano y su propia incapacidad para actuar por su cuenta. En su dolor, ella encuentra consuelo en la música oscura del Heavy Metal y sueña con convertirse en una estrella de rock.

Desde tierras nórdicas nos llega un film rubricado con la característica sobriedad del cine europeo de autor. Sin perder el hilo argumental y el contacto con el formato película, Metalhead se entremezcla levemente con el falso documental. En distintos momentos del film, el guionista y director Ragnar Bragason, bastante bien documentado -todo hay que decirlo-, a través de su personaje principal, Hera, hace referencia a los orígenes del Heavy Metal, y de cómo en Noruega nació el subgénero del Black Metal. Aunque esto último, lo hace con un toque ficticio adaptado a las exigencias de la propia historia, sin embargo, se permite incluir algunos datos reales como la quema de Iglesias asociadas al movimiento de dicho subgénero.

El resultado final no es grandioso en ninguna de sus dos vertientes, cierto. Pero, gustos aparte, es irrefutable que el film supone una ejemplar y disfrutable curiosidad para los fans del Heavy Metal, mucho mejor si no tenemos aversión por el cine independiente, del cual hace buen uso su director. Sin embargo, los que esperen encontrar una enciclopedia visual o un film girando exclusivamente en torno al género musical, ya pueden dar media vuelta.

Metalhead no es un film que aporte datos sobre uno de los mejores movimientos musicales que ha existido y posiblemente existirá, el Heavy Metal (englobando todos los subgéneros). Metalhead es un trágico drama donde un hecho fortuito que se mastica de forma inesperada en los primeros minutos del film, sin más presentación que la de una familia feliz, lleva a la desolación más absoluta a la misma, cada uno de sus miembros busca su manera de escapar de una triste y abrumadora realidad por un arduo y largo sendero que les sirve para evolucionar e intentar recuperar la felicidad perdida.



El sentimiento de culpabilidad aflora en ella y sus progenitores, Karl y Droplaug, interpretados de manera muy solvente por Ingvar Eggert Sigurðsson y Halldóra Geirharðsdóttir. Pero la auténtica y verdadera protagonista que nos cautiva y nos sentimos identificados, es en la que se centra la historia, Hera, interpretada por Thora Bjorg Helga que se encuentra realmente creíble en todas sus escenas traduce esa tristeza en rebeldía contra todo y todos, haciendo la película algo más dinámica.

Es cierto que los tópicos se presencian con mucha facilidad a lo largo de la historia y en sus personajes también, pero el desarrollo y la forma de plasmarlo en la pantalla, no tanto. La influencia de Michael Haneke está latente en muchas de sus secuencias, aunque no consigue aturdir al espectador con la intensidad que lo hace el director austríaco, tiene puntos conflictivos entre sus personajes principales, que derivan en algunas secuencias de ritmo muy familiar para los degustadores del cine de Haneke.

La sobriedad en sus encuadres, tanto en interiores como en exteriores, los pausados e incómodos silencios, la distancia emocional entre sus personajes o las secuencias inhóspitas dan lugar a comparaciones inevitables.



El montaje es algo brusco en la transición de algunas secuencias, donde hay cambios de escenarios, edad de personajes o situaciones completamente diferentes que parecen no venir a cuento, pero forma parte de la propia identidad de la película. Y en realidad, tienen una continuidad, pero no estamos tan acostumbrados a su uso en el cine comercial que no se presta a ser usado.

La banda sonora, pues a los que nos gusta el Heavy Metal, toda una delicia para nuestros tímpanos; Megadeth, Lizzy Borden, Judas Priest, Savatage o Riot son algunos de los grupos que desfilan sus espectaculares canciones a lo largo de la película y en distintos tipos de escenas, lástima que la mayoría no suenan enteras. Personalmente, no es lo que esperaba encontrarme exactamente, pero me parece una buena e interesante propuesta desde las frías tierras Islandesas, siempre se ha dicho que el frio hace aflorar el talento. Metalhead cumple esa afirmación.

Puntuación

13/9/14

Jumanji

Crítica realizada por Maxy Asecas

Jumanji
Título original: Jumanji
Año: 1995
Duración: 104 min.
País: Estados Unidos
Director: Joe Johnston
Guión: Jonathan Hensleigh,
Greg Taylor, Jim Strain (Novela: Chris Van Allsburg)
Música: James Horner Fotografía: Thomas Ackerman
Reparto: Robin Williams, Kirsten Dunst, David Alan Grier, Bonnie Hunt, Jonathan Hyde, Bradley Pierce, Bebe Neuwirth, Adam Hann-Byrd, Patricia Clarkson Productora: TriStar Pictures

Alan Parris queda atrapado durante 25 años en un juego de mesa mágico y muy antiguo llamado Jumanji. Cuando, por fin, es liberado por dos niños, una manada de animales exóticos queda también en libertad.

La semiología es el estudio del signo. Cada uno de esos signos podemos darles un significado. Asociamos un trueno con lluvia, el humo con fuego, etc. Aplicando esta teoría, al escuchar el sonido de tambores solo podemos pensar una cosa: Jumanji está aquí. 

El joven Allan Parrish (Adam Hann-Byrd) es un joven que lo tiene todo, buena posición social, una enorme casa, abusadores escolares, un amor de juventud y unos padres que no lo entienden. Todo cambia cuando un extraño sonido de tambores provenientes del aún más extraño juego Jumanji lo adentra al interior de la jungla. Veinticinco años después, la casa de los Parrish está en ruinas y son los jóvenes Peter y Judy (Bradley Pierce y Kirsten Dunst) los supuestos “elegidos” en liberar al ya crecido Allan (Robin Williams) y terminar el juego.

Es probable que la premisa principal de la película nos relate una aventura fantástica para los más chicos. A medias. Si, es cierto, el film tiene grandes arquetipos de ese cine de aventuras para jóvenes: un reconocido actor principal haciendo de héroe y dos molestos mocosos que empiezan siendo de una forma y conforme avanza la película, cambian radicalmente. No es solo una película que moleste por los típicos clichés de esos films. Tampoco la sosa intervención de Bonni Hunt como interés amoroso de Williams. Sino que la película se enfoca demasiado en mostrar unos defectuosos efectos especiales y dándonos momentos dramáticos que parecen más sacados de una historieta de superhéroes de los años ‘40. Casi poco o nada.


No hay que malinterpretar cuando afirmamos que los efectos especiales no son del todo malos. Las secuencias que vemos de la estampida en la biblioteca son admirables en todos los aspectos. Tanto en lo técnico como en lo visual funcionan. El gran problema viene de los monos que aparecen en el film – que son los que más aparecen en toda la película -. Anatómicamente no se parecen absolutamente en nada a un mono de verdad. Incluso esa mirada diabólica que ponen, son tan irreales y poco creíbles que más que agradar a los chicos, los asustan.

Muchas veces nos preguntamos qué mensaje nos quiere dejar un film. Es ahí donde el doble personaje de Jonathan Hyde aparece. Por un lado interpreta al duro y estricto padre de Allan, Samuel. Por otro lado le da vida a Van Pelt, un cazador obsesionado en perseguir a Allan y matarlo como si se tratara de un trofeo de caza. Este es el único personaje interesante, pues le da sentido a todo el film. “Jumanji” nos deja un mensaje de superar nuestros miedos y eso lo vemos con Samuel Parrish/Van Pelt. Pensemos por un minuto que Allan, en ambas edades del film, le huye a esa figura de autoridad. Se siente amenazado por el carácter de su padre, casi como una presa es acechada por un cazador. 



Pero parece que el director Joe Johnston, quien es un especialista en dirigir aventuras fantásticas como “Cariño, he encogido a los niños” o la incomprendida “Rocketeer”, entre otras; se olvidó de algo fundamental: que nos agraden los personajes infantiles. Sentimos empatía por Williams y por Hunt, pero los personajes de Dunst y Pierce son tan irritables que básicamente hunde todo el concepto fundamental de un film para chicos en la inmensidad de una selva oscura.

Puntuación

11/9/14

Locke

Locke
Título original: Locke
Año: 2013
Duración: 85 min.
País: Reino Unido
Director: Steven Knight
Guión: Steven Knight
Música: Dickon Hinchliffe
Fotografía: Haris Zambarloukos
Reparto: Tom Hardy, Olivia Colman, Ruth Wilson, Andrew Scott, Ben Daniels, Tom Holland, Bill Milner
Productora: Coproducción Reino Unido-EEUU; IM Global, Shoebox Films

Ivan Locke (Tom Hardy) es un hombre que ha trabajado duro para conseguir su objetivo: llevar una buena vida. Sin embargo, un día, inesperadamente, recibe una llamada que trastoca todo su mundo. Desde ese momento se enfrascará en una peligrosa huida contrarreloj.

Resulta curioso que con una trama tan poco manida, cargada de tópicos dramáticos y en una duración tan ajustada, 80 minutos -descontando los créditos finales-. El guionista de Promesas del Este, Steven Knight, que debutó el año pasado en la dirección con Redención, consigue mantener el suspense desde el primer minuto hasta el último, incluso, cuando conocemos el motivo de dicha 'huida' sigue causando interés al espectador con nuevos problemas.

Con una secuencia de inicio bastante simple pero muy bien rodada, en la que Ivan Locke, interpretado por Tom Hardy (Bane en El Caballero oscuro: La leyenda renace), sale de su jornada de trabajo y monta en su coche para dirigirse a algún sitio con una intención muy concreta, una intención que acarrea graves consecuencias y que se nos van desvelando poco a poco en la medida justa y precisa, de manera muy adecuada a la duración final del conjunto.


Salvando las diferencias argumentales, es inevitable una comparación directa con Buried de Rodrigo Cortés. Ambas películas difieren en algunos puntos, cierto, pero consuman en otros. Desde un punto de vista esquemático son bastante similares, sendos protagonistas se ven encerrados en un reducido espacio y en una situación muy comprometida.

Además, en ambos films, éstos se convierten en el auténtico y único protagonista, el peso interpretativo recae sobre ellos con mucha fuerza, pues son los únicos actores en pantalla, los demás actores se limitan a interactuar e interpretar sólo con su voz a través del teléfono. Un punto en común idéntico.

El protagonista de Buried, Paul Conroy (interpretado por Ryan Reynolds) lo pasaba mucho peor. En contra de su voluntad y, prácticamente, sin más opciones que la de un teléfono móvil, se veía expuesto a una situación única, sobrevivir encerrado en un ataúd.
En cambio, Ivan Locke tiene la opción de elegir qué camino tomar, y mantiene esa opción buena parte del film. Pero su obsesiva perseverancia por solucionar todos y cada uno de sus problemas, lo pone en una situación muy similar, metafóricamente hablando.
Aparte de las diferencias argumentales, a nivel de desarrollo, esta es su mayor diferencia, la libre elección de la que goza Ivan Locke frente a su tocayo, Conroy.


Locke se encierra en su coche por voluntad propia, y los diversos problemas se generan de forma piramidal en base a su propia decisión. Una decisión que afecta sobre otros aspectos cotidianos de su vida. Y con la única 'arma' de que dispone, un teléfono móvil -la misma que en Buried- éste intentará poner solución a los diversos problemas de la misma intensidad problemática y dramática que van surgiendo en cadena durante su trayecto automovilístico. A pesar de sus diferencias, ambos films siguen un patrón muy similar y guardan cierto paralelismo, ya que Locke no está dispuesto a abandonar su misión.

Tom Hardy realiza una sobria pero intensa interpretación que a pesar de los mencionados tópicos, consigue una credibilidad y notoriedad dentro de la historia. A nivel técnico está bastante bien rodada. En post-producción han metido bastante mano en la fusión de planos, y juegan con el desenfoque de luces, ya que la película transcurre de noche. Unos desenfoques que realzan ese toque onírico que tiene el film en algunos momentos y se aprovechan para juntar distintas secuencias, que son transmitidas a nosotros en tiempo muy cercano al real.

Un film pausado y de poca intensidad visual, donde la sobriedad y la calma preceden una situación atronadora para su protagonista. Recomendable para los anuentes del drama.


Puntuación

9/9/14

Sitges 2014: Más títulos confirmados


A menos de un mes del inicio de la 47ª edición del Festival de Sitges, la organización anuncia que la semana próxima se dará a conocer la programación completa (esperemos que incluyan horarios también), pero no sin antes desvelar otra tanda de títulos a todos los anunciados con anterioridad.
En la Sección Oficial Fantàstic Competició de Sitges 2014, se incluyen estos nuevos títulos Goodnight Mommy, del dúo austriaco emergente formado por Veronika Franz y Severin Fiala, una película que llega del Festival de Venecia en la que el terror psicológico empieza cuando dos gemelos sospechan que su madre no es su madre, sino alguien que se está haciendo pasar por ella. Spring, el nuevo título de Justin Benson y Aaron Morread, la historia de un joven que emprende un viaje hasta un pueblo del sur de Italia, allí vivirá un romance con Louise, de la que pronto descubrirá que esconde un secreto que podría destruir la historia que habían empezado a construir.
When Animals Dream, de Jonas Alexander Arnby, donde una adolescente de diecisiete años padece una enfermedad degenerativa que la va convirtiendo en licántropo. Durante su transformación, inválida en una silla de ruedas, tendrá que lidiar con su familia y los habitantes del pueblo que la van acorralando para acabar con su potencial peligro animal.



Sin olvidar la producción catalana L’altra frontera, de André Cruz Shiraiwa; The Signal, de William Eubank; Réalité, de Quentin Dupieux; Over Your Dead Body de Takasi Miike; la española Pos eso, de Samuel Ortí Martí; Oculus, de Mike Flanagan; Cub,de Jonas Govaerts; I Origins, de Mike Cahill; Jamie Marks is Dead, de Carter Smith; These Final Hours, de Zik Hilditch y Sword of Vengeance, de Jim Weedon.

La Secció Fantàstic Panorama, contará con Let us Prey, del irlandés Brian O’Malley; Fièvre, de Louis Deluc; Preservation,de Cristopher Denham; Honeymoon, de Leigh Janiak y Creep, de Patrick Brice.

 

Incluidas en la tipología de films codirigidos por diferentes directores se proyectará la norteamericana V/H/S Viral, dirigida por Marcel Sarmiento, Nacho Vigalondo, Gregg Bishop, Todd Lincoln, Justin Benson y Aaron Moorhead.

  

ABC’s of Death 2, la secuela de cortometrajes de terror realizada por 26 directores, entre los que figuran Álex de la Iglesia, Alexandre Bustillo, Sion Sono o Vicenzo Natali. Y por último, la mexicana México Bárbaro, dirigida por Jorge Michel Grau, Isaac Ezban, Laurette Flores Born, Ulises Guzmán, Edgar Nito, Lex Ortega, Gigi Saul Guerrero y Aaron Soto.

 

La Secció Oficial Fantàstic Especials acoge a la española Autómata, dirigida por Gabe Ibáñez y protagonizada por Antonio Banderas, que estará presente en Sitges 2014 para recoger el Gran Premio Honorífico por su trayectoria cinematográfica. Y Tusk, donde un joven emprende la búsqueda de su mejor amigo, desaparecido en los bosques de Canadá. Tan escueta es la sinopsis de la nueva producción de Kevin Smith que en 2011 se llevó el Premio a la Mejor Película por Red State.

6/9/14

Hércules

Crítica realizada por Maxy Asecas

Título original: Hercules: The Thracian Wars
Año: 2014
Duración: 98 min.
País: Estados Unidos
Director: Brett Ratner
Guión: Ryan Condal, Evan Spiliotopoulos (Novela gráfica: Steve Moore, Admira Wijaya)
Música: Fernando Velázquez
Fotografía: Dante Spinotti
Reparto: Dwayne "The Rock" Johnson, Rufus Sewell, Ingrid Bolsø Berdal (AKA Ingrid Bolso Berdal), Aksel Hennie, Ian McShane, Joseph Fiennes, Rebecca Ferguson, Askel Hennie, John Hurt, Irina Shayk Productora: Paramount Pictures / Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) / Film 44 / Nimar Studios

Hércules es un héroe, un ser a medio camino entre la divinidad y la humanidad. Tras los terribles doce trabajos que le fueron impuestos y la pérdida de su familia, decide darle la espalda a los dioses y encontrar consuelo en la búsqueda de aventuras. Gracias a sus andanzas, ha encontrado hombres afines que se han unido a él, pues comparten su amor por el combate y la constante presencia de la muerte en sus vidas. El rey de Tracia contrata al grupo para transformar sus tropas en un ejército invencible. 

En una época donde el cine se limita a mostrarnos superhéroes coloridos y un sinfín de futuros distópicos; muchas veces es bueno volver a las raíces de donde provienen todas esas historias. Todos conocemos a Hércules – o Heracles, según como lo quieran llamar – y sus doce trabajos.

 La Hidra de Lerna, El Jabalí de Erimanto o el Leon de Nemea son solo algunas de esas tareas que se muestran muy brevemente en todo el film, pues el resto son solo mencionadas en un film donde se toma la molestia en ser más escéptica a todo lo que hemos conocido. Hay un dicho que dice “A la tercera va la vencida”. Después de soportar las decepcionantes – por no decir pésimas – “La leyenda de Hércules “y Hércules Reborn”; el film de Brett Ratner le hace justicia a nuestro querido musculoso, aunque, solo en parte.

Dwayne Johnson es Hércules, el hijo semi-dios de Zeus, o al menos es eso lo que su sobrino Lolaus (Reece Ritchie) hace creer a todas las aldeas, pueblos y polis que visita. En realidad, él es un mercenario perseguido por su pasado, y pretende buscar una redención que parece nunca encontrar.

En la ciudad de Tracia, el Rey Cotys vive con temor de Rhesus, una especie de hechicero-guerrero que pretende conquistar Tracia, su pueblo. Parecería sencillo para Hércules enfrentar a un villano con centauros como soldados y con habilidad para volver zombis al pueblo atacado, después de todo, es hijo de Zeus. A esta misión entran sus camaradas Amphiaraus (Ian McShane, quien sería el personaje más interesante de todos), Autolycus (Rufus Sewell) – quien hace poco o nada en todo el film – el bestial Tydeus (Aksel Hennie); y la sensual pero letal, Atalanta (Ingrid Bolsø Berdal).


En estas ocasiones, cuando se toca un personaje, ya de por sí ancestral en toda mitología, lo que más queremos es que muestre criaturas colosales que amenazan a todas las ciudades. En este caso, el guion de Ryan Condal y Evan Spiliotopoulos, basados en el comic homónimo de Steve Moore, está mucho más cercano a formar parte del universo de “300” o de la serie “Spartacus”. Se olvida completamente de la magia que nos despertaba aquellos péplum de los años ’50 y ‘60 interpretados por Steve Reeves y Sergio Ciani, por mencionar algunos. Incluso la versión infantil de Disney nos resultaba más encantadora que ésta.

No malinterpreten esa afirmación. El film funciona como una perspectiva más realista y diferente a lo que ya conocemos. No se limita a mostrarnos los tópicos que ya conocemos – la lucha entre seres fantásticos, el debate de Dioses y humanos, entre otros – sino que elabora su propia mitología, mucho más arraigada a un nuevo cine que busca mas la realidad que la fantasía. Los increíbles escenarios naturales de Croacia le dan ese aire de antaño que buscamos en estas películas. La bella fotografía de Dante Spinotti le da un equilibro perfecto entre los blancos y oscuros y un 3D que funciona a la perfección compensa esos fallos místicos que los más tradicionales buscamos.
Puntuación